Какие стили искусства бывают: Блог янтаря

обоснование главной тенденции развития отечественного искусства послевоенного времени — «утверждение героического начала» в жизни и в искусстве.

Ключевые слова: направление, стиль, искусство, тенденции.

В настоящее время, когда прошло более семи десятков лет с тех пор, как смолкли последние залпы второй мировой войны, все больше возрождаются героико-патриотические темы в творчестве художников, скульпторов, монументалистов не только центральной России, но и на широких просторах ее регионов. Это стало актуальным в связи с современным положением международной политики. Небывалый подъем патриотизма среди населения нашей страны подчеркивает: никто не забыт — ничто не забыто.

Сейчас, когда мы располагаем около тысячи ярких, талантливых, впечатляющих произведений живописи, графики и скульптуры, посвященных воинскому подвигу, — может показаться, что процесс становления и развития героико-патриотической темы в изобразительном искусстве послевоенного периода в России проходил спокойно, гладко, безболезненно. И ничто ему не мешало, и никаких трудностей на его пути не возникало. Так может показаться. На самом же деле в изобразительном искусстве России второй половины ХХ века все было значительно сложнее и противоречивее. Мы попытаемся проанализировать те тенденции, стили, которые существовали в то время и как они отразились на изобразительном искусстве алтайских мастеров кисти.

Следует отметить, что некоторые из тенденций, о которых пойдет речь ниже, и до сих пор дают о себе знать в творчестве отдельных художников.

Уже в первые послевоенные годы, наряду с широким кругом художников, побывавших на войне и считавших своим святым долгом создание произведений о героике событий минувшей войны, о прожитом, пережитом и незабываемом, в творчестве известной части российских художников стали давать о себе знать тенденции иного порядка: стремление «передохнуть от напряженного драматизма войны, уйти от проблем большого социального звучания в мир либо далекой старины, либо облегченной и «уютной» повседневности, преимущественно развлекательного характера. Немало художников обращаются к наиболее «нейтральным» жанрам по отношению к событиям войны и острым социальным проблемам современности — пейзажу и натюрморту. Вот как, например, оценивал Всесоюзную художественную выставку 1946 года известный советский искусствовед П.Лебедев: на выставке, писал он, хотя она и была организована всего год спустя после окончания Великой Отечественной войны, «почти полностью отсутствовали… произведения батальной живописи, отображающие боевые подвиги …солдат и офицеров» [1]. В конце 50-х и начале 60-х годов в художественной практике, а частично и в эстетической теории, начали сказываться не менее тревожные тенденции иного порядка. Имеется в виду

Произведения, принадлежащие кисти, резцу, перу действительно одаренных художников, нередко получали безоговорочно высокие оценки, что вызывало неодобрение в художественной критике того времени, так как эти произведения не отражали веление своего времени — не носили четко выраженных классовых критериев в оценке некоторых событий и явлений войны. Даже была предпринята попытка опровергнуть в одной из публикаций того времени принятое в философии и эстетике теоретиков прошлого века противопоставление понятий «буржуазного гуманизма» и «гуманизма социалистического» — основных идеологических понятий советского периода.

В отдельных теоретических работах начали формироваться концепции, авторы которых ратовали за понятие гуманизма «без прилагательных». Они утверждали, что прилагательное «социалистический» ничего, собственно, в понятии «гуманизма» не уточняет. Художественные критики того времени, исходя их господствующей идеологии советского периода (марксизма — ленинизма) утверждали, что гуманизма «как такового» не существует и существовать в природе общественных отношений не может. Они отмечали, что высшие идеалы гуманизма в конкретной исторической обстановке, навязанной нам фашизмом войны, утверждались не в душещипательных сентенциях общего «человеколюбия», не в проповедях пацифистского толка, а на полях сражений с оружием в руках (боевые призывы плакаты Кукрыниксов «Беспощадно разгромим и уничтожим врага», В.Корецкого «Смерть детоубийцам», В.Серова «Били, бьем и будем бить!», песня «Священная война» и др.) Не эту ли логику имел в виду М. Горький, когда формулировал свое кредо борьбы: «Я ненавижу войну как самое жестокое явление, но, когда меня берут за горло, я буду защищаться до последней капли крови» [2]. И этими положениями нельзя не согласиться.

Подлинный гуманизм носит не созерцательный, а предметно-действенный характер. И не удивительно, что он теснейшим образом связан с общественным героизмом. А это уже имеет самое непосредственное отношение к проблематике данного исследования.

На протяжении 60-х годов ХХ века в печати не утихали дискуссии о «положительном герое», кое кто из теоретиков и практиков пытался абсолютизировать «случайность обстоятельств», сопряженных с рождением воинского подвига — все это носило характер «абстрактного гуманизма» и получило решительную отповедь со стороны художественной критики своего времени. В эти же годы вспыхивали, затухали и вновь оживлялись дискуссии по ряду эстетических проблем, связанных с дальнейшим развитием искусства своего времени — искусства социалистического реализма. Они, правда, непосредственного отношения к утверждению героико-патриотической темы в российском искусстве не имели, но косвенно, так или иначе влияли на дальнейшие судьбы эстетического утверждения героического. Проблем таких было немало. Вплоть до 80-х годов прошлого столетия эти проблемы считались дискуссионными, но и сейчас в начале нового столетия нельзя со всей определенностью сказать, что эти вопросы решены. В эти проблемы входили и острые споры о так называемом «современном стиле», и дебаты о «правдивости» и «правдоподобии» в художественно — образном отражении действительности, о судьбах и соотношении «станковизма» и «монументализма» в изобразительном искусстве, об «идеальном герое» в искусстве и литературе и многие другие.

В конце 50-х, например, заметное распространение получила теория «современногостиля» в искусстве, представляющая собой, по мнению исследователей, разновидность теории «единого стиля» искусства реализма советского периода. Начало дискуссии о «современном стиле» было положено статьей Н. Дмитриевой, опубликованной на страницах журнала «Творчество». Имея в виду творческие поиски и эксперименты преимущественно молодых художников, среди которых были и весьма талантливые, автор статьи, хотела она того или нет, в конечном итоге пришла к канонизации для всего изобразительного искусства единых стилистических принципов, назвав их «современным стилем». Стержневую линию формирования «современного стиля» Н.Дмитриева увидела в тенденции к «синтетическим, обобщенным художественным решениям… лаконичным экспрессивным формам» [3]. Так появилась на свет триада «лаконизм— обобщенность— экспрессия», по поводу которой велись ожесточенные споры на протяжении ряда лет.

Иные из критиков того времени в трактовке «современного стиля» договорились, как, известно, до такого понимания «лаконизма» и «динамизма» искусства, когда чуть ли не основными его критериями стали принципы «автомобильного» видения действительности. Восприятие действительности сквозь призму «автомобильных скоростей» возводилось в один из обязательных признаков «современного стиля» изобразительного искусства. С этих позиций отрицалась не только живопись Шишкина, Перова и Левитана как безнадежно устаревшая, но негласно — пейзажи С. Герасимова, В.Бакшеева, Н. Ромадина, А. Пластова, В. Стожарова, У. Тансыкбаева, поскольку они к автомобильным скоростям не причастны.

Проблему «современного стиля» критики советского периода рассматривали в двух ее аспектах. Во-первых, чем подтверждается необходимость введения этого понятия? Какие, проще говоря, произведения имеются в виду, когда защищается идея «современного стиля»? И, во-вторых, состоятельна ли вообще, в принципе, постановка вопроса о «современном стиле» и не вступает ли она в противоречие с основными принципами эстетики социалистического реализма? Во имя утверждения идеи «современного стиля», основными принципами которого, как убеждены были его защитники, являются лаконизм, обобщенность и экспрессия, противопоставлялись всем другим, энергично и шумно на все лады расхваливались чаще всего работы «экспериментального» характера, в которых названные выше принципы зачастую превращались в самоцель, порою даже приобретали характер оригинальничанья и претенциозного формотворчества. В угоду явно надуманному «современному стилю» нередко на щит поднимались произведения, ущербные по замыслу, слабые по композиции, сырые по живописи. Человек в подобных «экспериментах» огрублялся внутренне и внешне, лишался интеллекта, был схематичен, прямолинеен. Вызывала сомнение у искусствоведов того времени и сама постановка вопроса о «современном стиле». По их мнению, она не вязалась ни с практикой эстетического многообразия искусства социалистического реализма, ни с основополагающими принципами отечественной эстетической науки. Уже метод критического реализма — детище минувшего Х1Х века — заявил о себе богатством стилевых направлений. Еще большим стилевым многообразием отличается искусство второй половины ХХ века — искусство социалистического реализма. И чем богаче, многограннее, содержательнее действительность, тем шире диапазон, тем многообразнее стилевая характеристика творческого метода. Надо заметить, что в статьях о «современном стиле» старательно обходился вопрос художественного метода. И, видимо, не случайно. С каких это пор, — задавали вопрос художественные критики того времени, — наконец, принципы лаконизма, обобщенности, экспрессии стали откровением ХХ века? Мало этого — его 60-х годов?. . А живопись А.Рублева и Рембрандта, М.Врубеля и В.Серова? А графическая серия «Это не должно повториться» Б.Пророкова, пейзажи Г.Нисского, великолепный портрет композитора Кара-Караева кисти Т.Салахова? Правда, в каждом из названных произведений эти принципы проявляются по — своему. Вподлинном искусстве унификации не было и не будет, хотя всегда сохранялось непременное условие: лаконизм, обобщенность и экспрессия не сами по себе, а во имя более глубокого, образного раскрытия духовного мира изображаемых героев.

Вряд ли нужно доказывать, что распространение концепции «современного стиля» как в ее теоретическом, так и практическом плане, не могло не влиять на характер эстетической трактовки образа воина и воинского подвига в ряде произведений не только живописи, но и графики и скульптуры того периода. К теории «современного стиля» в какой — то мере примыкала и концепция «суровой правды действительности». На рубеже 50-х — 60-х годов в изобразительном искусстве России советского периода стали появляться живописные холсты, в которых человек своего времени был представлен этаким гориллообразным роботом с огромными ручищами, отвисшей квадратной челюстью, низким лбом и прочими «атрибутами» культа физической силы. Поиски «суровой правды» привели в живописи к огрублению форм, жесткости колорита, мало чем оправданным контурным обводкам и т. д. Стремясь показать своих героев «без ложного пафоса», художники этого направления вообще лишали их пафоса. Апологеты подобных «новаций» — и в этом парадокс явления, — ратуя на всех перекрестках за современность искусства, фактически сами — то и лишали его современности. Их герои теряли черты типичности. Они были схематичными, одноликими и духовно убогими [4].

В те же годы в стране шли оживленные, а порою и страстные дискуссии о судьбах «станкового» и «монументального» искусства, месте, роли и перспективах развития «станковизма» и «монументализма» в искусстве настоящего и будущего. С отголосками и перепевами этих дискуссий долгое время приходилось сталкиваться, что свидетельствовало об актуальности этой эстетической проблемы. «Козырным» аргументом считалось то, что станковое искусство — это искусство музеев, тогда как монументальное — искусство «площадей и улиц», у станкового искусства — круг зрителей мал, сравнительно узок, у монументального — весь народ. В подобной аргументации «монументалистов» забывалось, однако, по крайней мере два существенных, на наш взгляд, момента.

Во-первых, выводы о «массовости» монументального искусства и «камерности» станкового основывались на традиционных, давно уже устаревших данных. Между тем роль и место станкового искусства в эстетической культуре нашего общества, и особенно за последние три-четыре десятилетия, стали совершенно иными, чем это было в середине ХХ века. Изменилось, прежде всего, количество художественных музеев и стационарных картинных галерей, где чаще всего экспонируются произведения станкового искусства. В 80-е годы ХХ века их было в России около 150… К концу века их число значительно возросло. Изменился не только контингент посетителей художественных музеев, но и их численность. Десятки миллионов человек ежегодно бывают на различного ранга выставках. Достаточно напомнить, что только в Государственной Третьяковской галерее ежегодно бывает свыше полутора миллионов человек, а в Петербургском Эрмитаже — не менее трех с половиной миллионов. Аналогичная картина в любом областном или краевом центре, во всех городах, где есть художественные музеи либо картинные галереи. Так, например, во второй половине ХХ века в городах и крупных районных центрах Алтайского края создавались и развивались художественные музеи и выставочные залы, получившие затем статус государственных, а в последнее десятилетие века, с изменением государственных и общественных устоев, интенсивно создаются как государственные, так и общественные культурные заведения. Это стало просто массовым и потому, что в последней четверти ХХ века получило распространение практика передвижных выставок, составленных из оригинальных произведений станковой живописи, графики и скульптуры. Таких выставок по стране тысячи. Их посещают десятки миллионов зрителей. Одна из последних крупных передвижных выставок Третьяковской государственной галереи прошла в нашем краевом центре осенью 2004 г., посвященная 45-летию образования ГХМ АК. Таким образом, разговор, который получил распространение в 60-х — 70-х годах прошлого века, о «камерности» и «узости» адресата станкового искусства по сравнению монументальным явно изжил себя в настоящее время [5].

Во-вторых, и это очень важно, у каждого из искусств — свои возможности и свои достоинства. Как же можно было об этом забывать, когда речь заходит о судьбах «станковизма»! То, что доступно станковому искусству, как правило, недоступно монументальному. И наоборот. Попробуйте представить себе сюжеты, характеры, коллизии, воссозданные средствами станкового искусства, скажем в таких широко известных, отмеченных большой психологической глубиной и тонким лиризмом картинах, как «Родник» или «Отчий дом» Ильбека Хайрулинова, «9 мая. Рядовые Победы» Г. Ф. Борунова, «Портрет генерала Доватора» Б. М. Астахова, «Поднятая целина» или «Весна» А. Г. Вагина, в виде монументальных мозаик либо витражей. Каждому, кто хоть немного искушен в особенностях «языка» монументального искусства, ясно, что подобное просто невозможно в монументальном искусстве. Отказывая (в дискуссиях 60-х) в будущем станковому искусству, тем самым могли вступить на опасный путь обеднения изобразительного искусства.

Такова суть проблемы того времени. Можно представить, какой урон понесло бы изобразительное искусство, в том числе и утверждение в нем военно-патриотической темы, если бы восторжествовала тогда точка зрения тех «монументалистов», кто решительно отвергал необходимость станковых форм в искусстве. Серьезным напоминанием и предостережением в этом отношении прозвучали тогда слова П. Д. Корина: «Все великие художники оставались столь же монументальными в своем психологизме и тогда, когда расписывали стены, и тогда, когда писали портреты и пейзажи. Мадонны и портреты Рафаэля столь же величественны, как и его «Стансы» [6]. О том же писали в своих статьях и другие известные художники и теоретики своего времени.

Необходимо отметить, что на протяжении 50-х и 60-х годов прошлого столетия вспыхивали неоднократно в искусстве дискуссии о «правде» и «правдоподобии». Наиболее длительной и фундаментальной из них была дискуссия, развернувшаяся на страницах журнала «Творчество». Главным в реалистическом искусстве, утверждали известные художники, философы, искусствоведы того времени, является не «правдоподобие», а «правда», что «правда» и «правдоподобие» — понятия хотя и близкие, но не идентичные, характеризующие различные уровни эстетического познания действительности. И с этим нельзя не согласиться. Однако в ходе дискуссии высказывались и «крайние» точки зрения, в которых абсолютизировалась одна из сторон изобразительных возможностей искусства за счет другой [7].

В этот же период времени российская художественная практика и эстетика испытала на себе влияние западной эстетической концепции «незаконченности»— «нон-финито» то в виде «откровенного обнажения приема», то «потока жизни» и «раскованности сюжета», то «этюдизма», то «автомобильного» видения действительности.

Все это вело к оправданию незавершенности произведений искусства, любых экспериментов, которые художник вправе выносить за пределы своей творческой мастерской, экспериментируя, так сказать, «на зрителе». Если, например, во главу всего ставится либо подчеркнутая декоративность, либо огрубленность и схематизм пластических форм, либо крикливо — обостренная ритмика композиции, и при этом забывается главное — глубина раскрытия духовного мира своего современника, — то подобный замысел и подобная форма его выражения неизбежно приобретало нарочито претенциозный и в какой — то мере формалистический характер. Эта сентенция актуальна и в наше время [8].

На примере экспозиции Всесоюзной выставки «На страже Родины», прошедшей в 1973 году, можно наглядно проследить насколько увлекся художник С.Курбанов (Душанбе) в поисках новых форм, обостренных ритмов в своей картине «Концерт солдатской самодеятельности», что совсем забыл при этом о самом главном — человеке и его духовном мире. В результате — воины, изображенные на холсте, выглядят на редкость одноликими и внутренне инертными. Ритмы у него обрели самодовлеющее значение, заслонив собой многообразный мир живого человека.

К чести нашей отечественной эстетической и искусствоведческой науки большинство ее представителей дали решительный, научно и идейно аргументированный отпор всем тем «новациям», которые никакого отношения к подлинному новаторству в искусстве реализма своего времени не имели. Методологическая несостоятельность подобных «концепций» вскрывалась в статьях того периода времени В. Кеменова А. Лебедева, П. Корина и Н. Томского, С.Герасимова и В.Серова, В. Ванслова, В. Зименко и многих других.

Так выглядели наиболее заметно проявившие себя тенденции и дискуссии в художественной жизни рассматриваемого периода. И это лишний раз убеждает нас в том, что становление и развитие героической темы в искусстве послевоенных лет во второй половине ХХ века осуществлялось в достаточно сложной, подчас даже весьма противоречивой обстановке, чреватой, как мы убедились, самыми различными «откровениями» и «новациями».

И все же главной тенденцией развития отечественного искусства послевоенного времени было утверждение героического начала в жизни и борьбе своего народа. В этот период времени постоянно рос интерес значительной части отечественных художников к военно-патриотической теме. Их творческий поиск, отмеченный правдивым конкретно — историческим и последовательно патриотическим отношением к событиям минувшей войны, эмоциональной наполненностью, подлинным новаторством в решении образов, коллизий и характеров, вызвал к жизни произведения, определившие магистральные пути развития героической темы в отечественном изобразительном искусстве во второй половине ХХ века.

В этом же русле в 60-х — 70-х годах прошлого столетия появились статьи, диссертации и монографии, сыгравшие заметную роль в исследовании героического и его образного утверждения в отечественном искусстве. Среди них выделяются работы Н. Киященко («Героическое как эстетическая категория»), Б.Сапунова («Эстетика воинской службы»), Б.Сафонова («Проблема эстетического идеала в воинской деятельности»). Эти авторы в какой — то мере «первопроходцы» в разработке проблемы героического и его связи с искусством реализма советского периода во второй половине ХХ века. Известный искусствовед советского периода П. Суздалев верно подмечает в своей монографии, посвященной изобразительному искусству периоду отечественной войны 1941–1945 г.г., что начиная с 50-х годов ХХ века в военно — патриотической теме все больше внимания уделяется «психологическому раскрытию образа человека, оказавшегося на войне» [9]. Большое значение в формировании научно — эстетических взглядов на сущность героического в шестидесятые годы прошлого столетия имели фундаментальные труды В. Кеменова, А. Лебедева, Г. Тимошина [10].

Литература:

1. Лебедев П. Тема современности в изобразительном искусстве. — «Культура и жизнь», 1946, 7 ноября.
2. Горький М.. Собр. Соч., т.24. М., 1953, с.216
3. Дмитриева Н. К вопросу о современном стиле в живописи // «Творчество», 1958. № 6, с. 9.
4. Нестерова Е. Традиции и новаторство в академической живописи. // Декоративное искусство. М., 2007, № 2, С. 11.33
5. Степанская Т. М. 65 лет творческому союзу художников Алтая // Культурное наследие Сибири. — Вып. 6–7: Степанская Т. М. Избранные статьи и очерки.– Барнаул: Изд-во Алт.ун-та, 2005. — С. 158–181.
6. Корин П. Живая линия искусства //Творчество. 1965. — № 4
7. Виноградов И. Не подобие правды, но правда подобия // Творчество. 1965. — № 4, –№ 11.
8. Словари и энциклопедии.Философия. Художественно-эстетическая культура XX века. Под ред. В. В. Бычкова, 2003. 607 с.
9. Суздалев П. К. Советское искусство периода Великой Отечественной войны/ П. Суздалев.– М.: Изобразительное искусство, 1965. — С. 230.
10. Кеменев В. С. Историческая живопись Сурикова. М., 1963; Лебедев А. К. Василий Васильевич Верещагин. М., 1958; Тимошин Г. А. Митрофан Борисович Греков. М., 1961.
11. Шокорова, Л. В. Художественные промыслы Западной Сибири. — Барнаул: Изд-во Алт.ун-та. 2014. 141 с.

Основные термины (генерируются автоматически): изобразительное искусство, станковое искусство, время, советский период, век, прошлое столетие, социалистический реализм, художник, воинский подвиг, духовный мир.

Какие бывают стили в живописи?

Декоративная живопись — это направление в искусстве, основной целью которого является стилизация объектов. У декоративных картин нет особой смысловой нагрузки, поэтому они легко воспринимаются зрителем. Подобные произведения можно было встретить в интерьерах Древней Греции и Рима.

Декоративная живопись — способ изображения реальной действительности путем выявления выразительности средствами колорита и пластическими приемами, связанными с обобщенностью, стилизацией, орнаментацией, с соблюдением меры условности изображения, отказом от второстепенных подробностей, превращая поверхность картины в цветовое пятно — символ или знак.

Содержание

Какие бывают стили в живописи?

Самые популярные стили живописи: импрессионизм, экспрессионизм, кубизм, модернизм, неоклассицизм, поп-арт, романтизм, реализм, сюрреализм, символизм. Существует просто огромнейшее разнообразие направлений и стилей в изобразительном искусстве.

Какие бывают техники в живописи?

Акварель, скетчбук.

• Техника лессировки.
• Мазковая техника живописи.
• Сочетание техник в живописи.
• Импрессионистическая техника живописи.
• Декоративная живопись.
• Дополнительные фактуры в живописи.
• Техника затирки.
• Письмо по форме.

Выделяют следующие техники:

масло

темпера

эмаль

гуашь

пастель

тушь

живопись по штукатурке: фреска и асекко

граттаж

гризайль

карнация

лессировка

пуантилизм

сграффито

сфумато

клеевая живопись

восковая живопись: энкаустика, восковая темпера и холодный способ (восковые краски на скипидаре)

живопись керамическими красками

живопись силикатными красками

акварельная живопись

акрил

Что такое Монументально декоративная живопись?

ТЕХНИКА МОНУМЕНТАЛЬНО-ДЕКОРАТИВНОЙ ЖИВОПИСИ Техника монументально-декоративной живописи – совокупность приемов создания монументально-декоративного произведения, основанных на умении использовать свойства различных художественных материалов в заданных архитектурных условиях.

Монументальной живописью называют художественные изображения, созданные на стенах архитектурных сооружений и на других масштабных объектах.

Это название происходит от латинского слова monumentum — монумент, то есть памятник значительных размеров. Основные разновидности такой живописи — фрески, витражи и мозаики. Монументальная живопись появилась еще во времена палеолита в виде наскальных рисунков.

Что такое миниатюра в живописи?

Миниатюрой (от лат. minium – «сурик», красная краска) в настоящее время называют художественные произведения небольших размеров – портреты или пейзажи. Однако изначально этот термин относился к небольшим рисункам или заглавным буквам, которыми украшали древние рукописи и манускрипты.

Миниатюра — это произведение искусства малых форм. Включает в себя и живопись, и графику, и даже скульптуру. Миниатюрной живописью называют небольшие тщательно прорисованные картины, и к ней желательна изящная отделка, чтобы заиграть, достойная оправа, как драгоценному камню.

Что такое театрально Декорационная живопись?

Театрально-декорационное искусство — искусство создания зрительного образа спектакля (См. Спектакль) посредством декораций, костюмов, освещения, постановочной техники.

Сценография

Театрально-декорационное искусство., или сценография – вид художественного творчества, посвященный созданию целостного и уникального образа театрального спектакля. Сюда входит разработка сценических декораций, актерских костюмов, реквизита, принципов освещения сцены, использование сценических механизмов.

Что относится к монументальной скульптуре?

К Монументальной скульптуре относятся однофигурные, многофигурные, конные памятники, мемориальные ансамбли, монументы в память выдающихся людей и событий, памятные статуи, бюсты, рельефы.

К монументальной скульптуре относятся: Мемориал. Монумент – памятник значительных размеров в честь крупного исторического события, выдающегося общественного деятеля и т. п.

Монументальная скульптура, рассчитанная на восприятие с больших расстояний, выполняется из долговечных материалов (гранит, бронза, медь, сталь) и устанавливается на больших открытых пространствах (на естественных возвышениях, на искусственно созданных насыпях).

Что относится к станковой скульптуре?

Станковая скульптура включает различные виды скульптурной композиции (голова, бюст, поясное или трехчетвертное изображение, фигура, группа), различные жанры (портрет, сюжетная, символическая или аллегорическая композиция, анималистика — изображение животного мира). В последние десятилетия XX в.

Станковая скульптура – род скульптуры, имеющий самостоятельное значение. Она включает различные виды скульптурной композиции (голова, бюст, фигура, группа), различные жанры (портрет, сюжетная, символическая или аллегорическая композиция, анималистический жанр). Станковая скульптура рассчитана на восприятие с близкого расстояния, не связана с предметным окружением и архитектурой.

Что входит в монументальной живописи?

К монументальной живописи относятся произведения, непосредственно связанные с архитектурными сооружениями, помещенные на стены, потолки, своды, реже – на полы, а также все виды росписей по штукатурке – это фреска (буон фреско, фреско а секко), энкаустика, темперная, масляная живопись (либо живопись на каком-то ином

К монументальной живописи принадлежат: витраж, мозаика, фреска, панно, сграффито (см. также Синтез искусств). К м. и. относят и некоторые произведения архитектуры малых форм. Иногда произведения М. и. исполняют в архитектуре функции декоративной организации стен, перекрытий, фасадов и пр.; данную разновидность М. и. обычно называют монументально-декоративным иск-вом, однако чёткого различения этих понятий не существует.

Что такое театральное декоративное искусство?

Сценогра́фия (театрально-декорационное искусство) — вид художественного творчества, занимающийся оформлением спектакля и созданием его изобразительно-пластического образа, существующего в сценическом времени и пространстве.

Театрально-декорационное искусство, или сценография – вид художественного творчества, посвященный созданию целостного и уникального образа театрального спектакля. Сюда входит разработка сценических декораций, актерских костюмов, реквизита, принципов освещения сцены, использование сценических механизмов.

Что относится к станковой живописи?

К жанрам станковой живописи относят портрет , пейзаж , натюрморт , анималистический жанр и сюжетную живопись.

Какие виды пластических искусств?

Виды пластических искусств

• Живопись;
• Скульптура;
• Графика;
• Монументальное искусство;
• Фотоискусство.

Виды пластических искусств в классическом искусствоведении делят на два раздела: Живопись; Скульптура; Графика; Монументальное искусство; Фотоискусство. Архитектура; Декоративно-прикладное искусство; Художественное конструирование (дизайн).

Границы между изобразительными и неизобразительными искусствами зачастую очень условны.

Что такое визуально пластическое искусство изобразительное искусство?

Изобразительные пластические искусства – это живопись, графика, скульптура, монументальное искусство, фотография). Неизобразительные пластические искусства – это архитектура, декоративно-прикладное искусство, дизайн.

Пластические искусства. Пласти́ческие иску́сства, также простра́нственные иску́сства — один из трёх классов искусства, наряду с пространственно-временными и временными искусствами. Объединяет виды искусства, произведения которых в материальном смысле существуют в пространстве, не изменяясь и не развиваясь во времени. Произведения пластических искусств имеют материальный, физический характер и выполняются путём обработки материала, особенности формообразования которого определяют их внешний вид.

Какие виды искусства воспринимаются зрением?

ПЛАСТИЧЕСКИЕ ИСКУССТВА, виды искусства, произведения которых существуют в пространстве, не изменяясь и не развиваясь во времени, и воспринимаются зрением. Делятся на изобразительные (живопись, скульптура, графика и др.) и неизобразительные (архитектура, декоративное искусство, дизайн) искусства.

Что такое пространственное искусство?

ПРОСТРАНСТВЕННЫЕ ИСКУССТВА — группа искусств: архитектура, декоративно-прикладное искусство, дизайн, скульптура, живопись, графика, художественная фотография, а также такие ансамблевые формы, как монументальное искусство, сценофафия, костюм, в которых художественные образы существуют в пространстве, но не развиваются в

Глоссарий по теме: Пространственные искусства – это искусства, обладающие видимой объёмной или плоскостной формой, располагающейся в пространстве, не изменяются и не развиваются во времени.

Пространственные искусства включают в себя три группы искусств: изобразительные (графика, живопись и скульптура), декоративные, конструктивные (дизайн и архитектура).

Что относится к синтетическому искусству?

Синтетические искусства – это виды художественного творчества, которые представляют собой органическое слияние или относительно-свободную комбинацию равных видов искусств, образующих качественно новое и единое эстетическое целое. К ним относятся, например, театр, балет, цирк, эстрадное искусство.

Понятие “синтетические искусства” употребляется применительно искусств, образуются единством художественного языка и вне ее не существуют. К таковым относятся театр (трагедия, комедия, драма, балет, опера), кино, эстрада. их называют в соответствии с назначением, – “зрелищными”; по способу восприятия – зрительно-слуховыми; по способу существования – пространственно-временными искусствами.

Что относится к динамическому виду искусства?

Динамический вид искусства – это разновидность творческой деятельности, в котором для раскрытия композиции требует время. Полноценное его восприятие возможно только при условии определенного отрезка времени. К временным или динамическим видам искусства относят литературу, музыку.

Что такое вид изобразительного искусства?

Изобрази́тельное иску́сство или изобрази́тельные иску́сства (от «из» и ст. -слав. «образъ»; праслав. оb- + rаzъ — резать, проводить черту; обрáзить — украсить) — класс пространственных искусств, объединяющий живопись, скульптуру, графику, монументальное искусство и фотоискусство.

Изобразительное искусство-это такие виды искусства, как живопись, рисунок, печать, скульптура, керамика, фотография, видео, кино, дизайн, ремесла и архитектура. Многие художественные дисциплины, такие как исполнительское искусство, концептуальное искусствои текстильное искусство, также включают аспекты визуального искусства, а также искусства других типов.

Что такое монументальный памятник?

Другими словами, монументальный памятник – это грандиозное, значительное по своим размерам сооружение искусственного происхождения, предназначенное для увековечения людей, событий.

Монументальное искусство. Монументальное искусство — искусство, создаваемое в органичной взаимосвязи с предметно-пространственной, в первую очередь, архитектурной, средой. Такое определение скрывает двойственность смысла. С одной стороны, «монументальное» — означает имеющее отношение к архитектуре, с другой, согласно этимологии, — большое, значительное, величественное, вечное.

Как называется человек который делает скульптуры?

Художник, посвятивший себя искусству скульптуры, называется скульптором или ваятелем.

Что называется круглой скульптуры?

Кру́глая скульпту́ра — вид скульптуры, которая представляет собой произведение трёхмерного объёма (обозримая со всех сторон). Главные типы круглой скульптуры — бюст, статуя, скульптурная группа. Эта скульптура предназначена, в основном, для кругового осмотра.

Что такое моментальная живопись?

вид живописи, неразрывно связанной с архитектурой, украшающей стены, полы или потолки зданий.

Что такое монументальная живопись простыми словами?

Монумента́льная жи́вопись или мурализм — разновидность монументального искусства, живопись на архитектурных сооружениях и других стационарных основаниях.

Какие произведения относятся к монументальному искусству существующему в синтезе с архитектурой?

К монументальному искусству относятся скульптурные монументы и памятники историческим событиям и лицам, мемориальные ансамбли, посвященные эпохальным явлениям в жизни народа (например, победе над фашизмом в Великой Отечественной войне), скульптурные и живописные изображения, включенные в архитектурное сооружение.

К монументальной живописи принадлежат: витраж, мозаика, фреска, панно, сграффито (см. также Синтез искусств). К м. и. относят и некоторые произведения архитектуры малых форм. Иногда произведения М. и. исполняют в архитектуре функции декоративной организации стен, перекрытий, фасадов и пр.; данную разновидность М. и. обычно называют монументально-декоративным иск-вом, однако чёткого различения этих понятий не существует.

Жанры и виды изобразительного искусства

w3.org/2001/XMLSchema» xmlns:d=»http://schemas.microsoft.com/sharepoint/dsp» xmlns:asp=»http://schemas.microsoft.com/ASPNET/20″ xmlns:__designer=»http://schemas.microsoft.com/WebParts/v2/DataView/designer» xmlns:sharepoint=»Microsoft.SharePoint.WebControls» xmlns:pcm=»urn:PageContentManager» xmlns:ddwrt2=»urn:frontpage:internal» cellpadding=»0″ cellspacing=»0″ border=»0″>   Что такое живопись.   О живописи детям   Классификация основных видов иобразительного искусства   Что такое графика.   Графика. (Звуковой рассказ)   Скульптура (звуковой рассказ)   Гравюра (Звуковой рассказ).	Жанры изобразительного искусства Автопортрет — портрет, написанный с самого себя. Портрет — жанр изобразительного искусства, посвященный изображению человека или группы людей; разновидности — автопортрет, групповой портрет, парадный, камерный, костюмированный портрет, миниатюра портретная, парсуна. АНИМАЛИСТИЧЕСКИЙ — связанный с изображением животных в живописи, скульптуре и графике; сочетает естественно-научные и художественные начала. БАТАЛЬНЫЙ — посвященный изображению войны и военной жизни. БЫТОВОЙ — связанный с изображением повседневной частной и общественной жизни человека. ГАЛАНТНЫЙ — разновидность бытового. ИСТОРИЧЕСКИЙ — один из основных жанров изобразительного искусства, посвященный историческим событиям прошлого и современности, социально значимым явлениям в истории народов. КАРИКАТУРА — жанр изобразительного искусства, использующий средства сатиры и юмора, гротеска, шаржа, художественной гиперболы; изображение, в котором комический эффект создается преувеличением и заострением характерных черт. МИФОЛОГИЧЕСКИЙ — посвящен событиям и героям, о которых рассказывают мифы. НАТЮРМОРТ — жанр изобразительного искусства, показывающий неодушевленные предметы, размещенные в реальной бытовой среде и организованные в определенную группу; картина с изображением предметов обихода, цветов, плодов, битой дичи, выловленной рыбы. НЮ — жанр изобразительного искусства, посвященный обнаженному телу, его художественной интерпретации. ПЕЙЗАЖ — изображение какой-либо местности, картин природы: рек, гор, полей, лесов, сельского или городского ландшафта; по предмету изображения выделяют архитектурный, индустриальный пейзаж, ведуту, марину (изображает море), исторический и фантастический (футурологический) пейзаж. СЮЖЕТНО-ТЕМАТИЧЕСКАЯ КАРТИНА — определение своеобразного скрещения традиционных жанров живописи, которое способствовало созданию крупномасштабных произведений на социально значимые темы с четко выраженной фабулой, сюжетным действием, многофигурной композицией. ШАРЖ — разновидность карикатуры, юмористическое или сатирическое изображение, в котором изменены иподчеркнуты характерные черты человека.	eduportal44.ru/Sharya/pr-18/YEE/_vti_bin/owssvr.dll?CS=65001&XMLDATA=1&RowLimit=0&List={E47A1E4E-FDE6-4B18-9BDB-D1D3516B7E8B}&View={997906A7-740D-4A80-844C-B79BCCCAA7D3}» cellspacing=»0″ cellpadding=»0″ border=»0″>   Жанры изобразительного искусства   Натюрморт. Огюст Ренуар (Звуковой рассказ о картине)   Портрет   Пейзаж. (Смотрите и слушайте)

Какие бывают стили мебели и интерьера.

Дизайн жилища в определенном стиле позволяет, в том числе, выразить индивидуальные особенности его владельцев. Неповторимый тон помещения с помощью отделочных материалов, элементов мебели создает определенную атмосферу среди людей внутри. В моду вошли те или иные вещи, предметы, впитанные определенным стилем, затем ставшие канонами в искусстве.

Какие бывают стили мебели в интерьере

Выделяют около 50 разных стилевых направлений, которые могут быть использованы при оформлении интерьера. Они делятся на три большие категории:

1. этнические;
2. классические;
3. современные.

Классический 

Классика во внутреннем убранстве комнаты всегда перекликается с определенным периодом истории, характерными тенденциями в архитектуре, искусстве того времени.

Барокко.

В переводе с итальянского «причудливый». Товар воспринимается как предмет искусства, украшает интерьер. Учитывая особенности, «размах» данного стиля, он не подойдет для маленьких помещений. Барокко обязательно украшена позолотой, имеет массу резных деталей.

Рококо.

Стиль в этом направлении восходит к 17 веку, отличается плавными формами, завитками, раковинами. Обычно украшают картушами, розетками, позолотой. Имеет выпуклую форму, ножки обычно изогнутые, спинки немного вычурны. Именно благодаря стилю рококо были созданы такие предметы, как секретари, карточные столы, табуреты, комоды.

Классицизм.

Дворцовый стиль европейской эпохи просвещения XVII—XIX вв. Ориентируется на античную классику, в основе которой лежит греческая античность как совершенный образец искусства.

Ампир.

Зародился во Франции во времена правления Наполеона Бонапарта, явился вершиной классицизма. Переводе с французского «ампир» означает «империя», это название как нельзя лучше характеризует данное направление. Имперская роскошь, помпезность, торжественность.

Эклектика.

Появление связывают с серединой 19-го века. Этот период характеризуется тягой изготовителей мебели к исторически устоявшимся тенденциям. Данное направление влечет за собой смешение различных направлений, задействование новых технологий, необычных конструкций, которые лучше всего выражают пристрастия личности и её индивидуальность.

Этнический 

Их нельзя отнести ни к одному из интернациональных стилей, но именно они служат «точкой отправления» для развития архитектурного, интерьерного дизайна. Иногда они – это целое самобытное ответвление, непохожее ни на что; иногда – просто оттенки, которые задают тон всему облику.

• Японский. Здесь популярни лаконичные линии, светлые, мягкие цвета, оттенки, минимализм, никакой лишней мебели, декора. 
• Арабский. Этому направлению свойственны яркие краски, витиеватые орнаменты, замысловатые узоры.

• Африканский. Здесь популярна мебель из массива дерева с минимальной обработкой.
• Египетский. Египетский дизайн подразумевает огромные напольные керамические вазы, шторы, имитирующие папирус.
• Китайский. Похож на японский стиль, но со своим колоритом. Здесь больше ярких цветов, преимущественно красных, золотистых оттенков.
• Русский. Этот интерьер представляет собой стилизованный под домик в виде бревенчатой хижины, грубую мебель, различные русские народные аксессуары, такие как самовары, связки пончиков на стене.
• Кантри. Понятие кантри зародилось в 1920-1930 гг. означало наличие деревенских элементов декора. Деревенский стиль кантри использует природные натуральные материалы меблировки, отделки.
• Американский. Это дизайн, особенностями которого являются наличие большого пространства за счет соединения кухни, гостиной, имитация дороговизны с помощью бюджетных материалов, зонирование пространства, большое количество мебели.

Мебель в современном стиле

Чередовались разные подходы, появлялись новые уникальные вещи от именитых дизайнеров.

• Минимализм. Отказ от лишнего декора, удобная функциональная мебель простых геометрических форм, монохромная цветовая гамма, большое количество свободного пространства
• Хай-тек. Очень распространенное, популярное направление сейчас. Хай-тек подразумевает лаконичные детали, хромированные поверхности с темным цветом, продуманность, функциональность.
• Лофт.  Скорее для городских квартир или офисов, с высокими потолками, большими окнами. Стиль характерен отсутствием штукатурки (на одной или нескольких стенах), торчащими трубами, открытыми проводами — то есть тем, что ассоциируется с заводским антуражем.
• Конструктивизм. Зародился в 20-е годы XX века в СССР. Для которого оказались характерны эксперименты с резными мотивами, атрибутикой военного времени, массивностью, темными тонами.
• Авангард. Одно из самых ярких интериеров. Дизайн авангард предполагает отход от традиций, нестандартное оформление интерьера. 
• Поп-Арт. Достаточно модный стиль. Этот хаотично миксует цвета, разные формы мебели. 
• Экостиль.  В дизайне интерьеров появилось больше натуральных элементов: природный камень, керамика, солома, ткани.

Каковы основные художественные стили?

Существует бесконечное количество художественных стилей.

Статьи Realted: Все, что вам нужно знать о модернизме в изобразительном искусстве – Руководство, которое поможет вам найти свой художественный стиль – Искусство века в 26 мощных движениях – Что такое кубизм? 9 знаменитых произведений искусства, которые вы действительно должны знать (и некоторые из них вы никогда раньше не видели)

Перечислить все когда-либо существовавшие художественные стили было бы невыполнимой задачей. Любой список является неполным и должен отражать исторически сложившийся в основном белый мужской европейский взгляд на историю искусств. Мы можем представить себе прогулку по музею — то, чего многие из нас жаждут. Мы позволим нашему взгляду сосредоточиться на предметах, которые мы видим, блуждая по воображаемым семи комнатам. Они будут выделять отличительные стили, тенденции и социально-политические настроения. Войдя, мы проследим за коллекцией от романтиков до модернизма…

Романтизм (1770-1850)

Это период Возвышенных и больших тем. Конечно, первая картина в этом туре — та, которая показывает необъятность Бога, отраженного в природе, в которой человек может потеряться: «Чудесник над морем тумана» Каспара Давида Фридриха (1818). Вторая работа в этом зале охватывает социально-политические темы, поэтизированные в этот исторический момент, Французскую революцию в июле 1830 года. «Свобода, ведущая народ» Эжена Делакруа (1830) совершенно скульптурна, где Свобода ведет вперед и размахивает французами. флаг – но в то же время грубо драматичный. Североевропейские романтики и французские романтики различаются тем, что скромность первых отсутствует во вторых. Но романтическая поэтическая линия присутствует в обеих картинах.

Братство прерафаэлитов (1848-1855)

Переход во второй зал: Прерафаэлиты. Эта группа была основана в противовес ориентации на романтические идеализированные пейзажи прошлого. «Офелия» сэра Джона Эверетта Милле (1851–1852) висит на наших воображаемых стенах. В этой картине все органично, чисто с акцентом на природу. В центре сцены проплывает шекспировская героиня Офелия из «Гамлета», утонувшая в ручье. Но она является частью этой природной сцены, и значение природных элементов подчеркивается их символикой. Цветы, розы, ивы и маргаритки символизируют любовь, боль и невинность.

Барбизонская школа (1830-1870)

Рядом с этой картиной мы находим другую впечатляющую работу «Сборщики урожая» Жана-Франсуа Милле (1857). На этой картине французской барбизонской школы середины XIX века Милле изображает труд низшего сословия и крестьянскую жизнь. Это тонкое напоминание о больших темах Французской революции и подъеме социализма — и по этой причине критики не приняли его хорошо. Движения рабочих срываются, замедляя их тяжелый труд. Композиция заставляет нас сосредоточиться на их согнутом положении на переднем плане, контрастирующем с далеким и увядшим урожаем и управляющим, смотрящим на их работу. Это простой, но представительный класс, с натурализмом — напоминающий о поиске романтизма комфорта в природе, но без драмы.

Реализм (1840-1880)

Последняя картина во второй воображаемой комнате, «Мастерская художника» Гюстава Курбе (1855), также затрагивает тему современной жизни. По словам Курбе, он хотел создавать «живое искусство». Эта картина представляет все, что имеет для него ценность, и реальность, которая (буквально) его окружает, является самим предметом его творчества. Его друзья, люди, которых он знает, и даже бедняки заслуживают места. Многие аллегории символически представляют его взгляд на современный мир. Например, женщина, стоящая рядом с ним, — художественная традиция. Собака — это его верность искусству, его работе. В произведении он демонстрирует свою гордость и важность современной жизни — вместо мифологических или исторических сюжетов, предпочитаемых Академией.

Импрессионизм (1860-1890)

Теперь мы переходим в нашу третью комнату, и здесь стиль совершенно отличается от того, что мы видели в двух предыдущих. Но сразу узнаем: Nymphéas en fleur (1914-1917) Клода Моне. В соответствии с типичным акцентом на пейзажи этого художественного стиля, сюжетом является его пруд с кувшинками в Живерни. Она написана свободными мазками и даже есть участки, где холст не покрыт. Художники-импрессионисты, такие как Моне, пытались запечатлеть свет определенного момента, быстро рисуя на пленэре масляными красками — новинка для художников того времени. Получив критику за свои картины, они выставлялись в Салоне Отверженных, созданной ими альтернативе официальному Парижскому Салону.

Постимпрессионизм (1886-1905)

Вторая картина в этой комнате, которая встречает нас, состоит из множества крошечных точек, которые кто-то тщательно (и кропотливо) нарисовал на холсте. Эта постимпрессионистская картина сильно отличается от картин Ван Гога, Гогена или Сезанна, на которые больше повлияли японские произведения искусства с их четкими очертаниями и смелыми цветами. Но то, что делали постимпрессионисты, хорошо представлено в этом произведении. Идет поиск нового стиля, который контрастирует со стилем прошлого и более организован, чем импрессионизм. Это знаменитая картина Жоржа Сёра «Un Dimanche après-midi à l’Île de la Grande Jatte» Жоржа Сёра (1882–1884). На нем изображены люди, наслаждающиеся днем ​​на солнце, современная простая тема. Используемая инновационная техника, пуантилизм, основана на теории цвета, и идея состоит в том, чтобы представить чистые цвета, не смешивая их, для создания изображения. Эффект свечения, а формы отлиты на холсте. Тема также особенная, так как все фигуры появляются в тени, кроме девушки в белом, обращенной к зрителю. Кажется, в основе лежит эмоциональное послание о лицемерии буржуазии.

Движение искусств и ремесел (1880-1920 гг.)

Скромный, но замысловатый дизайн — последнее, что есть в этой комнате. Сильно отличающийся от остальных, это пример движения «Искусство и ремесло». Мотив цветочный и повторяющийся. Это «Клубничный вор» Уильяма Морриса (1883). Декоративный, красивый и вдохновленный природой – но скромность – это не простота, а настоящий шедевр. Выступая за традиционное мастерство, движение «Искусство и ремесло» часто заимствовало средневековые стили, переделывая их для целей используемых машин. Дизайн можно идеально повторить. Цель состоит в том, чтобы заново изобрести роль ремесленника в индустриальном мире и остановить снижение стандартов, вызванное фабричным производством.

Модерн (1890-1914)

Перейдя в четвертую комнату, находим картину Гюстава Климта «Смерть и жизнь» (1915). Слева от нас более темная фигура, напоминающая Смерть, а справа группа людей, которые, кажется, обнимаются. Тема жизни и времени смешивается с темой природы. Это также психологическое явление, поскольку отражает старение и осознание человеком смертности. Он производит угрожающее и обнадеживающее впечатление на тех, кто им восхищается, как если бы вы были в группе с другими, а Смерть наблюдает за вами. Фигуры органично переплетаются с цветочными и геометрическими мотивами, напоминающими движения искусств и ремесел. В результате получается чрезвычайно плавное и чувственное повторение линий и форм, которые мы находим в природных элементах, типичных для иллюстраций, плакатов и других произведений и продуктов дизайна в стиле модерн. Этот художественный стиль декоративный — стиль не только для картин.

Примитивизм (1890-1950)

В этом зале мы также видим произведение, напоминающее джунгли. Это произведение Анри Руссо «Голодный лев бросается на антилопу» (1905). Это произведение заимствовано из творчества постимпрессиониста Поля Гогена, поскольку оно ищет среду, не затронутую западной художественной традицией. Идея «примитивности» относится к этому и также может рассматриваться как расистская из-за того, что европейские художники искали другие культуры, используя свои произведения для развития своих собственных практик. Хотя то, как художники заимствовали эти культуры, спорно, картина Руссо показывает восхищение богатыми цветами и очаровательными растениями, которые защищены культурами, которые ближе к природе — ближе к настоящему «чистому» образу жизни.

Кубизм (1907-1921)

На третьей стене четвертой комнаты висит картина Пабло Пикассо «Скрипка и виноград» (1912). Тема фрагментирована. Мы узнаем, что на нем изображено, только благодаря нескольким деталям и названию. Геометрические угловые линии образуют кубы объектов. Как и в других произведениях кубизма, предметы исследуются с разных позиций, ориентируясь на пластичность предметов. Подобно тому, как постимпрессионист Сезанн поступал через цвет в своих работах. В кубизме различные точки зрения объединяются, чтобы представить идею объекта, как будто различные ракурсы дополняют его. Это воссоздание трехмерной формы, концепции скрипки и винограда.

Экспрессионизм: Les Fauves (1905–1908), Die Brücke (1905–1913) и Der Blaue Reiter (1911–1914)

На последней стене мы находим «Женщину в шляпе» Анри Матисса . Это произведение французского фовизма из Les Fauves («дикие звери»). Это авангардное движение взяло от эмоционального качества работы Ван Гога. Как и работы Ван Гога, картины Матисса характеризуются яркими красками. Вместо реалистичного эффекта Les Fauves ищут живость за счет мудрого использования насыщенных цветов и упрощенных изображений, которые удивительно интенсивны.

Рядом с работой Матисса выставлено еще одно сильное произведение: «Маски Эмиля Нольде» (1911). Стиль Die Brücke современен фовизму и основан на тех же влияниях. Здесь важна яркость ярких красок, но немецкое движение показывает отчуждение и разобщенность человеческой жизни. Маски тают, искажаются, как и другие работы Die Brücke. Картину можно охарактеризовать как гротескную и навязчивую. Насилие, которого нет в фовизме.

Сосредоточив внимание на значении цветов, Der Blaue Reiter также был немецким стилем, в котором участвовали такие художники, как Кандинский и Клее. Работа на стене, рядом с этими двумя другими, — «Голубая лошадь I» Франца Марка (1911). Цвета потрясающие, даже яркие. Но смысл духовный. Лошадь является символом силы и невинности, а цвет дает ощущение глубины и медитативного созерцания. Здесь центральное место занимают цветовые оттенки, создающие более спокойную атмосферу, чем в двух других картинах на этой стене.

Дада (1916-1922)

Что мы находим, входя в пятую комнату? Скульптура? Это, несомненно, писсуар, но он стоит на боку. Это «Фонтан» Марселя Дюшана (1917). Это абсурдно, странно и даже смешно. Это произведение яркого авангардного движения Дада. Группа художников запустила дадаизм в 1916 году в Кабаре Вольтер в Швейцарии — в ответ на Первую мировую войну. Его члены выступали против войны и выступали против буржуазии. Их работы были протестом. Коллажи, поэзия, визуальные и скульптурные произведения, направленные на то, чтобы шокировать публику, представляя известные вещи в необычных сочетаниях или неуместные объекты («редимейды»), такие как Фонтан.

Футуризм (1909-1914)

Повернувшись к правой стене, мы находим работу итальянского футуриста Луиджи Руссоло «Восстание» (1911), сделанную до Первой мировой войны. Как и другие произведения этого движения, картина подчеркивает идею движения. Для этого используются яркие контрастные цвета, геометрические формы и острые углы. То, что мы воспринимаем, — это быстрое движение, которое невозможно остановить. Прогресс и волнение войны представляли футуристы. Действительно, это движение было тесно связано с фашизмом, поскольку художники стали ярыми сторонниками кампании Муссолини.

Конструктивизм (1919-1932)

Двигаясь дальше, мы оказываемся перед скульптурой, чем-то напоминающей разбитые фигуры кубизма. Это произведение — «Голова № 2» Наума Габо (1916). Современный русской революции конструктивизм, направление абстрактного искусства, в полной мере использует промышленные материалы. Здесь материал рисует контур фигуры, а не наращивает ее массу. Это промышленный. Действительно, искусство, созданное конструктивистами, является скорее «продуктом», поскольку такие художники, как Габо, считали бы свою практику скорее технической, чем художественной.

Баухауз (1919-1938)

На мгновение обращаем внимание на здание. Комнаты, в которые мы ходили, обычные и функциональные. У него явно есть цель, подходящая для «механического мира». Это идея немецкого Баухауза, родившегося после поражения в Первой мировой войне. Центральной была их Школа, где обменивались идеями — инновационная по сравнению с традиционной моделью «учитель-ученик». Под влиянием конструктивизма он сочетает в себе дизайн и функциональность. Упрощенные формы, рациональность, функциональность и массовость – ключевые слова этого стиля.

Кинетическое искусство (1930-1960)

В комнате что-то привлекает наше внимание. Он движется, постоянно меняется, геометрические абстрактные формы напоминают работы Жоана Миро. Действительно, дадаизм и сюрреализм действительно влияют на этот изобретательный художественный стиль. Работа, на которую мы смотрим, — это картина Александра Колдера «Без названия» (1937). Он отражает растущее значение машин и нестабилизирующее влияние времени. Геометрические фигуры соединены, но целое выглядит очень хрупким. Произведение представляет собой своего рода «мобиль», характерный для этого художника. Это действительно революционно, если учесть тот факт, что скульптуры обычно очень статичны.

Art Informel (1945-1960)

В последней комнате тура по нашему воображаемому музею мы ясно видим абстрактный предмет, который использует мешок, подобный тому, который используется для картофеля. Это картина итальянского художника Альберто Бурри «Мешковина и красное», 1954 год. Художник, проработавший на войне врачом, воссоздает на холсте эффект рваной повязки. Как и другие произведения информель-арта, произведенные в основном в Италии, Бурри как будто представляет материалы, прошедшие через что-то, в какой-то степени воспроизводящие последствия опустошительной войны. Это произведение состоит из кройки, шитья и покраски — это произведение искусства, созданное путем манипулирования этими грубыми материалами. Текстура и ощущение легко представить, глядя на него.

Изображение на обложке: Луиджи Руссоло, Восстание, 1911 г., предоставлено WikiArt.com, общественное достояние.

Типы искусства — [Движения и стили]

Для многих людей различные виды искусства, художественные направления и художественные стили могут быть немного ошеломляющими, и часто язык, используемый в мире искусства, несколько сбивает с толку……

Направления в искусстве — это способы эволюции искусства с течением времени. Четыре самых популярных направления в искусстве — это сюрреализм, импрессионизм, реализм и абстрактный экспрессионизм.

Существует множество философий, используемых при создании произведений искусства, которые часто подразделяются на различные направления. Эти философии могут варьироваться от модернизма, постмодернизма и постструктурализма, чтобы назвать несколько.

Абстрактный экспрессионизм — это форма искусства, которая не ограничивается реализмом. Это попытка изобразить то, что чувствуешь, а не то, что видишь. Полное сосредоточение на чувстве картины и ее мазках можно увидеть в картинах абстрактного экспрессионизма.

Это стиль живописи, возникший в 1940-х годах в Нью-Йорке. Движение возглавляли такие художники, как Джексон Поллок, Виллем де Кунинг и Марк Ротко.

Появился во время Второй мировой войны, и поэтому многие люди думают, что его цель состояла в том, чтобы выразить эмоции для тех, кто не мог выразить себя из-за того, что произошло в этот период времени.

Абстрактные экспрессионисты были глубоко озабочены выразительным использованием цвета и формы, часто с использованием сплошной техники, что было радикальным отходом от традиционной западной живописи.

Эстетизм — художественное и литературное движение, зародившееся во второй половине XIX века в Англии и распространившееся на остальную Европу.

Эстетизм возник как реакция на позитивизм, утверждавший, что искусство должно представлять реальную действительность. Это был не только отказ от существующих течений в живописи и литературе, но и бунт против индустриализации, урбанизации, утраты традиций.

Искусство рассматривалось как способ стимулировать нравственные и эмоциональные состояния в жизни. Эстетики регулярно собирались для встреч со своим набором убеждений, называемым «кредо». Эти встречи назывались «эстетические чаепития».

Движение было по своей сути реакцией на уродство и отсутствие красоты, которые были распространены в викторианской Англии.

Читайте также: Известные картины Викторианской эпохи

Эстетики чувствовали, что мир утратил чувство прекрасного, что они приписывали христианскому акценту на смирении. Они стремились вернуть общество обратно в гармонию с природой, используя искусство для удовольствия.

Эстетизм угас в ХХ веке, но оказал огромное влияние на современное искусство. Это было одним из источников вдохновения для импрессионистов.

Ар-нуво — это французский термин, означающий «новое искусство». Это было художественное движение, характеризующееся использованием плавных, органических линий. Художники в стиле модерн стремились создавать более натуралистичные и чувственные произведения.

Это интернациональный архитектурно-декоративный стиль, возникший в конце 19 века во Франции. Стиль характеризуется возвращением к сложным, плавным, органическим формам под влиянием природы и средневекового искусства, а также признанием декоративно-прикладного искусства.

Важными концепциями модерна являются единство в разнообразии, асимметрия, плавные линии и изгибы, стилизация растительных форм с животными, выступающими в качестве их естественных контрапунктов или изысканных изображений. Движение распространилось по Европе и было популяризировано в Америке частично благодаря работам американского художника Луи Комфорта Тиффани.

Стиль начал приходить в упадок в начале Первой мировой войны и быстро исчез после войны из-за его ассоциации с декадансом и легкомыслием.

Говорят, что он был вдохновлен движением японизма, которое стало популярным во Франции после победы Японии над Россией.

Это был один из первых художественных стилей, получивших название «модерн». Это был отход от традиционного искусства 19 века из-за того, что он сосредоточился на декоративном искусстве и естественных формах, а не на реализме.

Стиль достиг пика своей популярности в период Прекрасной эпохи 1900-1910-х годов, прежде чем его сменил ар-деко.

Искусство авангарда — термин, придуманный во Франции в 19 веке. Это относится к творчеству художников и художественных течений, для которых характерен радикальный отход от традиционных форм представления.

Многие художники используют авангардные техники, чтобы дать представление об обществе, даже если они не всегда понимаются или ценятся. Форма современного искусства, которая часто шокирует или оскорбляет людей, использующих традиционные стандарты.

Искусство авангарда часто называют экспериментальным, и его описывают по-разному, в том числе как «художественный бунт против принципов порядка и гармонии», как «атаку на общепринятые представления о красоте и традиционные функции». изобразительного искусства» и как исследование «психического процесса самовыражения».

Движение было антиподом того, что считалось мейнстримом.

Движение ар-деко было стилем дизайна, популярным в период с 1920-х по 1930-е годы. Термин «ар-деко» происходит от французского и переводится на английский язык как «стиль искусства, применяемый к декорированию». Этот стиль возник во Франции, а затем распространился в Европе, Северной Америке и Латинской Америке.

Сам термин был придуман в 1939 году французским арт-дилером Жоржем-Пьером Сёра для описания выставки мебели, спроектированной в 1925 для Парижской выставки в том же году и с тех пор в более широком смысле применяется к таким предметам, как украшения, одежда, текстиль, плакаты и здания, такие как Крайслер-билдинг в Нью-Йорке.

Архитектура характеризуется использованием кривых и геометрических форм. Повсеместное распространение ар-деко можно найти в зданиях, мебели, моде, графическом дизайне, скульптуре — во всех аспектах жизни той эпохи.

В этом механизме особое внимание уделялось геометрическим формам с сильным египетским влиянием, таким как изогнутые формы с острыми краями. В дополнение к влиянию Египта на эту тенденцию также был акцент на использование ярких цветов для самовыражения через одежду или внешние мотивы 9. 0007

Искусство в стиле барокко — это термин, описывающий художественный период в Западной Европе примерно с 1600 по 1750 год. Прилагательное барокко происходит от португальского слова barroco, означающего «деформированная жемчужина» и, возможно, связанного с французским словом барокко с аналогичными значениями, и иногда используется уничижительно.

Характеризуется использованием драматических и эмоциональных сюжетов, использованием движения и большого масштаба.

Барокко зародилось в Риме около 1600 года и быстро распространилось в католических странах. Он правил искусством примерно до 1760 года, когда уступил место рококо, а затем неоклассическому стилю. Барокко применялось в музыке, архитектуре, опере, живописи, скульптуре и других искусствах.

Он возник в Италии как реакция на стиль Ренессанса, который часто считают холодным, безэмоциональным и слишком совершенным. На него повлияли такие художники, как Микеланджело и Караваджо, которые подчеркивали несовершенство людей и свои рисунки людей.

Классицизм — художественный стиль, популярный в Западной Европе с 1750 по 1830 годы.

Этот художественный стиль является реакцией на доминирующие в то время стили барокко и рококо. Он использует простые формы, четкие линии и часто имеет симметрию или порядок.

Он был разработан в Риме как способ имитации классического греческого искусства.

Классицизм можно описать как использование простых, чистых линий и форм для создания человекоподобных фигур и предметов. Стиль был популяризирован такими художниками, как Жан-Батист Реньо, Робер Лефевр и Жак Луи Давид.

Художники пытались подражать художественным стилям классической древности, например, древнегреческой и римской скульптуре. Это также было реакцией на стиль барокко, который был популярен на тот момент более 100 лет.

Примером классицизма является «Смерть Сократа» Жака Луи Давида.

Коллаж — это процесс создания художественного произведения путем объединения различных элементов в единое целое. Обычно это влечет за собой разрезание или разрывание кусочков бумаги или другого материала и размещение их на поверхности для создания изображения.

Слово «коллаж» по-французски означает «склеивание», поэтому произведение искусства создается путем склеивания кусочков вместе, чтобы сформировать что-то новое.

Идея искусства коллажа состоит в том, чтобы брать различные предметы и переставлять их оригинальным образом. Чтобы это сработало, оно должно быть выполнено творчески, чтобы привлечь внимание зрителей.

Коллаж можно использовать для создания визуального повествования или выражения идеи. Произведение искусства, созданное с помощью коллажа, называется коллажем. Слово «коллаж» происходит от французского слова «coller», что означает «склеивать».

Коллажи можно делать из самых разных материалов, от картинок до пуговиц и раскрашенных вручную кусочков ткани.

Традиционный способ, которым художники создают коллажи, состоит в том, чтобы брать два или более объектов и помещать их друг на друга так, чтобы они перекрывались, чтобы сформировать новое изображение.

Концептуальное искусство — это вид искусства, который передает идею или сообщение, а не представляет физические объекты.

Термин «концептуальное искусство» был придуман художником и критиком Лоуренсом Аллоуэем в середине 1960-х годов, который использовал его для обозначения работ некоторых художников, входивших в группу Fluxus.

С тех пор он используется для описания любого произведения искусства, визуального или иного, которое предназначено для передачи идеи или сообщения, не ограничиваясь традиционным средством или стилем.

Художники-концептуалисты часто используют косвенные средства выражения, такие как инсталляции, фотографии, видео, рисунки и текстовые работы. Концептуальное искусство разделяет как с абстрактным экспрессионизмом, так и с минимализмом идею о том, что весь смысл исходит из физической материальности произведения искусства, а не из какого-то внешнего источника.

Он состоит из всего, что фокусируется на концептуальной, а не на физической реальности. Некоторыми примерами этого являются «Фонтан» Марселя Дюшана, «Вырезанный кусок» Йоко Оно или просто белый холст с этикеткой, на которой написано: «Эта работа называется белым холстом».

Во многом он напоминает авангардные течения конца 19 века и развился из них, став более радикальным с точки зрения своих подходов к смыслу и эстетической ценности. Концептуализм часто принимает форму критики традиционных понятий, таких как «искусство» и «истина».

Искусство конструктивизма — это стиль искусства, возникший в результате русского конструктивистского движения. Художники, работающие в этом стиле, считают, что искусство — это абстрактная, объективная истина, и их цель — показать мир таким, какой он есть на самом деле.

Концепция конструктивизма впервые была разработана художником и дизайнером Владимиром Татлиным в 1920-х годах. На него повлияли идеи русских поэтов-футуристов и конструктивистов. Он хотел создать новый вид искусства, который был бы динамичным, свободным от любых ограничений, политических или иных.

Он был вдохновлен идеей Владимира Ленина о том, что искусство должно использоваться как инструмент для распространения коммунистической идеологии. Конструктивисты смотрели на мир аналитическим взглядом и отвергали объективность чистого искусства.

Они хотели, чтобы их искусство выражало то, чем, по их представлениям, должна быть жизнь – радость, счастье, городская жизнь и так далее. При этом они пытались создать новые формы и приемы, которые помогли бы им более четко излагать свои идеи, чтобы провоцировать размышления у зрителей.

Термин «современное искусство» используется в мире искусства для различения форм модерна и постмодерна. Современное движение характеризуется абстракцией, минимализмом, концептуализмом и искусством инсталляции.

Современные художники часто используют новые технологии для создания своих произведений искусства. Они всегда изучают новые возможности для своего искусства.

За последние несколько десятилетий он превратился в форму художественного выражения, не ограниченную никакими традиционными идеями или нормами.

Современное искусство определяется не одним конкретным стилем, а скорее движением, которое стремится быть новаторским и экспериментальным. Лучший способ определить современное искусство — рассматривать его как самостоятельную сущность, а не просто результат слияния прошлых стилей.

Кубизм — влиятельное авангардное направление в искусстве, зародившееся во Франции в начале 20 века. Кубисты сосредоточены на идее, что объекты видны под разными углами одновременно. Они использовали искусство, чтобы представить то, что они видели, когда смотрели на объекты с разных точек зрения.

Художники-кубисты считали, что картина или скульптура должны представлять собой совокупность объектов, а не один объект, видимый с одного ракурса. Они считали, что мы видим предметы по-разному, так почему бы не показать их все?

Одними из самых известных кубистов были Пабло Пикассо и Жорж Брак, создавшие такие картины, как «Скрипка».

Они оба начали экспериментировать с изображением объектов с нескольких разных точек зрения одновременно, с изображениями, которые были созданы краской на двухмерной поверхности.

Кубизм находился под влиянием масок африканских племен и иберийской скульптуры, а также аналитических методов живописи Сезанна, которые использовались до того, как кубизм стал популярным.

Дадаизм — культурная деятельность, зародившаяся после Первой мировой войны. Она возникла в кофейнях в Цюрихе, Швейцария, где художники собирались, чтобы обсудить зверства войны и их влияние на общество.

Это движение бросило вызов любым традиционным представлениям о порядке, логике и искренности в искусстве.

Дада означает «лошадка-любитель» или «детский посох для нищих с конской головой». Дадаизм — это форма антиискусства, которая намеренно использует иррациональность и нигилизм в качестве основных приемов для достижения своей цели — отказа от того, что они считали чрезмерно буржуазным обществом.

Художники Дада хотели создать произведение, которое ужаснуло бы любителей прекрасного и показало бы им абсурдность войны. Их описывают как обладающих «порочным чувством юмора», которое они используют для критики общества посредством поэзии, звуковых стихов, картин, скульптур, коллажей и т. д.

Экспрессионизм — модернистское направление в искусстве, зародившееся в начале 20 века в Нидерландах и Германии. В широком смысле это стиль изобразительного искусства, литературы, театра, кино и музыки, который стремится выразить эмоции или идеи посредством крайнего искажения формы или содержания.

Другими словами: это направление в искусстве, которое возникло как реакция на ограниченность импрессионизма в передаче эмоциональных состояний.

Пример экспрессионизма можно увидеть в картине Винсента Ван Гога «Звездная ночь», которая воплощает эмоциональное состояние художника в конкретный день, когда он ее написал.

Художники-экспрессионисты стремились выразить эмоциональные переживания, а не физическую реальность. Они сосредоточились на внутреннем мире людей, а не на внешнем мире объектов.

Движение возникло как ответ на реализм и натурализм девятнадцатого века, которые были сосредоточены на внешней визуальной реальности. Экспрессионисты экспериментировали с новыми способами выражения чувств и эмоций и стремились представить их визуально.

Фовизм был художественным движением между 1905 и 1914. Для него характерно использование неестественных цветов, таких как желтый, розовый и фиолетовый. Ключевой особенностью картин фовистов является использование чистых цветов при ярком солнечном свете.

Фовизм — стиль живописи, получивший свое название от французского слова «фов», означающего «дикий зверь».

Движение зародилось во Франции, когда Анри Матисс был вдохновлен произведением африканского искусства, которое он увидел в доме своего друга и художника Андре Дерена.

Матисс заинтересовался этим видом искусства после просмотра аналогичного произведения на выставках, спонсируемых Полем Дюран-Рюэлем с 189 года. 5. Картины характеризовались упрощенными формами, широкими мазками и яркими цветами, которые сильно контрастировали с картинами импрессионистов, на которых мрачные сюжеты были представлены в приглушенных тонах.

Фовисты интересовались цветом из-за его эмоциональных и выразительных качеств, а не из-за его символических или натуралистических ассоциаций. Они отказались от всех академических правил и посвятили себя свежему, спонтанному самовыражению в данный момент. Для него характерны яркие цвета, вызывающие эмоциональный отклик у зрителей.

Искусство феминизма — это форма искусства, направленная на критику социальных норм, стереотипов и ожиданий женщин.

Феминизм в искусстве изначально был довольно спорной темой, но по мере того, как все больше художников использовали эту форму выражения, она становилась все более популярной. Феминистское движение существовало всегда, и только сейчас мы начинаем видеть изменения.

Хотя существует множество определений феминизма, все они имеют нечто общее: идею о том, что женщины должны иметь те же возможности, что и мужчины. Это может означать разные вещи в зависимости от того, кто определяет феминизм.

Тем не менее, не всегда легко понять, что такое искусство феминизма. Не существует конкретного определения того, каким должно быть искусство феминизма, и существует множество различных точек зрения на этот предмет. Но есть одна вещь, с которой согласны большинство людей, это то, что те, кто создает феминистское искусство, должны каким-то образом поддерживать феминистские идеалы.

Fluxus — международная группа художников, композиторов, дизайнеров и поэтов, основанная в Нью-Йорке в начале 1970-х годов.

Это было преимущественно американское движение, тесно связанное с европейским авангардом.

Термин «флюксус» был придуман Джорджем Мачюнасом, одной из ключевых фигур художественного движения Флюксус, для обозначения его группы художников и их работ, а также их связи с другими художественными движениями, такими как минимализм, концептуальное искусство и визуальная поэзия. .

Художники Fluxus отвергли прежние художественные условности, такие как традиционные материалы, размер или форма. Они хотели создать новую форму искусства, которая была бы личной, визуальной и субъективной.

Термин флюксус имеет два значения: он может относиться либо к более широкому творчеству любого художника флюксуса, либо к одной конкретной работе определенного художника.

Искусство футуризма — это форма искусства, зародившаяся в Италии в 1909 году. Футуристы представляли собой группу художников, которые хотели вырваться из художественных традиций, поэтому они экспериментировали с новыми техниками, такими как кубизм и экспрессионизм.

В основном его возглавлял поэт и художник Филиппо Томмазо Маринетти.

Термин футуризм произошел от французского слова «futur», что означает будущее. Футуристы хотели своим искусством показать, какой будет жизнь в будущем. Их особенно интересовали современные технологии, поэтому у них были изображения и видео поездов, самолетов и автомобилей.

Футуристическое искусство — это искусство, черпающее вдохновение из будущего. Эти художники пытаются представить, как мог бы выглядеть мир через несколько десятилетий или даже столетий.

Футуристическое искусство — это разновидность научной фантастики, но это также и эстетика, которую можно использовать не только для изображения воображаемых миров, но и для других целей.

Он часто изображает то, что художник считает возможным с помощью современных технологий, но он также может быть основан на идеях из воображения и исследованиях в таких областях, как технологии, наука и исследование космоса.

Этот жанр искусства можно увидеть во многих фильмах и книгах, а также в реальных картинах и скульптурах по всему миру.

Термин «геометрическое» используется для описания этого вида искусства, потому что формы часто бывают геометрическими, а также часто встречаются углы, круги, квадраты или прямоугольники. Геометрическое искусство может проявляться во всех формах, таких как скульптура или живопись, но чаще всего это картины или рисунки на бумаге.

Существует три типа геометрических произведений искусства: абстрактные геометрические произведения искусства, репрезентативные геометрические произведения искусства и графический дизайн.

Абстрактное геометрическое искусство: художник пытается выразить свои мысли или чувства, создавая форму с помощью геометрических фигур абстрактным образом.

Репрезентативное геометрическое искусство: художник пытается изобразить объекты или идеи, существующие в реальности, используя геометрические формы более реалистично.

Граффити — это форма визуального искусства, которая обычно выполняется в общественных местах. Художники-граффити используют аэрозольную краску, маркеры или другие инструменты для создания изображений и текста на стенах и в других общественных местах.

Граффити существовало веками и было очень древней формой искусства с самого начала цивилизации. Самая ранняя форма была бы с доисторическими наскальными рисунками.

Современное граффити было создано для прикрытия рекламы в 1960-х годах. Его можно использовать как законный способ выражения своего мнения об организации или учреждении, например, посредством протеста или комментария, а также как незаконный вандализм.

Гиперреализм — это особый жанр живописи и скульптуры, который не является абстрактным. Художник должен уметь реалистично изображать предмет, но цель гиперреализма — сделать искусство настолько реалистичным, чтобы оно выглядело как фотография.

Термин был придуман Артуром Михайловичем в 1968 году, который заявил: «Гиперреализм — это преднамеренное использование техник, призванных сделать картину похожей на фотографию». Для этого стиля от художника требуются технические навыки, поскольку он основан на тщательном изучении и представлении, а не на абстракции или экспериментировании.

Картины настолько реалистичны, что кажутся реальными или сверхреалистичными. Они заставляют зрителя поверить в реальность того, что он видит, но на самом деле это всего лишь иллюзия, созданная краской на холсте или полистиролом на дереве.

Импрессионизм — это направление в искусстве, целью которого является запечатлеть субъективное и универсальное впечатление, которое наблюдатель получает от сцены. Движение характеризуется техникой использования небольших подвижных мазков, в отличие от более распространенной практики равномерного нанесения краски.

Известными художниками-импрессионистами являются Клод Моне, Эдгар Дега и Пьер-Огюст Ренуар.

Термин «импрессионизм» впервые употребил искусствовед и историк Эдуар Дюжарден в 1863 году. Он использовал этот термин для описания картин Моне, написанных зимой 1860-61 годов, для которых характерны необычные цветовые и световые эффекты.

Импрессионизм характеризуется видимыми мазками, художественным использованием цвета и вниманием к деталям. Импрессионисты пытаются показать, как свет влияет на людей и предметы, как выглядят поверхности при различных условиях освещения, например, на рассвете и в сумерках, или как со временем меняются тени.

Искусство инсталляции — это искусство, созданное для определенного места и времени.

Искусство инсталляции может исследовать концепции жизни, смерти и природы. Это может быть интерактивным, например, просить зрителей наступить на деревянную доску, чтобы создать звук, когда они идут по ней.

Художник также может использовать искусство инсталляции как способ исследовать идеи окружающего мира. Он часто носит интерактивный или интерактивный характер.

Искусство инсталляции начало становиться тенденцией в конце 19 века.60-е годы с художниками, изучающими новые способы отображения своих работ. Цель инсталляционного искусства не в том, чтобы создать эстетический вид, а в том, чтобы создать иммерсивный опыт.

Это интерактивные произведения, предназначенные для просмотра публикой, а не просто для просмотра в галерее. В искусстве инсталляции часто используются специфические для сайта функции, такие как архитектура, скульптура, карты, а также звуковые или световые проекции.

Он часто создается в нетрадиционных местах, таких как музеи, галереи или частные дома, и может варьироваться от крупномасштабных скульптур, занимающих всю комнату, до крошечных скрытых предметов, спрятанных в темных углах.

Пейзажное искусство или пейзажная живопись — это действие по изображению пейзажа или точному изображению области природного пейзажа, особенно акварелью.

Это сочетание двух слов «земля» и «пейзаж». Эти два слова часто используются для определения разных вещей, но в данном контексте они оба относятся к одному и тому же. Пейзажное искусство — это форма живописи, которая изображает пейзажи, обычно на природе, и выполняется акварельными красками. Слово «земля» означает пейзаж, а слово «пейзаж» означает «краска».

Этот вид искусства зародился давным-давно, когда древние люди использовали его для сохранения своих воспоминаний о доме, когда они подолгу отсутствовали.

Пейзажное искусство — это картина, рисунок или репродукция пейзажа. Это термин, который охватывает сельские пейзажи, городские пейзажи и природные сцены.

Одной из старейших картин ландшафтного искусства является Эдемский сад. Он изображает мир таким, каким он был до грехопадения человечества.

Средневековое искусство — это широкий термин, который относится ко всему искусству, созданному в Европе в средние века. Это был период времени между 500 и 1500 годами.

Хотя существует множество различных видов средневекового искусства, некоторые из наиболее распространенных — иллюминированные рукописи, изделия из металла, скульптура, витражи и фрески.

Средневековье характеризовалось возрождением классических форм и появлением новых социальных классов. Этот период также известен как Средневековье и длился примерно с 1000 по 1500 год в Европе (Ближний Восток и Северная Африка).

В это время художники получили больше свободы для самовыражения. Это привело к появлению некоторых из самых влиятельных произведений искусства того времени. Целью этих художников было создать ощущение духовности в своих работах.

Они хотели, чтобы их работа была духовно возвышенной, потому что они верили, что через искусство люди могут лучше понять христианство и обрести спасение.

Идея этих произведений возникла из религиозных картин, которые использовались во время средневековых месс, называемых «мессами». Эти росписи были выполнены на деревянных панелях, которые затем прикреплялись к церковным стенам или переделкам 9.0007

Минимализм — стиль, ставший популярным в начале двадцатого века. Художественная форма основана на нескольких простых геометрических фигурах, таких как линии и прямоугольники. Минимализм использует эти формы для создания красивых произведений искусства.

Термин «Минимализм» был придуман американским искусствоведом и писателем Дональдом Джаддом в 1968 году. С тех пор это направление в искусстве переняли многие художники по всему миру.

Минимализм — вид искусства, стремящийся к достижению максимальных результатов минимальными средствами. Это художественный стиль, возникший в конце 1950-х и начале 1960-х годов, прежде всего в Америке и Западной Европе.

Этот вид искусства характеризуется упрощенными геометрическими формами, часто расположенными на белом или светлом фоне. Цель художника в этом стиле — создать ощущение порядка, ясности, баланса и сдержанности или спокойствия за счет сведения сложности или орнамента к его простейшей форме или форме.

Маньеризм — стиль живописи и скульптуры, возникший в Риме в 1520-х годах и распространившийся на большую часть Европы.

Название происходит от итальянского слова maniera, означающего «стиль» или «манеры».

Художники-маньеристы отвергли гладкость и ясность искусства раннего Возрождения, примером которого является Леонардо да Винчи. Они также стремились придать своим работам эмоциональную насыщенность, которая делала их больше, чем реальность.

Маньеризм можно рассматривать как форму экстравагантности в культуре эпохи Возрождения, с ее изобразительным искусством, которое становится более сложным и интеллектуализированным, чем это было со времен античности.

Стиль характеризуется удлиненными и сильно стилизованными фигурами, часто с неестественной степенью эмоциональности или сексуальности; драматические жесты и позы; контрастная окраска; и «сдержанное интеллектуальное качество».

Наивизм — глобальное художественное движение, зародившееся в 1970-х годах. Для него характерно использование ярких, веселых цветов и детских образов со счастливыми предметами (например, цветами и деревьями).

Наивные художники рисуют сцены из своей повседневной жизни: семейные посиделки, животных, натюрморты.

Слово Naïve происходит от французского слова Naïf, что означает «простой». И это относится к более упрощенным качествам в их картинах.

Наивные художники пытаются изобразить свои предметы с помощью самых простых геометрических форм, без тени или деталей.

Натурализм Искусство — это международное движение реализма в искусстве, цель которого — показать объекты и сцены такими, какие они есть в природе. Это была реакция на романтизм, склонный преувеличивать цвета и детали.

Термин «натурализм» может применяться ко всем формам искусства, которые изображают объекты и сцены такими, какие они есть в природе. Однако в основном он используется для описания живописи с середины 19 века до конца 1940-х годов.

Произведения в стиле натурализма обычно сосредоточены на повседневной жизни и обстановке, часто изображая сельские сцены с загородными домами, фермами и посевами. Избегает идеализации и романтизма.

Неоклассицизм — это возрождение принципов древнегреческой и римской скульптуры и архитектуры. Термин «неоклассический» появился в 18 веке и изначально был уничижительным.

Этот стиль можно увидеть как в картинах, так и в скульптурах, но в основном он ориентирован на живопись, так как требует больше навыков, чем в скульптуре.

Неоклассицизм возник в Риме, Италия, в 18 веке, примерно через двести лет после того, как неоклассические художники впервые начали вносить изменения в свои работы. Стиль был популяризирован Французской академией в 1750 году как реакция на искусство рококо, которое было популярно с 1740-х годов.

Неоклассики хотели отойти от романтизма и вернуться в классическую эпоху искусства.

Самыми известными художниками-неоклассиками являются Жан Огюст Доминик Энгр и Эжен Делакруа.

Искусство неоимпрессионизма — это форма живописи, возникшая в конце 19 века. Это стиль живописи, похожий на импрессионистов, но с более четкими мазками и более яркими цветами. Он был создан после движения импрессионистов, которое началось в 1874 году и просуществовало примерно до 1886 года.

Неоимпрессионисты хотели воспроизвести изображение в момент времени и запечатлеть его на холсте так, как его видит глаз.

В отличие от традиционных техник рисования, они наносили цвета непосредственно друг на друга, не смешивая их предварительно, что создавало интенсивную цветовую палитру и более четкие очертания, чем в картинах импрессионистов.

Неопластицизм — это форма абстрактной живописи, впервые созданная румынским художником Константином Бранкузи. Он представил этот стиль в 1909 году своей работой «Птица в космосе».

Этот стиль характеризуется плоскими плоскостями, свободной композицией и насыщенными цветами. Название «неопластицизм» было придумано румынским современным искусствоведом и поэтом Т. П. Томой в 1919 г.29.

Движение было реакцией на картины импрессионистов и кубистов той эпохи.

Новое движение стремилось устранить все следы узнаваемых или реалистичных объектов со своих картин. Они хотели, чтобы зритель сосредоточился только на цвете, форме и композиции.

Перформанс — это вид искусства, который бросает вызов традиционным способам коммуникации, создавая действия, выполняемые перед аудиторией.

Он существует уже давно и популярен не только в театре, но и в других видах искусства. Артисты перформанса используют свои тела, действия или слова для создания своих представлений.

Перформанс — вид визуального искусства, который существует с 1960-х годов. Обычно это происходит перед аудиторией и может включать любое количество инструментов. Может быть трудно определить, что такое перформанс на самом деле, потому что он очень разнообразен и существует много разных типов.

Пуантилизм — это художественная техника, в которой используются маленькие точки чистого цвета для создания впечатления большего богатства, чем оно есть на самом деле.

Он родился как ответвление импрессионизма, живописного течения во Франции 1860-х годов. Импрессионисты хотели передать мимолетные впечатления, или мгновения, как они представлялись художнику.

Они использовали короткие мазки и брызги цветов на холсте, но они были смешаны в более единое целое глазом зрителя.

Художники-пуантилисты пытались добиться аналогичного эффекта с помощью маленьких точек краски вместо мазков кисти, и их работы можно рассматривать как продолжение или усовершенствование импрессионизма.

Поп-арт — это термин, который впервые был придуман в Америке для обозначения формы искусства, в которой используются изображения из популярной культуры.

Движение поп-арт возникло в 1950-х и 1960-х годах и характеризовалось тем, что художники использовали яркие, плоские цвета из коммерческих источников. Его истоки можно найти в работах Джаспера Джонса, который создавал работы на основе знакомых символов, таких как флаги, мишени, цифры и буквы.

Поп-арт обычно представляет собой смесь изображений и слов, взятых из популярной культуры, таких как кадры из фильмов или комиксы. Затем эти иллюстрации комбинируются с другими формами популярной культуры, такими как реклама, комиксы и мультфильмы.

Портрет — наиболее распространенная форма живописи в западных обществах. Художник-портретист — это обычно тот, кто специализируется на создании портретов.

Портреты могут быть реалистичными или импрессионистскими, и они могут быть выполнены на любом материале, но чаще всего используются картины маслом из-за их насыщенных цветов и текстур.

Портретная живопись уходит своими корнями в европейскую традицию изображения аллегорических и мифологических сюжетов классической античности, таких как Сократ Платона или Давид Аристотеля.

Традиция сложилась в эпоху Возрождения, когда художники писали облагороженные портреты своих покровителей.

Художники-постимпрессионисты использовали яркие цвета, альтернативные мазки и новые способы изображения твердых объектов, чтобы создать более выразительный вид, чем то, что можно было увидеть на картинах импрессионистов.

Художники создавали свои работы, опираясь на достижения Моне, Ренуара и Писсарро. Они также взяли то, что узнали из символизма и движения декоративного искусства конца 19 века.

Постимпрессионизм — направление в искусстве, возникшее в 1880-х годах. Он развился как продолжение импрессионизма и рассматривается как ответ на натуралистическое изображение объектов на импрессионистских картинах. Общие черты постимпрессионистской живописи включают отсутствие четких очертаний и смелых широких мазков.

Среди художников, последовавших за этим направлением, Винсент Ван Гог, Эдуард Мане, Поль Гоген, Андре Дерен, Анри де Тулуз-Лотрек, Морис де Вламинк и Жорж Сёра.

Примитивизм — художественное течение, зародившееся в конце 19 века. Это был ответ на культурные и политические события того времени, в основном на промышленную революцию и европейский модернизм.

Его можно рассматривать как реакцию на индустриализацию, потребительство и материализм.

Примитивисты часто используют символы племенных культур или других традиционных форм искусства для критики современной жизни.

Это относится к тенденции подчеркивать, преувеличивать или даже перенимать качество и стиль дикой природы. Художники-примитивисты отвергают традиционные стандарты цивилизации и вместо этого пытаются изобразить свое представление о человеческой природе в чистом виде, часто черпая вдохновение в доиндустриальном народном искусстве и детских каракулях.

Лучизм — стиль живописи, сложившийся в конце 19 века, один из основных стилей в русском искусстве. Он считается мостом между импрессионизмом и кубизмом, но занимает самостоятельное положение…

Лучизм — термин, введенный искусствоведом и журналистом Владимиром Стасовым в 1891 году для описания картин таких художников, как Константин Коровин, Архип Куинджи, Михаил Ларионов, Василий Поленов и другие. Они рисовали то, что видели – свои ощущения – на холсте.

Реализм — это жанр искусства, который стремится показать вещи такими, какие они есть на самом деле. Он захватывает повседневную жизнь и уделяет внимание деталям.

Реализм зародился в XIX веке, когда такие художники, как Гюстав Курбе и Эдуард Мане, вышли за рамки традиционной академической живописи. Они хотели изображать людей в их жизни и окружении, не идеализируя их.

Часто ориентировался на низшие классы, в частности на тех, кто занимался тяжелым физическим трудом.

Слово Ренессанс в переводе с итальянского означает «возрождение».

Художественное направление эпохи Возрождения возникло в период европейского культурного возрождения, начавшегося в 1300-х годах и продлившегося до 1600-х годов.

Искусство эпохи Возрождения — это культурное движение, зародившееся во Флоренции, Италия.

Художественное течение эпохи Возрождения возникло в эпоху Средневековья. Он характеризовался возвратом к классическим стилям искусства и архитектуры, изучением естественных наук и выражением мыслей через гуманистическую философию.

Художники эпохи Возрождения были одними из первых, кто использовал реалистические изображения в картинах. Они начали использовать перспективу, что привело к более трехмерному представлению объектов на холсте.

Искусствоведы назвали этот период так потому, что он следовал за средневековым периодом и знаменовал собой «возрождение» классических форм и идей.

Картины эпохи Возрождения не часто изображали библейские сюжеты, но использовали аллегорические символы для передачи сообщений о жизни. Сюжеты включали сцены из греческой мифологии, а также христианские темы, такие как жертвоприношение Исаака (см. «Смерть Авраама» Пуссена) или чудеса Иисуса. Художники эпохи Возрождения также умели рисовать реалистичные текстуры, такие как ткани и фрукты.

Эпоха Возрождения в Европе характеризовалась возрождением интереса к классической литературе, повышенным вниманием к гуманистической философии и науке, а также повторным открытием древнегреческих и римских знаний. Художники того времени находились под влиянием этих новых идей и использовали их для создания новых форм живописи, таких как перспектива или трехмерное пространство.

Ренессанс больше, чем любая другая эпоха, был временем интеллектуального и художественного брожения. Освободившись от ограничений и условностей средневековой эпохи, художники экспериментировали с новыми техниками и идеями, что привело к великолепному излиянию художественных достижений.

Эпоха Возрождения была временем расцвета интеллектуальных изысканий. Обсуждались новые идеи в науке и философии, а также новшества в искусстве, архитектуре и литературе. Все эти нововведения привели к излиянию великолепных художественных достижений.

Искусство рококо – это европейское направление в искусстве, которое характеризуется легкостью, элегантными изгибами, орнаментом и асимметрией.

Термин рококо происходит от французского слова rocaille, что означает «горный хрусталь». Искусство рококо имеет особый стиль и было популярно в Европе в 18 веке. Стиль был вдохновлен более легкими произведениями искусства и архитектуры барокко, на которые повлияла древнеримская архитектура, а также художники эпохи Возрождения, такие как Рафаэль.

Картины часто изображали полные движения сцены с людьми, одетыми в изысканную одежду, или драматические сцены с сильными эмоциями. На картинах также были представлены асимметричные композиции с предметами, которые казались неуместными или находились в каком-то напряжении друг с другом.

На движение рококо большое влияние оказали барокко и ренессанс. Художники включили эти влияния в свои картины и скульптуры.

Искусство рококо зародилось как реакция на период барокко. Художники рококо больше подчеркивали элегантность и изящество, пренебрегая серьезностью сюжетов.

Искусство барокко было основано на витиеватом и преувеличенном стиле, который был популярен в 17 веке. Художественное движение рококо основано на сложном декоративном стиле, который был популярен в 18 веке.

Стиль рококо был разработан во Франции художниками Жаном-Антуаном Ватто, Франсуа Буше и другими.

Романтизм — литературное и художественное течение, зародившееся в конце 18 века. Он характеризуется отказом от рационализма и возвышением эмоций, воображения, свободы и органической формы.

Романтизм возник как реакция на веру эпохи Просвещения в то, что разум важнее эмоций для человеческой жизни. Романтики считали эмоции определяющим фактором в жизни и подчеркивали личную свободу, а не социальное соответствие.

Романтическое движение имело разные фазы, включая ранний романтизм (период 1800-1830 гг.), когда произведения в основном основывались на воображении; поздний романтизм (период 1830-1900 гг.), когда более широкое распространение получили социальные реформы; и постромантизм (1900-1910), когда движение в значительной степени угасло с появлением движений в современном искусстве, таких как

. Движение развилось в Европе как реакция на идеи Просвещения о разуме, природе и прогрессе, которые оно рассматривало как искусственные ограничения, налагаемые обществом на человека. креативность. Наиболее сильно она воплотилась в искусстве в таких картинах, как «Странник над морем тумана» Каспара Давида Фридриха (1818) или «Отверженные» Виктора Гюго (1862).

Натюрморт — это тип живописи, в которой запечатлена красота неодушевленных предметов, таких как фрукты, цветы или предметы домашнего обихода.

Искусство натюрморта берет свое начало в средневековой Европе, когда художники рисовали свои собственные версии природы. В 16 веке жанр натюрморта был популярен, и художники начали рисовать более детализированные произведения, показывающие разные перспективы и глубину.

Например, картина Караваджо «Корзина с фруктами» представляет собой композицию из фруктов в зеленых корзинах на темном фоне, что способствует настроению и красоте этого произведения.

Художники часто использовали еду в качестве своих предметов, потому что в то время их было больше, чем других товаров. Они также позволили улучшить освещение, чтобы художники могли показать цветовые контрасты и детали, такие как текстуры.

«Натюрморт» — название картины, на которой нет живых существ. Обычно это просто предметы, цветы, еда или мертвые животные.

Термин «натюрморт» происходит от французского слова «étude sur la nature morte». Это означает, что картины представляют собой исследования того, что происходит, когда природа умирает.

Целью этого типа живописи является создание впечатления с помощью своих объектов (еда, цветы, вино и другие товары), изображая их такими, какие они есть в реальности.

Стрит-арт — это форма искусства, которая создается в общественных местах, обычно на открытом воздухе и без разрешения.

Уличный художник возвращает человеческий фактор в общественное пространство. Это не просто какой-то случайный человек, нарисовавший на стене граффити; это голос и мнение человека, который хочет, чтобы его голос был услышан. Стрит-арт — это послание, которое можно донести до мира без какой-либо формы цензуры.

Уличное искусство может принимать различные формы и стало охватывать больше, чем просто рисование, поскольку есть художники, которые использовали широкий спектр средств массовой информации, таких как наклейки, трафареты, пастель и пшеничная паста.

Сюрреализм — направление в искусстве, возникшее в 20 веке. Это стиль живописи, в котором художник пытается представить мир, создавая образы, невозможные в реальности.

Движение было начато Марселем Дюшаном, который хотел смешать что-то знакомое с чем-то незнакомым и придать этому новый смысл.

На художников-сюрреалистов повлияла фрейдистская психология, занимающаяся подсознанием.

Среди известных художников-сюрреалистов Сальвадор Дали, Рене Магритт и Макс Эрнст.

Есть много различных видов искусства, которые попадают под эгиду сюрреализма. Этот вид искусства обычно характеризуется своими сказочными качествами и часто изображает вещи в искаженной манере. Некоторые распространенные примеры сюрреалистических произведений искусства включают картины, рисунки и скульптуры.

Одна вещь, которую люди могут не знать о сюрреализме, это то, что он также связан с литературой. Одним из писателей, пользовавшихся популярностью в этом движении, был Андре Бретон, написавший памфлет под названием «Манифест сюрреализма» еще в 19 веке.24.

Термин супрематизм относится к абстрактному стилю живописи, зародившемуся в России в начале 20 века.

Супрематизм — направление в искусстве, развившееся из русского футуризма и кубофутуризма. Он основан на геометрических формах и цветах, в основном черно-белом или красном.

В чистом виде создает изображение или рисунок без всякого реализма (изобразительное искусство). Вместо этого супрематизм использует только формы и цвета для выражения идеи или концепции.

Он основан на идее, что самых простых форм достаточно для создания произведения искусства, и что чистый цвет и простые геометрические формы важнее, чем детализированные линии или фоновые цвета.

Супрематическое движение было начато Казимиром Малевичем в 1913 году его первой супрематической работой «Черный квадрат». Идея Малевича заключалась в том, что белый квадрат на черном фоне представляет почти все в жизни; время, пространство, бытие или ничто.

Символизм — это художественное течение в западной живописи и поэзии, которое было наиболее активно между 1880 и 1910 годами. Символизм был реакцией против натурализма и импрессионизма

Символизм — это жанр искусства, который стремится выразить субъективное значение в объективной форме. Художники обычно изображают такие объекты, как человеческое тело, символически, часто используя очень стилизованные или преувеличенные формы, цвета или пропорции.

Для произведений символистов часто характерно использование символов со сложными ассоциациями с другими идеями или образами в качестве их предмета.

Символизм Искусство можно найти в различных формах, включая живопись, рисунок, скульптуру, фотографию и поэзию.

Символист обычно передает идею, представляя ее как символ, обозначающий другую идею или некоторую абстракцию. Это искусство, которое не изображает реальность, а вместо этого выражает внутренние чувства или настроения художника.

Вортицизм был модернистским движением в искусстве, которое процветало с 19С 14 по 1918 год. Вортицисты хотели создать новое единство искусств. Они хотели выйти за рамки общепринятых различий между прошлым и настоящим.

Вортицизм — британское художественное движение с коротким периодом существования, возникшее незадолго до Первой мировой войны и просуществовавшее примерно до 1918 года. Оно характеризуется абстрактным композиционным стилем, включающим угловатые, линейные рисунки с динамичными асимметричными композициями, часто отражающими энергичный или насильственная интенсивность.

Вортицизм фокусируется на динамизме формы (а не цвета) для изображения ощущений и идей, что отличает его от футуризма.

Вортисты считали, что живопись должна быть ясной и простой, потому что она изображает объекты; они верят, что живопись имеет ценность только в том случае, если она запечатлевает мгновение.

Как найти свой художественный стиль

Существует много стилей в искусстве, и бывает сложно найти стиль, соответствующий вашим творческим способностям. Поиск своего художественного стиля — это не то, что происходит за одну ночь, это то, на что может уйти время. Может быть, это разные стили рисования, которые вы переняли у семьи или друзей, или, может быть, что-то, что вы видели, вдохновило вас. Когда вы узнаете, как найти свой художественный стиль, вам придется смотреть на всю картину целиком, включая техники, композиции, медиа, цвета, тему и многое другое. Даже если вы думаете, что у вас есть ответ на вопрос «Каков мой художественный стиль?», он всегда постоянно меняется и превращается во что-то новое.

Содержание

• 1 Каков мой художественный стиль?
• 2 Найти свой художественный стиль
  • 2.1 Эмуляции художников, которых вы любите
  • 2.2 Найти вдохновение в мире вокруг вас
  • 2.3 никогда не останавливайте практику и экспериментируйте
  • 2.4. Чувствовать себя обескураженным
  • 2.7 Присоединяйтесь к группам
  • 2.8 Изучайте определенные художественные стили
  • 2.9 Подумайте, какое послание стоит за вашим искусством
  • 2.10 Обзор идей и вопросов, которые необходимо задать
• 3 Часто задаваемые вопросы
  • 3.1 Существуют ли различные художественные стили, которые стоит попробовать?
  • 3.2 Как найти свой художественный стиль?
  • 3.3 Как определить художественный стиль?
  • 3.4 Что делать, если мне не нравится мой художественный стиль?
  • 3. 5 Почему важно искусство?

Каков мой художественный стиль?

Существует множество художественных стилей, которые можно попробовать, как старые, так и с более современным подходом. Все эти художественные стили рассказывают уникальную историю и выражают чувства художника. В общем, это можно сделать с помощью живописи, рисунка, скульптуры и других форм искусства, таких как мода, музыка и литература. В категории живописи и рисунка существует множество стилей искусства, таких как:

• Импрессионизм
• Изобразительное искусство
• Аннотация
• Современный
• Сюрреализм
• Поп-арт
• Современный
• Граффити
• Фэнтези-арт
• Кубизм
• Аниме или манга

Многие известные художественные картины сразу узнаются по художественному стилю. Например, Пруд с водяными лилиями   (1899) Клода Моне, Постоянство памяти (1931) Сальвадора Дали или Диптих Мэрилин (1962) by Энди2 Уорхола.

Пруд с водяными лилиями  (1899 г.) Клода Моне; Клод Моне, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Поиск своего художественного стиля должен включать в себя определение того, предпочитаете ли вы приглушенные тона или яркие и яркие цвета. Вам не обязательно знать обо всех этих стилях, но если вам что-то нравится, это хороший способ заложить основу для развития собственного стиля.

Найдите свой художественный стиль

Как мы уже упоминали, найдите по крайней мере два или три различных художественных стиля и запишите их. Если вы не уверены, вы всегда можете погуглить слова «разные художественные стили» или «стили картин». Посмотрите, что появляется и что привлекает ваше внимание. Затем вы можете записать, что привлекло ваше внимание, будь то цвета, предмет или материал? Какие эстетические художественные стили выделяются, были ли они абстрактными или более реалистичными? Затем вы можете выбрать аспект этих картин, а затем вы можете практиковать их. Живя своей жизнью, вы проходите через разные переживания, и поэтому ваше искусство будет меняться вместе с вами. Вы можете даже изменить свой стиль или использовать разные художественные стили. Вот несколько идей о том, как найти свой художественный стиль.

Подражайте художникам, которых вы любите

Это не означает их точное копирование, а получение идей от разных художников, использование техник и рисунков и создание их по своему вкусу. Думайте об этом больше как о вдохновении, должны быть стили картин, которые вы находите интересными или что-то, что привлекает ваше внимание? Художниками, которые вас вдохновляют, могут быть фотографы, карикатуристы, дизайнеры и аниматоры.

Копирование и продажа работ, похожих на работы другого художника, является воровством. Когда вы создаете произведение искусства, влияние этих художников присутствует, но искусство по-прежнему уникально ваше.

 Сегодня у многих художников есть собственный веб-сайт и страница в Facebook, где вы можете просмотреть все их произведения искусства. Чтобы иметь возможность развивать техническую сторону живописи или любого другого вида искусства, вам нужна ссылка. В художественных школах ученики копируют мастеров, чтобы научиться рисовать. Это поможет вам выбрать различные используемые методы, которые помогут в будущих начинаниях. Однако это только в целях обучения, и если вы продолжите это делать, то затормозите свой художественный рост и не сможете найти свой собственный художественный стиль.

 Вы должны использовать методы, которым вы научились, и применять их в своей работе, даже если вы делаете ошибки на этом пути. Прокладывая свой собственный путь, он приведет вас к самовыражению и созданию более уникальных произведений искусства. Подумайте о философии стилей эстетического искусства и научитесь ценить красоту и видение в работах других художников. Поразмышляйте над значением произведения искусства и попытайтесь понять, что было сделано для его создания. Искусство — это больше, чем то, что вы можете видеть, и многое из того, что вы чувствуете. Вы можете взять это и использовать в своих художественных творениях.

Вдохновение в окружающем мире

Может быть, вы находите привлекательными красивые пейзажи и любите их рисовать. Вы можете получить вдохновение, глядя на вещи вокруг вас. Вы знаете кого-нибудь, кто «наблюдает за людьми»? Вы можете сделать то же самое, наблюдая за окружающими, движением, формами, цветами и светом.

Изучайте различные стили рисования, рисуйте натюрморты или фигуры.

Например, искусство аниме или манго довольно популярно, поэтому вам нужно будет узнать об анатомии и о том, как рисовать пропорции, прежде чем вы сможете перейти к формированию того, что вы хотите. Взгляните на природу, существует множество цветовых палитр для вдохновения.

Это может помочь вам понять такие вещи, как затенение или создание текстур. Используя различные методы, вы сможете сузить список и начать использовать те, которые вам нужны. Уделите время изучению новых навыков и обретению новых перспектив — это способ найти свой художественный стиль. Вам нужно будет вложить немного денег, времени и энергии, чтобы стать лучше в выбранном вами виде искусства.

Никогда не прекращайте практиковаться и экспериментировать

Вам нужно практиковаться в искусстве, и прокручивание вещей в уме не поможет, вам нужно развиваться через практические приложения. Практика раз в несколько недель также не поможет вам прогрессировать, вам нужно разработать расписание, в котором вы будете делать что-то хотя бы пару раз в неделю. Следующее может помочь вам выстроить распорядок дня.

• Сегодня легко выйти в Интернет и следить за исполнителями, которые вам нравятся, смотреть учебные пособия и присоединяться к семинарам или курсам. Вы также можете приобрести книги по искусству.
• Отправляйтесь на поиски вдохновения , отправляйтесь в поход или посидите в шумной кофейне и нарисуйте то, что видите. Посетите художественные галереи или сходите в музей. Если есть возможность, путешествуйте и исследуйте.
• Убедитесь, что вы каждый день находите время рисовать или рисовать, даже если вы сидите всего несколько минут. Вы можете увеличивать это постепенно с течением времени. Постарайтесь выделить около 30 дней, чтобы выработать привычку.
• Вам не нужно выходить на тренировку, рисуйте предметы повседневного обихода вокруг себя и в своем доме.
• Попробуйте новые идеи. Например, попробуйте смешанную технику или глиняную скульптуру. Поэкспериментируйте с акварелью, масляными красками и акрилом.

• Попробуйте выбрать обычную тему , чтобы вам не приходилось ломать голову над тем, что рисовать.
• Доступны задания по рисованию , которые мотивируют и помогают рисовать каждый день.
• Иногда, если к вам присоединится кто-то еще, это поможет сохранить вашу мотивацию. Найдите кого-нибудь, кто тоже любит рисовать и делать это вместе.
• Вы не обязаны делать изделие за один день, и оно не должно быть идеальным. Расслабьтесь и получайте удовольствие от процесса, просто убедитесь, что вы последовательны.
• Если вы серьезно относитесь к своему искусству, вы можете подумать о наставнике или инструкторе.
• Всегда держите при себе альбом для рисования , чтобы рисовать, когда приходит вдохновение.

Попробуйте новое

Как вы собираетесь найти свой художественный стиль, если вы не пробуете новые вещи, возможно, вам даже придется делать что-то вне зоны комфорта. Возможно, вас пугает рисование фигур, но это не должно останавливать вас от попыток. Попробуйте рисовать левой рукой или менее доминирующей рукой. Рисуйте на больших холстах или пробуйте небольшие идеи.

Изучение всех направлений может помочь вам расти и узнать, что вам нравится, и узнать, что у вас получается лучше всего.

Всегда полезно бросить себе вызов, вы не узнаете, на что способны, пока не попробуете. Многие люди никогда не пробуют новые идеи или вещи, потому что считают, что не могут этого сделать. Вы никогда не будете учиться и расти, если не будете бросать себе вызов. Если вы пробовали рисовать натюрморты, почему бы не попробовать сделать что-то более абстрактное?

Нося с собой альбом для рисования, не бойтесь просто рисовать. Вы даже можете рисовать, как вы себя чувствуете, или все, что приходит на ум. Позвольте себе просто выразить себя без каких-либо ожиданий. Вы можете обнаружить, оглядываясь назад на то, что вы сделали, что-то, что вдохновляет ваше воображение. Это также очень терапевтично и способ просто повеселиться от того, что вы делаете.

Искусство должно приносить удовольствие

Иногда вы слишком напрягаете себя, чтобы сделать что-то идеально. Это может привести только к разочарованию, постарайтесь оставить позади любые ожидания и вместо этого сосредоточиться на развлечениях. Возможно, вы даже откроете для себя что-то новое. Делать ошибки — это часть процесса обучения, поэтому не бойтесь время от времени «раскрашивать за пределами линий». Чем больше удовольствия вы получаете, тем меньше у вас шансов просто сдаться. Все произведения искусства, которые, по вашему мнению, вы испортили, являются неотъемлемой частью процесса обучения.

Настойчивость — ключ к успеху, поэтому вы можете повеселиться на этом пути.

Никогда не сравнивайте себя с другими художниками, так как у них есть свой стиль, как и у вас. Вы можете учиться и получать новые идеи от других, но не думайте, что ваше искусство недостаточно хорошо. Если вас вдохновляет чужое искусство, обязательно делайте заметки, а затем найдите способ включить их в свое произведение. Почему вы хотите заниматься искусством? Это должно делать вас счастливым или быть выходом для ваших эмоций, оно не должно быть бременем или ограничивать вас.

Обязательно найдите свое удовольствие в искусстве и позвольте всему давлению жизни раствориться на заднем плане. В конечном счете, нет неправильного или правильного способа делать что-то, все дело в творческом процессе и в том, чтобы делать то, что делает вас счастливым. Когда вы делаете это, неважно, в каком стиле искусства вы работаете, вы нашли то, что вам нравится делать. Даже если вы профессиональный художник и есть определенные ожидания и некоторое давление, это все равно должно быть чем-то, чем вы хотите заниматься и получать от этого удовольствие, иначе это просто работает.

Не отчаивайтесь

Вы становитесь хорошим художником со временем, это не происходит за одну ночь. Вы должны пройти через процесс обучения, чтобы найти свой собственный стиль. Чем больше вы сделаете искусство частью своей жизни, тем больше вы узнаете о себе и своей личности.

Однако на то, чтобы полностью раскрыть свой стиль, требуется время и даже целая жизнь, так что не отчаивайтесь, продолжайте и наслаждайтесь процессом.

Поработав какое-то время, вы сможете оглянуться на все свои произведения искусства, а затем обнаружить, что вас больше всего привлекает. Вы должны иметь возможность видеть, какие средства и темы вам нравятся больше всего. Например, может быть, вы создаете изделия, в которых используются смелые цвета, или вас привлекают городские пейзажи, а не морские или горные пейзажи?

Эти повторения раскрывают ваш художественный стиль, и обнаружить или найти их лучше, чем просто выбирать. Лучшее искусство рождается из знания того, какой стиль и средства работы наиболее легки и интересны. Ваш художественный стиль должен быть чем-то более естественным, и вам должно нравиться это делать. Как только вы нашли повторяющуюся тему в своем искусстве, вы можете дальше развивать и практиковать эти элементы.

Присоединяйтесь к группам

Мы уже упоминали о присоединении к семинарам и онлайн-учебникам. Существуют также различные группы и сообщества, к которым вы можете присоединиться с другими артистами. Вы можете делиться своей работой, задавать вопросы и получать отзывы от других. Многие из этих групп также могут предоставить ресурсы и иметь соответствующий контент, который может вам помочь. В Facebook есть разные типы групп, к которым может присоединиться каждый, а также Reddit. Также могут быть местные художественные сообщества и группы, к которым вы можете присоединиться физически.

Вы также можете попросить свою семью и друзей рассказать, что им больше всего нравится в вашем творчестве. Мнение близких вам людей также может помочь вам лучше понять свой художественный стиль. Учитесь на любой конструктивной критике, которая поможет улучшить ваш художественный стиль. Некоторые люди легко обижаются, когда дело доходит до критики, но не стоит обижаться, если она исходит из хорошего места. Все остальное вы должны просто игнорировать, и вы должны гордиться всеми своими достижениями.

Изучение определенных художественных стилей

Если вы выбрали определенный художественный стиль, который вам нравится, вы можете сосредоточиться на всех техниках и возможностях для творчества с помощью этого носителя. Вы можете изучить различные стили рисования, например, с использованием древесного угля и создание черно-белых рисунков или использование полноцветных рисунков. Исследуйте варианты портрета, пейзажа или натюрморта при рисовании.

Прежде чем найти свой художественный стиль, вы должны понять и улучшить свои основные навыки и приемы.

Вы должны хотя бы заложить основу, например, изучить теорию цвета и как создавать свет и тени. Начните с простого, приобретайте знания и практикуйте все. Поскольку поиск вашего художественного стиля развивается, вы можете даже обнаружить, что используете более одного стиля или техники. Это нормально, вы вырабатываете свой неповторимый стиль, используйте его.

Подумайте о том, что стоит за вашим искусством

Искусство — это нечто большее, чем прикосновение карандаша или кисти к бумаге. Однако важно овладеть всеми техническими навыками, но что делает ваше искусство уникальным? Вы начнете копировать и совершенствовать свои навыки, а также вам придется понимать перспективу и композицию. Чтобы сделать ваше произведение искусства более аутентичным, вы также должны учитывать, какое сообщение изображается. Прежде чем приступить к рисованию или рисованию, вы должны сначала определить, какова ваша концепция или видение.

Краткий обзор идей и вопросов, которые необходимо задать

Прежде чем найти свой художественный стиль, вы можете изучить множество различных направлений и тем. Это нормально, поскольку мы узнали, что искусство — это процесс, который требует времени. Но чтобы немного помочь вам в этом, вот краткое изложение нескольких вопросов, которые вы можете задать себе, и идей, которые вы можете использовать в своем путешествии открытий.

• О вашем творчестве : Есть ли в вашем творчестве общая тема или элемент? Что вам нравится создавать и какие темы вас интересуют?
• Навыки : Практикуйте и развивайте свои навыки и пробуйте новые и разные приемы.
• Вдохновение : Кто или что вас вдохновляет? Выберите некоторые элементы из этих примеров и практикуйте их. То, что вдохновляет вас каждый день, оглянитесь на природу, чтобы увидеть, что вы можете использовать.

• Практика : Терпение и практика важны, находите способы улучшать свои навыки каждый день.
• Развлекайся : Может, самые важные дела надо делать, как будто ты не развлекаешься, какой в ​​этом смысл? Процесс находится в путешествии, вы не можете пропустить ни одну его часть. Как только вы достигаете цели, всегда есть еще одна, по мере того, как вы растете и развиваете свои навыки.
• Другие вопросы : Что ваше искусство значит для вас и других? Почему вы хотите творить? Как ваша личность проявляется в вашем творчестве?

На то, чтобы находить и создавать эстетические художественные стили, могут уйти годы. Так что, если вы еще не нашли и не освоили свой стиль, не расстраивайтесь, у вас все получится. Это не то, что вы можете заставить, и это должно развиваться естественным образом, чтобы вы могли полностью раскрыть свой потенциал.

Часто задаваемые вопросы

Существуют ли различные художественные стили, которые стоит попробовать?

Да, существует множество стилей живописи, разных стилей рисования и других форм искусства. Например, сегодня более популярным видом искусства является современное искусство, но есть и другие, такие как аниме, поп-арт, импрессионизм , современное искусство и многое другое. Помимо живописи и рисования существует множество сред, таких как скульптура, цифровое искусство , фотография, письмо и многое другое.

Как найти свой художественный стиль?

Это очень широкая тема, так как для многих она может стать личным путешествием. Тем не менее, вы можете сделать некоторые вещи, которые могут вам помочь. Ищите вдохновение вокруг себя, узнавайте, какие художники и медиумы вам нравятся, изучайте все необходимые технические навыки, читайте, практикуйтесь и пробуйте новые техники. Используйте элементы, которые вы нашли в работах других художников, чтобы создать свой собственный уникальный стиль. Лучший способ найти свой стиль — погрузиться в процесс и не зацикливаться на чем-то конкретном.

Как определить художественный стиль?

Эстетические художественные стили можно определить по тому, как художник интерпретирует свой предмет и создает свое собственное видение. Это способ, которым художники выражают себя с помощью различных средств. Стиль определяется определенными характеристиками, например цветом, композицией, формами. Простым примером может служить геометрическое искусство, в котором используются различные формы, формы и углы.

Что делать, если мне не нравится мой художественный стиль?

У каждого свой художественный стиль, и если вам не нравится то, что вы делаете, самое время найти то, что вам нравится. Отправляйтесь туда и проведите небольшое исследование и найдите идеи от других художников и всего, что вас окружает. Затем попробуйте и попрактикуйтесь, пока не найдете то, что вам нравится и нравится делать. Вам также нужно немного терпения, так как стать художником и найти свой художественный стиль может быть путешествием на всю жизнь.

Почему важно искусство?

Все виды искусства являются формой самовыражения. Искусство рассказывает историю и то, что художник чувствует и думает, при этом художнику не нужно ничего говорить. Таким образом, это еще одна форма общения, которая может привлечь внимание к различным вопросам. Искусство также может быть просто чем-то, чем можно наслаждаться из-за его эстетической красоты.

Более 20 фундаментальных направлений в искусстве для понимания современного изобразительного искусства

Оглядываясь назад на западную историю, невероятно увидеть, как много видов искусства оказали влияние на общество. Прослеживая временную шкалу через различные направления в искусстве, мы можем не только увидеть, как развивалось современное искусство, но и то, как искусство является отражением своего времени.

Например, знаете ли вы, что когда-то импрессионизм считался андеграундным и спорным движением или что абстрактный экспрессионизм ознаменовал сдвиг в мире искусства из Парижа в Нью-Йорк? Подобно строительным блокам, от реализма до низкопробного, эти разные виды искусства взаимосвязаны. По мере того как творческий маятник качается, художественные стили часто являются реакцией на своих предшественников или данью им уважения. И, оглядываясь на некоторые из самых важных художественных движений в истории, мы лучше понимаем, как известные художники, такие как Ван Гог, Пикассо и Уорхол, произвели революцию в мире искусства.

Эти движения в изобразительном искусстве имеют основополагающее значение для понимания различных видов искусства, формирующих современную историю.

Искусство итальянского Возрождения

Микеланджело, «Давид», 1501–1504 гг. (Фото: Йорг Биттнер Унна, Wikimedia Commons, CC BY-SA 3.0)

С 14 по 17 века Италия пережила беспрецедентную эпоху просвещения. Известный как Ренессанс — термин, происходящий от итальянского слова Rinascimento , или «возрождение», — в этот период повышенное внимание уделялось культурным предметам, таким как искусство и архитектура.

итальянских художников эпохи Возрождения, таких как Микеланджело, Леонардо да Винчи и Рафаэль, черпали вдохновение в классическом искусстве Древнего Рима и Греции, перенимая античные интересы, такие как баланс, натурализм и перспектива. В Италии эпохи Возрождения этот античный подход воплотился в гуманистической портретной живописи, анатомически правильной скульптуре и гармоничной симметричной архитектуре.

Художники, которых нужно знать: Леонардо да Винчи, Микеланджело, Рафаэль, Тициан

Знаковые произведения искусства: Рождение Венеры Сандро Боттичелли (1486), Тайная вечеря Леонардо да Винчи (1495–1498), Мона Лиза (ок. 1503–9127 Микеланджело) (1501 – 1504), Афинская школа Рафаэля (1509 – 1511)

 

Барокко 

«Экстаз святой Терезы» Бернини. 1647-1652 гг. Часовня Корнаро, Санта-Мария-делла-Виттория, Рим

Ближе к концу эпохи Возрождения в Италии возникло барочное движение . Как и предыдущий жанр, искусство барокко продемонстрировало художественный интерес к реализму и насыщенности цвета. Однако, в отличие от искусства и архитектуры эпохи Возрождения, произведения барокко также подчеркивали экстравагантность.

Это богатство проявляется в живописи, скульптуре и архитектуре в стиле барокко. Такие художники, как Караваджо, предлагали драму через обработку света и изображение движения. Такие скульпторы, как Бернини, добивались театральности за счет динамичных контуров и замысловатой драпировки. Архитекторы по всей Европе украшали свои проекты орнаментом, начиная от замысловатой резьбы и заканчивая внушительными колоннами.

Художники, которых нужно знать: Караваджо, Рембрандт, Бернини

Знаковые произведения: Призвание святого Матфея Караваджо (1599–1600), Ночной дозор Рембрандта (1642), Экстаз святой Терезы Бернини (1647–16052) 90

 

Рококо

Жан-Оноре Фрагонар, «Качели», 1767 г. (Фото: Wikimedia Commons, общественное достояние)

Вслед за экстравагантностью и мощью искусства барокко пришли беззаботные и кокетливые Движение рококо , которое расцвело во Франции 18 века и распространилось на другие европейские страны. Термин рококо происходит от рокайль , метода украшения с использованием гальки, ракушек и цемента для украшения гротов и фонтанов в эпоху Возрождения. В 1730-х годах декор в стиле рокайль вдохновил закручивающиеся кривые в декоративной мебели и дизайне интерьера. В живописи этот декоративный стиль перешел в любовь к причудливым повествованиям, пастельным тонам и плавным формам.

Художники, которых нужно знать: Жан-Оноре Фрагонар, Антуан Ватто, Франсуа Буше

Знаменитое произведение искусства: Качели Жана-Оноре Фрагонара (1767)

 

Неоклассицизм

Жак-Луи Давид, «Клятва Горациев», 1784–1755 гг. (Фото: Wikimedia Commons, общественное достояние)

Неоклассицизм  — художественное течение 18 века, основанное на идеалах искусства Рима и Древней Греции. Его интерес к простоте и гармонии был частично вызван негативной реакцией на чрезмерно легкомысленную эстетику декоративного стиля рококо. Открытие римских археологических городов Помпеи и Геркуланума (в 1738 и 1748 годах соответственно) помогло активизировать дух этого движения.

Художники, которых нужно знать: Жак-Луи Давид, Жан-Огюст-Доминик Энгр, Антонио Канова

Знаковые произведения: Клятва Горация Жака-Луи Давида (1784–1785),   Смерть Сократа Жака-Луи Давида (1787), Смерть Марата Жака-Луи Давида (1787) 1793), Большая одалиска Энгра (1814)

 

 

Романтизм

Эжен Делакруа, «Свобода, ведущая народ», 1830 г. (Фото: Wikimedia Commons, общественное достояние)

Романтизм был культурным движением, которое возникло около 1780 года. До своего возникновения неоклассицизм доминировал в европейском искусстве 18-го века, для которого характерны акцент на классические темы, интерес к эстетической строгости и идеям в соответствии с Просвещением, интеллектуальным , философское и литературное движение, которое делало акцент на личности.

Такие художники, как Эжен Делакруа   , черпали вдохновение в собственном воображении. Этот интроспективный подход подошел к форме искусства, которая преимущественно исследовала духовное.

Художники, которых следует знать: Джозеф Мэллорд Уильям Тернер, Эжен Делакруа, Теодор Жерико, Франсиско Гойя

Знаковые произведения искусства: Странник над морем тумана Каспара Давида Фридриха (1818 г.), Свобода, ведущая народ Делакруа (1830 г.)

 

Реализм

Жан-Франсуа Милле, «Сборщики урожая», 1857 г. (Фото: Google Arts & Culture через Wikimedia Commons, общественное достояние)

Реализм — это жанр искусства, зародившийся во Франции после Французской революции 1848 года. Явный отказ от романтизма, преобладавшего до него стиля, художники-реалисты сосредоточили свое внимание на сценах современных людей и повседневной жизни. То, что сейчас может показаться нормальным, было революционным после столетий художников, изображающих экзотические сцены из мифологии и Библии или создающих портреты знати и духовенства.

французских художников, таких как Гюстав Курбе и Оноре Домье, а также художников со всего мира, таких как Джеймс Эбботт Макнил Уистлер, в своих работах сосредоточили внимание на всех социальных классах, впервые предоставив голос более бедным членам общества и изображая социальные проблемы, связанные с промышленной революцией. . Фотография также оказала влияние на этот вид искусства, подтолкнув художников к созданию реалистичных изображений, конкурирующих с этой новой технологией.

Художники, которых нужно знать: Гюстав Курбе, Жан-Батист-Камиль Коро, Жан-Франсуа Милле, Джеймс Макнил Уистлер

Знаковые произведения искусства:   Сборщики урожая Жан-Франсуа Милле (1857 г.), Похороны в Орнане Гюстава Курбе (1849–1850 гг.)

 

Импрессионизм

Клод Моне, «Водяные лилии», 1906 г. (Фото: Wikimedia Commons, общественное достояние)

В это трудно поверить, но этот ныне любимый художественный жанр когда-то был изгоем визуального направления. Отказавшись от реализма, художники-импрессионисты отошли от реалистичных изображений, чтобы использовать видимые мазки, яркие цвета с небольшим смешиванием и открытые композиции, чтобы передать эмоции света и движения. Импрессионизм начался, когда группа французских художников нарушила академическую традицию, написав на пленэре — шокирующее решение, когда большинство художников-пейзажистов выполняли свои работы в помещении в студии.

Первоначальная группа, в которую входили Клод Моне, Пьер-Огюст Ренуар, Альфред Сислей и Фредерик Базиль, сформировалась в начале 1860-х годов во Франции. Другие художники присоединятся к созданию своего собственного общества для демонстрации своих работ после того, как традиционные французские салоны отвергли их, сочтя выставку слишком спорной. Эта первая подпольная выставка, состоявшаяся в 1874 году, позволила им завоевать общественное расположение.

Художники, которых нужно знать: Клод Моне, Камиль Писсарро, Пьер-Огюст Ренуар, Мэри Кассат

Культовые произведения: Впечатление, Восход солнца Моне (1872), Бал дю Мулен де ла Галетт Ренуар (1876), Водяные лилии Серия Моне (1890-е – 1900-е)

 

Постимпрессионизм

Винсент Ван Гог, «Звездная ночь», 1889 г. (Фото: Wikimedia Commons, общественное достояние)

Этот вид искусства, также зародившийся во Франции, развивался между 1886 и 1919 годами. 05 как ответ на движение импрессионистов. На этот раз художники выступили против необходимости натуралистических изображений света и цвета в искусстве импрессионистов. В отличие от более ранних стилей, Постимпрессионизм охватывает множество различных видов искусства, от пуантилизма Жоржа Сёра до символизма Поля Гогена.

Не объединенных единым стилем, художников объединяло включение в свои произведения абстрактных элементов и символического содержания. Пожалуй, самым известным постимпрессионистом является Винсент Ван Гог, который использовал цвет и мазки не для передачи эмоциональных качеств пейзажа, а для передачи собственных эмоций и душевного состояния.

Художники, которых нужно знать: Жорж Сёра, Винсент Ван Гог, Поль Сезанн, Поль Гоген, Эмиль Бернар

Знаковые произведения искусства: Воскресный полдень на Гранд-Жатт Жоржа Сёра (1884–1886), Звездная ночь  Винсента Ван Гога (1889), Желтый Христос Поля Гогена (1891)

 

Модерн

Альфонс Муха, «Времена года», 1897 г. (Фото: Wikimedia Commons, общественное достояние)

В конце 19 века по Европе прокатилось движение «нового искусства». Художники со всего континента, характеризующиеся интересом к стилистическому переосмыслению красоты природы, переняли и адаптировали этот авангардный стиль. В результате он материализовался в таких поддвижениях, как Венский Сецессион в Австрии, Модернизм в Испании и, что наиболее заметно, Ар Нуво во Франции.

Французский стиль модерн был воспринят художниками, работающими в самых разных средах. Помимо изобразительного искусства, такого как живопись и скульптура, оно широко использовалось в архитектуре и декоративном искусстве того периода. Однако, возможно, его самое непреходящее наследие можно найти в плакате — коммерческом ремесле, которое чешский художник Альфонс Муха помог возвысить до уровня современного искусства.

Художники, которых нужно знать: Альфонс Муха, Густав Климт

Знаковые произведения искусства: Времена года Альфонса Мухи, Поцелуй Густава Климта

 

Кубизм

Пабло Пикассо, «Авиньонские девицы», 1907 г. (Фото: Wikimedia Commons, добросовестное использование)

Поистине революционный стиль искусства, Кубизм — одно из важнейших художественных направлений 20-го века. Пабло Пикассо и Жорж Брак разработали кубизм в начале 19 века.00-х годов, когда искусствовед Луи Воксель ввел этот термин в 1907 году для описания художников. На протяжении 1910-х и 1920-х годов двое мужчин, к которым присоединились другие художники, использовали геометрические формы для создания окончательного изображения. Полностью порвав с любым предыдущим художественным движением, объекты анализировались и разбивались только для того, чтобы снова собраться в абстрактную форму.

Это сведение изображений к минимальным линиям и формам было частью стремления кубистов к упрощению. Минималистский взгляд также просочился в цветовую палитру: кубисты отказались от затенения и использовали ограниченные оттенки для плоского внешнего вида. Это был явный отход от использования перспективы, которая была стандартом со времен Ренессанса. Кубизм открыл двери для более поздних художественных течений, таких как сюрреализм и абстрактный экспрессионизм, отбросив предписанный свод правил художника.

Художники, которых нужно знать: Пабло Пикассо, Жорж Брак, Хуан Грис

Знаковые произведения искусства:   Авиньонские девицы Пабло Пикассо (1907)

 

Футуризм

Джакомо Балла, «Динамичность собаки на поводке», 1912 г. (Фото: Wikimedia Commons, общественное достояние)

Очарованные новой отраслью и взволнованные тем, что их ждет впереди, футуристы начала 20-го века заняли достойное место в истории. Выросшие из Италии, эти художники работали живописцами, скульпторами, графическими дизайнерами, музыкантами, архитекторами и промышленными дизайнерами. Поскольку ранний манифест не касался напрямую художественной продукции футуризма, потребовалось некоторое время, прежде чем появился целостный визуальный ряд. Отличительной чертой футуристического искусства является изображение скорости и движения. В частности, они придерживались принципов «универсального динамизма», означавшего, что ни один отдельный объект не отделен от своего фона или другого объекта.

Лучше всего это иллюстрирует работа Джакомо Балла «Динамизм собаки на поводке» , где движение собаки показано через умножение лап собаки, поводка и ног владельца.

Художники, которых нужно знать: Джакомо Балла, Умберто Боччони

Знаковые произведения искусства: Динамизм собаки на поводке Джакомо Баллы (1912 г.), Уникальные формы непрерывности в пространстве Умберто Боччони (1913 г.)

 

Дада

Марсель Дюшан, «Фонтан», 1917 г. (Фото: Wikimedia Commons, общественное достояние)

Дадаизм — авангардное художественное движение 20-го века (часто называемое «антиискусством»), зародившееся в бурных социальных условиях и потрясениях Первой мировой войны. Она началась как яростная реакция и бунт против ужасов войны и приведших к ней лицемерия и безрассудства буржуазного общества. Подрывая все аспекты западной цивилизации (включая ее искусство), идеалы дадаизма отвергали всякую логику, разум, рациональность и порядок — все это считалось столпами развитого и развитого общества со времен Просвещения.

Художники, которых нужно знать: Марсель Дюшан, Ман Рэй, Тристан Цара

Знаменитое произведение: Фонтан Марселя Дюшана (1917)

 

Баухаус

Плакат Йооса Шмидта для движения Баухаус, 1923 г. (Фото: Wikimedia Commons, общественное достояние)

Начиная от живописи и графики и заканчивая архитектурой и интерьером, искусство Баухаус доминировало во многих точках экспериментального европейского искусства на протяжении XIX века.20-х и 1930-х годов. Хотя он наиболее тесно связан с Германией, он привлекал и вдохновлял художников всех слоев общества. Баухаус — буквально переводится как «строительный дом» — возникла как немецкая школа искусств в начале 20 века. Основанная Вальтером Гропиусом, школа со временем превратилась в собственное направление современного искусства, характеризующееся уникальным подходом к архитектуре и дизайну.

Художники, которых нужно знать: Василий Кандинский, Пауль Клее, Йоост Шмидт, Марсель Брейр

Знаковые произведения искусства: Желто-красно-синий Василий Кандинский (1925), Стул Василия Марсель Брейр (1925)

 

Ар-деко

© 2019 Tamara Art Heritage / ADAGP, Paris / ARS, NY

Ар-деко — модернистское направление, зародившееся в Европе 1920-х годов. В то время как механизм состоит из множества различных эстетик, включая различные цветовые палитры и ряд материалов, от черного дерева и слоновой кости до дерева и пластика, он чаще всего характеризуется обтекаемыми геометрическими формами, контрастирующими с богатым орнаментом и линейным декором.

Картины, выполненные в стиле ар-деко, обычно отличаются смелыми формами и насыщенными композициями. Некоторые, например, работы польской художницы Тамары де Лемпицкой, изображают динамичные портреты стильных людей. Как правило, эти фигуры одеты в яркие цвета и установлены в абстрактных столичных локациях.

Художники, которых нужно знать: Тамара де Лемпицка

Знаменитое произведение искусства: Тамара в зеленом Bugatti Тамары де Лемпицка (1929)

 

Сюрреализм

«Постоянство памяти» Сальвадора Дали. 1931. Музей современного искусства, Нью-Йорк.

Точное определение Сюрреализма может быть трудно понять, но ясно, что это когда-то авангардное движение имеет стойкость, оставаясь одним из самых доступных художественных жанров даже сегодня. Воображаемые образы, подстегиваемые подсознанием, являются отличительной чертой этого вида искусства, зародившегося в 1920-х годах. Движение началось, когда группа визуальных художников приняла автоматизм, технику, которая полагалась на подсознание для творчества.

Используя призыв к художникам освободиться от ограничений и обрести полную творческую свободу, сюрреалисты часто бросали вызов восприятию и реальности в своих произведениях. Частично это произошло из-за сопоставления реалистического стиля живописи с нетрадиционными и нереалистичными предметами.

Художники, которых нужно знать: Сальвадор Дали, Макс Эрнст, Рене Магритт

Знаменитое произведение искусства: Вероломство образов Рене Магритта (1929), Постоянство памяти Сальвадора Дали (1931)

 

Абстрактный экспрессионизм

«Осенний ритм (номер 30)» Джексона Поллока. 1950. Метрополитен-музей, Нью-Йорк.

Абстрактный экспрессионизм — это американское направление в искусстве, которое первым приобрело международный масштаб и зародилось после Второй мировой войны. Это укрепило Нью-Йорк как новый центр мира искусства, который традиционно базировался в Париже. Жанр возник в 19 в.40-х и 1950-х годов, хотя этот термин также использовался для описания работ более ранних художников, таких как Василий Кандинский. Этот стиль искусства берет спонтанность сюрреализма и привносит в него мрачное настроение травмы, которое осталось после войны.

Джексон Поллок — лидер этого движения, его картины, написанные капельками, подчеркивают спонтанное творчество и жестикуляцию, которые определяют жанр. Термин «абстрактный экспрессионизм», хотя и тесно связан с работами Поллока, не ограничивается одним конкретным стилем. Такие разнообразные работы, как фигуративные картины Виллема де Кунинга и цветовые поля Марка Ротко, сгруппированы под эгидой абстрактного экспрессионизма.

Художники, которых нужно знать: Джексон Поллок, Виллем де Кунинг, Клиффорд Стилл, Марк Ротко

Знаковые произведения искусства:   Осенний ритм (номер 30)  Джексона Поллока

 

Поп-арт

Поднявшись в 1950-х годах, Поп-арт — ключевое движение, предвещающее появление современного искусства. Этот послевоенный стиль появился в Великобритании и Америке, включая изображения из рекламы, комиксов и повседневных предметов. Часто сатирический поп-арт подчеркивал банальные элементы обычных товаров и часто рассматривается как реакция на подсознательные элементы абстрактного экспрессионизма.

Смелая, яркая работа Роя Лихтенштейна — отличный пример того, как пародия и поп-культура сливаются с изобразительным искусством, чтобы сделать искусство доступным. Энди Уорхол, самый известный представитель поп-арта, помог продвинуть революционную концепцию искусства как массового производства, создав многочисленные серии шелкографий своих популярных работ.

Художники, которых нужно знать: Энди Уорхол, Рой Лихтенштейн, Джаспер Джонс

Знаковые произведения искусства:   Банки с супом Кэмпбелл Энди Уорхола (1962)

 

Искусство установки

«Души за миллионы световых лет», Яёи Кусама

В середине 20 века художники-авангардисты Америки и Европы начали производить Инсталляция Арт . Инсталляции – это трехмерные конструкции, которые играют с пространством, чтобы интерактивно заинтересовать зрителей. Эти произведения искусства, часто крупномасштабные и привязанные к конкретному месту, превращают музеи, галереи и даже открытые площадки в иммерсивную среду.

Вдохновленный дадаистом Марселя Дюшана  Readymades — серия найденных объектов, контекстуализированных как скульптуры — этот важный жанр был впервые создан такими современными мастерами, как Яёи Кусама и Луиза Буржуа. Сегодня современные художники поддерживают его практику, создавая экспериментальные инсталляции из таких материалов, как веревки, бумага и цветы.

Художники, которых нужно знать: Яёи Кусама, Луиза Буржуа, Дэмиен Херст

Знаменитое произведение:   Зеркальные комнаты Яёи Кусама

 

Кинетическое искусство

«Rouge Triomphant (Триумфальный красный)» Александра Колдера. 1959–1965 гг.

Казалось бы, современное направление в искусстве на самом деле уходит своими корнями в импрессионизм, когда художники впервые начали пытаться выразить движение в своем искусстве. В начале 1900-х годов художники начали экспериментировать с искусством в движении, а скульптурные машины и мобильные устройства продвигали вперед кинетическое искусство. Русские художники Владимир Татлин и Александр Родченко были первыми создателями скульптурных мобильных телефонов, которые позже усовершенствовал Александр Колдер.

Говоря современным языком, кинетическое искусство включает в себя скульптуры и инсталляции, в основе которых лежит движение. Американский художник Энтони Хоу — ведущая фигура современного движения, использующий компьютерный дизайн для своих крупномасштабных скульптур, приводимых в движение ветром.

Художники, которых нужно знать: Александр Колдер, Жан Тэнгли, Энтони Хоу

Знаменитое произведение искусства: Дуга лепестков  Александра Колдера

 

Фотореализм

«Без названия» Игала Озери. 2012.

Фотореализм — это стиль искусства, который связан с технической способностью удивлять зрителей. В первую очередь американское художественное движение, оно набрало силу в конце 1960-х и 1970-х годах как реакция на абстрактный экспрессионизм. Здесь художники были больше всего озабочены воспроизведением фотографии в меру своих возможностей, тщательно планируя свою работу для достижения большего эффекта и избегая спонтанности, которая является отличительной чертой абстрактного экспрессионизма. Подобно поп-арту, фотореализм часто фокусируется на изображениях, связанных с культурой потребления.

Ранний фотореализм был пропитан ностальгией по американскому пейзажу, в то время как в последнее время фотореалистичные портреты стали более распространенным предметом. Гиперреализм — это развитие художественного стиля, в котором живопись и скульптура выполняются таким образом, чтобы вызвать превосходный эмоциональный отклик и достичь более высокого уровня реализма благодаря техническим достижениям. Общей чертой является то, что все работы должны начинаться с фотографического ориентира.

художников, которых нужно знать: Чак ​​Клоуз, Ральф Гоинг, Игаль Озери

Знаменитое произведение искусства: Без названия Игала Озери

 

Низкорослый

Lowbrow , также называемая поп-сюрреализмом , представляет собой художественное движение, выросшее из андеграундной калифорнийской сцены 1970-х годов. Традиционно исключенное из мира изобразительного искусства, низкопробное искусство переходит от нарисованных произведений искусства к игрушкам, цифровому искусству и скульптуре. Этот жанр также имеет свои корни в андерграундных комиксах, панк-музыке и культуре серфинга, а художники не ищут признания в основных галереях. Смешивая образы сюрреализма с популярными цветами или фигурами, художники достигают сказочных результатов, которые часто обыгрывают эротические или сатирические темы. Рост таких журналов, как Juxtapoz и Hi-Fructose предоставили скромным художникам форум для демонстрации своих работ за пределами основных средств массовой информации современного искусства.

Художники, которых нужно знать: Марк Райден, Рэй Цезарь, Одри Кавасаки

Знаменитое произведение искусства:   Воплощение  Марка Райдена

 

Эта статья была отредактирована и обновлена.

Статьи по теме:

История искусства: что такое штриховая графика?

Изучение передовой истории и эволюции искусства коллажа

10 передовых художников, создающих изобретательское искусство 21 века

Гуггенхайм публикует более 1700 мастерских произведений современного искусства в Интернете

Граффити уличного художника «Нео посткубизм» сочетает кубизм с реализмом

Правда о том, как найти свой художественный стиль (узнайте, как)

«Как мне найти свой художественный стиль?»

В какой-то момент своего творческого пути вы, вероятно, задавали себе этот вопрос.

В конце концов, вполне естественно хотеть, чтобы другие легко узнавали ваши работы, особенно в море произведений искусства, которые соревнуются за внимание.

Однако многие художники, особенно начинающие и молодые художники, не понимают того, что художественный стиль развивается естественным путем.

Вот почему в сегодняшней статье я рассмотрю:

• 3 простые истины, которые помогут вам найти свой художественный стиль
• Практические и достижимые шаги, которые помогут вам изучить свой стиль помочь вам улучшить свой стиль

Но что это за 3 истины  О чем я говорю? Продолжайте читать, чтобы узнать!

РАСКРЫТИЕ: Этот пост содержит партнерские ссылки. Если вы сделаете квалифицированную покупку, используя любую из ссылок, я получу небольшую комиссию без каких-либо дополнительных затрат для вас. Я ценю каждую продажу, потому что она поддерживает мою миссию, а также постоянный рост этого веб-сайта.

Содержание

Что такое художественный стиль?

Художественный стиль — это группа произведений искусства, которые имеют общие характеристики или черты. Часто его можно отождествить с конкретным художником или связать с определенным периодом времени.

Некоторые художественные стили хорошо известны или легко узнаваемы, например знаменитые жуткие мультяшные персонажи Тима Бертона с их глазами в темной оправе и высокими худощавыми телами.

Другие художники известны своей тематикой. Например, подумайте о Клоде Моне, который известен своими картинами с водяными лилиями.

Суть в том, что художественные стили бывают разных форм и размеров. Они превосходят все художественные средства, и каждый может их оценить.

Существует целый ряд стилей, включая, помимо прочего:

• Contemporary art styles
• Modern
• Abstract
• Impressionist
• Surrealism
• Pop art
• Fantasy
• Cartooning / Animation

Truth Bomb #1

Everyone Has An Art Style

Listen carefully :

У каждого художника, создающего искусство, есть свой уникальный художественный стиль.

» Что?! Но я пытаюсь найти свой стиль!» Вы можете плакать в знак протеста.

Конечно, вы, возможно, находитесь в процессе более четкого определения своего художественного стиля, но я уверяю вас, что он уже существует.

Не верите? Подумайте об этом:  Есть только один вы.

Никто другой не сможет рисовать точно так же, как вы или так же, как вы.

По какой-то причине художники (особенно молодые) часто беспокоятся о том, что у них нет отличительной и узнаваемой эстетики.

Это правда, что художественные стили развиваются быстрее у одних людей и дольше у других. (Вы можете узнать как быстро улучшить свои художественные работы с помощью этих художественных стратегий).

Некоторые люди легко развивают стиль из вещей, которые их вдохновляют, в то время как некоторые художники впадают в творческую колею , которая препятствует развитию их стиля.

Но, в конце концов, все художники — независимо от того, опытные они или нет — обладают своими уникальными характеристиками, которые делают их произведения уникальными.

Что, по моему мнению, на самом деле имеют в виду художники, когда говорят: «Как мне найти свой художественный стиль?» на самом деле:

Как создать более четкий и узнаваемый художественный стиль?

Как развить свой художественный стиль?

Что вас вдохновляет

Итак, теперь, когда мы установили, что у каждого художника есть свой уникальный стиль, пришло время поговорить о том, как художники могут развивать свой особый стиль.

Прежде всего, я хочу, чтобы вы подумали о художниках, которые вас вдохновляют. Затем определите , где вы находите художественное вдохновение .

Теперь им не обязательно быть прекрасными художниками. Это могут быть авторы, фотографы, аниматоры, дизайнеры, мультипликаторы и т. д.

Например, у меня есть широкий спектр художественных и творческих вдохновений:

• Walt Disney Animation
• Видеоигры The Legend of Zelda
• Лабиринт Фавна by Guillermo Del Toro
• Властелин колец
• Over the Garden Wall

Вы можете посмотреть на этот список и подумать, что это эклектичный ассортимент источников вдохновения… и вы правы! Это очень весело находят вдохновение для рисования из множества различных ресурсов, включая СМИ.

Это позволит вам исследовать различные художественные возможности, что поможет вам более четко определить характеристики, которые вы хотите привнести в свой собственный стиль.

После того, как вы составили свой список, я хочу, чтобы вы взглянули на все различные художественные источники вдохновения. Какие общие черты у них есть?

После того, как вы определили общие черты в своих источниках вдохновения, я хочу, чтобы вы подумали о , какие характеристики вы хотели бы подражать в своем искусстве. Задайте себе такие вопросы, как:

1. «Какие цветовые палитры меня привлекают естественным образом?»
2. «Толщина линии/техника мазка какого художника мне нравится?»
3. «Какие композиционные элементы выглядят эстетично?»

Что бы вы ни решили, обратите внимание на эти элементы и подумайте, как вы можете использовать их в своих работах.

Бомба правды #2

Ваш художественный стиль постоянно развивается

Осознаете вы это или нет, но ваш художественный стиль постоянно развивается.

Например, взгляните на свои старые работы. Выглядит ли это точно так же, как работа, которую вы создаете сейчас? Я предполагаю, что это не так.

По мере того, как вы осваиваете новые навыки и совершенствуете свое мастерство, ваш художественный стиль будет естественным образом развиваться, потому что вы сможете применять новые техники и знания, которыми раньше не обладали.

В результате ваш художественный стиль становится более тонким. И вы, скорее всего, поэкспериментируете с новыми знаниями, которые у вас есть.

Кроме того, человек, которым вы являетесь сегодня, скорее всего, уже не тот, кем вы были много лет назад, когда впервые начали свой творческий путь.

По мере развития ваших вкусов и интересов будет меняться и ваше искусство.

Просто взгляните на некоторые из моих старых работ.

1. Мой художественный стиль изначально определялся рисованием мультфильмов и персонажей Диснея с помощью графитных карандашей Staedtler Mas Lumograph
2. Затем мой художественный стиль превратился в создание мультфильмов пером и тушью, часто с использованием Copic Multiliners в моих линиях
3. Мои работы также начали включать Prismacolor Premier Colored Pencils всякий раз, когда я хотел добавить цвет

Рисунок двух моих OC с персонажами Invader Zim. Нарисовано в 2016 году, когда я изучал свой художественный стиль.

А потом, благодаря получению нового жизненного опыта, я взялся за совершенно новую среду, потому что она отражала новую версию меня на тот момент.

Видите, как мое искусство естественным образом перешло от мультипликации к акварели?

3. К моему удивлению, я купил набор акварельных карандашей Faber-Castell   по прихоти темная визуальная эстетика

Примечание: Если вы хотите узнать больше об акварельной живописи, прочтите следующие статьи по теме:

• Как рисовать акварелью: взлетите до уровня
• 9 Лучшая акварельная техника . Бомба #3

  У вас может быть более 1 художественного стиля

  Скорее всего, вы были настолько сосредоточены на разработке 1 отличительного художественного стиля, что не понимаете, что у вас уже может быть более 1 художественного стиля.

  И это нормально!

  Некоторые художники хотят много экспериментировать, потому что они хотят исследовать множество различных типов материалов или предметов.

  Если вы такой творческий человек, примите это!

  Как я уже демонстрировал ранее, мой стиль сильно изменился за эти годы.

  Настолько, что я разработал 2 собственных художественных стиля.

  Один из моих первых рисунков 2014 года.

  Сначала мой художественный стиль заключался в рисовании различных мультяшных персонажей, потому что я всегда сильно интересовался анимацией. Таким образом, я купил Эндрю Лумис, артбук № по рисованию фигур, который поможет мне больше узнать об анатомии и пропорциях.

  В первые дни я в основном рисовал, используя потрясающие графитовые карандаши Stadetler Mars Lumograph (как показано на этом рисунке Питера Пэна), поскольку в то время у меня не было много художественных принадлежностей. Некоторое время спустя мой стиль превратился в рисование тушью и цветными карандашами.

  Изображение предоставлено: Миранда Балог

  Затем, изучив акварельные карандаши, я перешла к новому художественному стилю, который теперь включает в себя Миски для акварели «Белые ночи» и Кисти Silver Blacket Velvet .

  Я отказался от своего старого стиля? Конечно нет! Это просто означает, что я хочу, чтобы мой художественный стиль развивался естественным образом.

  Итак, главный вывод здесь — не беспокоиться о том, чтобы загнать себя в рамки одного художественного стиля. В конце концов, вы можете ограничить свой потенциал.

  Продолжайте экспериментировать, исследовать и учиться.

  И достаточно скоро вы поймете, что определенный художественный стиль — это еще не все.

  Как улучшить свой стиль

  Изучайте свое ремесло и практикуйтесь

  Убедитесь, что вы разработали распорядок, в котором вы регулярно выделяете время для оттачивания своих навыков и приемов. Для этого вы можете:

  • Рисовать в своем альбоме каждый божий день
  • Покупать книги по искусству или изучать работы художников в Интернете, чтобы учиться у тех, кто имеет опыт в своих творческих областях
  • Смотреть пошаговые руководства на YouTube пошаговая инструкция и руководство
  • Подпишитесь на Skillshare или Udemy для доступа к онлайн-курсам. вы создаете последовательные художественные процедуры, ознакомьтесь с этой статьей о тайм-менеджменте для художников, чтобы повысить производительность.

    Рисовать с натуры

    Один из лучших способов улучшить свой художественный стиль — рисовать с натуры.

    Например, если вам нравится рисовать мультфильмы или аниме, вы должны рисовать людей, чтобы изучить правильную анатомию и пропорции, прежде чем нарушать правила и стилизовать их

    Или, если вам нравится рисовать или рисовать, обратитесь к природе за вдохновением цветовой палитры . Наблюдайте за естественными S-образными изгибами в природе (деревья, ветки, листья и т. д.) и выполняйте множество этюдов в своем альбоме для рисования.

    Рисуя с натуры, вы изучаете основные техники, такие как свет и тень, форма, текстура и так далее.

    Использование этих техник в вашем творчестве поможет вам сузить круг черт, которые вы хотите воспроизвести в своем творчестве.

    Связанный : Научитесь рисовать с натуры, следуя этим простым урокам рисования , которые основаны на предметах из природы.

    Использование референсов

    Я никогда не понимал, почему некоторые художники так против идеи использования референсов.

    Не могли бы вы нарисовать тираннозавра чисто по памяти? Самолет 747? Эйфелева башня?

    Нет, наверное, нельзя.

    По крайней мере, не без ссылок на предмет и изучения его снова, и снова, и снова.

    Итак, подумайте о предмете, который вы часто изображаете в своих работах. Вам нравится рисовать красивых девушек? Рисовать пейзажи? Создание политических и сатирических комиксов?

    Что бы это ни было, используйте ссылки, чтобы освоить предмет, который вы часто изображаете в своем художественном стиле.

    Для начала найдите художников, которые вас вдохновляют, и просмотрите их портфолио. Что эстетически привлекает вас?

    Теперь вы не собираетесь напрямую копировать их стиль, но я хочу, чтобы вы  позаимствовали художественные элементы , чтобы повлиять на свой художественный стиль  и поэкспериментировали с ними в своей работе.

    Вот несколько быстрых ссылок на некоторые из моих досок Pinterest, которые заполнены множеством различных БЕСПЛАТНЫХ ссылок, которые вы можете использовать в своих работах: Ссылки

  • Дизайн персонажей Вдохновение
  • Ссылки на позы
  • Ссылки на одежду

  Заключение

  Вот и все!

  Давайте кратко подведем итоги:

  • Бомба правды №1: У каждого свой художественный стиль
  • Бомба правды №2: Ваш стиль постоянно развивается иметь более одного художественного стиля

  Самый важный вывод, который я хочу, чтобы вы вынесли из этой статьи, — это понять, что вам не нужно навязывать свой стиль.

  Чем больше вы пытаетесь форсировать его, тем труднее вам, вероятно, будет его развивать. Но почему это так?

  Потому что вы не доверяете своим инстинктам, позволяя вашему художественному стилю развиваться естественно и аутентично.

  Так что отбросьте любые ограничивающие убеждения или неправильные представления о вашем художественном стиле и просто пусть будет .

  Если вам понравилась эта статья, обязательно ознакомьтесь с этой статьей, в которой предлагаются лучшие принадлежности для рисования для художников .

  Согласны ли вы с этими бомбами правды в художественном стиле? Комментарий ниже!

  ---

  МИРАНДА БАЛОГ — художница, которая любит обучать свою аудиторию тому, как уверенно рисовать акварелью. Как бывший преподаватель ESL, она использует онлайн-обучение, чтобы вдохновлять художников использовать свои навыки во все более визуальном и цифровом мире. Следуй за ней 9Канал 0011 art YouTube и Instagram для большего количества художественного контента.

  2

  ПОДЕЛИТЬСЯ:

  30 художественных стилей, которые вдохновят ваш внутренний мир Пикассо

  Вхождение в мир искусства может быть пугающим, но нет ничего постыдного в том, чтобы быть новичком. Классическое искусство предназначено не только для коллекционеров, в распоряжении которых миллионы долларов. Изучая различные художественные стили, вы можете многому научиться.

  Частью изучения различных видов искусства является изучение техники. Методы, которые художник использует для создания своих работ, называются стилем. Существует бесчисленное множество различных стилей искусства, но мы обсудим самые узнаваемые художественные стили на протяжении веков. Умение различать виды искусства поможет вам развить собственный вкус в искусстве.

  Итак, какие существуют стили искусства? Здесь мы составили список художественных стилей, которые вдохновят вашего внутреннего Пикассо.

   

   

  1. Абстрактное 

  В наши дни термин «абстракционизм» используется довольно часто, но для того, чтобы распознать истинные характеристики абстрактного искусства, требуется умение. Это работа, которая стремится представить природу, не имитируя ее напрямую, а представляя ее через цвет и текстуру.

   

   

  2. Арт-деко

  Стиль ар-деко стал популярным в 1920-х годах после Первой мировой войны. Геометрические формы и четкие линии доминируют в этом стиле в стиле Великого Гэтсби, также известном своими ярко-розовыми, королевскими пурпурными и блестящими бирюзовыми тонами.

   

   

  3. Модерн

  Этот художественный стиль можно узнать по его характерным длинным извилистым линиям. Он использовался в бесчисленном количестве различных областей дизайна, включая архитектуру, ювелирные изделия и дизайн интерьера. Метрополитен-музей в Нью-Йорке был классно построен в этом стиле.

   

   

  4. Барокко

  Этот художественный стиль XVII века зародился в Риме и быстро распространился по Западной Европе. Искусство барокко призвано внушать зрителю чувство величия. Эти богатые, драматические картины и скульптуры в основном показывают движение и природу.

   

  5. Contemporary

  Некоторые художники пытаются дать определение современному искусству. Проще говоря, современное искусство — это искусство сегодняшнего дня. Любое искусство, созданное с 1950-х годов до наших дней, может считаться современным искусством. Этот художественный стиль включает, но не ограничивается скульптурой, уличным граффити или интерактивным искусством. Он также может появляться в бесчисленных других формах, даже в футболках и наклейках на бампер.

   

   

  6. Кубизм

  Кубизм был изобретен около 1908. Его создали художники Пабло Пикассо и Жорж Брак. Этот художественный стиль использует формы для игры с перспективой и глубиной. Ключевым моментом распознавания кубизма является то, что вы можете видеть разные ракурсы предмета с одной точки зрения.

   

   

   

  7. Дадаизм

  Дадаизм зародился примерно в 1916 году, вскоре после начала Первой мировой войны. Этот повстанческий художественный стиль был создан в знак протеста против Первой мировой войны, которую люди того времени считали бессмысленной. Природа этого художественного стиля юмористическая и абсурдная. На известном произведении дадаистского искусства изображена бородатая Мона Лиза.

   

   

  8. Голландский золотой век

  Голландский золотой век относится к периоду 17-го века, когда искусство, торговля, наука и военная мощь процветали в Нидерландах. Художники этого периода создали такие работы, как «Девушка с жемчужной сережкой» Иоганна Вермеера. Большинство голландских картин Золотого века демонстрируют богатство, напряжение и движение.

   

   

  9. Экспрессионизм 

  Искусство экспрессионизма направлено на то, чтобы вызывать эмоции через свои работы, а не рисовать стандартный предмет. Художник может использовать элементы абстрактного искусства, чтобы передать свое сообщение. Сюжеты иногда могут быть искажены или преувеличены для достижения желаемого художником эффекта.

   

   

  10. Фовизм

  Фовизм можно определить как продвижение экспрессионизма на шаг вперед за счет ярких цветов. Ранние художники-фовисты хотели использовать цвет для передачи эмоций на холст. Это использование отделило цвет от его традиционной реалистической роли и придало ему новую глубину.

   

   

  11. Фигуративное искусство

  Фигуративное искусство – один из древнейших видов искусства. Это искусство точного захвата вашего предмета. Фигуративное искусство обычно предпочитают люди, которые хотят реалистичного или реалистичного изображения своего предмета.

   

  12. Футуризм

  Футуризм зародился в начале 1900-х годов в Италии как часть радикального движения. Филиппо Томмазо Маринетти был итальянским поэтом, который хотел отказаться от традиционных форм искусства и объявил футуризм новым художественным стилем. Художники-футуристы стремились изобразить в своих работах постоянное, яростное движение.

   

   

  13. Геометрия

  Геометрическое искусство – это любое искусство, основанное на геометрических формах. Он может носить абстрактный характер. Художники-геометрики используют квадраты, круги и треугольники в качестве основы для своих работ. Этот художественный стиль основан на кубизме, вдохновленном Пабло Пикассо.

   

   

  14. Импрессионизм

  Этот стиль предполагает рисование на месте. Импрессионизм был особенно развит Клодом Моне среди других художников в 1860-х годах. Его работа «Водяные лилии», пожалуй, одна из самых известных картин современности. Импрессионисты писали пейзажи и людей, преимущественно на открытом воздухе. Маленькие мазки кисти могут охарактеризовать этот стиль, поскольку художник спешил запечатлеть момент в солнечном свете.

   

   

  15. Инсталляция  

  Инсталляция – относительно новый жанр в мире искусства. Они предназначены для интерактивного, захватывающего опыта. Идея состоит в том, чтобы преобразовать пространство, установив искусство. Инсталляционное искусство также может включать в себя пленку и освещение со спецэффектами.

   

   

  16.

  Лэнд-арт

  Лэнд-арт использует природу как холст. Он либо создан на самой земле с использованием других элементов природы и сфотографирован, либо элементы на открытом воздухе перенесены внутрь, чтобы создать видение художника в своего рода художественной инсталляции.

   

   

  17. Минимализм 

  Минимализм уже несколько лет находится в моде в мире моды, однако в мире искусства в этом нет ничего нового. Это началось в 1960-х годах, в основном как портретные изображения с использованием форм. Цвета начинались как в основном приглушенные тона, но со временем превратились в яркие цвета и принты. Сегодня минималистская тенденция распространилась на другие отрасли искусства, включая дизайн интерьера.

   

   

  18. Неоимпрессионизм

  Хотя неоимпрессионизм возник из импрессионистского художественного движения, неоимпрессионизм оставил свой след, используя оригинальную технику. Оба стиля работы стараются запечатлеть настоящий момент и использовать естественное освещение. Но в неоимпрессионистских картинах художник наносил краску прямо на холст крошечными мазками, которые нужно было смешивать прямо на холсте, чтобы добиться желаемого эффекта.

   

   

  19. Неоклассицизм

  Неоклассицизм – это античная простота. Это был долгожданный перерыв от богатой интенсивности стилей, таких как искусство барокко. На его картинах в основном изображены греко-римская архитектура и люди.

   

   

  20. Пуантилизм 

  Пуантилизм был разработан Жоржем Сёра и Полем Синьяком как ветвь импрессионизма. В отличие от импрессионизма, пуантилизм использует технику точечной работы, используя только повторяющиеся точки кончиком кисти для передачи изображения вместо тупых мазков.

   

   

  21. Поп-арт

  Поп-арт может быть синонимом двух вещей: 1960-х годов и Энди Уорхола. Поп-арт стремился бросить вызов традиционным роскошным художественным стилям, беря обыденные предметы и помещая их на передний план и в центр таких произведений, как коллекция Уорхола «Банка с супом Кэмпбелл». Коллекция, включающая 32 различные версии банок для супа, установила рекорд аукциона в 2006 году, когда она была продана за 11,8 миллиона долларов.

   

   

  22. Портретная живопись

  Портретная живопись — это отдельная категория искусства. Портреты — это интерпретация предмета художником, не обязательно точная передача. Они могут быть в стиле абстракционизма, импрессионизма или поп-арта. Люди на протяжении всей истории зависели от художников-портретистов, когда они рисовали себя. Некоторые портреты становятся знаменитыми просто потому, что у объектов есть качество je ne sais quoi . Известным примером может быть «Мона Лиза» Леонардо да Винчи.

   

   

  23. Постимпрессионизм

  Винсент Ван Гоф, Поль Гоген и Поль Сезанн – три художника, которые произвели революцию в постимпрессионизме. Недовольные ограничениями импрессионистского художественного стиля, они сформировали стиль, который позволял использовать более легкие и длинные мазки на своих картинах. Ван Гоф, в частности, использовал этот прием в своей знаменитой работе «Звездная ночь».

   

   

  24. Реализм

  Реализм был движением художников, которые рисовали свои предметы исключительно естественным образом. Их изображения были такими же реалистичными, как фотографии. Объектами обычно были люди из рабочего класса, их социальные взаимодействия и сцены природы на открытом воздухе.

   

  25. Ренессанс 

  Ренессанс процветал в 15 веке, привлекая внимание таких известных художников, как Микеланджело, Рафаэль и Леонардо да Винчи. Ренессанс был периодом модернизации жизни, и искусство не было исключением. Особенно популярными видами искусства были живопись и скульптура. Искусство сосредоточено на человеческом теле и природе.

   

   

  26. Рококо

  Искусство стиля рококо также известно как позднее барокко. После смерти Людовика XIV в 1715 году роскошно тяжелое барокко приняло более легкий оборот в форме рококо. Этот стиль демонстрирует романтику французской аристократии, излучая легкость и движение.

   

  27. Романтизм

  Романтическое движение зародилось в 19 веке и определялось одним главным принципом: проявлением эмоций. Ярость, любовь, страх и готические картины были частью романтического движения. На картинах обычно изображались люди, стихийные бедствия или сцены войн.

   

   

  28. Натюрморт

  Натюрморт — это художественный стиль, в котором идеально изображаются неодушевленные предметы. Именно в этом стиле сегодня студенты-художники воссоздают знакомую картину «Ваза с фруктами» или бутылку вина с бокалом на боку. Натюрморт зародился в 1500-х годах, но в последнее время этот старый стиль стал популярным стилем татуировки.

   

   

  29. Сюрреализм

  Сюрреализм, как следует из названия, был почти противоположностью искусства стиля реализма. Этот стиль использует символизм и сопоставление для создания мечтательных, почти иррациональных образов.

  Добавить комментарий Отменить ответ

  Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *

  Комментарий *

  Имя *

  Email *

  Сайт