Интерьер жанр картины известных художников: Interior in Painting — History, Artworks, Artists

Содержание

интерьер * описания картин

Нет никаких сомнений, что картина В.В. Пукирева, доставленная им на академическую выставку 1863 года, была написана по следам личной катастрофы молодого художника, произведшей на него неотразимое воздействие. «Неравный брак» — единственное полотно в его творчестве, которое можно назвать действительно талантливым и из ряда вон выходящим. Картина произвела невероятное впечатление на современников: говорят, многие почтенные старцы, поглядев на произведение Пукирева, отказались жениться на юницах, в числе их был известный историк Н.И. Костомаров. Описание картины Неравный брак Василия Пукирева →

 сочинения по картинам известных художников на 1001kartina.su

Великолепная жанровая картина, да только кто захотел бы повесить подобное в офисе или кабинете? Несомненно, это должен быть тонкий ценитель искусства, понимающий авангард. Описание картины Полотеры Казимира Малевича →

 сочинения по картинам известных художников на 1001kartina. su

Нет, не то, — словно бы говорил себе Ван Гог. Эмоция — это фактура, краска, цвет, толщина мазка. Мир наступает, мир нападает. Экспансия мира — повсюду, она захватывает человека, который не может сопротивляться подавляющему влиянию окружающего. Повсюду страсти, кругом ужас: нечто бесчеловечное (или слишком человеческое?!) доминирует, гнетёт, одолевает. Если вы посещаете ночное кафе – это значит, что вы посещаете «место, где можно разориться, сойти с ума и совершить преступление». Так писал Ван Гог, так он думал, так он изображал. Описание картины Ночное кафе Винсента Ван Гога →

 сочинения по картинам известных художников на 1001kartina.su

Картину Вермеера увидеть у нас непросто. Какое-то впечатление вы можете составить по репродукциям, и, конечно же, по вдохновенным описаниям очевидцев. До нынешнего времени дошли считанные десятки работ мастера, хранимая в Амстердаме «Молочница» — одна из них. Описание картины Молочница Вермеера Дельфтского →

 сочинения по картинам известных художников на 1001kartina. su

Картина Ильи Репина «Не ждали» делает зрителя участником насыщенной переживаниями сцены, помещает нас в центр эмоционального вихря, взрыва чувств. Старое, черное, отжившее сменяется новым, зеленым, революционным. Контрастная чистая живопись на самом деле насыщена рефлексами, реалистична и красива даже в изображении прозаического быта и одежды. Но лица… Это репинские лица! Великий художник. Описание картины Не ждали Ильи Репина →

 сочинения по картинам известных художников на 1001kartina.su

Известная картина советской художницы Татьяны Яблонской изображает радостное утро и в нем — дочь художницы. Полотно пронизано солнечным светом. Описание картины Утро Татьяны Яблонской →

 сочинения по картинам известных художников на 1001kartina.su

Потрясающая по количеству планов показанных эмоций и недовысказанных намеков картина Федора Решетникова, изображающая академически неуспевающего школьника, вернувшегося из учебного заведения с очередным неудом. Описание картины Опять двойка Федора Решетникова →

 сочинения по картинам известных художников на 1001kartina.su

Лучшие жанры живописи для оформления интерьера

Украшение интерьера репродукциями картин известных художников снова входит в моду. Современные возможности печатной полиграфии позволяют создавать на принтерах очень качественные копии шедевров и наносить их на натуральный холст. Репродукцию можно оставить на подрамнике или заключить в раму. Так создается красивый и изысканный элемент декора, который отразит ваш вкус и будет созвучен внутреннему миру.

В этой статье мы расскажем вам, какие жанры живописи актуальны для украшения различных комнат в вашем доме и представим имена мастеров, на которые стоит обратить внимание и примеры картин разных эпох.

Что такое жанр?

Если мы говорим о живописи, то слово «жанр» чаще всего связано с сюжетом, содержанием картины. Наиболее простая и понятная классификация представлена в следующей схеме.

Разумеется, данная таблица является неполной и упрощенной. Скажем, здесь не представлен очень популярный в 18 веке аллегорический жанр, а в каждой категории есть немало разновидностей, о которых мы расскажем  ниже.

Пейзаж в интерьере

Пейзаж (от французского pays — страна, местность) – картина изображающая природу – пожалуй, самый популярный жанр в оформлении интерьера. Обычно это сельские пейзажи. Их спокойный, умиротворенный характер прекрасно подходит для спальни, ведь именно здесь так важно погрузиться в атмосферу, где царит гармония и красота. Однако, если вы решили выбрать сельский пейзаж известного художника, в нем может быть нечто большее.

Пейзажи русских живописцев 19 века (Левитана, Куинтджи, Саврасова, Шишикина)  и раньше были самыми популярными на репродукциях. Сейчас эти органичные картины смогут придать интерьеру особую поэтичность.

Не менее прекрасны пейзажи импрессионистов – К. Моне, О.Ренуара, К. Писсаро и др.. Хрупкие, трепетные — они словно прекрасные мгновения, которые вот-вот исчезнут, растворятся. Знаменитый пейзаж Винсента ван Гога (постимпрессионизм) «Звездная ночь» и другие пейзажи мастера, напротив, кажутся очень вязкими и нервными, поэтому для тех, кто ищет покоя они вряд ли подойдут.

Пейзаж жанр многогранный. Он имеет множество разновидностей. Одна из них – морской пейзаж (марина). Когда-то во многих советских квартирах можно было видеть репродукции знаменитых морских пейзажей Айвазовского ( «Девятый вал», «Бриг „Меркурий“», «Чесменский бой» и др.). Сегодня их выбор куда больше и разнообразнее. Например, взвешенные классические пейзажи Жозефа Верне или пронизанные романтическим духом картины Уильяма Тернера. Морской пейзаж неизменно ассоциируется с мужским началом, поэтому такая картина будет уместна в кабинете или мужской спальне.

Пейзажи с изображением города – еще одно востребованное направление. Это могут быть шумные парижские проспекты и вокзалы с картин импрессионистов или восхитительно уютные старинные итальянские улочки и набережные современных художников (Гвидо Борелли, Боб Пейман и другие). Такие картины отлично смотрятся в прихожих и гостиных. Современный архитектурный пейзаж с железными башнями и небоскребами подойдет для оформления модного молодежного интерьера.

Натюрморт

Натюрморт (в пер. с французского «мертвая природа») – жанр, представляющий композиции из неодушевленных предметов. Самые популярные «герои» натюрмортов фрукты, блюда, посуда, букеты цветов. Родоначальниками натюрмерта искусствоведы называют фламандских живописцев 17 века.

Композиции с изысканной посудой и роскошной едой (Виллем Клас Хеда, Ян Давидс-де Хем и др.), яркие и причудливые цветочные букеты (Мария ван Остервейк, Амброзиус Босхарт Старший и др.) давали зрителям почувствовать вкус и разнообразие жизни. Продуманный набор предметов, богатая палитра цвета, изысканные драпировки заставляли восхищаться мастерством живописца.

Натюрморты с едой и фруктами и тогда и сейчас лучше всего смотрятся там, где люди принимают пищу. Столовая или кухня словно оживают, когда на стене появляется «Завтрак с лобстером» В. К. Хеды или «Натюрморт с омаром» А. Бейерена. Впрочем, можно выбрать картину кого-то из многочисленных подражателей голландской техники натюрморта.

Если вас привлекают более современные направления живописи, то здесь обязательно стоит обратить внимание на натюрморты импрессионистов и постимпрессионистов. В первую очередь на Поля Сезана: «Натюрморт с кустом герани», «Натюрморт с яблоками и апельсинами», «Натюрморт с драпировкой». И хотя в них главенствует форма и ни одно из его яблок не хочется надкусить, эти картины привносят в интерьер оттенок хорошего вкуса.

Портрет

В нашей статье мы не можем пройти мимо жанра портрета. Изображение на полотне реального человека или группы людей с точной передачей каждой черты лица и фигуры требует особого мастерства художника. Не случайно этот жанр признан одним из самых сложных. Ведь наряду с внешними чертами выдающийся портретист всегда сможет показать на полотне характер своей модели, ее внутренние переживания.

Портреты знаменитых живописцев не часто можно встретить в современном интерьере. В отличие от более отвлеченных жанров: пейзажа и натюрморта в них есть что-то  глубоко личное. Такую картину не просто бывает вписать в интерьер, поэтому вместо репродукции на холсте многие предпочитают фотографию в раме.

Если же вам хочется, чтобы интерьер украшала именно живописная репродукция, рекомендуем вам обратить внимание на композиции с людьми. Это не только портреты, но и сюжетно-тематические композиции.

Хрестоматийными репродукциями являются знаменитые портреты Лонардо да Винчи: тонкие продуманные линии придадут интерьеру особое благородство. Но если вам хочется чего-то  более нежного и изысканного, то стоит обратить внимание на французских живописцев конца 19 – нач. 20 века. В женской спальне будут чудесно смотреться и танцовщицы Эдгара Дега, и восхитительные создания Дельфина Анжольра и яркие образы Джина-Габриеля Домергу.

В интерьере есть отсылка к экзотическим странам? Тогда можно вспомнить простой и первозданный мир Поля Гогена, который он нашел на острове Таити.

Анималистический жанр

Картины, главными героями которых являются животные – это не только милые домашние кошки, но и дикие тигры, стремительные кони, экзотически птицы и еще множество интересных и неожиданных решений. Анималистический жанр в живописи стал особенно популярен в 20 веке. Например, в США стало модным и престижным заказывать художникам портреты своих любимцев. В интернете можно найти немало ярких и эмоционально окрашенных анималистических картин, которые станут прекрасной основой для репродукции картины на холсте.

Картины анималистов хорошо смотрятся в прихожей, спальне и кабинете. Главное, чтобы они были созвучны тем людям, которые здесь живут или работают.

Примеры живописных работ в различных жанрах собраны в следующей видеопрезентации:

 

Добавлено 15.06.2016

Живи как художник: дизайнеры воссоздали интерьеры с известных полотен

В перерывах между важными заказами и пленэрами художники всех времен вдохновлялись простыми вещами: сценами быта, убранством дома, уютом рутинных видов и действий. Сегодня для нас такие картины — это не только возможность насладиться творчеством живописцев, но и увидеть воочию интерьеры тех лет. Где спали люди в начале XIX века во Франции? А как выглядели столовые в русских домах начала XX века? И какие комнаты царица посчитала бы «скромными»? На все эти вопросы дает ответ живопись.

Британское креативное агенство NeoMam Studios показало, как знаменитые интерьеры выглядели бы в реальной жизни. По заказу портала Home Adviser специалисты по 3D-графике и дизайнеры интерьеров создали трехмерные модели шести жилых помещений. Серьезный подход к задаче подкреплен вниманием к деталям: так, например, на стенах можно заметить работы художников, чьи картины вопроизведены в модели.

Винсент Ван Гог «Спальня в Арле», 1888 год

По словам самого художника, спальня во французском городе Арль была для него воплощением мира и покоя. Простая мебель, приятные глазу оттенки и солнечный свет, мягко проникающий в комнату сквозь окно — все это заботливо перенесено дизайнерами в реалистичную интерпретацию.

Грант Вуд «Солнце светит на углу», 1928 год

Художник Грант Вуд наиболее известен картиной «Американская готика». Представленное полотно производит похожее впечатление: атмосфера меланхолии и тишины деревенской жизни словно повисла в воздухе. Вариант дизайнеров выглядит более жизнерадостно, а сходство достигается сохранением контраста между блекло-серыми стенами и живой, яркой зеленью растений.

Василий Кандинский «Интерьер (моя столовая)», 1909 год

Картина написана в переходных для художника период, когда Кандинский уже начал экспериментировать с абстракцией. Изображение столовой прекрасно передает это настроение автора: нереалистичная красочность и экспрессивная манера здесь — очевидно плод воображения и фантазии живописца. Дизайнеры же изобразили комнату максимально приближенно к реальности того времени, добавив живости за счет разнообразия текстур.

Константин Коровин «Интерьер. Охотино», 1913 год

Простой уют деревенского дома особенно сильно контрастирует с городской столовой Кандинского: деревянные стены, побеленная печь, серванты с кухонной утварью и красивая скатерть на столе… Словно оказываешься у бабушки в гостях 🙂

Рой Лихтенштейн «Интерьер со спокойными картинами», 1991 год

Комиксовая двухмерная графика этой работы оказалась одной из самых сложных задач для дизайнеров. Однако реалистичный декор только выиграл, отказавшись от пестроты узоров. Преобразованный в разнообразные текстильные фактуры, поп-арт заиграл здесь новыми, вполне современными красками. А стены 3D-модели украсили две картины самого Лихтенштейна — как дань уважения оригиналу.

Эдуард Гау «Гостиная императрицы Александры Федоровны, дворец Коттедж, Санкт-Петербург, Россиия», 1835 год

Самое пышное убранство в подборке, на самом деле, служило «отдохновением глаз от всего этого золота», окружавшего императрицу во дворце Петергофа. Картина сама по себе фотографически реалистична, так что воссоздание деталей — это уже вопрос техники 🙂

Photo: homeadvisor.com

Ставьте «Нравится», добавляйте публикацию в Избранное и делитесь впечатлениями в комментариях. Спасибо за внимание!

Живопись в интерьере | Журнал Ярмарки Мастеров

Над вопросом о том, как подобрать живопись к интерьеру я стала задумываться, когда мне начали поступать заказы на написание картин для конкретных интерьеров. То есть мне говорили: «Хочу картину вот на эту стену». В таких случаях приходится учитывать все: и стиль, и свободное пространство и цветовую гамму. Надеюсь, что мои советы будут полезны как любителям живописи, так и художникам. Сразу хочу оговориться о том, что не считаю, что хорошая живопись должна быть второстепенной по отношению в интерьеру. Но, в некоторых случаях, приходится подбирать картину именно под интерьер.

Стиль интерьера

Интерьер может быть выполнен в следующих стилях: классический, провансаль, кантри (деревенский), минималистский, хай-тек, авангард, поп-арт и т. д.

Для провансаля, классического и деревенского стиля можно выбрать натюрморты, пейзажи, портреты, написанные в реалистичном стиле. Желательно, чтобы картины были оформлены в багет.

Для минималистского стиля или стиля хай-тек, в добавление к реалистичной живописи, можно использовать стилизованную или декоративную живопись, а также абстрактные картины. Предпочтение стоит отдавать сдержанным тонам. Рамы лучше выбирать простенькие или выбирать картины, написанные на холсте, натянутом на подрамник.

Для стилей авангард и поп-арт можно также использовать стилизованную, декоративную или абстрактную живопись, но тона лучше выбирать яркие. Рамы, как и для минималистского стиля, лучше выбирать простые или обходиться без них.

Тона в интерьере

Посмотрите на свою комнату. Какие тона преобладают темные или светлые? При выборе картины необходимо это учитывать. Например, картина в светлых пастельных тонах будет смотреться совсем блеклой в окружении темной мебели и яркого текстиля. И наоборот, картина в очень ярких насыщенных тонах не впишется в очень светлый «пастельный» интерьер.

Тон также может быть теплым или холодным. К теплым тонам относятся практически все оттенки красного, желтый, оранжевый. К холодным тонам все оттенки синего. Коричневый и зеленый могут быть как теплыми, так и холодными.

В этом интерьере преобладают теплые тона:

А здесь холодные:

Цвета в интерьере

Определите преобладающие цвета в комнате. Например, это различные оттенки коричневого (мебель), немного красного (напольный светильник) и белого (стены). Желательно, чтоб в картине один из этих цветов присутствовал, хоть в небольшом количестве. Но, в тоже время, картина не должна сливаться со стеной. Если присутствует контраст в интерьере, он должен быть и на картине.

Вот по моему мнению неудачный вариант:

А это удачные:

Свободное пространство на стене

В зависимости от размеров свободного пространства, желательно выбирать размер картины и расположение: горизонтальное или вертикальное. После того, как вы разместите на стене картину, на ней должно оставаться достаточно места со всех сторон, чтобы не появилось ощущение сдавленности или тесноты. Для большой площади лучше выбрать большую картину или несколько маленьких, объединенных одной идеей и стилем.

На этой стене картин много. Хоть они объедены единым стилем и цветовой гаммой, создается ощущение нехватки воздуха, так как они занимают практически всю стену.

Это более удачный вариант, за счет белых паспарту:

В последние годы стало очень модно оформлять стены картинами, написанными на нескольких холстах. В этом есть как свои плюсы, так и минусы. К плюсам относится то, что фрагменты таких картин можно размещать как совсем близко друг к другу, так и на расстоянии, то есть общий размер картины можно регулировать. К недостаткам относится то, что такие картины привносят некое ощущение раздробленности в интерьер, к тому же на стене придется сверлить несколько отверстий. Большие картины на одном холсте все же выглядят более целостными.

Хотя, решения нужно выбирать для каждого отдельного случая. Например, для длинного коридора можно выбрать серию небольших квадратных или вертикальных картин, которые сами по себе являлись бы отдельными произведениями, при этом гармонирующими друг с другом.

Что делать, если уже купили понравившуюся картину, но в интерьер она не вписывается? Я считаю, что главное правило выбора картин: выбирать надо сердцем! Если картина действительно очень нравится, то забудьте о том, что написано выше. Все можно исправить! Например, если картина не совсем подходит по цветовой гамме или тону, добавьте небольшие предметы нужного цвета в интерьер. Это может быть интересная диванная подушка, ваза или светильник. Если не хватает пространства, создайте его. Мебель в конце концов можно передвинуть ))). Несоответствие стиля можно частично компенсировать подбором нейтральной рамки.

Это лишь общие советы, но никак не правила. Главное, чтоб приобретенная живопись нравилась и привносила радость и гармонию в ваш дом.

Фотографии использованы из интернета.

Автор текста: Татьяна Бондарева

суть, история и особенности в изобразительном искусстве разных эпох. Картины известных художников бытового жанра Гейнсборо, Дега, Репина, Кустодиева

Бытовой жанр — это раздел живописи, в котором художник изображает на картинах сцены из повседневной жизни обычных людей — своих современников. Основой для сюжета произведений служат всевозможные обыденные события: трудовые будни и минуты отдыха, веселые забавы, торжественные праздники и трагические моменты. Картины бытового жанра служат прекрасным инструментом для изучения нравов, обычаев и особенностей взаимоотношений людей разных исторических эпох.

История развития бытового жанра

Бытовой жанр в изобразительном искусстве зародился еще в Древнем Египте. На росписях стен гробниц и дворцов часто встречаются обычные сцены из жизни крестьян. Но эти картинки занимают второстепенное положение на фоне монументальных религиозных изображений.

Бытовой жанр в античном мире также играл незначительную роль в изобразительном искусстве. Древние римляне и греки предпочитали создавать произведения на героическую, религиозную и мифологическую тематики.

В странах Востока рисунки на темы быта чаще всего носили поучительный или юмористический характер. До наших дней дошли немногочисленные произведения мастеров из Китая, Японии, Кореи и Индии. А мусульманские мастера искусства вынуждены были считаться с запретом изображения фигур человека и животных.

Только в эпоху Возрождения в Европе бытовой жанр начал постепенно набирать популярность. Мастера Ренессанса стали добавлять в свои картины на религиозную тематику ранее недопустимые изображения из повседневной жизни. Появились первые миниатюры, гравюры и светские росписи, посвященные народному быту.

В XVII веке наступил Золотой век голландской живописи. В этот период многие художники обращаются в своем творчестве к быту соотечественников. Появляется огромное количество картин на всевозможные повседневные сюжеты:

  • с пиршествами и застольями в кабаках;
  • из жизни провинциальных воинов;
  • о выполнении рутинной городской домашней работы.

К новой тематике обращаются даже признанные мэтры того времени: Веласкес (Diego Velázquez) и Рубенс (Pieter Paul Rubens). Огромное влияние на становление жанра оказали Франс Халс (Frans Hals), Виллем Корнелис Дейстер, Ян Стэн (Jan Steen).

Но к концу XVII века голландское искусство становится все более ориентированным на вкусы правящего класса. Художники отдают предпочтение написанию картин из жизни дворян и зажиточных мещан.

В XVIII веке Франция становится ведущей державой в мировой живописи. Местные аристократы начинают собирать первые крупные коллекции. Художникам этой поры было свойственно рисовать сцены в идеализированной и сентиментальной манере.

Большим спросом пользуются работы Антуана Ватто (Antoine Watteau), Франсуа Буше (François Boucher), Жан-Батиста Грёза (Jean-Baptiste Greuze). В Англии растет популярность Томаса Гейнсборо, в Испании пишет картины со сценками быта Франциско Гойя (Francisco Goya).

В XIX веке происходит дальнейшее развитие жанра. На смену пышному рококо приходит совершенно другое искусство. Живописцы начинают рисовать отверженных людей, нищих, калек, представителей самых низов общества. Герои на картинах страдают, переживают сильную боль, становятся приговором обществу.

К тематике благоволят представители разных направлений живописи столетия:

В это время творят Теодор Руссо (Théodore Rousseau), Эдгар Дега, Алексей Венецианов, Поль Гоген (Paul Gauguin), Илья Репин, Уинслоу Хомер.

Не утратил своего значения в искусстве жанр в XX и в наступившем XXI веке. Художники рисовали и продолжают запечатлевать на холсте сцены из жизни современников, чтобы сохранить для потомков яркую и противоречивую картину новейшей эпохи. Мастера кисти в своих произведениях поднимают острые социальные проблемы общества, помогают людям обрести уверенность в будущем.

Знаменитые художники бытового жанра

Жанровыми произведениями славятся многие живописцы разных эпох. Наша статья отдает дань уважения лишь нескольким знаковым мастерам кисти:

  • Виллем Корнелис Дейстер (Willem Cornelisz Duyster) — (1599 -1635) — известный голландский жанровый мастер, любил рисовать праздники и сценки из жизни военных.

  • Уинслоу Хомер (Winslow Homer) — (1836-1910) — основоположник американского реализма в изобразительном искусстве, создатель собственной художественной школы.
  • Эдгар Дега (Edgar Degas) — (1834-1917) — выдающийся импрессионист, известный полотнами на незамысловатые сюжеты из обычной жизни горожан.

  • Борис Кустодиев (1878-1927) — ученик Репина, автор ярких произведений о купеческой жизни России.

Бытовой жанр был и остается востребованным среди ценителей живописи. А на сайте Very Important Lot посетители могут принять участие в аукционах и приобрести произведения искусства. Здесь также можно купить картины современных художников напрямую у авторов.

Интерьерные картины

Для чего нужны интерьерные картины, понятно по их названию. Несмотря на это, не все понимают, чем они отличаются от коллекционных работ. В этой статье мы разберем особенности интерьерных картин и подскажем, на что обратить внимание при их выборе.

Главное отличие

Интерьерные картины покупают для украшения квартир, офисов, частных домов, гостиниц, ресторанов и других пространств. Ключевое слово здесь «украшение», то есть живопись служит декором. В этом и заключается главное отличие интерьерных картин от коллекционных. Последние приобретают, чтобы пополнить частную коллекцию полотен и в будущем заработать на них.

Когда инвестируют в живопись, смотрят на художественную и историческую ценность работы, авторство, участие картины в различных выставках, ее рыночную стоимость. Эстетика часто уходит на второй план.

При выборе картины в интерьер авторство не играет существенной роли. Здесь важны цветовая гамма, сюжет, композиция, характер и плотность мазков, жанр и стиль живописи. То есть все то, что будет раскрывать и дополнять интерьер.

Большинство работ, которые представлены в художественных галереях, салонах, интернет-магазинах, — это интерьерные картины. Их написанием также занимаются свободные художники, объявления которых встречаются на различных сайтах и в социальных сетях.

Интерьерные полотна не интересны коллекционерам и тем, кто инвестирует в картины. Не исключено, что через 30 — 40 лет, пейзаж, купленный вами для декора спальни, вырастет в цене в сотни раз и сделает вас миллионером. Но это очень маловероятный сценарий.

Хотя в истории известны случаи, когда люди покупали картины в интерьер, а в результате приобретали произведения искусства. Так произошло, например, с одной американкой в 2009 году. В ее руках по счастливой случайности оказался «Пейзаж на берегу Сены» Огюста Ренуара, купленный за 7 долларов. Правда, заработать на полотне не удалось, поскольку оно, как оказалось, было украдено у законного владельца. Поэтому картину пришлось вернуть.

Виды интерьерных картин

Рассматривая каталоги интернет-магазинов и галерей, вы встретите самые разные полотна. 

В первую очередь они отличаются по жанру:

  • пейзажи, сельские, городские и морские;
  • цветочные и фруктовые натюрморты;
  • изображения животных или анималистика;
  • зарисовки на бытовые темы;
  • военные баталии;
  • портреты и изображения людей;
  • абстракция, поп-арт, кубизм и т. д.

Такое разнообразие предлагают магазины. Необязательно разбираться во всех жанрах, чтобы купить подходящий холст. Главным ориентиром при выборе служит «внутренний эстет».

Заполнить узкое пространство между окнами поможет миниатюра, поскольку ее размеры составляют 25*20 см. Миниатюры часто используют для создания композиций: объединив 2 — 4 и более полотен, можно заполнить пустующую стену.

Размеры интерьерных картин не ограничиваются 25*20 см. Средние габариты составляют примерно 40*60, а для декора пространства над диваном или обеденным столом рекомендуем посмотреть каталог с работами, размеры которых составляют более 120*80 см.

Отдельного внимания заслуживают картины, написанные в разных стилях. Обязательно оцените работы художников, которые пишут в реализме и импрессионизме. Такие полотна отличаются эмоциональной выразительностью, характером мазков, детализацией предметов. Несложно понять, что в интерьере они будут смотреться совершенно по-разному.

Картина для интерьера или интерьер для картины?

Выбор картины во многом зависит от того, на каком этапе ремонта вы планируете этим заняться. Чаще всего к декору приступают, когда все готово: стены покрашены, ламинат уложен и расставлена мебель. В этом случае холст подбирают под интерьер. Внимание обращают на: 

  • главный цвет в интерьере; 
  • соразмерность меблировки;
  • площадь комнаты;
  • интерьерный стиль и преобладающие в нем материалы.

Бывают случаи, когда живопись определяет интерьер. Например, вам понравилось большое изображение Нью-Йорка, где преобладают теплые оттенки. Цвет мебели, текстиля, стен будет подбираться с учетом палитры пейзажа, его настроения. Поэтому если вы планируете украсить пространство интерьерной живописью и не одной, то заранее присмотрите полотна, чтобы в результате не столкнуться с переделками.

На каком этапе ремонта вы бы не находились, помните одно простое правило: интерьер должен быть гармоничным по стилю и цвету. Это касается и картин, которые могут аутентично вливаться в пространство или создавать яркие, визуальные точки.

Выбирая интерьерную картину, помните, что живопись не только украшает пространство, но и придает ему определенное настроение. Поэтому внимательно отнеситесь к покупке полотна, посмотреть которые предлагаем прямо сейчас в нашем каталоге.

 

Жанровая живопись: история, художники, произведения искусства, характеристики

Жанровая живопись изображает аспекты повседневной жизни, изображая обычных людей, занятых общей деятельностью; следовательно, это форма жанрового искусства, «повседневный жанр». Теоретик искусства Макс Фридлендер определяет жанровую сцену в живописи как «изображение деятельности человека без исторического, мифологического и религиозного значения». Такие картины содержат элементы пейзажа, натюрморта, интерьера и представляют сюжеты без приукрашивания, героизации или пафоса.Сюжеты картин — люди, а не личности, и сюжеты не предполагают реальности события. Он отличает бытовой жанр от пейзажа, портрета или исторической живописи. В жанровых картинах отсутствуют имена моделей: это просто голландские девушки, веселые гуляки или крестьяне в поле. Зрители никогда не узнают, нарисовал ли художник сцену с натуры или реконструировал ее по воображению.

Сцены из жизни крестьян и ремесленников появляются на средневековых рукописях, а в XVII веке образы повседневной жизни сформировали самостоятельный жанр.У голландских художников появились новые покровители — купцы, буржуа, помещики, которые хотели украсить свои дома мелкоформатными картинами с изображением узнаваемых людей и понятных сюжетов. Представители золотого века голландского реализма создали выдающиеся картины городской и сельской жизни.

В своих работах художники передали восхищение наблюдением за простыми людьми, изображали людей с нескрываемой симпатией и заставляли зрителей с любопытством наблюдать за предметом. Представители голландской школы живописи предпочитали писать в интерьере бытовые и семейные сцены, наполняли свои картины сатирическими мотивами, символами и намёками, иллюстрировали тонкости социальных отношений. Жанровая живопись французских и итальянских художников порадовала зрителей своей легкостью, комизмом и акцентом на «галантные сцены» светской жизни. Повседневные сцены английских художников изображали поведение среднего класса, акцентируя внимание зрителя на достоинстве, благородстве и статусе удовлетворенности испытуемых.

Знаменитые жанровые картины:
«Фокусник» 1502 Иеронима Босха; «Веселая семья» 1664 Ян Стин; «Голландка за завтраком» Жана-Этьена Лиотара; «Сенокосилка и спящая девушка» 1781 г .; «Благотворительность» 1784 года Томаса Гейнсборо; «Завтрак» 1875 года Пьера Огюста Ренуара; «В постели» 1878 г., «К чаю» 1893 г. Федерико Зандоменеги.

Известные жанровые исполнители:
Ян Вермеер, Франс Хальс, Жорж де Латур, Антуан Ватто, Томас Гейнсборо, Франсуа Буше, Жан Франсуа Милле, Федерико Зандоменеги, Пьер Огюст Ренуар, Владимир Маковский.

Самые известные художники — список имен известных художников и их работ

Исторически сложилось так, что художники славятся либо своим уникальным стилем, либо характером, который они излучают миру искусства. Начиная с эпохи Возрождения, искусство изменилось, оно повысило ценность искусства и вызвало к нему уважение со стороны общества, которого не было в прошлом.Мастера искусства стали известны повсюду, их творчество изучалось при жизни и за ее пределами. После Возрождения произошли инновации и различные школы мысли, и с тех пор художники и их работы отличались от всех эпох. Чтобы увидеть лучшие картины всех времен, просмотрите самые известные картины.

Ниже приведены списки самых известных художников всех времен и их работ, начиная с Движения Возрождения:

Итальянские художники эпохи Возрождения

Фото: Wikipedia Creative Commons


Донателло (1386–1466) Донателло был художником эпохи Возрождения, родился во Флоренции, Италия.Он был известен своими картинами в виде барельефа, типа теневой рельефной скульптуры.

Леонардо да Винчи (1452-1519) Да Винчи был человеком, обладающим навыками и знаниями во многих, многих предметах, включая естественные науки, математику, музыку и, самое главное, искусство. Он был воплощением человека эпохи Возрождения, если его никогда не было.

Микеланджело Буонарроти (1475-1564), также известный как Микеланджело, был итальянским художником эпохи Возрождения. Его часто считают претендентом на звание архетипического человека эпохи Возрождения наряду с Леонардо да Винчи.Рафаэль Санцио (1483-1520), более известный как Рафаэль, итальянский архитектор и художник эпохи Возрождения. Он был самым известным за совершенство и изящество своих работ. Рафаэль считался мастером и у Леонардо да Винчи, и у Микеланджело.

Тициан (1488-1576) Тициан был известен как итальянский художник, один из самых разносторонних. Он одинаково хорошо разбирался в пейзажах, портретах и ​​мистических сюжетах.

Художники Северного Возрождения

Фото: Wikipedia Creative Commons


Альбрехт Дюрер (1471-1528) Дюрер был важным человеком Северного Возрождения из Германии.Он был известен в живописи, гравюре, математике, гравюре и теории.

Эль Греко (1541-1614) Эль Греко был испанским художником эпохи Возрождения греческого происхождения. Он стал мастером поствизантийского искусства до переезда в Рим. В Италии его стиль был украшен элементами венецианского ренессанса и маньеризма.

Художники барокко

Фото: Wikipedia Creative Commons


Караваджо (1571-1610) Караваджо был художником стиля барокко, возникшего из маньеризма.Под угрозой протестантизма Римско-католическая церковь искала новое искусство. Радикальный натурализм и драматический стиль Караваджо предложили им то, что они считали нужным …

Питер Пауль Рубенс (1577-1640) Питер Пауль Рубенс был художником эпохи барокко, который специализировался на цвете, чувственности и движении. Он был известен многими произведениями Контрреформации.

Джан Лоренцо Бернини (1598-1680) Джан Лоренцо Бернини был итальянским художником, обладавшим навыками скульптуры, архитектуры, драматургии, декораций и живописи.Его способности как скульптора отличают его от других художников его возраста.

Рембрандт Харменс ван Рейн (1606–1669) На смену творчеству Рембрандта пришел то, что историки называют Золотым веком Голландии. Рембрандт был прекрасным живописцем и офортом, одним из величайших в истории европейского искусства.

Художники 18 века

Фото: Wikipedia Creative Commons


Франсиско де Гойя (1746-1828) Франсиско де Гойя был испанским художником-романтиком, известным своими темными гравюрами и картинами, а также своей безжалостной реалистичностью в каждой из них.Он никогда не пытался украсить личный портрет и изображал вещи такими, какими он их видел, а не такими, какими их хотели люди.

Художники XIX века

Фото: Wikipedia Creative Commons


Камиль Писсарро (1830–1903) Камиль Писсарро был французским художником-импрессионистом. В свое время он внес важный вклад как в импрессионизм, так и в постимпрессионизм.

  • Старый мост Челси, Лондон
  • Сад Понтуаза
  • Кот-де-Бюф в L’Hermitage
  • Прачка, кабинет
  • Разговор
  • Урожай

Эдуард Мане (1832-1883) Эдуард Мане был важным художником на этапе перехода от реализма к импрессионизму. Он был одним из первых художников девятнадцатого века, который подошел к предметам современной жизни.

Эдгар Дега (1834-1917) Эдгар Дега был известным французским художником, считавшимся одним из основоположников импрессионизма, хотя он отверг этот термин и считал себя реалистом.

Уинслоу Гомер (1836-1910) Уинслоу Гомер был американским пейзажистом и гравером. Он был иллюстратором-фрилансером, очень известным в свое время в американском искусстве.

Поль Сезанн (1839–1906) Сезанн был французским художником-постимпрессионистом, внесшим свой вклад в переход от импрессионизма 19 века к новому направлению художественных исследований 20 века: кубизму.Оскар Клод Моне (1840-1926) Оскар Клод Моне был основоположником французской живописи импрессионистов. Моне жил в соответствии с философией импрессионизма, которая подчеркивает выражение человеческого восприятия перед природой.

Пьер Огюст Ренуар (1841-1919) Пьер-Огюст Ренуар был французским художником, внесшим вклад в развитие стиля импрессионизма. Он подчеркивал красоту в своих работах, особенно женскую чувственность.

Анри Руссо (1844-1910) Анри Руссо был французским художником-постимпрессионистом, специализировавшимся на наивной или примитивной манере.На его лучших картинах изображены сцены из джунглей, несмотря на то, что он никогда не покидал Францию ​​и не видел джунглей.

Мэри Кассат (1844-1926) Мэри Кассат была американской художницей и гравером. Большую часть своей сознательной жизни она провела во Франции, где познакомилась с Эдгаром Дега, а позже стала одним из импрессионистов. Ее картины подчеркивали интимную и частную жизнь женщин, особенно те, которые касаются отношений между матерью и детьми.

  • Вечеринка на лодке
  • Чай
  • Летнее время
  • Ванночка детская
  • Под конским каштаном
  • Дети на пляже
  • Жюля сушит его мать
  • Мать и дитя
  • Молодая женщина в зеленом на открытом воздухе под солнцем

Поль Гоген (1848–1903) Эжен Анри Поль Гоген был выдающимся французским художником-постимпрессионистом, гравером, писателем, скульптором и керамистом. Эдвард Мунк (1853-1944) Эдвард Мунк был норвежским художником-символистом и гравером. Он был важной фигурой в экспрессионистском искусстве.
Альфонс Муха (1860-1939): Альфонс Муха был чешским художником в стиле модерн, известным своими уникальными техниками.

Густав Климт (1862-1918) Густав Климпт был известен как один из самых важных австрийских художников-символистов движения Венского сецессиона.

Анри де Тулуз-Лотрек (1864–1901) Анри де Тулуз-Лотрек был французским художником, который считался одним из лучших художников постимпрессионистской эпохи наряду с Гогеном, Ван Гогом и Сезанном.

Художники ХХ века

Фото: Wikipedia Creative Commons


Анри Матисс (1869–1954) Анри Матисс был французским художником, рисовальщиком, скульптором и гравером. Вместе с Пикассо и Марселем Дюшаном он известен как три художника, внесшие вклад в революционное развитие пластических искусств в начале двадцатого века.

Пауль Клее (1879-1940) Пауль Клее был швейцарским и немецким художником, который черпал вдохновение в экспрессионизме, сюрреализме, кубизме и ориентализме. Пабло Пикассо (1881–1973) Пабло Руис Пикассо был испанским рисовальщиком, скульптором и живописцем, который большую часть своей жизни провел во Франции. Пикассо был особенно искусен с детства и до подросткового возраста, а в свои двадцать лет он экспериментировал с различными идеями и техниками. Его достижения в искусстве принесли ему большую известность.

Эдвард Хоппер (1882-1967) Эдвард Хоппер был американским гравером и художником-реалистом. Он был самым опытным в масляной живописи, а также в рисовании акварелью и гравюре.Василий Кандинский (1866-1944) Василий Кандинский был русским теоретиком искусства и художником. Он был одним из первых художников, экспериментировавших с абстрактным искусством.

Диего Ривера (1886-1957) Диего Ривера был известным мексиканским художником и мужем художницы Фриды Кало. В свое время он был активным коммунистом.

Марк Шагал (1887-1985) Марк Шагал был русско-французским еврейским художником, который придерживался многих художественных стилей. Он был ранним модернистом и одним из самых успешных художников двадцатого века.

Джорджия О’Кифф (1887–1986) Джорджия О’Кифф была американской художницей, которая зарекомендовала себя как одна из самых выдающихся современных художников Америки, что примечательно, поскольку в американское художественное сообщество в то время доминировали мужчины.Жорж Сёра (1859-1891) Жорж Сёра был французским художником-постимпрессионистом. Его самая известная картина «Воскресный полдень на острове Гранд-Жатт» ввела современное искусство в неоимпрессионизм.

Винсент Виллем Ван Гог (1853-1890) Винсент Ван Гог был голландским художником-постимпрессионистом, чьи работы оказали большое влияние на искусство 20-го века благодаря изображению цветов и эмоций.

Рене Магритт (1898-1957) Рене Магритт был бельгийским художником-сюрреалистом. Его цель состояла в том, чтобы бросить вызов предвзятым представлениям зрителей о реальности и заставить их стать сверхчувствительными к своему окружению.M.C. Эшер (1898-1972) M.C. Эшер был голландским художником-графиком. Он был известен своими математически вдохновленными литографиями, меццо-тинтами и гравюрами на дереве с такими конструкциями, как мозаика, архитектура и бесконечность.

Ансель Адамс (1902–1984) Ансель Адамс был американским фотографом, наиболее известным своими фотографиями американского Запада, особенно в Йосемити.

  • В национальном парке Глейшер
  • Церковь, Таос-Пуэбло
  • Вечер, озеро Макдональд, Национальный парк Глейшер
  • Тетон и река Снейк

Марк Ротко (1903-1970) Марк Ротко был американским художником русского происхождения, которого считали абстрактным экспрессионистом.Сальвадор Дали (1904-1989) Сальвадор Дали был выдающимся испанским каталонским художником-сюрреалистом. Дали был очень изобретателен и склонен к необычному и грандиозному поведению.

Фрида Кало (1907-1954) Фрида Кало была мексиканской художницей. Она была наиболее известна своими автопортретами. Ее искусство было отмечено в Мексике как представитель национальных и коренных традиций, а феминистки — за их откровенное изображение женской формы.

Энди Уорхол (1928-1987) Энди Уорхол создал поп-арт. Использование непосредственной культуры во всех его работах принесло ему славу и славу.

Живопись и живопись — Интернет-музей Gallerix

Интернет-картинная галерея.
Огромная коллекция репродукций изобразительного искусства

Все наши впечатления, фантазии, архитектурные формы, предметы и пейзажи чудесным образом находят свое отражение в творчестве великих мастеров и известных художников. Без преувеличения можно сказать, что любая картинная галерея насыщает зрителя таинственным колоритом высокого искусства и неповторимыми оттенками внутреннего мира создателя картины.

Декоративные, монументальные, иконописные, циклорамы, миниатюры, диорамы — все это разнообразие придает каждому свой кусочек мира, характер и настроение.Несмотря на это, шаги по созданию очередной репродукции картин известных художников остаются загадочными и имеют специфическую таинственную дымку. Возможно, именно это дает возможность зрителю каждый раз с восторгом наслаждаться богатой палитрой, необычными формами и возвышенной глубиной сюжета произведения.

Будучи истинным поклонником художника, как в первый раз, приятно наблюдать, как на поверхности холста проявляются новые образы и неумолимый поток краски.Художник же вдыхает жизнь в эти краски, и они игриво падают на холст нового творения, иногда широко и свободно распространяясь, а иногда плещутся и мягко ложатся слоями. Каждый мазок на репродукциях известных картин создает новый элемент. Это может воплотиться в вызывающем и неутомимом характере «Шторма у берегов Ниццы» Ивана Айвазовского или в мягких и теплых тонах «Швейцарского пейзажа с лошадьми» Алексея Саврасова.

Что интересно, любое воспроизведение одного и того же мастера открывает новые грани его таланта.Единственный решающий момент — это то, где художник черпает вдохновение в создании уникальных вариаций древних, средневековых или абстрактных линий. Художники в своем творчестве умело сочетают последнюю страницу загадочного прошлого и необъявленное настоящее. Возможно, поэтому художественная галерея дает вдохновение романтическому импульсу, обращенному к образам прошлого фигуративного или традиционного искусства.

Здесь мы видим вечный творческий поиск талантливых авторов как в прошлом, так и в настоящем.Если вам не терпится почувствовать их дух и настроение, вернитесь сегодня в Третьяковскую галерею, Эрмитаж или Русский музей, единственное, что вам нужно — это скачать картины известных художников и насладиться их реалистичностью, цветным высоким искусством. И эти картины, как и много лет назад, не перестают удивлять ценителей живописи. Многие художники в своих работах обращаются к истории, к образам прошлого века. Это делает репродукции не только ценными с художественной точки зрения, но и интересными интеллектуально. Поклонники старых и современных живописных форм ценят также «дыхание жизни».«Каждый штрих, блики и оттенки передают богатую реальность объекта в целом. По этой причине Леонардо да Винчи однажды сказал о картине как о видимой поэзии. Просто присмотритесь к богатой палитре знаменитого« Букета роз »Ренуара. In A Green Vase ». С первого момента кажется, что мы чувствуем манящий сладкий аромат, чувствуем нежность каждого лепестка и свежесть капель росы. А искусство Андерса Цорна — это гимн женской красоте, чувственности и элегантность.Художник мастерски передал современную эстетику ню, наполненную высоким академическим стилем и динамикой футуризма.Несомненно, репродукции картин известных художников позволяют по-новому взглянуть на привычные вещи, изображенные на холсте. Они не только радуют невероятным богатством красок и оттенков, но и передают людям красоту окружающего мира, пробуждают в них лучшие чувства.

Сегодня Gallerix.ru — крупнейшая художественная онлайн-галерея в русскоязычном Интернете (Рунете), где представлены картины изобразительного искусства, репродукции картин российских и зарубежных художников, а также коллекции крупнейших музеев мира.В нашей еженедельно обновляемой галерее сейчас около 25 000 изображений в высоком разрешении, в архиве которых находится более 150 000 картин. Мы надеемся, что вам понравится ваш тур по нашим галереям и вы найдете что-то полезное или интересное для вас. Добро пожаловать и благодарим вас за посещение нашего сайта!

Общие новости
Культура
Photoshop Online

: Английская живопись и художественные галереи

Английская живопись.

Наша жизнь кажется невозможной без искусства. Это действительно занимает важное место в нашей повседневной жизни.Искусство доставляет нам не только удовольствие и развлечение, но также является средством культуры и образования. Искусство проникает во все сферы и стороны нашей жизни, делает ее ярче, богаче и интеллектуальнее. Люди любят и знают разные виды искусства. Некоторые из них увлекаются живописью. У других особая любовь к музыке или страсть к литературе. Но все мы не можем не восхищаться полотнами таких великих художников, как Томас Гейнсборо, Рембранд и др.

Итак, искусство объединяет разных людей, влияет на развитие личности, обогащает наш внутренний мир, разными чувствами ощущает нашу душу.Он делает нас сильнее, помогает в трудных ситуациях.

Время летит искусство вечно.

Живопись в Англии начала развиваться позже, чем в других европейских странах. Вот почему некоторые из величайших иностранных мастеров были привлечены в Англию присвоенными им дворянскими титулами. Гольбейн, Антонио Мор, Рубенс, Ван Дайк были почти английскими художниками на протяжении более или менее продолжительных периодов своей жизни.

Сэр Энтони Ван Дайк (1599–1641), женившийся на дочери английского лорда и умерший в Лондоне, считается отцом английской портретной школы.Он работал при дворе Карла I, был чрезвычайно трудолюбивым художником. Его самые известные работы: автопортрет, Портрет мужчины и Карла I.

Но только до Уильяма Хогарта (1697 — 1764) мы не находим художника по-настоящему английского. Хогарт был сыном печатника, необразованным, но любопытным наблюдателем за людьми и манерами. Его первая работа датируется 1730 годом. Среди его лучших работ — «Капитан Корам», «Девушка-креветка», сериал «Модный брак».

Его картины общественной жизни принесли ему известность и положение в обществе.Один из его сериалов Mode Marriage состоит из 6 картин. Брачный договор — первый.

Оба отца сидят справа. Один из них граф с гордостью показывает на свое генеалогическое древо. Другой читает брачный контракт. Сын Эрлза с удовольствием смотрит на себя в зеркало. Дочь второго мужчины играет со своим обручальным кольцом и слушает комплименты молодого юриста. Сюжет картины — протест против брака из-за денег и тщеславия.Остальные изображения из этого сериала имеют такую ​​же тематику.

Хогарта был уверен, что успех пришел к нему из-за тяжелый труд. Он писал, что Гений — ничто, труд — усердие.

Сэр Джошуа Рейнольдс (1723–1792) — один из выдающихся британских портретистов, оказавший большое влияние на своих современников. За короткое время он добился значительных успехов. В 1755 году, на пике своей карьеры, он написал 120 портретов. Когда в 1768 году была основана Королевская академия художеств, он, естественно, стал ее первым президентом.В 1784 году он стал главным художником короля. Он был высокообразованным человеком, прекрасным колористом. О его цветах сегодня сложно судить, потому что они не получили научного применения. Вот почему многие его картины потрескались и поблекли. Среди его лучших работ: «Амур, неутомимый Зоной Венеры» и «Миссис Сиддонс». Они известны во всем мире. В течение 20 лет он был самым выдающимся художником своего времени даже перед лицом восходящего Гейнсборо.

Томас Гейнсборо (1727 — 1788) блестяще преуспел как портретист.Общество ходило к нему за портретами. Хороший скрипач-любитель и любитель драматургии, по натуре он был человеком артистичным. Джошуа Рейнольдс и Томас Гейнсборо создали национальный тип английского портрета. Его манера живописи отличается от Рейнольдса. Известны портреты актеров, актрис и его близких Томаса Гейнсборо. Одним из его лучших друзей был драматург Ричард Шеридан, портрет которого входит в число лучших картин этого художника. Даже в своих портретах Томас Гейнсборо — живописец на природе.Фоны его портретов часто представляют собой хорошо изученные деревенские сцены. Он был одним из первых, кто был избран в недавно созданную Лондонскую Академию художеств. Томас Гейнсборо признан прекрасным художником-женщинами. Портрет герцогини де Бефу, миссис Сиддонс и двух дочерей — одни из лучших его творений.

Его портреты написаны в светлых тонах, в которых преобладают синий и серый. Одна из его лучших картин — знаменитый Синий мальчик. Другой его шедевр — «Портрет герцогини де Бефу».

Перед нами молодая знатная женщина с очаровательным лицом, полным свежести и живости. Очарование выражения лица и окраска характерны для стиля художников. Ее спокойная поза, изящество жестов руки подчеркивают ее благородство. Внешне мы можем видеть, что в этом портрете Генсборо следовал правилам традиционных парадных портретов. Но это не так. Приоткрытые губы женщины, робкий жест руки помогают создать истинное впечатление натурщицы.

У художника прекрасное чувство цвета, линии и композиции. Он эмоционально использует свет и тень. Картина выполнена преимущественно в светлых тонах на темном фоне. В картине преобладают многочисленные оттенки синего. Яркое сочетание розовых оттенков на лице и теле контрастирует с серыми и синими оттенками на растрепанных волосах, платье и налетах. Производит впечатление свежести и красоты. Генсбуро искусно изображает детали своего платья. Женщина изящна и очаровательна.

Картина воспевает представление о женской красоте. Выставлена ​​в Эрмитаже в Санкт-Петербурге.

Томас Генсборо оказал большое влияние на английскую школу пейзажной живописи. Он был одним из первых английских художников, нарисовавших родную землю. Его тонкое понимание природы особенно чувствуется в картинах, где он изображал крестьян. Лучшие его пейзажи: водопой и фургон для сбора урожая. Оба они выставлены в Национальной галерее.

Среди других его пейзажей: Закат, Рыночная карточка и Дверь коттеджа. Его огромная любовь к сельской местности и его способность показать это сделали его новатором в этой области. Он был первым английским художником, так искренне нарисовавшим родную деревню.

Томас Лоуренс (1768–1839) был живописцем королей, принцев, великих дипломатов и генералов. Все это представлено в больших, полностью одетых портретах, написанных изящно. Его портрет Воронцова (1821 г.) — образец блестящего официального портрета.На портрете изображен молодой генерал, блестящий модник, но он не характеризует его характер

Пейзаж — еще одна слава английского искусства, потому что в нем английское искусство также достигло высот. Джон Констебл (1776 — 1837) — один из самых выдающихся художников, разработавших собственный стиль живописи. Первым делом пейзажиста он считал эскиз, сделанный прямо с натуры. Он привнес в свою картину зеленый цвет: зелень деревьев, зелень лета, всю зелень, которую до того времени другие художники отказывались видеть.Он делал быстрые зарисовки, основываясь на своих первых впечатлениях от природных красот. Джон Констебл использовал ломаные штрихи цвета. Его работы важны как начало школы импрессионизма.

Он был сыном богатого мельника. Он начал интересоваться пейзажной живописью, когда учился в гимназии Дедхэма. Его отец не любил искусство как профессию, и в детстве Констебль работал почти тайно, рисовал в коттедже местного водопроводчика, который сам по натуре был художником-любителем.Констебль бросил школу, чтобы работать на бизнес отца. В свободное время занимался живописью. Его острый художественный интерес был настолько силен, что отец разрешил ему посетить Лондон, где он начал изучать рисование. После 2 лет в Лондоне он вернулся к бизнесу своего отца на год. Год, проведенный на мельнице отца, имел для него большое значение. Он научился наблюдать за небом с точностью мельника, отмечать направление ветра и значение облаков. В 1799 году Констебль поступил в школу Королевской академии в Лондоне.

В своих картинах художник показал новую высоту природы. Он отказался изучать работы известных пейзажистов и решил поехать в деревню и писать природу такой, какой он ее видел.

Констебль изображал природу по-своему реалистично, он был первым художником, который начал писать эскизы размером с картины. Он смог показать внутреннюю жизнь природы. Новаторство Джона Констебля сильно повлияло на развитие французской пейзажной живописи.

В 1826 году, когда ему было 50 лет, он показал несколько пейзажей в парижском салоне. Среди них была знаменитая тележка для сена, написанная в 1821 году, за которую художник был награжден золотой медалью. Он был избран членом Королевской академии в 1829 году, но чувствовал, что эта честь выпала слишком поздно, чтобы иметь какое-то значение. Среди его лучших пейзажей: Флэтфордская мельница, Ферма в долине, Телега для сена, Флэтфордская мельница, Дверь коттеджа, Долина Дедхэм, Кукурузное поле и т. Д.

Уильям Джозеф Тернер (1774 — 1851) — величайший английский романтик, пейзажист и маринист.Он был сыном модного парикмахера, рисовал и рисовал в раннем возрасте. Его отец продавал рисунки мальчиков своим клиентам, и таким образом он зарабатывал деньги на обучение мальчиков искусству. В 14 лет он поступил в школу Королевской академии. Его акварели выставлялись в Королевской академии, когда ему было всего 15 лет. В 18 лет он открыл собственную студию и получил заказ на рисование для журналов. Несколько лет он бродил по Уэльсу и Западной Англии. Поскольку Тернер никогда не был женат, он посвятил свою жизнь искусству.В его дом редко допускали посетителей, и никто не мог вслух видеть его за работой. Он любил свои картины, как мужчина любит своих детей. В возрасте 27 лет он был избран Королевским академиком. С этого времени его картины стали пользоваться большим спросом и приносили неплохие деньги. Последние годы своей жизни он провел в маленьком коттедже в Челси.

Он любил наблюдать восход и закат. Говорят, что всего за час до смерти он привел свой стул к окну, чтобы он мог в последний раз взглянуть на солнце, сияющее над рекой.

За свою жизнь Тернер создал несколько сотен картин и несколько тысяч акварелей и рисунков. После его смерти вся его собственная коллекция картин и рисунков была завещана народу. Они выставлены в Национальной галерее и галерее Тейт в Лондоне. Вот некоторые из его известных картин: «Боевой темер», «Дождь», «Пар и скорость», «Свет и цвет», «Рыбак в море» и другие.

Уильям Тернер посвятил большую часть своих картин морю. Он был моряком, и море поглотило его.Он придавал своим морям массу и волну, а также движение. Его волны кажутся живыми.

Пирс Кале — одно из величайших его творений. Картина бури в ней настоящая и впечатляющая. В центре картины — лодка с людьми. Все фигурки — живые особи. Дальние объекты на картинке рассыпались в темноте, привлекая наше внимание к людям в лодке. Те, кто смотрит на картину, могут почувствовать запах воды и услышать крик ветра. Цвет, как и тон, на картинах Уильяма Тернерса создает эффект солнечного света.

Имя Уильяма Тернера известно больше всех других пейзажистов.

Итак, если портретная живопись — одна из величайших достопримечательностей английского искусства, то пейзаж — другое: в обоих направлениях она достигла высочайших высот.

Русская живопись

Третьяковская галерея

Государственная Третьяковская галерея — одна из самых известных художественных галерей России. Здесь представлены разные жанры живописи. Он назван в честь своего основателя Павла Третьякова, московского купца и знатока.В середине XIX века Павел Третьяков начал коллекционировать русскую живопись. Человек высокой культуры и тонкого эстетического вкуса, он отобрал наиболее значимые и характерные произведения русской живописной школы. 40 лет своей жизни он посвятил своему главному призванию: созданию Национального художественного музея. В этой галерее выставлены многие работы Передвижников. Третьяков начал с коллекционирования современных картин, но вскоре расширил границы своего собрания. Искусство XIX века, произведения Брюлова, Иванова, Васнецова; Произведения искусства XVIII века и древнерусского искусства постепенно попадали в собрание Третьякова.Не раз ему приходилось надстраивать свой дом в Лаврушинском переулке. В 1881 году он открыл свою коллекцию для публики. В 1892 году он отправил свою коллекцию в город Москва. С тех пор в галерею поступили сотни картин из других музеев и частных собраний. Здесь собрана богатая коллекция старинных русских икон. Здесь выставлена ​​всемирно известная икона «Троица», написанная в начале XV века Андреем Рублёвым. В галерее есть залы, посвященные великолепным произведениям таких знаменитостей XVIII века, как Рокотов, Левицкий, Боровицкий, Щедрин.Первая половина XIX века представлена ​​блестящими работами Брюлова, Иванова, Тропинина, Веницианова. Особенно хорошо представлена ​​вторая половина. В галерее собраны лучшие коллекции передвижников, таких как Крамской, Перов, Ярошенко, Мясоедов и другие. С Передвижниками связаны такие великие имена, как Суриков, Репин, Верещагин, Васнецов, Левитан. Здесь можно увидеть историческую живопись, портреты, стилистов, пейзажи, морские пейзажи и многое другое. Сегодня галерея является важным источником изучения и продвижения русского искусства.

Эрмитаж

Эрмитаж в Санкт-Петербурге — один из самых известных музеев мира. Основание музея относится к 1764 году, когда Екатерина Великая получила 225 западноевропейских картин в отдел от берлинского купца Йоганта Эрнста Гацковского. Сначала музей задумывался как место уединения, напоминающее парковые павильоны, которые в то время назывались Эрмитажами. Он состоял из двух павильонов — Южного и Северного и подвешенного между ними сада.Стены в Северном павильоне увешаны картинами. Позже название получила вся коллекция картин и предметов старины.

Музей стремительно рос с начала XVIII века и вскоре превратился в одну из крупнейших художественных галерей. В начале XIX века он был реорганизован в специальные отделения и добавлена ​​школа реставрации.

Сегодня собрание Эрмитажа насчитывает около 3 миллионов экспонатов, которые выставлены в 353 залах, занимающих 5 зданий: Зимний дворец, Малый Эрмитаж, Большой (Старый) Эрмитаж, Новый Эрмитаж и Эрмитажный театр.Все они видны с Невы. В шести отделах музеев хранятся произведения искусства и культуры, датируемые с древних времен до наших дней.

В отделе доисторической культуры хранится одна из богатейших коллекций древних археологических фондов.

Отдел классической античности содержит уникальную коллекцию греческой и римской скульптуры, расписных античных ваз, вырезанных джемов и украшений.

В отделе Востока представлены экспонаты древних цивилизаций Египта, Азии, Турции, Монголии, Китая и Японии.

В отделе русской культуры хранятся и экспонируются материалы, датируемые с раннеславянских времен до второй половины XIX века. Здесь можно увидеть старинные русские иконы, портреты, акварели, карандашные рисунки, предметы прикладного искусства — фарфор, стекло, камень, металлические украшения, костюмы, ковры и гобелены.

Кафедра нумизматики владеет коллекцией из более чем 1 миллиона монет, орденов, медалей разных стран и времен, которыми гордился бы любой мировой музей.

Самым известным из всех отделов Эрмитажа является отдел западноевропейского искусства, включающий картинную галерею и собрание скульптуры и декоративно-прикладного искусства. Они датируются от средневековья до наших дней, включая полотна ведущих художников Италии, Испании, Голландии, Франции, Германии, Англии, а также скульптуры, рисунки карандашом, произведения прикладного искусства.

Пермская государственная картинная галерея

Пермская государственная картинная галерея — один из старейших художественных музеев страны.Его история началась задолго до революции. В 1902 году был создан специальный художественный отдел Пермского научно-промышленного музея, первые экспонаты которого поступили в музей. Академия художеств представила картины и 24 гравюры с картин Репина, Брулова и Васнецова.

В 1907 г. галерее были переданы картины и пейзажи Верещагина. Выставка была организована в 1907 году, и многие работы из Перми, Екатеринбурга и Вятки остались в галерее.

После революции 1917 года Научно-промышленный музей предпринял серьезную и упорную работу по сохранению художественных ценностей. В результате этой работы в 1920 году прошла вторая выставка в Перми. Посетители могли увидеть работы Айвазовского, Васнецова, Коровина-Нестерова и других известных мастеров. Позже галерею пополнили исключительные образцы деревянной скульптуры. Также здесь представлены картины известных русских художников XVII — XIX веков. Таким образом галерея обогатилась.

В 1927 году Художественный музей получил название Пермская галерея. В 1932 году в нем было столько экспонатов, что пришлось перенести в бывший собор, уникальный памятник русского классицизма. В 1945 году галерея получила название Пермская государственная картинная галерея.

Немногие художественные галереи страны могут сравниться с собранием Пермской государственной картинной галереи по разнообразию и художественной ценности. Наша галерея входит в число сокровищниц Эрмитажа, Третьяковской галереи и ГМИИ им. А.С. Пушкина.

Сейчас в галерее более 36000 экспонатов, в том числе русская, советская и западноевропейская живопись, скульптура, произведения декоративно-прикладного искусства и нумизматики.

Старая деревянная скульптура Перми представляет собой самобытную сферу русской скульптуры XVII — XIX веков. Он был вдохновлен древнерусскими традициями и местным пермским стилем резьбы по дереву. Деревянная скульптура Перми выполнена в технике скульптурного рельефа и относится к резным иконам.Скульптуры отличаются мощной духовной силой и производят большое эмоциональное воздействие.

Картины Винсента Ван Гога и полный каталог работ

Щелкните здесь, чтобы увидеть галерею картин Ван Гога

В период с ноября 1881 по июль 1890 года Винсент Ван Гог написал почти 900 картин. После своей смерти он стал одним из самых известных художников в мире. Картины Ван Гога захватили умы и
сердца миллионов любителей искусства и сделали любителей искусства новичками в мире искусства.Следующие отрывки взяты из писем Ван Гога, описывающих его развитие как художника. Есть также ссылки на страницы, на которых подробно описаны некоторые из самых известных картин Винсента Ван Гога: «Звездная ночь», «Подсолнухи, ирисы, маки,« Спальня »,« Цветущее миндальное дерево »,« Тутовое дерево »,« Ночное кафе »и« Едоки картофеля ».

В декабре 1881 года, в возрасте 28 лет, когда он начал свои первые картины, Винсент написал своему брату Тео о том, чтобы стать художником,

«Тео, я очень доволен своим ящиком для красок, и я думаю, что получаю его. Теперь, когда я рисовал почти исключительно в течение по крайней мере года, лучше, чем если бы я начал с этого сразу … Ибо, Тео, моя настоящая карьера начинается с рисования.Вы не думаете, что я прав, если считаю это так?

Ван Гог работал в лихорадочном темпе, стоил ему денег, вызывая у него психическое и физическое напряжение и не оставляя времени для любого другого источника дохода. Но он был настойчив. В письме от марта 1882 года Ван Гог снова написал своему брату Тео,

: «Хотя я нахожусь в финансовых трудностях, у меня, тем не менее, есть чувство, что нет ничего более прочного, чем« ремесло »в буквальном смысле слова« работа ». своими руками.Если бы вы стали художником, одна из вещей, которые вас удивили бы, — это то, что живопись и все, что с ней связано, — довольно тяжелая работа в физическом плане. Если не брать в расчет умственное напряжение, тяжелые мысли, это требует значительных физических усилий, причем день за днем ​​».

В том же письме к Тео от 1882 года Ван Гог пишет:

«Есть два способа думать о живописи: как не делать этого и как это делать: как это делать — с большим количеством рисунков и небольшим количеством цвета; как этого не делать — много цвета и мало рисунков.«

Глоссарий художественных терминов

Этот глоссарий содержит ряд повторяющихся терминов, встречающихся на данном сайте, которые могут быть понятны не всем читателям, особенно когда они используются в контексте обсуждения искусства. Некоторые из этих терминов, обозначенные значком с монограммой и подписью Вермеера, также обсуждаются, поскольку относятся именно к искусству Вермеера. К каждому из четырех разделов глоссария можно получить доступ из верхней части меню на каждой странице записей глоссария.

Термины в этом глоссарии являются перекрестными или внешними только , когда они впервые появляются в одной и той же статье.

ДАММАРСКИЙ ЛАК — ДИНАМИЧЕСКИЙ ДИАПАЗОН

ЦВЕТА ЗЕМЛИ — ПЯТЬ ЧУВСТВ

ПЛОСКАЯ КОЖА


Лак Dammar

Даммар — это вид древесного сока из Малайзии, Борнео, Явы и Суматры. Лак сохраняет свой бесцветный вид дольше, чем любой другой распространенный лак.Обычно он состоит из одной смолы, такой как даммар или синтетической смолы. Даммар содержит высокий процент скипидара или уайт-спирита. Это означает, что он не образует толстый слой, как обычные лаки, и поэтому используется для того, чтобы полностью подчеркнуть влажный вид масляной краски на сухой поверхности перед возобновлением окраски. Лак Dammar желтеет и трескается, как и все лаки, но в меньшей степени, чем другие. Добавление даммара в краску добавляет блеск и яркость цвету.


Dead-color (голландский: dood-verf )

Мертвый цвет (по-голландски dood-verf ), который является эквивалентом сегодняшнего термина «подмалевок», представляет собой более или менее монохромный вариант окончательной росписи, придающий объем, предлагающий содержание, обосновывающий основные композиционные элементы и распределяет темные и светлые тона. Отсутствие цвета в этом термине, вероятно, объясняет слово «мертвый». В семнадцатом веке мертвая окраска проявляется в различных формах.

Мертвое окрашивание было настолько важным в процессе рисования, что было обязательным на заре фламандской живописи. В 1546 году одно из правил гильдии в Хертогенбосе гласило: «7. пункт. Все художники будут обязаны работать с хорошими красками, и они не будут писать никаких картин, кроме как на хороших сухих дубовых досках или обшивке, поскольку каждый цвет первым погибнет. -крашен и это на двойном фоне… »

В более загруженных студиях семнадцатого века нередки случаи, когда ассистенты доводили множество картин до стадии мертвой окраски, которую требовалось только закончить мастеру.Поддержание большого количества изображений по спецификации могло быть одним из способов соблазнить потенциальных покупателей.

Щелкните здесь для получения дополнительной информации о мертвом цвете.

Насколько можно понять, Вермеер использовал методы мертвой окраски, распространенные среди северных художников.

В модели Woman Holding a Balance коричневый (темно-коричневый и / или черный) мертвый цвет выполнял две функции: более широкие области темно-коричневой краски представляли массу теней, а светло-коричневый цвет земли служил огни.В начале «Диана и ее спутники » за тщательно вычищенным нижним рисунком последовала монохромная окраска, чтобы определить основные формы композиции. Некоторая мёртвая окраска может быть различима здесь и там через истертые слои краски.

Было отмечено, что более одного отрывка в The Geographer кажется незаконченным, и что это позволяет нам взглянуть на подмалевок Вермеера, хотя не исключено, что ранняя реставрация может быть частично ответственна за потерю самого верхнего слоя. красить слои.Массивная деревянная оконная рама и глубокая затемненная часть ковра довольно точно соответствуют нашему представлению о методе подмалевки Вермеера. Ни одна из этих двух областей не определяется в соответствии с привычным для художника стандартом отделки. Самые темные части окрашены одним и тем же полупрозрачным темно-серым пигментом, скорее всего, смесью необработанной умбры и черного. Кое-где на лицевой стороне ковра мы можем наблюдать первоначальные акценты местного колорита. Некоторые декоративные элементы были нанесены на монохромный грунт средне-синей краской, скорее всего, это смесь натурального ультрамаринового синего и свинцово-белого оттенка.Вероятно, что синие области впоследствии были бы покрыты тем же ультрамарином, на этот раз в плотной прозрачной среде, чтобы сделать их цвет более насыщенным и насыщенным. Другие части декоративных узоров были окрашены в земляной цвет среднего тона, который по сравнению с самым темным подкрашиванием кажется средне-темно-желтой охрой. Верхние складки ковра, отражающие падающий свет, изображены светлой краской, здесь — с добавлением охры, там — с ультрамарином.


Декоративно-прикладное искусство

Декоративное искусство — это искусство или ремесло, связанное с дизайном и производством красивых, но функциональных предметов. Он включает дизайн интерьера, но обычно не архитектуру. Декоративное искусство часто противопоставляется «изящным», а именно живописи, рисунку, фотографии и скульптуре, которые, как обычно полагают, не имеют никакой другой функции, кроме как быть видимыми. Различие между декоративным и изящным искусством возникло в результате пост-ренессансного искусства Запада, но имеет гораздо меньшее значение при рассмотрении искусства других культур и периодов, где наиболее уважаемые произведения — или даже все произведения — включают произведения в декоративные медиа.

Продвижение изящных искусств над декоративными в европейской мысли можно в значительной степени проследить до эпохи Возрождения, когда итальянские теоретики, такие как Джорджо Вазари (1511–1574), продвигали художественные ценности, примером которых являются художники Высокого Возрождения, которые мало ценили от стоимости материалов или количества квалифицированной работы, необходимой для создания произведения, но вместо этого ценили художественное воображение и индивидуальное прикосновение руки в высшей степени одаренного мастера, такого как Микеланджело (1475–1564), Рафаэль (1483–1520) или Леонардо да Винчи (1452–1519), в какой-то мере возрождая приближение античности.Большая часть европейского искусства до этого периода создавалась с совершенно иным набором ценностей, где высоко ценились как дорогие материалы, так и виртуозные демонстрации сложных техник.


Декорум

Декорум (от латинского «правильный, правильный») был принципом классической риторики, поэзии и театральной теории, который касался соответствия стиля театральному предмету. Концепция приличия также применяется к предписанным границам соответствующего социального поведения в определенных ситуациях и соответствия предмета и стиля в живописи.Декорум также определил, что изобразительный или скульптурный объект подходит для архитектурной обстановки, такой как кузница Вулкана над камином, или что типы зданий подходят для городского или сельского контекста или подходят для людей определенного статуса. Богослужебные функции под влиянием приличия диктуют размещение картин, мозаики и скульптуры в религиозных зданиях.

Первоначально литературный термин, он впервые был использован в отношении изобразительного искусства в эпоху Возрождения в трудах Леонардо да Винчи (1452–1519).Согласно теории Декорума да Винчи, жесты, которые делает фигура, должны не только демонстрировать чувства, но и соответствовать возрасту, рангу и положению. Так же должна быть одежда, обстановка, в которой движется объект, и все другие детали композиции. Такое мышление сильно повлияло на академическое искусство, в частности историческую живопись, с эпохи Возрождения до девятнадцатого века. По мнению его недоброжелателей, главным грехом Караваджо (1571–1610), отказавшегося изучать древнюю скульптуру или картины Рафаэля (1483–1520), было отсутствие приличия в предметах и ​​его предполагаемое нефильтрованное подражание природе.

Такая неселективная имитация стала лейтмотивом художественной критики семнадцатого века, и Джованни Пьетро Беллори (1613–1696) был ее наиболее ярким выразителем. В его влиятельном эссе «L’ldea» (1664), опубликованном в качестве предисловия к его жизням современных художников, скульпторов и архитекторов , Караваджо сравнивали с Деметриусом за то, что он был «слишком естественным», изображающим людей такими, какими они кажутся, со всем их недостатки и индивидуальные особенности. В своей влиятельной книге Het Groot Schilderboek (Великая книга живописи) голландский художник и теоретик искусства Жерар де Лересс (1641–1711) осудил искусство своих собратьев за слишком часто вульгарный сюжет, отсутствие приличия в одежде классического стиля. фигуры в современной одежде, отсутствие композиции и трезвое обращение с рисунком, вера в то, что только верная теория может создать хорошее искусство.


Глубина / Глубина (цвет)

Цвет глубокий или имеет глубину при низкой яркости и сильной насыщенности. Противоположны глубоким цветам как по значению, так и по насыщенности бледные цвета, такие как свинцово-оловянный желтый и белый. Некоторые краски по своей природе глубокие, например, натуральный ультрамарин и ализарин малиновый.


Дендрохронология

Дендрохронология (или датировка годичных колец) — это научный метод датировки годичных колец (также называемых годичными кольцами) по точному году их образования с целью анализа атмосферных условий в разные периоды истории.Дендрохронология полезна для определения времени событий и темпов изменений в окружающей среде (в первую очередь климата), а также в произведениях искусства и архитектуры, таких как старые панно на дереве, зданиях и т. Д. Она также используется в радиоуглеродном датировании до откалибровать возраст по радиоуглероду. Дендрохронология стала важным инструментом датирования панно. Однако, в отличие от анализа образцов из зданий, которые обычно отправляют в лабораторию, деревянные опоры для картин обычно необходимо измерять в отделе консервации музея, что накладывает ограничения на методы, которые можно использовать.

Помимо датировки, дендрохронология может также предоставить информацию об источнике панели. Многие ранние нидерландские картины оказались написаны на панелях из «балтийского дуба», доставленных из региона Вислы через порты Ганзейского союза. Дубовые панели использовались в ряде северных стран, таких как Англия, Франция и Германия. Деревянные опоры, кроме дуба, редко использовались голландскими художниками.

Подставка для Vermeer’s Girl with a Flute представляет собой одинарную панель из дуба с вертикальной текстурой и скошенными краями на спине.Дендрохронология дает дату вырубки деревьев в начале 1650-х годов.


Глубина резкости

В фотографии — расстояние между ближайшей точкой и самой дальней точкой в ​​объекте, которое воспринимается как приемлемо резкое на общей плоскости изображения. Для большинства объектов он простирается на одну треть расстояния впереди и на две трети расстояния позади точки, на которой сфокусирован фокус.

Хотя человеческий глаз использует выпуклую линзу, глубина резкости не воспринимается, потому что линза постоянно меняет свою форму, чтобы сфокусировать то, на что она смотрит.В традиционных формах визуального представления, даже тех, которые охватывают обширные пейзажи, где глубина резкости очень заметна с помощью современной камеры, истинной глубины резкости нет. Однако к эпохе Возрождения художники начали систематически смягчать контуры и моделировать объекты, видимые на больших расстояниях, как средство усиления иллюзии глубины.

Историки искусства сделали многое из того, что кажется преднамеренным изменением фокуса в картинах Вермеера, предположительно потому, что художник использовал оптическое устройство, называемое камерой-обскурой, которое использует единственную выпуклую линзу.Некоторые предполагают, что, наблюдая определенные аспекты изображения камеры, чье поле глубины чрезвычайно мало, художник был вдохновлен и подражал таким эффектам в таких картинах, как The Art of Painting и The Lacemaker , где объекты переднего плана настолько размыты, что их едва можно узнать.


Конструкция

Слова «композиция» и «дизайн» в применении к изобразительному искусству часто используются, как если бы они были взаимозаменяемыми, но каждое из них означает нечто совершенно иное. Композиция — это расположение или перемещение различных частей изображения — предметов, будь то фигуры, архитектурные элементы или искусственный реквизит, представляющих главный интерес, второстепенный и третичный интерес — таким образом, чтобы повествовательная картина объясняет сама себя и рассказывает заданную историю. Дизайн — это создание приятного или значительного узора, формального каркаса, дополняющего композицию и ее сюжет. Среди многих других элементов дизайна — размещение темных масс так, чтобы они гармонично уравновешивались со светлыми массами.В современном коммерческом искусстве, как хорошо известно, дизайнер делает все возможное, чтобы темные массы своего плаката или рекламного плаката правильно соотносились с легкими массами. Строго говоря, функция композиции — повествовательная, а функция дизайна — эстетическая.

от Philips Hale, Vermeer , Boston: Small, Maynard, 1937, стр. 80–81.

Дизайн — так сказать узор — некоторых работ Вермеера превосходно красив. Такое превосходство тем более примечательно, что это качество не проявляется в работах большинства других голландских художников.Их картины часто превосходно составлены; они передают свой мотив и свою историю. Иногда они сложены тонко и неуловимо. Однако наиболее способных из этих художников, как правило, не интересовал основной узор их композиций.

Исключением среди них в этом отношении был Карел Фабрициус (1622–1654), земляк Вермеера; и это обстоятельство дает одну причину предполагать, что Фабрициус, возможно, был близок с Вермеером. Однако методы двух дизайнеров не были похожи друг на друга, и Вермеер преуспел как в композиции, так и в дизайне.Поскольку его предметы обычно были простейшими по своей природе, его композиционные задачи не были особенно сложными. Что бы там ни было рассказывать, это была самая короткая и простая; интрига не требовала сложной проработки. С другой стороны, дизайн Вермеера часто бывает тонким, очень оригинальным и, в его лучших произведениях, очень красивым. За их дизайнерские качества особенно выделяются The Music Lesson , ранее в Виндзорском замке, Национальная галерея Lady at the Virginals , Жемчужное ожерелье , Berlin Gallery, Woman at the Casement , Metropolitan Museum, Reader , Амстердамская галерея и Девушка, читающая письмо , Дрезденская галерея.

Некоторые из работ Вермеера, в том числе и его лучшие картины, не отличаются особенным дизайном. Таким образом, слабо узорчатый Studio из коллекции Чернина, кажется, был написан для чистого удовольствия от картины. Поскольку дизайн и композиция Вермеера настолько оригинальны и индивидуальны, странно, что его работы когда-либо ошибочно принимали за работы других меня — Геррита Тер Борха (1617–1681), Питера де Хоха (1629–1684) и Габриэля Метсу (1629–1681). 1667), например, каждый из которых имел свой собственный стиль композиции.Терборх, как правило, использовал свое прошлое просто как фольгу для человеческой фигуры. Он делал чудесные фигурки, которые и есть все на его картинах; для них фон является совершенно второстепенным, каким бы восхитительным он ни был в своем способе сдерживания. Планируя композицию, Терборх, по-видимому, сначала удобно расположил своих манекенов, а затем подумал о подходящем фоне. Композиционный план Де Хуча сильно отличался от плана Терборха. Картина представлялась ему как интерьер, состоящий из красивых линий и светотени.Его фигуры выглядят запоздалыми, как на изображении «Голландский интерьер с солдатами, » в Национальной галерее в Лондоне, где линии заднего плана видны сквозь одну из основных фигур. Де Хуч, по сути, совсем не справился с этой фигурой. Он художник интерьеров, по преимуществу .


Деталь

Деталь — это отдельная или мельчайшая часть предмета или отдельного предмета. Этимология слова включает в себя резку, как в таких существительных, как «портной» и «розничная торговля».«

В современной истории искусства изучение деталей — это не только специальный исследовательский инструмент, но и фундаментальная часть дисциплины. «Как миколог смотрит на споры, орнитолог — на отметины на грудях птиц, или дерматолог — на крошечные подозрительные точки, так историк искусства смотрит на детали». 1 Соответственно, искусствоведы, которые сосредотачиваются на деталях, «делают только то, что делают ученые…»: они систематически разбирают или разбирают свои объекты на составные части… », чтобы более полно понять их сокровенные действия. По мнению историка искусства Джеймса Элкинса, эта модель может также выдать стремление истории искусства« стать научным — желание, которое давно заразило гуманитарные науки ».

Историки искусства обычно работают с двумя типами деталей. Кулак рассматривает детали повествования картины, то есть конкретные иллюзорные объекты или части объектов, которые представлены в изображенной сцене. Часто такие детали занимают лишь минимальную площадь поверхности картины, но для любознательного искусствоведа они имеют большое значение для окончательного прочтения работы в целом.Например, крохотная, едва заметная плитка для пола с нацарапанным на ней купидоном в картине Вермеера Milkmaid , изображении, которое традиционно интерпретировалось как гимн домашней добродетели, может, согласно одному анализу, предполагать скрытые любовные оттенки. В этом случае любовное чтение, вероятно, будет усилено находящейся поблизости грелкой для ног, которая, по словам одного историка искусства, временами ассоциировалась со стремлением любовника к постоянству и заботе, но также могла иметь сексуальный подтекст, поскольку большинство голландцев знали бы, что тепло углей двигалось под юбкой вверх, к интимным частям дамы.

Второй тип деталей касается изолированной области картины, где объектом внимания является не столько иллюзорный объект, сколько способ или средства, с помощью которых он изображен. Наиболее часто анализируемыми деталями такого рода являются обработка кисти, особые свойства краски или поверхности и стилистические компоненты, которые могут отличать технику одного художника от техники другого. Различные историки искусства утверждали, что «фрагмент играл центральную роль в романтической эстетике; считалось, что он обладает большей непосредственностью, чем целое, а также привилегированным отношением к истине.Считалось, что произведения искусства приглушены системами академических условностей и навыков, а также такими понятиями, как баланс, симметрия, композиция и особенно приличия. Считалось, что детали находятся вне таких систем » 2 и, таким образом, способны раскрыть сокровенную сущность художника.

Портрет Джованни Морелла
Франц фон Ленбах
1886
Холст, масло, 125,5 х 90,2.
Accademia Carrara

Джованни Морелли (1816–1891) был итальянским искусствоведом и политическим деятелем, который разработал научную технику, идентифицирующую с помощью незначительных деталей, которые выявили едва осознаваемые художниками стенографию и условности изображения.Мореллианский метод основан на подсказках, предлагаемых незначительными деталями, а не на идентичности композиции и предмета или других широких трактовках, которые с большей вероятностью будут уловлены студентами, переписчиками и имитаторами. Мореллианский метод уходит своими корнями в собственную медицину Морелли, с его идентификацией болезни по многочисленным симптомам, каждый из которых может быть очевиден сам по себе. Принимая подход Морелли, один ученый недавно утверждал, что авторство Вермеера ранней Дианы и ее сподвижников и Христос в доме Марфы и Марии усиливается тем фактом, что пальцы ног двух женских фигурок нарисованы аналогичным образом. .Мореллианский метод обнаружения сущности и скрытого смысла в деталях не только повлиял на ход истории искусства, но и оказал гораздо более широкое культурное влияние. Ссылки на его творчество есть в романах Артура Конан Дойля о Шерлоке Холмсе и в произведениях Зигмунда Фрейда.

Некоторые историки искусства возражают против опасностей рассматривать детали как ключ или «последнее слово», «которое способно раскрыть и исчерпать весь смысл всего, что нарисовано вокруг него». 3 Дженкинс постулирует, что в наши дни «увлечение деталями может быть не чем иным, как попыткой, иногда не полностью сформулированной, вырваться из потенциально жесткой хватки иконографической интерпретации» »Французский философ и историк искусства Жорж Диди-Хуберман высказывает мнение, что картина «всегда считается зашифрованным текстом, а шифр, как сундук с сокровищами или скелет, спрятанный в шкафу, всегда ждет, чтобы его нашли, как-то за картиной, а не заключенный в материал. плотность краски: она будет «решением» загадки, поставленной картиной, ее «мотивом» или «признанием» ее тайного значения.В большинстве случаев это будет эмблема, портрет или намек на «события» повествовательной истории; Короче говоря, то, что историк будет обязан заставить написанное произведение «признаться» или отказаться от него, будет символом или референтом. Это означает действовать так, как если бы нарисованная работа совершила преступление, единичное преступление (когда факт остается фактом, что нарисованное произведение, красивое как картина и хорошее как золото, либо вообще не совершило преступления, либо, хитро используя черный цвет. магия зрения, сходит с рук сотни невидимых).» 4


Диагональная линия

См. Также стр.

Линия, наряду с цветом, считаются самыми основными элементами рисунка. Различные линии имеют разное психологическое воздействие в зависимости от их длины, направления и веса.

Диагональные линии предполагают ощущение движения или направления. Диагональные линии создают ощущение нестабильности по отношению к гравитации, будучи ни вертикальными, ни горизонтальными, но также потому, что они не связаны статическим образом с краями бумаги или холста художника.Кажется, они в космосе опрокидываются. Поскольку периферия глаза чувствительна к движению или любой диагонали, она требует полного внимания со стороны зрителя, поэтому дорожные знаки, предназначенные для предупреждения об опасности, имеют диагонали в форме ромба.

В двухмерной композиции диагональные линии также используются для обозначения глубины, иллюзии перспективы, которая втягивает зрителя в картину, создавая иллюзию пространства, внутри которого можно перемещаться. Таким образом, если требуется ощущение движения или скорости, или ощущение активности, можно использовать диагональные линии.Художники барокко, в частности, использовали диагональную линию, чтобы привнести в свои работы энергию и движение.

Хотя обычно дизайн Vermeer считается преимущественно прямолинейным, художник постоянно использовал четкие диагонали, чтобы привнести визуальный динамизм и создать ощущение непрерывного развития повествования. Одно из наиболее эффективных применений диагональных линий можно найти в модели «Женщина пишет письмо со своей служанкой» . На этой картинке серия из трех подразумеваемых диагональных линий накладывается на прямолинейную композиционную структуру, усиливая напряжение повествования, когда хозяйка отбрасывает только что полученное письмо (см. Письмо и красную восковую печать на полу перед table) и поспешно пишет, пока ее горничная терпеливо ждет, чтобы доставить письмо, как только оно будет закончено.


Дилетант

Изначально поклонник или любитель искусства, знаток. Или любитель искусства или области знаний; на любителя. Сегодня слово «дилетант» чаще используется в последнем смысле и многими воспринимается — слушателем, даже если не говорящим — как оскорбление. Он был более невинным в своем первоначальном употреблении, происходящем от итальянского слова «dilettare», что означает «восхищать». В 18 веке дилетантом был просто человек, увлекавшийся искусством.Позже этот термин стал обозначать любителя — человека, который занимается искусством как развлечением, но не занимается им профессионально. Из этого значения развилось уничижительное значение, которое слово несет сейчас: человек, который балуется искусством, но не совсем ему предан.


Disegno vs. Colorito (дискуссия «рисунок против цвета»)

Во Флоренции, disgno («рисунок» или «дизайн») рассматривался как sine qua non художественного стремления, основное средство для создания картины, приближенной к природе. Disegno был основополагающим для всех областей искусства эпохи Возрождения: живописи, скульптуры и архитектуры. Хотя считается, что идея рисунка как основы искусства живописи и скульптуры была выражена, по крайней мере, еще при Петрарке, 5 , историческая концепция искусства design «частично зародилась в мастерской скульпторов и была прямая ссылка на пластичность произведения. Джорджо Вазари (1511–1574), выдающийся художественный критик эпохи Возрождения, придал этой концепции универсальную форму, объединив все визуальные искусства как arti del discno и положив начало фундаменту Академии дизайна (Accademia del Disegno) во Флоренции в 1562 году.В использовании Вазари design указывает на правильную форму или идею вещей в сознании художника, то есть disgno понимается в первую очередь как правильное соотношение целого к его частям и частей друг к другу ». 6 Таким образом, design считался ключом ко всему процессу воображения, средством мысли художника и его конкретным выражением.

С другой стороны, в Венеции, colorito , «колорирование» было не только цветом, но и основным средством, с помощью которого нарисованные изображения могли придать вид жизни.Флорентийский колорит часто был более ярким, чем палитра венецианских картин; Типично венецианский стиль, однако, заключался в наложении и смешивании цветов для достижения сияющего естественного богатства. Вместо того, чтобы начинать с тщательных рисунков, где контуры фиксируются со скрупулезной точностью, венецианские художники часто разрабатывали композиции непосредственно на холсте, используя многослойные пятна цветов и видимые мазки, а не линии, чтобы вызвать ощущение пространства и формы. Венецианские художники обращали гораздо больше внимания на эффекты света, чем флорентийцы, и использовали эти знания для создания движения и объема в композиции.

Эти дебаты, которые бушевали на протяжении всего Раннего Возрождения (около 1400–1490) и Высокого Возрождения (около 1490–1530), оспаривались многими ведущими представителями академического искусства вплоть до девятнадцатого века. В споре между двумя позициями участвовали теоретики, художники, соперничество между регионами и эстетические соображения.

Роджер Де Пилес (1635–1709), французский искусствовед, внесший важный вклад в эстетику в своем диалоге Dialogue sur le coloris («Диалог о цветах»), порвал с традициями и яростно утверждал, что цвет — не просто случайный орнамент. но главное условие видимости объекта.Таким образом, цвет для де Пильса был частью естественного порядка живописи.

Это попытка оценить достижения крупнейших художников, начиная с Рафаэля (1483–1520 гг.), Де Пайлс выставлял оценки из двадцати за каждую композицию, дизайн или рисунок, цвет и выражение. После упадка оценки Де Пайлеса были опорочены. классицизма, и его рейтинг теперь считается его «самым печально известным вкладом в критику», хотя его «разложение общего качества работы на четыре свойства было революционным и амбициозным в то время.»После изучения исторической корреляции (1736–1960 гг.) Между ценами, достигнутыми на их произведениях на аукционе, и оценкой Де Пиле списка из пятидесяти шести основных художников своего времени (с работами которых он был знаком как знаток) во время своих путешествий) профессор экономики Кэтрин Грэдди пришла к выводу, что «рейтинги критика держатся очень хорошо», лучше, чем у других критиков или «случайных суждений». В общем, «его художники, получившие более высокие оценки, достигли большая отдача, чем у его художников с более низким рейтингом.» 7

Таблица художников

Де Пайлеса приводится ниже. Каждому художнику были поставлены оценки от «0» до «18» по композиции, рисунку, цвету и выражению, что должно было дать обзор эстетической оценки, зависящей от баланса между цветом и дизайном. Самые высокие оценки достались Рафаэлю, с небольшим уклоном в цвет для Рубенса и небольшим уклоном в рисунок для Рафаэля. Художники, получившие очень низкие оценки во всем, кроме цвета, были Джованни Беллини, Джорджоне (ок. 1477 / 8–1510) и замечательно Караваджо с «16» по цвету и «0» (ноль) по выражению лица.Художники, которые сильно отставали от Рубенса и Рафаэля, но чей баланс между цветом и дизайном был идеальным, — это Лукас ван Лейден (1494–1533), Себастьян Бурдон (1616–1671), Альбрехт Дюрер (1471–1528). Рембрандту (1606–1669), который сегодня считается одним из величайших рисовальщиков мира, была присвоена бессистемная цифра «6».

Художник

Состав

Чертеж

Цвет

Выражение

Андреа дель Сарто 12 16 9 8
Федерико Бароччи 14 15 6 10
Якопо Бассано 6 8 17 0
Джованни Беллини 4 6 14 0
Себастьян Бурдон 10 8 8 4
Шарль Лебрен 16 16 8 16
Я Карраччи 15 17 13 13
Кавалер д’Арпино 10 10 6 2
Корреджо 13 13 15 12
Даниэле да Вольтерра 12 15 5 8
Абрахам ван Дипенбек 11 10 14 6
Иль Доменикино 15 17 9 17
Альбрехт Дюрер 8 10 10 8
Джорджоне 8 9 18 4
Джованни да Удине 10 8 16 3
Джулио Романо 15 16 4 14
Гверчино 18 10 10 4
Гвидо Рени x 13 9 12
Гольбейн 9 10 16 3
Якоб Йорданс 10 8 16 6
Лукас Йорданс 13 12 9 6
Джованни Ланфранко 14 13 10 5
Леонардо да Винчи 15 16 4 14
Лукас ван Лейден 8 6 6 4
Микеланджело 8 17 4 8
Караваджо 6 6 16 O
Мурильо 6 8 15 4
Отон Вениус 13 14 10 10
Пальма-иль-Веккьо 5 6 16 0
Пальма-иль-Джоване 12 9 14 6
Il Parmigianino 10 15 6 6
Джанфранческо Пенни O 15 8 0
Перин дель Вага 15 16 7 6
Себастьяно дель Пьомбо 8 13 16 7
Primaticcio 15 14 7 10
Рафаэль 17 18 12 18
Рембрандт 15 6 17 12
Рубенс 18 13 17 17
Франческо Сальвиати 13 15 8 8
Eustache Le Sueur 15 15 4 15
Тенирс 15 12 13 6
Пьетро Теста 11 15 0 6
Тинторетто 15 14 16 4
Тициан 12 15 18 6
Ван Дайк 15 10 17 13
Ваниус 15 15 12 13
Веронезе 15 10 16 3
Таддео Зуккари 13 14 10 9
Федерико Зуккари 10 10 8 8

Диски беспорядка / Halations

См. Также камеру-обскуру и пуантильи.

В оптике диск нерезкости (также называемый ореолом, размытым кругом, кругом нерезкости и кругом нечеткости) относится к эффекту несходящихся несфокусированных лучей света, попавших в линзу. Когда световые волны не сходятся после прохождения через линзу, они создают более крупное оптическое пятно, а не объединяются в одной точке, как в случае зеркального блика.

В нормальных условиях «диски замешательства» не видны человеческим глазом, потому что «он быстро переключает фокус на объект, рассматриваемый на мгновение, так что большинство людей не осознают, что…. глаз в любой момент сосредоточен на одной плоскости. Если бы глаз не сместил фокус так быстро, как это происходит, можно было бы заметить круги смятения, формирующиеся на сетчатке, но эксперименты показывают, что расфокусированное изображение, сформированное на сетчатке, бесполезно для целей создания изображений, даже если каждый знает о его существовании ». 8

Историки искусства приравняли определенные шаровидные блики светлой краски, обнаруженные на многих картинах Вермеера, с кругами замешательства, которые художник предположительно наблюдал через камеру-обскуру.Эти живописные интерпретации получили название « пуантиле, ». Вермеер широко использовала пуантиль в The Milkmaid , хотя они кажутся несколько рудиментарными, впервые разбросанными в волосах девушки , читающей письмо у открытого окна , на атласном лифе и на узловатой поверхности переднего плана. Турецкий ковер. Вид на Делфт также представляет собой обилие пуантиль , многие из которых, однако, не были бы зарегистрированы реальной камерой-обскурой в естественных условиях, прежде всего те, которые встречаются в глубоких тенях, таких как днище лодок. пришвартовался на набережной. Пуантильи также очень заметны в конце Lacemaker , где они переливаются на переднем плане натюрморта. Следует предположить, что как только Вермеер понял, как диски замешательства создаются камерой-обскурой и как имитировать их с помощью краски, он применил их со значительной художественной свободой, чтобы усилить эффект света, когда он играет на естественной поверхности.

Хотя голландские художники экспериментировали с рядом техник для изображения бликов, которые являются ключом к созданию иллюзии условий освещения (обычно интенсивного), на блестящих текстурах поверхности только Вермеер методично применил круговые блики.Возможно, единственный другой пример таких ярких моментов в голландской живописи — это туфли на переднем плане картины Габриэля Метсу (1629–1667) «Женщина, читающая письмо », картины, которая, вероятно, была вдохновлена ​​самим Вермеером.

Это весьма своеобразное оптическое явление в живописи Вермеера систематически исследовалось Чарльзом Сеймуром («Темная камера и светлая комната: Вермеер и камера-обскура», Art Bulletin 46, 1964) и Дэниелом А. Финком («Использование Вермеером Камера-обскура: сравнительное исследование, Художественный бюллетень 53, 1971).Оба писателя экспериментировали с настоящими обскурами для фотоаппаратов, сфокусировавшись на натюрмортах, имитирующих Вермеера, в попытках воспроизвести эффекты, наблюдаемые на картинах Вермеера.


«Распутные» автопортреты голландских и фламандских художников

взято из аннотации :
Ингред Картрайт, «Hoe schilder hoe wilder: Беспорядочные автопортреты в голландском и фламандском искусстве семнадцатого века», диссертация, Университет Мэриленда, 2007. http://drum.lib.umd.edu/bitstream/1903/7720/1 / umi-umd-4997.pdf

В семнадцатом веке голландские и фламандские художники представили публике странное новое лицо в своих автопортретах. Вместо того чтобы принять традиционный облик ученого художника-джентльмена, которому способствовал ренессанс topoi , многие художники представили себя в более неприглядном свете. Бросив благородные одежды pictor doctus , они курили, пили и преследовали женщин. Голландские и фламандские художники исследовали новый способ самовыражения в беспутных автопортретах, охватывая многие формы поведения, которые теоретики искусства и культура в целом осуждают.

Беспутные автопортреты отличаются от того, что ожидалось от обычного автопортрета, но тем не менее их ценили и ценили в голландской культуре и на рынке искусства.

Беспорядочные автопортреты также отражают более широкую тенденцию в отношении художественной самобытности семнадцатого века, в частности, стереотип «hoe schilder hoe wilder» [«чем больше художник, тем он более дикий»), отсылка, которая снова появляется в века, как в печати, так и в красках], который позиционировал голландских и фламандских художников как непослушных персонажей, склонных к расточительности и распаду.Художники приняли эту особую идентичность, которая, в свою очередь, предоставила им определенную свободу от социальных норм и право на неправильное поведение. В автопортретах художники подчеркивали свою распутную натуру, ассоциируя себя с такими темами, как «Пять чувств» и «Блудный сын в таверне».


Doorkijkje (прозрачная дверь)

Вид на интерьер , или Тапочки (традиционное название, данное в XIX веке)
Самуэль ван Хугстратен
Между 1654 и 1662 годами
Масло, холст, 103 х 70 см.
Лувр, Париж

Одним из наиболее эффективных приемов голландских художников семнадцатого века для достижения живописной глубины в домашних условиях был так называемый doorkijkje , или «прозрачный» дверной проем, который позволяет зрителю видеть что-то за пределами изображенной комнаты, будь то быть другой комнатой, серией комнат, коридором, улицей, каналом, двором или садом. doorkijkje предлагает художнику возможность создать более сложное архитектурное пространство и одновременно расширить повествование.

Николаес Маес (1634–1693) нарисовал шесть версий подслушивания праздного слуги или встречи мужчины и служанки, мелькающих через открытую дверь. Другие примеры устройства doorkijkje можно найти в работах Эммануэля де Витте « Интерьер с женщиной у Девственниц » (ок. 1660 г.) и «Вид на коридор » (1662 г.) и г. Сэмюэля ван Хугстратена (1627–1678). Тапочки то же.

Однако ни один голландский художник не использовал это устройство больше, чем Питер де Хох (1629–1684) как во внутренних, так и во внешних сценах.Во дворе Дома в Делфте мы видим это в последовательности полного света на кирпичах переднего плана, контрастирующего с более тихим оттенком крытого, выложенного плиткой прохода и открытой двери на залитую солнцем улицу за ним. Историк искусства Марта Холландер обнаружила, что из более чем 160 картин, приписываемых Де Хоху, только двенадцать не демонстрируют эту технику doorkijkje , открывающую вторичные и третичные виды на другие комнаты, дворы или улицу за их пределами. 9

Было указано, что в двадцатом веке итальянский кинорежиссер Лукино Висконти, как и голландские художники семнадцатого века столетия назад, особенно любил изображать своих актеров через дверные проемы в искусстве и кино или, наоборот, блокируя наш взгляд на другого персонажа, которого мы хотели бы видеть; поэтому намеренно утаивание информации. 10

Всего Вермеер нарисовал три мотива doorkijkje : ранний A Maid Asleep , The Love Letter и потерянную работу, описанную в каталоге аукциона 1696 года как «В котором джентльмен моет руки в перспективной комнате с фигурами. , хитроумное и редкое … »Картина была продана за 95 гульденов, что сделало ее одной из самых дорогих работ на аукционе.

Принято считать, что Вермеер рисовал непосредственно с дверей Николая Маеса для своего Спящая горничная , в то время как сложная композиционная структура его позднего любовного письма может быть прослежена до Ван Хугстратена Тапочки или Питера де Хуча Пара с попугаем .Хотя, очевидно, нет никакого способа представить себе потерянную дверь doorkijkje , после A Maid Asleep Вермеер никогда больше не открывал вид на другую комнату, кроме той, в которой происходит сцена.


Doorsien

Doorsien — голландское слово, буквально означающее «окунуться». Голландских художников особенно интересовали виды вдаль, которые они назвали doorien . Doorsiens не только усиливал ощущение глубины изображения, но и помогал художнику структурировать сложные сцены с большим количеством фигур, убедительно размещая их в разных плоскостях.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *