Стили артов современных: Современные Стили Рисования (+ Фото) Как Найти Свой Стиль? • ИзоКурс, Мск
Современные стили рисования — 139 фото
Minjae Lee картины
Стилизованный портрет в мультяшном стиле
Стили рисования людей
Стили рисования девушек
Красивые стили рисования
Стили рисования людей
Рисунки девушек
Креативные рисунки
Абстрактные рисунки
Tanya Shatseva картины
Художник toonimated портреты в стиле аниме
Стили рисования
Стили рисования
Картины сильвии Пелиссеро
Художник toonimated портреты в стиле аниме
Цветная Графика
Классные стили рисования
Цветная Графика
Иллюстрации в разных стилях
Художник toonimated портреты в стиле аниме
Minjae Lee. Современный художник иллюзиии
Картины Эммы Абер
Стилизованный портрет карандашом
Портрет в мультяшном стиле
Необычные стили рисования
Крутые стили рисования
Крутые стили рисования
Стили рисования девушек
Акварельные портреты Silvia Pelissero
Стили рисования людей
Девушка акварель
Необычные стили рисования
Иллюстрации Kelsey Beckett
Интересные стили рисования
Необычные стили рисования
Анна Щеголькова
Minjae Lee.
Современный художник иллюзиии
Варвара митяева
Стили рисования
Красивые стили рисования
Кисти loish
Красивые стили рисования
Gwen d’Arcy это
Необычные стили рисования людей
Необычный стиль рисования глаз
Стили рисования
Лицо девушки в мультяшном стиле
Портрет акварелью Агнес Сесиль
Lera Kiryakova рисунки Мелани
Люди в мультяшном стиле
Эммы Убер «девушка в голубой шляпе».
Карне Гриффитс (carne Griffiths)
Необычные стили рисования людей
Стили рисования персонажей
Стилизированный портрет
Стиль живописи каракули
Арт прически для девушек
Необычные стили рисования
Художница Лера Кириякова
Яркие картины
Саша Бродская
Акварельный портрет
Агнес Сэмпсон
Люди в мультяшном стиле
Санди Шимель Голд
Интересные стили рисования
Иллюстрации цветными карандашами
Стили рисования девушек
Картины Юлии Бродской
Художник Димитра Милан
Классные стили рисования
Современная художественная Графика
Картинки девушки нарисованные
Художник Димитра Милан
Скетчбук стили рисования
Гарри Поттер в стиле Тима Бертона
Идеи для рисования маркерами
Классные стили рисования
Стиль рисования персонажей лёгкий
Крутые стили рисования
Крутые стили рисования
Карне Гриффитс картины
Скетчи персонажей
Loish художница
Стили рисования
Avvart Алексей Виноградов цифровая живопись
Стили рисования
Мэдди Зиглер 2020 и сия
Itslopez Эльза
Стили рисования художников
Портрет в абстрактном стиле
Itslopez Эльза
Дэвид Уолкер художник
Яркие портреты
Стили портретов карандашом
Арты для скетчбука
Цветы в разных стилях рисования
Необычные стили рисования
Стили рисования в полный рост
Лайнворк тату эскизы
Стили рисования артов
Художник Dino Tomic
Стили рисования девушек
Д’Эррико, Камилла
Стили рисования артов
Художник Aaron Griffin
Современное арт искусство
Мультяшныцй силь рисования
Изабель Штауб Суперкрошки
Портрет акварелью Агнес Сесиль
Красивые скетчи
Рисунки Елены ШЕЙДЛИНОЙ
Дженнифер Хили (Jennifer Healy)
Скетчи маркерами девушки
Набросок лица девушки для рисования
Цветная Графика
Акварельные портреты сильвии Пелиссеро
Необычная внешность арт
Мультационый стиль рисования
Красивые креативные рисунки
Стильный портрет
Портреты цветными карандашами БТС
Hannah adamaszek
Портреты акварелью Леся Поплавская
Арт БТС стиль
Декоративный портрет живопись
Agnes Cecile художник
Девушки в стиле арт
Необычные портреты красками
Сильвия Пелиссеро картины
Эмма Убер
Стилизованный портрет карандашом
Необычные стили рисования
Портрет в мультипликационном стиле
Рисунки Ross Tran (Rossdraws)
Необычные стили рисования карандашом
Скетчбук девушки
Портрет пастелью
Арты для вдохновения идеями рисования
9 современных художников, за которыми надо следить
Назвать кого-то «вторым Бэнкси» уже давно звучит как сомнительный комплимент – кроме Бэнкси есть десятки актуальных художников, упаковывающих социальные или чисто эстетические высказывания в разноцветные (или черно-белые) уличные картинки.
Вместе с лимитированной арт-серией Hennessy Very Special, воплотившей своенравный и независимый дух стрит-арта, рассказываем о современных уличных (и не только) художниках, за которыми надо следить, а также о городах, куда стоит поехать, чтобы посмотреть на их работы.
Felipe Pantone
Сайт | Instagram
Фелипе Пантоне родился в Буэнос-Айресе, в 10 лет переехал Испанию, а в 12 – начал рисовать граффити. Впрочем, официальное образование в области изящных искусств он тоже получил – в Валенсии, где и находится его студия. Пантоне – это псевдоним. Когда художник начинал заниматься стрит-артом, его ник был Paint One, но в процессе это все слилось в одно слово. А вот если ты встретишь Фелипе где-то на улице, ты его не узнаешь – художник принципиально не фотографируется. Стиль Фелипе напомнит тебе о каллиграфии, винтажной типографике и оп-арте, художественном течении второй половины XX века, которое использовало оптические иллюзии и геометрические абстракции, дающие зрителю впечатление движущихся узоров.
Художник много путешествует, поэтому темы динамичности, трансформации, современных технологий и их связи с искусством тоже важны в его творчестве: он даже пишет об этом в своем манифесте, который так и называется –
Сейчас Фелипе продолжает рисовать на улицах, устраивает собственные выставки и сотрудничает с разными компаниями. Например, Пантоне стал первым современным художником, сделавшим фильтры специально для Instagram, а в этом году стал автором этикетки лимитированной серии Hennessy Very Special Limited Edition и арт-объекта — инсталляции, состоящей из ста пронумерованных элементов, каждый из которых можно купить и персонализировать. Это продолжение одного из проектов художника – Configurable Art. Он считает, что в мире, где все подвержено кастомизации – от телефона до кроссовок – любой желающий может собрать и собственный арт-объект из предложенных Пантоне паттернов, глитчей и элементов компьютерной графики. Configurable Art — это взаимодействие технологий, интернета и искусства.
Ближайшее произведение Фелипе – монументальное граффити на боковой стене торгового центра «Атриум» в Москве и 24-метровaя инсталляция «Фонтан данных» внутри. Работы Пантоне также можно увидеть в арт-квартале Винвуд в Майами, Риме, Гонконге и других городах – из последних творений нас больше всего впечатлила трехмерная инсталляция в Siam Center (Бангкок, Таиланд).
Если не собираешься никуда ехать, можешь не сходя с места заценить его мурал в виде QR-кода (самый большой в мире, как утверждает сам художник) высотой 25 метров и шириной 30. Оригинал находится в бельгийском Хасселте, но отсканировать можно на сайте художника.
Vhils
Сайт | Instagram
Вилс родился в Лиссабоне и рос там в то время, когда атмосфера в Португалии была весьма терпима к граффити, а рисовать на улице было безопасно и намного интереснее, чем сидеть у телевизора.
Так что Вилс начал ставить теги на пути в школу, потом переключился на поезда – он жил возле пригородной железнодорожной линии, потом стал выбираться в другие города Португалии и Европы, присоединяться к арт-группам и участвовать в выставках. В конце концов добрался и до Лондона, где закончил престижный колледж искусств и дизайна, а в 2008-м Бэнкси (ну да, какая статья про стрит-арт без Бэнкси!) пригласил его поучаствовать в фестивале стрит-арта в Лондоне. Дальше были другие фестивали, выставки и биеннале современного искусства, работы по всему миру – в галереях и на улицах.
Это тот самый автор, работы которого ты узнаешь в любом городе мира из-за специфической фактуры и техники: это портреты людей, созданные с помощью абразивных инструментов и жидкостей, разрушения штукатурки стен, скретчинга и даже контролируемых взрывов. Часть работы всегда остается незаконченной – дальше в дело вступает окружающая среда, под воздействием которой произведение продолжает меняться. Вилс напоминает, что стрит-арт – это не только краска, а еще и дрель, молоток и зубило, и в его случае уличное искусство больше похоже на археологические работы, открывающие то, что лежит под поверхностью.
Много масштабных творений Вилса ты встретишь на улицах Лиссабона и других городов Португалии (чекай карту). Не пропусти крутую коллаборацию с Шепардом Фейри, которая сочетает фирменные яркие краски Шепарда с фирменным грубым многослойным стилем Вилса. Если до Лиссабона ехать далеко, можешь сгонять в Киев. Там на улице Михайловской – портрет Сергея Нигояна, первого погибшего во время Евромайдана, а в Москве – портрет Маяковского, практически выгравированный на многослойной штукатурке.
JonOne
Сайт | Instagram
Джон начал рисовать граффити в 1980 году в Нью-Йорке, где в то время наркотики достать было легче, чем краску.
Атмосфера была довольно унылая и беспросветная, и люди, которые просто писали свои имена на стенах, казались настоящим символом свободы и бунта. Джон присоединился к ним со своим маркером, начав со стен собственного дома, а когда это не встретило поддержки у жильцов, переключился на метро – ведь это настоящий музей стрит-арта, который мчится через весь город. Было опасно: на краску не хватало денег и ее пришлось украсть, можно было попасть под поезд, пока прячешь баллончик с краской. Джон стал выделяться: пока остальные рисуют графику, он переключается на абстракции, его начинают звать на выставки и арт-тусовки, а один новый богатый знакомый приглашает в Париж.
В Нью-Йорк он уже не вернулся, а остался в парижском арт-сквоте Hospital Ephemeral, где жило множество художников и который стал его студией. Джон рисует не только на стенах, но и на холсте: работа, созданная в Hospital Ephemeral, была продана за рекордную для стрит-арта цену во Франции (€ 25 000). Теперь у него своя студия, орден Почетного легиона и внушительный список коллабораций: помимо бутылки Hennessy, он раскрасил самолет Боинг-777 и банковскую карточку.
Впрочем, это не мешает ему ходить в испачканных краской брюках (в них он демонстративно фотографируется на фоне своих картин). Все его работы абстрактны и могут напомнить тебе стиль Джексона Поллока и Жана-Мишеля Баския – точки, линии и потеки краски в неоновых оттенках.
Прямо сейчас ты можешь увидеть его работы в Париже на выставке Art Élysées в секции урбан-арта в рамках Парижской недели искусства. Еще один шанс – выставка Blue Night в Galerie Droste (Katernberger Str. 100) в Вуппертале, которая продлится до 23 ноября. Несколько работ есть в постоянной коллекции Ghost Gallery в Марселе.
Scott Campbell
Сайт
Скотт Кэмпбелл – художник и татуировщик со своей студией в Нью-Йорке, который делал тату Роберту Дауни-младшему, Пенелопе Крус, Стингу и другим знаменитостям.
Скотт изучал биохимию и планировал стать медицинским иллюстратором, но бросил учебу, переехал в Сан-Франциско и начал заниматься татуировками, путешествовал по Азии (зарабатывая себе на дорогу снова-таки тем, что делал тату), а потом осел в Нью-Йорке, открыв свою студию Saved Tattoo в Бруклине – первым звездным клиентом стал Хит Леджер.
Помимо тату, Скотт занимается созданием арт-объектов, творческими коллаборациями и перформансами. Одним из них была акция, когда он сделал татуировки 23 посетителям выставки. Через дыру в стене. Какими будут тату, участники, конечно, заранее не знали.
Художник выставлялся в московском «Гараже» и лондонском Covent Garden. У работ Скотта всегда потенциал скандала: сшитые куски свиной кожи с набитыми татуировками, объекты, созданные из вещей, найденных в тюрьме в Мехико, художественно разрезанные долларовые купюры, графика на яичной скорлупе, реплика отвертки из золота и драгоценных камней.
Ryan McGinness
Сайт | Instagram
Цветы, флуоресцирующие мандалы, похожие на причудливую радужку глаза и странные уличные знаки – это фирменный стиль нью-йоркского художника Райана МакГиннесса.
Он вырос на культуре серферов и скейтбордистов, проходил стажировку в Музее Энди Уорхола – отзвуки всего этого ты и встретишь в его работах, использующих яркие краски, образы поп-культуры и логотипы корпораций.
Среди его работ – оформление скейт-парка в Детройте, где художник перепридумал визуальный стиль запрещающих уличных знаков, сделав их сюрреалистичными и абсурдными. Продолжением взаимодействия художника с уличной средой стала инсталляция Sign Trees, выглядящая как «деревья» из уличных знаков – на которых вместо привычных простых символов появляются голова оленя, метроном или сложный орнамент. Разгадывать, что именно предписывает или запрещает такой знак, можно бесконечно. Однажды сюрреалистичные знаки художника появились прямо на улицах Нью-Йорка, причем ответственным за производство и установку был городской департамент транспорта. Бруклин тоже получил свою порцию странных зеленых знаков, а парк Хай-Лайн – светящуюся неоновую инсталляцию в виде фигур женщин.
Работы художника найдешь в постоянных коллекций музеев современного искусства в Нью-Йорке, Сан-Диего, Цинциннати.
Shepard Fairey
Сайт | Instagram
Даже если ты не знаешь его имени, ты точно знаешь его работы: тот самый портрет Барака Обамы с надписью Hope и Большой брат с надписью Obey – это изображение французского борца Андре Руссимоффа по кличке Giant.
Начиналось все совсем не на улице: Шепард ходил в консервативную частную школу и жил довольно скучной жизнью, пока не открыл для себя скейтбординг и панк-рок, начав разрисовывать доски и одежду для друзей. В результате он закончил целых две художественных школы, причем довольно престижные – школу искусств в Калифорнии и Род-Айлендскую школу искусства и дизайна, одну из старейших художественных школ США. В Калифорнии Шепард увлекся хип-хопом и задумался о расизме и социальной справедливости – эта тема до сих пор важна в его работах.
В какой-то момент Шепард напечатал наклейку с надписью Obey, раздавал ее друзьям-скейтбордистам и сам расклеивал ее повсюду.
Позднее это стало отдельным брендом стривира – Obey Clothing. Шепарда арестовывали 18 раз, но сейчас у него есть своя галерея и студия дизайна в Лос-Анжелесе, причем в том, что касается галереи, он заботится не о прибыли, а о том, чтобы дать площадку молодым художникам.
Шепард делает муралы, плакаты и коллажи из старых газет и обоев – ему нравится, чтобы работа была текстурной и многослойной, нравится, что работу на улице кто-то может заклеить, добавив к ней еще один слой. Так процесс свободного творчества не прекращается. Его стиль – портреты, напоминающие работы Энди Уорхола и пропагандистские плакаты, обычно с политическим подтекстом (Шепард делает плакаты для благотворительных организаций и протестных маршей). Художник любит порассуждать о философии, цитирует Хайдеггера и Ороуэлла, так что если хочешь не только визуальной, но и интеллектуальной пищи, почитай его манифест и эссе.
Стикеров и муралов Шепарда полно по всему миру. Выделим три: мурал в Москве «Искусство должно распространяться повсюду» (фасад трамвайного депо имени П.
Л. Апакова на Мытной), вдохновленный советским авангардом и конструктивизмом с его простыми формами и базовыми цветами; мурал в Йоханнесбурге – портрет Нельсона Манделы в честь 25 годовщины начала протестов против апартеида, и мурал с изображением Марианны, символа Французской республики в Париже, посвященный жертвам атак 2015 года. Ни к чему не призываем, но если у тебя давно чесались руки попробовать себя в качестве уличного художника, то знай, что на сайте Шепарда можно скачать те самые стенсилы Obey.
Os Gemeos
Сайт | Instagram | Facebook
Бразильских близнецов ты, скорее всего, знаешь: их фирменные желтые гиганты могут взглянуть на тебя со стены практически любого города мира.
Близнецы родились в 1974-м году в Сан-Паулу (мама и старший брат – художница и скульптор), а в 12 лет увлеклись хип-хоп культурой и граффити. Сан-Паулу – живой и хаотичный город, улицы которого они и начали расписывать.
Интернета и смартфонов тогда не было, поэтому в поисках информации братья иногда вырывали страницы из книг в библиотеке, а в поисках вдохновения обращались к бразильской культуре. И пока другие художники вовсю переходят на виртуальное искусство, для них по-прежнему важно искусство физическое. Постепенно братья вливались в бразильскую арт-тусовку, а после интервью в журнале об уличном искусстве становятся знаменитыми.
Сегодня рисунки близнецов можно увидеть в Австралии, Аргентине, Германии, Греции, Испании, Португалии, США, Франции и Чили. В Рио-де-Жанейро они расписывали поезда в рамках социального проекта вместе с немецкими, итальянскими и американскими художниками и местными школами: художники проводили мастер-классы, а дети создавали свои рисунки. Огромные работы Os Gemeos появлялись на стенах шотландского замка Кельбурн XIII века, лондонской галереи Tate Modern и минской заводской улицы Октябрьской. Узнать Os Gemeos просто – желтые человечки (братья говорят, что этот образ – то, как они видят себя во сне) и сказочные вселенные.
Наслаждайся.
Futura
Instagram
Futura – один из первых уличных художников в США, который лично знал многих активистов уличной сцены периода волны граффити 70-х. Псевдоним – дань любви к фильму «Космическая одиссея 2001» Стенли Кубрика. В целом, жизнь Futura похожа на путь многих других современных художников: начинал с граффити-тегов, перешел к абстрактной живописи на холстах, попал с уличных стен в музеи и галереи, коммерциализировал свое искусство, став дизайнером – но штука в том, что все это он сделал на двадцать лет раньше. И пока другие вдохновлялись Энди Уорхолом и Жаном-Мишелем Баския, он был знаком с ними лично.
Futura довольно быстро понял, что теги и буквы в нью-йоркской подземке его не устраивают, и перешел к абстрактной живописи, напоминающей о космосе, звездных туманностях и солнечных системах (они могут напомнить тебе композиции Кандинского из точек и линий).
Художник несколько лет служил в флоте, что позволило ему повидать многие страны мира, а вернувшись домой, вернулся и к уличному искусству в местной арт-тусовке. Сейчас его работы можно найти в Нью-Йорке, Париже и Лондоне – больше в музеях, чем на улицах. Новаторским (для того времени – дело было в 2000-х) стал мультимедиа арт-проект Defumo, когда культурный центр в Италии трое известных стрит-арт художников за неделю превратили в музыкальный клуб. Документация проекта связала между собой муралы, фотографию, видео, анимацию, аудиозаписи и музыку – это было действительно дело будущего.
Наконец, Futura был одним из первых, кто превратил свое творчество в успешный бизнес. В самом начале 90-х он путешествовал в музыкальном туре вместе с британской панк-рок группой и вживую создавал граффити-работы во время их концертов. Потом он занимался дизайном уличной одежды и обложек для дисков, а его абстрактная живопись выставлялась на сольных выставках в Нью-Йорке, Париже и Барселоне.
Kaws
Еще одна классическая история успеха: нью-йоркский граффитчик из 1990-х становится признанным художником и дизайнером, создавая скульптуры для именитых заказчиков. Его работы узнаешь по главному герою – печальному серо-коричневому клоуну и другими переработанным героям популярной культуры с глазами-крестиками (под общим названием Companion).
Изначально Kaws занимался только рисунками, причем он получил профессиональное художественное образование и днем создавал анимацию, а ночью выходил на улицу в качестве граффитчика. Потом перешел на 3D-скульптуры, создавая их размером от нескольких сантиметров до 10 метров из алюминия, дерева и бронзы – и в этом оказался ключ к коммерческому успеху. Первой такой скульптурой был виниловый Микки-Маус, в других героях можно узнать переосмысленных Симпсонов, смурфов, Снуппи и Губку Боба – в общем, все иконы поп-культуры. Их сейчас можешь увидеть в музеях и коллекциях по всему миру, включая музеи современного искусства в Нью-Йорке, Сан-Диего и Детройте.
В качестве дизайнера он создает игрушки, одежду, скейтборды – все вещи исключительно limited edition, а однажды сделал свою версию трофея премии MTV Video Music Awards.
Мы сделали этот материал вместе с Hennessy – брендом, который поддерживает современное искусство. Каждый из художников, ставших героями этой статьи, имеет за плечами опыт арт-коллаборации с Hennessy. Ежегодно на протяжении 9 лет бренд выбирает одного яркого современного стрит-артиста и предлагает ему сделать свой дизайн лимитированной серии Hennessy Very Special. В этом году в твою коллекцию может попасть бутылка от Felipe Pantone – а это достойный экспонат. Следи за Hennessy: вдруг работа твоего любимого художника попадет к ним на этикетку в следующем году?
Фото: официальные страницы художников
ООО «Дигеста Диджитал»
УНП 192317837
современное искусство | Britannica
современное искусство , живопись, скульптура, архитектура и графика, характерные для 20-го и 21-го веков и конца 19 века.
Современное искусство охватывает широкий спектр движений, теорий и взглядов, модернизм которых заключается, в частности, в тенденции отвергать традиционные, исторические или академические формы и условности в попытке создать искусство, более соответствующее изменившимся социальным, экономическим и интеллектуальным условиям. .
Начало современной живописи не может быть четко разграничено, но существует общее мнение, что она зародилась во Франции в 19 веке. Картины Гюстава Курбе, Эдуарда Мане и импрессионистов представляют собой углубляющийся отказ от господствующей академической традиции и стремление к более натуралистическому представлению визуального мира. Преемников постимпрессионистов этих художников можно рассматривать как более современных в их отказе от традиционных техник и предметов, а также в их выражении более субъективного личного видения. Примерно с 189 г.С 0-х годов возникла череда разнообразных течений и стилей, которые составляют основу современного искусства и представляют собой одну из вершин западной визуальной культуры.
Эти современные движения включают неоимпрессионизм, символизм, фовизм, кубизм, футуризм, экспрессионизм, супрематизм, конструктивизм, метафизическую живопись, де стиль, дадаизм, сюрреализм, социальный реализм, абстрактный экспрессионизм, поп-арт, оп-арт, минимализм и неоэкспрессионизм. . Несмотря на огромное разнообразие, наблюдаемое в этих движениях, большинство из них характерно современны в своем исследовании возможностей, присущих самой живописи, для выражения духовного отклика на изменившиеся условия жизни в 20-м веке и позже. Эти условия включают ускорение технологических изменений, расширение научных знаний и понимания, кажущуюся неуместность некоторых традиционных источников ценностей и убеждений, а также растущее осознание незападных культур.
Важной тенденцией, начавшейся в 20-м веке, было направление абстрактного, или необъективного, искусства, т. е. искусства, в котором практически не делается попыток объективно воспроизвести или изобразить внешний вид или формы объектов в царстве природы или существующий физический мир.
Следует также отметить, что развитие фотографии и связанных с ней фотомеханических приемов воспроизведения оказало неясное, но, безусловно, важное влияние на развитие современного искусства, поскольку эти механические приемы освободили (или лишили) ручной рисунок и живопись их до сих пор решающего значения. роль единственного средства точного изображения видимого мира.
Современная архитектура возникла из-за отказа от возрождения, классицизма, эклектики и всех приспособлений прошлых стилей к типам зданий индустриализирующегося общества конца 19-го и 20-го века. Он также возник в результате усилий по созданию архитектурных форм и стилей, которые использовали бы и отражали новые строительные технологии из конструкционного железа и стали, железобетона и стекла. До распространения постмодернизма современная архитектура также подразумевала отказ от прикладного орнамента и отделки, характерных для досовременных западных построек. Суть современной архитектуры заключалась в строгой концентрации на зданиях, чье ритмическое расположение масс и форм выражает геометрическую тему в свете и тени.
Это развитие было тесно связано с новыми типами зданий, востребованными индустриальным обществом, такими как офисные здания, в которых размещается корпоративное управление или государственная администрация. Среди наиболее важных тенденций и движений современной архитектуры — Чикагская школа, функционализм, ар-деко, модерн, де стиль, баухаус, интернациональный стиль, новый брутализм и постмодернизм.
Эта статья была недавно отредактирована и обновлена Кэтлин Койпер.
10 модернистских направлений в искусстве | Британика
Курирование этого контента осуществляется по усмотрению автора и не обязательно отражает точку зрения Encyclopaedia Britannica или ее редакции. Для получения наиболее точной и актуальной информации обращайтесь к отдельным статьям энциклопедии по темам.
© AbleStock.com/Jupiterimages На рубеже 20-го века произошли перемены, главным образом в том, как люди начали воспринимать цивилизацию в целом и ее главную цель.
Начало Первой мировой войны, или предполагаемой войны, которая положит конец всем войнам, и беспрецедентное опустошение, которое последовало за этим, бросили вызов основам систем верований многих культур, что привело к большому количеству экспериментов и исследований художников с моралью и определением того, что именно Искусство должно быть и должно быть для культуры. За этим последовал целый список художественных течений, стремившихся найти свое место в постоянно меняющемся мире.
Постимпрессионизм
Жорж Сёра: Воскресенье в Гранд-Жатт — 1884 Художественный институт Чикаго, Мемориальная коллекция Хелен Берч Бартлетт, каталожный номер. 1926.224 (CC0)Постимпрессионизм, который часто считают необходимым предшественником многочисленных художественных движений, сформировавшихся под эгидой модернизма, зародился в последние годы 19 века. Оно прославилось благодаря незабываемым работам Поля Сезанна, Жоржа Сёра, Винсента Ван Гога и других, поскольку они сосредоточились на расширении ограничений предшественника движения, импрессионизма, исследуя методы, которые позволили бы им получить более чистую форму выражения.
, при этом в большинстве случаев сохраняя импрессионистское использование ярких и фантастических цветов, отображаемых короткими мазками. Постимпрессионисты, в отличие от многих представителей других художественных течений, в основном сочиняли свои произведения независимо от других, что позволяло им экспериментировать в разных направлениях, от усиленного импрессионизма, характерного для Ван Гога, до пуантилизма, как это видно в самой известной работе Сёра. 900:17 Воскресенье, полдень на острове Гранд-Жатт (1884–1886).Фовизм
Это известное авангардное движение считается одним из первых в своем роде, получивших процветание в начале 20-го века. Созданный Анри Матиссом, фовизм был в значительной степени обязан импрессионизму, поскольку он демонстрировал яркие цвета для захвата пейзажей и натюрмортов. Однако это стало самостоятельным движением, поскольку фовисты, такие как Матисс, привносили в свои картины повышенное чувство эмоциональности, часто используя грубые и вопиющие мазки и яркие цвета прямо из своих тюбиков, которые поначалу ужасали публику.
Именно чрезмерная выразительность этих грубых и базовых техник побудила искусствоведа Луи Вокселя окрестить таких художников фов («дикие звери»). Среди других известных фовистов Андре Дерен, Морис де Вламинк и Жорж Брак, последний эволюционировал от неприкрытой эмоциональности фовизма к созданию более структурированных и логических фокусов кубизма, который считается прямым потомком фовизма.Кубизм
Возможно, самое известное направление в искусстве эпохи модернизма. Кубизм стал ассоциироваться с одним именем, в частности, с Пабло Пикассо. Однако следует должным образом отметить, что Жорж Брак также был лидером движения и что он и Пикассо так хорошо работали друг с другом, что в разгар господства кубизма их картины практически неотличимы друг от друга. Часто отмечается, что кубизм начал свое окончательное движение с открытием 9-го века Пикассо.0017 Les Demoiselles d’Avignon (1907 г.), на котором изображены обнаженные женщины в изломанной перспективе и демонстрируется значительное африканское влияние.
Тем не менее, это движение не получило своего названия до 1908 года, когда искусствовед Луи Воксель (снова!) изобразил дом Брака в L’Estaque как построенный из кубов. Главные цели кубистов заключались в том, чтобы отказаться от условностей прошлого, чтобы просто имитировать природу, и начать в новом ключе, чтобы подчеркнуть плоскую размерность холста. Этот эффект был достигнут за счет использования различных противоречивых точек обзора для рисования обычных объектов, таких как музыкальные инструменты, кувшины, бутылки и человеческая фигура. По мере того, как они продвигались в своей работе, Брак и Пикассо использовали монохроматическую шкалу, чтобы подчеркнуть свое внимание к внутренней структуре своих работ. Хотя кубизм обычно ассоциируется с живописью, он оказал длительное влияние на многих скульпторов и архитекторов того времени.Футуризм
Умберто Боччони: Уникальные формы непрерывности в пространстве Музей Метрополитен, Нью-Йорк, Завещание Лидии Уинстон Мальбин, 1989, 1990. 38.3, www.metmuseum.org Возможно, один из Самым противоречивым движением модернистской эпохи был футуризм, который при беглом взгляде сравнивал людей с машинами и наоборот, чтобы принять изменения, скорость и инновации в обществе, отбросив при этом художественные и культурные формы и традиции прошлого. Однако в центре футуристической платформы стояло одобрение войны и женоненавистничества. Футуризм — придуман в 19Манифест 09 Филиппо Маринетти — не ограничивался одним видом искусства, а фактически был воспринят скульпторами, архитекторами, художниками и писателями. На картинах обычно изображались автомобили, поезда, животные, танцоры и большие толпы людей; а художники заимствовали фрагментированные и пересекающиеся плоскости у кубизма в сочетании с яркими и выразительными красками фовизма, чтобы прославить достоинства скорости и динамичного движения. Писатели сосредоточились на том, чтобы избавить свою поэзию от того, что они считали ненужными элементами, такими как прилагательные и наречия, чтобы акцент мог делаться на действии инфинитивных глаголов.
Эта техника в сочетании с интеграцией математических символов позволила им делать более декларативные заявления с большим чувством смелости. Хотя первоначально футуристы были ярыми в своем утверждении достоинств войны, они потеряли пар, когда стали очевидными разрушения Первой мировой войны.Вортицизм
Общественное достояниеСпецифически английское художественное движение, поскольку его рупором был знаменитый лондонский журнал Blast . возраст и охватил возможные достоинства динамических изменений, которые должны были последовать. Он был основан прямо перед началом Первой мировой войны знаменитым художником Уиндемом Льюисом и вездесущим поэтом эпохи модернизма Эзрой Паундом. Однако в то время как футуристы зародились во Франции и Италии, а затем распространились по континенту в Россию, вортицизм оставался локальным в Лондоне. Вортицисты гордились своей независимостью от подобных движений. В своей литературе они использовали грубую лексику, резонирующую с механическими формами, найденными на английских верфях и фабриках, и в своих произведениях, а также в своих картинах вортицисты поддерживали абстракцию как единственный способ разорвать связи с доминирующим и душит викторианское прошлое, чтобы они могли перейти в новую эру.
Однако вортицизм, как и футуризм, изо всех сил пытался справиться с непостижимыми разрушениями во время Первой мировой войны, которые были результатом новых машин, которые они так высоко ценили. Когда Первая мировая война подошла к концу и ценились вортицисты, а именно Т.Е. Хьюм и Годлер-Бжеска погибли в бою, к началу 19 века вортицизм сократился до небольшого числа.20 с.Конструктивизм
Модель «Памятник Третьему Интернационалу» © Tatlin; фотография © Moderna Museet, StockholmКогда кубизм и футуризм распространились на запад, в Россию в конце 1910-х годов, они были поглощены утопическим духом Октябрьской революции, создав таким образом новое художественное движение, известное как конструктивизм, которое охватило теорию о том, что искусство должны быть «построены» из современных промышленных материалов, таких как пластик, сталь и стекло, чтобы служить общественной цели, а не просто делать абстрактное заявление. Часто приписывают толчок к движению Владимиру Татлину, который в 1913, во время учебы в Париже, находился под сильным влиянием геометрических построений Пикассо.
Вернувшись в Россию, он вместе с Антуаном Певзнером и Наумом Габо опубликовал в 1920 году «Реалистический манифест », в котором, подобно футуристам и вортицистам, заявлялось о восхищении машинами и технологиями, а также их функционализмом. Одним из самых знаковых произведений этого движения является «Памятник Третьему Интернационалу (1919–1920)» Татлина, сооружение странной спиралевидной формы, которое должно было служить правительственным зданием. Большинство конструктивистов, таких как Татлин, считали живопись «мертвым» видом искусства, если только она не должна служить чертежом чего-то, что должно быть построено физически. Поэтому они работали в основном с керамикой, дизайном одежды, графикой и архитектурой. По мере усиления советской оппозиции их движению многие конструктивисты бежали из России и вдохновляли движение в западных странах, таких как Германия, Франция и Англия, где они приобрели большое значение.Супрематизм
Другим уникальным русским модернистским движением был супрематизм, зародившийся совместно с конструктивизмом, хотя и с более сильным акцентом и принятием абстракции, которую можно было рисовать на холсте.
Это обозначено как первое движение, использующее чистую геометрическую абстракцию в живописи. Казимир Малевич считается его основателем, так как он, наряду со многими своими современниками, является автором супрематического манифеста. Название движения произошло от цитаты Малевича, в которой он заявил, что движение будет вдохновлять «превосходство чистого чувства или восприятия в изобразительном искусстве». Его главная цель состояла в том, чтобы сломать искусство до его голых костей, часто используя основные формы, такие как квадраты, треугольники и круги, а также основные и нейтральные цвета. По мере того, как он продвигался в своей работе, Малевич включал больше цветов и форм, но он олицетворял движение в своих картинах «Белое на белом», на которых едва виден слабо очерченный квадрат. Супрематизм часто был пропитан духовно-мистическим подтекстом, что добавляло ему абстракции, и, как и в случае с конструктивизмом, движение, по сути, полностью прекратилось с усилением советского гнета.De Stijl
Предоставлено Haags Gemeentemuseum, ГаагаНазвание De Stijl (по-голландски «Стиль») адекватно резюмирует цель этого движения, а также характеризует его намерения по достижению этой цели: с простым, прямым подходом. Основанный группой голландских художников в Амстердаме, в которую входили Тео ван Дусбург (который основал периодическое издание группы De Stijl ), Пит Мондриан и Якобус Йоханнес Питер Оуд, De Stijl был пропитан большим количеством мистицизма, проистекающим, прежде всего, из преданности Мондриана. к теософии. Движение также имело большое влияние парижского кубизма, хотя члены De Stijl считали, что Пикассо и Брак не смогли зайти достаточно далеко в царство чистой абстракции. Они, как и супрематисты, работали в основном в абстрактном стиле и с неприукрашенными формами, такими как прямые линии, пересекающиеся плоские поверхности и основные геометрические фигуры, а также с основными цветами и нейтральными.
С помощью этих методов они стремились исследовать законы равновесия, проявляющиеся как в жизни, так и в искусстве. Хотя в движение входили художники, скульпторы, типографы, поэты, представители декоративно-прикладного искусства, это были архитекторы, прежде всего Уд с его рабочим жилым комплексом в Хук ван Холланд (1924–27), которые смогли лучше всего уловить строгую и гармоничную суть движения.Дада
Возможно, лучше всего подытоживая знаменитого дадаистского поэта Хьюго Болла, дадаистская цель искусства заключалась не в том, чтобы искусство было «самоцелью, а [было] возможностью для истинного восприятия и критики время, в которое мы живем». И наверняка времена дадаизма были наполнены горем, разрушением и хаосом, поскольку они были свидетелями безудержного массового опустошения Первой мировой войны. Движение представляло собой разрозненную международную сеть, которая была видна в Цюрихе, Швейцария; Нью-Йорк; Берлин, Кельн и Ганновер, Германия; и Париж. Дадаистов не связывали их стили, средства или техники.
Вместо этого они были связаны своими единообразными обычаями и верованиями. Они считали себя борцами против рационального мышления, которое они считали ответственным за упадок социальных структур, рост коррумпированной и националистической политики, а также распространение насилия и войны. Они бросили вызов и высмеивали определение искусства и его элитарное учреждение такими работами, как Марсель Дюшан 9.0017 Фонтан (1917 г.), который представлял собой фарфоровый писсуар, и они использовали фотомонтажи, а также множество других художественных средств на своих публичных собраниях в знак протеста против зарождающейся нацистской партии в Германии. Дадаисты по всему миру решительно боролись против таких репрессивных социальных институтов, хотя некоторые списывали их как просто абсурдных и несущественных из-за их многочисленных выходок и разрозненной сети.Сюрреализм
Как одно из самых известных художественных направлений эпохи модернизма, в основном благодаря неизгладимой работе Постоянство памяти (1931) Сальвадора Дали, сюрреализм запомнился своим созданием интуитивно понятных, захватывающих и эстетичных образов.
, при этом в большинстве случаев сохраняя импрессионистское использование ярких и фантастических цветов, отображаемых короткими мазками. Постимпрессионисты, в отличие от многих представителей других художественных течений, в основном сочиняли свои произведения независимо от других, что позволяло им экспериментировать в разных направлениях, от усиленного импрессионизма, характерного для Ван Гога, до пуантилизма, как это видно в самой известной работе Сёра. 900:17 Воскресенье, полдень на острове Гранд-Жатт (1884–1886).
Именно чрезмерная выразительность этих грубых и базовых техник побудила искусствоведа Луи Вокселя окрестить таких художников фов («дикие звери»). Среди других известных фовистов Андре Дерен, Морис де Вламинк и Жорж Брак, последний эволюционировал от неприкрытой эмоциональности фовизма к созданию более структурированных и логических фокусов кубизма, который считается прямым потомком фовизма.
Тем не менее, это движение не получило своего названия до 1908 года, когда искусствовед Луи Воксель (снова!) изобразил дом Брака в L’Estaque как построенный из кубов. Главные цели кубистов заключались в том, чтобы отказаться от условностей прошлого, чтобы просто имитировать природу, и начать в новом ключе, чтобы подчеркнуть плоскую размерность холста. Этот эффект был достигнут за счет использования различных противоречивых точек обзора для рисования обычных объектов, таких как музыкальные инструменты, кувшины, бутылки и человеческая фигура. По мере того, как они продвигались в своей работе, Брак и Пикассо использовали монохроматическую шкалу, чтобы подчеркнуть свое внимание к внутренней структуре своих работ. Хотя кубизм обычно ассоциируется с живописью, он оказал длительное влияние на многих скульпторов и архитекторов того времени.
38.3, www.metmuseum.org 
Эта техника в сочетании с интеграцией математических символов позволила им делать более декларативные заявления с большим чувством смелости. Хотя первоначально футуристы были ярыми в своем утверждении достоинств войны, они потеряли пар, когда стали очевидными разрушения Первой мировой войны.
Однако вортицизм, как и футуризм, изо всех сил пытался справиться с непостижимыми разрушениями во время Первой мировой войны, которые были результатом новых машин, которые они так высоко ценили. Когда Первая мировая война подошла к концу и ценились вортицисты, а именно Т.Е. Хьюм и Годлер-Бжеска погибли в бою, к началу 19 века вортицизм сократился до небольшого числа.20 с.
Вернувшись в Россию, он вместе с Антуаном Певзнером и Наумом Габо опубликовал в 1920 году «Реалистический манифест », в котором, подобно футуристам и вортицистам, заявлялось о восхищении машинами и технологиями, а также их функционализмом. Одним из самых знаковых произведений этого движения является «Памятник Третьему Интернационалу (1919–1920)» Татлина, сооружение странной спиралевидной формы, которое должно было служить правительственным зданием. Большинство конструктивистов, таких как Татлин, считали живопись «мертвым» видом искусства, если только она не должна служить чертежом чего-то, что должно быть построено физически. Поэтому они работали в основном с керамикой, дизайном одежды, графикой и архитектурой. По мере усиления советской оппозиции их движению многие конструктивисты бежали из России и вдохновляли движение в западных странах, таких как Германия, Франция и Англия, где они приобрели большое значение.
Это обозначено как первое движение, использующее чистую геометрическую абстракцию в живописи. Казимир Малевич считается его основателем, так как он, наряду со многими своими современниками, является автором супрематического манифеста. Название движения произошло от цитаты Малевича, в которой он заявил, что движение будет вдохновлять «превосходство чистого чувства или восприятия в изобразительном искусстве». Его главная цель состояла в том, чтобы сломать искусство до его голых костей, часто используя основные формы, такие как квадраты, треугольники и круги, а также основные и нейтральные цвета. По мере того, как он продвигался в своей работе, Малевич включал больше цветов и форм, но он олицетворял движение в своих картинах «Белое на белом», на которых едва виден слабо очерченный квадрат. Супрематизм часто был пропитан духовно-мистическим подтекстом, что добавляло ему абстракции, и, как и в случае с конструктивизмом, движение, по сути, полностью прекратилось с усилением советского гнета.
С помощью этих методов они стремились исследовать законы равновесия, проявляющиеся как в жизни, так и в искусстве. Хотя в движение входили художники, скульпторы, типографы, поэты, представители декоративно-прикладного искусства, это были архитекторы, прежде всего Уд с его рабочим жилым комплексом в Хук ван Холланд (1924–27), которые смогли лучше всего уловить строгую и гармоничную суть движения.
Вместо этого они были связаны своими единообразными обычаями и верованиями. Они считали себя борцами против рационального мышления, которое они считали ответственным за упадок социальных структур, рост коррумпированной и националистической политики, а также распространение насилия и войны. Они бросили вызов и высмеивали определение искусства и его элитарное учреждение такими работами, как Марсель Дюшан 9.0017 Фонтан (1917 г.), который представлял собой фарфоровый писсуар, и они использовали фотомонтажи, а также множество других художественных средств на своих публичных собраниях в знак протеста против зарождающейся нацистской партии в Германии. Дадаисты по всему миру решительно боролись против таких репрессивных социальных институтов, хотя некоторые списывали их как просто абсурдных и несущественных из-за их многочисленных выходок и разрозненной сети.