Стиль классический в искусстве: Классицизм – стиль в искусстве ХVII
Классицизм – стиль в искусстве ХVII
Классицизм – стиль в искусстве ХVII — XIX веков, в основе своей опирающийся на античность. Архитектура (в данном случае интерьер) классицизма в его лучших творениях – это, прежде всего, синтез четкой, продуманной планировки и гармонии цвета. Широкое применение в архитектуре и интерьерах прототипа античного ордера – отличительная черта стиля.
На ранних стадиях стиля, в XVII веке, когда предпочтение в Европе отдавалось барокко, классицизм шел на вынужденный компромисс, и в угоду моде архитектура сочетала в себе черты обоих направлений. Та же картина наблюдалась и в интерьере. Цветовая палитра интерьера, несмотря на ее многообразие, уже тогда стремилась к определенной сдержанности – основной черте классицизма. Обилие текстиля с богатым растительным орнаментом во всех его проявлениях, особенно в оформлении оконных проемов и стен, потолки и стены, щедро украшенные лепниной и росписью, огромное количество произведений искусства (картин, скульптуры, декоративных изделий) – все это в большей степени относилось к барокко.
Но симметрично – осевой принцип планировки пространства, характерный для классицизма, вносил свои корректировки, постепенно убирая из интерьера все лишнее, от предметов мебели до излишней декоративности.
Зародившись на закате Ренессанса, эпохи равновесия между человеком и окружающим миром, во Франции идеи классицизма стали проявляться при короле Людовике XIV («большой стиль», «стиль Людовика XIV»), и окончательно сформировались в XVIII веке, вытесняя рококо и провозглашая новый стиль главенствующим. Это была эпоха абсолютизма (безраздельной власти монарха). И искусство должно было служить утверждению этой политики. Своей помпезностью и роскошью классицизм можно сравнить с античным Римом времен империи. Знаменитый Версаль и восточное крыло Лувра – яркое тому подтверждение. Большая заслуга в утверждении стиля во Франции принадлежит архитекторам К.Перро, Л.Лево, Ф.Бонделю, А.Ленотру. В Англии классицизм утвердился благодаря работам архитекторов И.Джонса, К.Рена, Р.Адама, взглянувших по-новому на наследие итальянского Возрождения.
На поздних этапах своего существования интерьер классицизма стал более спокойным, приближаясь к неоклассицизму. Его поздней стадией принято считать ампир – стиль империи Наполеона I (архитекторы К.Н.Леду, Э.Л.Булле, Ж.Ж.Леке).
В России, в силу исторических причин, классицизм появился позже и существовал в период с 1762 по 1840 г.г. Самые выразительные архитектурные ансамбли этого стиля в России – в Санкт — Петербурге. Эпоха классицизма в России – важнейший культурный и исторический этап, давший мощный импульс для формирования архитектурной среды (архитекторы В.И.Баженов, М.Ф.Казаков, И.Е.Старов, А.И.Воронихин, А.Д.Захаров, К.И.Росси). В Америке (в английских колониях) классицизм проявился в конце XVIII века и получил название «федеральный стиль».
Классический стиль в интерьере сегодня
Классицизм в современное время чаще всего называют обобщающим термином «классический стиль». Классический стиль в дизайне интерьера актуален и по сей день, его используют в оформлении квартир, частных домов.
Такой стиль подчеркнет изысканность помещения и сделает его гармоничным и элегантным. Разработанный интерьер удовлетворит даже взыскательных клиентов. Можно встретить и общественные помещения, где в интерьере используется классический стиль, с его помощью можно подчеркнуть крепкие традиции и устойчивость компании.
Что такое классический стиль?. Мир вокруг нас
Что такое классический стиль?. Мир вокруг насВикиЧтение
Мир вокруг нас
Ситников Виталий Павлович
Содержание
Что такое классический стиль?
Классицизм в основном развивался в архитектуре, с 1770 по 1850 годы. Для него характерно восприятие античного искусства как эталона, образца для подражания. Причудливость форм, характерная для барокко, уступает место античной четкости и ясности ритма и композиции. Архитекторы и художники вновь обращаются к опыту мастеров Греции и Рима.
Особенности этого стиля ярче всего видны в архитектуре общественных зданий. Некоторые из них хорошо известны – Пантеон, Триумфальная арка, Парламент. Все они находятся в Париже.
В самых различных постройках используются античные мотивы: колонны, пилястры, капители, купола, триумфальные арки и полукруглые ниши, в которых устанавливают статуи. Просторные залы вновь обретают прямоугольную форму.
Что касается скульптуры, то здесь также наблюдалось влияние греческих и римских образцов, статуи изучались и даже копировались. Скульптуры подчеркнуто спокойны и кажутся неподвижными.
В живописи классический стиль можно определить по таким его особенностям, как использование холодных тонов, черно-белого контраста, а также по четкому разделению планов изображения.
Обычно подобные планы выделялись с помощью преобладающего цвета: для ближнего плана это был коричневый, для среднего – зеленый и для дальнего плана – голубой цвет. Главным для живописца было придать своему произведению впечатление целостности, спокойной статичности.
Изображенные с максимальной точностью и тщательной проработкой всех деталей персонажи подобных произведений выглядят не как живые существа, а как статуи.
Содержанием произведений становились сюжеты из греческой и римской истории. Это время так называемого парадного портрета, многие государственные деятели запечатлевали себя в классическом стиле. Одной из известных картин стал портрет императора Наполеона.
Данный текст является ознакомительным фрагментом.
Что такое стиль в искусстве?
Что такое стиль в искусстве? Само слово «стиль» произошло от греческого «stilus» — заостренная палочка для письма. В истории искусства словом этим обычно обозначают определенные периоды, этапы в развитии искусства, когда существовала единая система художественных
Что такое греческий стиль?
Что такое греческий стиль?
Начиная примерно с 700–200 гг.
Что такое романский стиль?
Что такое романский стиль? Романский стиль (от лат. романус — римский) сложился к X веку н. э. на Апеннинском полуострове.В романском стиле создавались шедевры в скульптуре, архитектуре и в живописи. Образцом произведений, созданных в этом стиле, считаются церкви в
Что такое готический стиль?
Что такое готический стиль? Готический стиль получил свое название от названия германского племени готов. В 12–16 веках он был представлен в различных видах искусства, но полнее всего проявился в архитектуре. Одно из высших достижений готического стиля — соборы. Мощные
Что такое ренессансный стиль?
Что такое ренессансный стиль?
В XIV веке в Европе началась эпоха Возрождения, которая утвердила новый стиль в искусстве: стиль Ренессанс, который в XIV–XVI веках проявляется в различных художественных формах — архитектуре, скульптуре, живописи.
Наиболее полно особенности
Что такое стиль барокко?
Что такое стиль барокко? Барокко (конец XVI — начало XVIII веков) сменило период Ренессанса. Название возникло от итальянского «барокко» — причудливый, странный. В отличие от стилей, о которых мы писали ранее, для него характерно сочетание сложных, округлых форм и изогнутых
Что такое импрессионистический стиль?
Что такое стиль кантри?
Что такое стиль кантри?
В переводе с английского слово country означает сельский, деревенский, местный.
В XX веке оно стало использоваться для обозначения культуры времен первых американских поселенцев. Со временем этим же термином стали обозначать стиль, особенность
Что такое греческий стиль?
Что такое греческий стиль? Начиная примерно с 700–2000 гг. до н. э. греческое искусство оказывало огромное влияние на европейскую культуру. Произведениям греческих поэтов и писателей, скульпторов и архитекторов подражали в последующие столетия. Приступая к строительству
Что такое импрессионистический стиль?
Что такое импрессионистический стиль? Его название происходит от французского слова impression – впечатление. Это название возникло после выставки 1874 года, где была показана картина К. Моне «Впечатление. Восход солнца».Основная черта этого стиля – непосредственность
Что такое романский стиль?
Что такое романский стиль?
Романский стиль (от лат.
романус – римский) сложился к X веку н. э. на Апеннинском полуострове.Его черты проявляются в скульптуре, архитектуре и в живописи. Однако наиболее ярко особенности романского стиля можно проследить в церковной
Что такое готический стиль?
Что такое готический стиль? Готический (от названия германского племени готов) стиль (1150–1500) представлен в различных художественных формах. Но полнее всего он проявился в архитектуре. Одно из высших достижений готического стиля – готические соборы. Мощные колонны,
Что такое ренессансный стиль?
Что такое ренессансный стиль? Ренессанс (около 1450–1650) проявляется в различных художественных формах – архитектуре, скульптуре, живописи. Наиболее полно особенности ренессансного стиля отразились в итальянском искусстве, причем с наибольшей яркостью – в живописи и
Что такое стиль барокко?
Что такое стиль барокко?
Барокко (1620–1700) сменило период Ренессанса.
Классический стиль
Классический стиль Приглушенные строгие тона и рисунок на обоях и прочих элементах интерьера, выполненный в виде правильных прямоугольных фигур — одни из непременных атрибутов этого стиля. Для обоев, керамической или мраморной плитки лучше выбрать бежевые, коричневые,
Движение классического искусства (классицизм) – история, художники и искусство – Artlex
Что такое классическое искусство?
Классическое искусство, или классицизм, относится к произведениям искусства, которые черпают вдохновение из древнеримской или древнегреческой культуры, архитектуры, литературы и искусства.
Классицизм был наиболее популярен в западном искусстве в период Возрождения и часто изображал сцены из мифологии через живопись, скульптуру и гравюру. Классицизм сообщает большую часть предмета, изображенного в исторической живописи.
Известные классические произведения искусства
Неизвестный греческий скульптор, Август Примапортский, 1 г. н.э., Музеи Ватикана, Рим. https://m.museivaticani.va/content/museivaticani-mobile/en/collezioni/musei/braccio-nuovo/Augusto-di-Prima-Porta.htmlАльбрехт Дюрер, Адам и Ева, 1504 г., Музей Метрополитен, Новый Йорк. https://www.metmuseum.org/art/collection/search/336222Жак-Луи Давид, Клятва Горациев, 1786, Лувр, Париж. https://collections.louvre.fr/en/ark:/53355/cl010062239Бенджамин Уэст, Пилад и Орест, принесенные в жертву Ифигении , 1766 г., Тейт, Лондон. https://www.tate.org.uk/art/artworks/west-pylades-and-orestes-braught-as-victims-before-iphigenia-n00126Питер Пауль Рубенс, Венера и Адонис, середина 1630-х гг., Метрополитен-музей Искусство, Нью-Йорк.
https://www.metmuseum.org/art/collection/search/437535Жан-Оноре Фрагонар, Каскад, 1775 г., Метрополитен-музей. https://www.metmuseum.org/art/collection/search/436319Александр Кабанель, флорентийский поэт, 1861 год, Метрополитен-музей, Нью-Йорк. https://www.metmuseum.org/art/collection/search/435832История классического искусства
Большая часть западной цивилизации была построена на философии, науке, искусстве и культуре Древней Греции. Благодаря торговым путям вдоль Средиземного моря и столетиям сражений древнегреческая культура смогла смешаться с этрусской культурой в южной Италии и обширной римской империей.
Древнегреческие и римские культуры и, следовательно, их произведения искусства ценили благородство характера и воинскую доблесть. До христианства обе культуры поклонялись пантеону богов и богинь. Этим богам и богиням часто делали подношения в надежде, что они принесут процветание и защиту людям всех классов. Духовность была одним из аспектов культуры, оказавшим значительное влияние на последующие искусство и архитектуру.
Мифы и легенды были важны как для древнегреческой, так и для римской цивилизаций на протяжении многих веков. Эти убеждения повлияли на такие виды деятельности, как архитектура и инженерия. Циклопическая каменная кладка, например, названа в честь Циклопа из греческой мифологии и веры более поздних греков в то, что только мифический великан был достаточно силен, чтобы нести массивные камни. Это лишь один из многих примеров того, как Мифы и легенды также отражаются в культуре и творчестве греческих художников.
Период, известный как классическая древность, длился примерно 1500 лет, с 1000 г. до н.э. по 450 г. н.э. В результате за это время появилось много нововведений в классическом стиле изобразительного искусства. Одно из самых значительных нововведений классического стиля принадлежит греческой скульптуре. Греческие художники разработали фигуративную скульптуру, в которой подчеркивалось изображение реалистичных человеческих черт. Однако, несмотря на свою реалистичность, эти скульптуры часто идеализировались, исходя из общепринятых в то время стандартов красоты.
Фрески, фрески, написанные на свежей штукатурке, также были популярной техникой классического периода. Яркие изображения богов и богинь, сражений, шествий, охоты, флоры и фауны обычно встречались во фресковой живописи.
В архаический период, начиная с 776 г. до н.э., спортсмены-мужчины также стали обычным предметом. В греческой культуре обнаженный мужчина был образцом физического совершенства, красоты и сильного характера. Спортсменов изображали на фресках и скульптурах, ими украшали даже глиняную посуду: вазы, кувшины для воды и тарелки.
Более поздние события классической античности
Политический климат классической Греции и Рима претерпел множество изменений на протяжении всей эпохи классической античности. Существующая политика была скорректирована, приблизив обе культуры к демократии. Искусство, особенно скульптура, работало над тем, чтобы увековечить память об этих широко распространенных изменениях и воздать должное тем, кто привел их к реформе.
Учения Аристотеля, Сократа и Платона оказали огромное влияние на западные философские и научные исследования. Хотя их философские изыскания не всегда совпадали, эти великие мыслители придерживались одного и того же мнения, когда дело касалось искусства: искусство должно было подражать природе и передавать ощущение красоты в соответствии с математическими принципами. Большая часть греческого искусства следует золотому сечению.
Греческие мифы, боги и рассказы о героизме оказали влияние на римскую культуру, особенно на римское искусство и архитектуру. Римские императоры также начали заказывать искусство, такое как скульптура и даже поэзия. На самом деле эпическая поэма Вергилия «Энеида » была написана по заказу императора Октавиана, впоследствии известного как Август. Император Август также заказал Августа из Примапорты (1 г. н.э.), на котором он изображен как идеальный лидер в классическом греческом стиле.
Золотое сечение
Греческая культура ценила красоту в тесной связи с математикой.
Красота достигалась сочетанием пропорций, гармонии и симметрии. Пифагор и Евклид, греческие математики, определили золотое сечение как понятие, основанное на пропорциях между двумя величинами. В частности, отношение между двумя величинами такое же, как отношение между большей из двух вместе взятых. Каждая часть тела человеческой фигуры, например, связана с целым посредством этого фиксированного математического соотношения.
Парфенон в Афинах, Греция, один из самых известных греческих городов, был построен в соответствии с золотым сечением и почитался за его математическое совершенство и, следовательно, красоту. Концепция золотого сечения продолжала влиять на художников и архитекторов на протяжении столетий, включая римских архитекторов, художников эпохи Возрождения, таких как Леонардо да Винчи, и современный архитектурный стиль таких архитекторов, как Ле Корбюзье.
Возрождение классицизма
Классицизм относится к произведениям искусства, вдохновленным классической древностью.
Возрожденная форма классицизма была наиболее популярна в западном искусстве в 15, 16 и 17 веках, также известных как эпоха Просвещения. Классицистические произведения искусства часто изображали сцены из греческой и римской мифологии с помощью живописи, скульптуры и гравюры.
Художники итальянского Возрождения вдохновлялись артефактами греко-римской древности и стремились подражать работам классических художников. В западном каноне искусства классическая скульптура и архитектура воспроизводились в картинах, запрестольных образах и скульптурах, часто несущих моральное послание.
Римские руины и другая римская архитектура часто появлялись в религиозном искусстве как символ христианства как отход от римской культуры, особенно языческих верований. Их часто сопоставляли с христианской иконографией, символизирующей рождение, воскресение и бессмертие Иисуса Христа. На таких картинах, как «9» Доменико Мороне.0033 Поклонение волхвов , 1484 г., древние римские руины используются в качестве убежища для святых фигур и изображаются с археологической точностью.
Римская скульптура также оказала влияние на гравюры немецкого художника Альбрехта Дюрера, чья гравюра Адам и Ева (1504) находится под влиянием скульптуры Аполлона Бельведерского , которая была раскопана недалеко от Рима в конце 15 века.
Художники подражали античным предметам в своих картинах, что позволяло им воспроизводить классические композиции, позы и мотивы, ценившиеся греко-римскими художниками. Художников эпохи Возрождения особенно интересовало обращение с человеческим телом их античными предшественниками. Золотое сечение очаровало многих художников, а традиционные позы богов и богинь привели к изображению предметов в contrapposto , асимметричная стойка, при которой одна нога ставится немного впереди другой.
Художники также установили связи между древними останками, такими как монеты, доспехи, оружие, а также подобными технологиями и современными изобретениями. Это было время широкомасштабных научных и археологических открытий, которые очаровывали художников и способствовали развитию культуры знаний и исследований.
Та же самая оценка науки, впервые увиденная в греческой, римской, египетской и персидской империи, является общей темой в классицизме и сообщает большую часть предмета, изображенного в более поздней исторической живописи.
Неоклассицизм и романтизм
Классицизм оставался общей темой в изобразительном искусстве вплоть до 18-го и 19-го веков. Неоклассицизм был основным художественным движением того времени, которое длилось примерно с 1760 по 1840 год и благоприятствовало изображению классических тем и предметов. Неоклассицизм был глубоко вдохновлен классическим греческим языком и Римом и часто изображал сцены из мифов и легенд, которые передавали моральное послание. Сюжеты, декорации и костюмы часто изображались с исторической точностью благодаря очень подробной классической литературе греческого писателя Гомера, итальянского поэта Данте Алигьери, римского поэта Овидия и других плодовитых греческих и римских мыслителей.
Ключевым эстетическим компонентом неоклассического искусства была также техническая точность.
Неоклассические картины обычно идеализировали человеческие фигуры, изображая их в соответствии со стандартами физической красоты, принятыми в то время. Композиции также были неглубокими и замкнутыми, уравновешенными, со сдержанной цветовой палитрой. Порядок, логика и научные достижения нашли отражение в неоклассическом искусстве, которое было реакцией на легкомыслие, наблюдаемое с 1720-х по 1750-е годы, когда стиль рококо был популярен в Европе, особенно во Франции.
В 1840-х годах романтизм возник как реакция на неоклассицизм. Это художественное движение также включало множество отсылок к древности в своих картинах и скульптурах. Серия из пяти картин американского художника Томаса Коула под названием « Курс Империи (1833-1836)» изображает взлет и падение западного общества с использованием памятников и скульптур классической древности как части сюжета. В г. «Завершение империи г.» (1836 г.) древнеримские храмы олицетворяют упадок, который, по мнению Коула, привел к краху римской цивилизации вместе с ее мегалитическими сооружениями.
В Разрушение (1836) огромную скульптуру гладиатора можно увидеть среди руин древнего мира в муках хаоса.
Ссылки
Филлис Прей Бобер и Рут Рубинштейн, Художники эпохи Возрождения и антикварная скульптура: справочник источников (Лондон: Х. Миллер; Оксфорд: Oxford University Press, 1986).
Известные художники-классики
- Жак-Луи Давид, 1748-1825, французский язык
- Бенджамин Уэст, 1738–1820 гг., британско-американский
- Жан-Огюст-Доминик Энгр, 1780-1867, французский
- Жан-Жермен Друэ, 1763-1788, французский
- Пьер-Поль Прюдон, 1758-1823, французский
- Антон Рафаэль Менгс, 1728-1779, немецкий
- Микеланджело, 1475-1564, итальянский
- Рафаэль, 1483-1520, итальянский
- Альбрехт Дюрер, 1471-1528, немецкий
- Леонардо да Винчи, 1452-1519, итальянский
- Иероним Босх, 1450-1516, голландский
Термины, относящиеся к данной области техники
- Иконография
- Неоклассицизм
- Романтизм
- Барокко
- Рококо
- Искусство эпохи Возрождения
- Готическое искусство
- Историческая живопись
- Жанровая живопись
- Контрапост
Ранний классический период – искусство и визуальная культура: от предыстории до эпохи Возрождения
«Раннеклассический период» (480/479– 450 г.
до н.э., также известный как «суровый стиль»), был переходным периодом, когда некоторые скульптурные работы демонстрировали пережитки архаизации. Как видно из Kritios Boy , c. 480 г. до н.э. « » отличается реалистичной анатомией, серьезным выражением лица, пухлыми губами и толстыми веками. Для художников развитие перспективы и множественных линий земли обогащало композиции, как это видно на вазе художника Ниобида в Лувре.
- Определите и опишите форму, содержание и контекст ключевых произведений ранней классики
- Дайте определение критическим терминам, относящимся к раннему классическому искусству
- Опишите различия в архаическом и раннем классическом искусстве
- Объясните характеристики раннего классического стиля
Храм Зевса в Олимпии
Храм Зевса в Олимпии — колоссальный разрушенный храм в центре греческой столицы Афины, посвященный Зевсу, царю олимпийских богов. Его план подобен храму Афайи на Эгине.
Это шестистиль, с шестью столбцами спереди и сзади и по 13 с каждой стороны. Он имеет две колонны, непосредственно соединенные со стенами храма, известные как антис, перед входом (пронаос) и внутренней святыней (опистодомос). Как и в храме Афайи, по обе стороны от внутреннего святилища (наоса) расположены две двухэтажные колоннады из семи колонн.
Храм Зевса в Олимпии: Иллюстрация Вильгельма Любке, изображающая колоссальный Храм Зевса в Афинах, Греция.
Фронтонные фигуры выполнены в развивающемся классическом стиле с натуралистичными, но чрезмерно мускулистыми телами. Большинство фигур показаны с невыразительными лицами стиля Суровый. Фигуры на восточном фронтоне ждут начала гонки на колесницах, и вся композиция неподвижна и статична. Однако провидец с ужасом наблюдает за этим, предвидя смерть Эномая. Этот уровень эмоций никогда не присутствовал бы в архаичных статуях, и он ломает раннеклассический строгий стиль, позволяя зрителю почувствовать неприступные события, которые вот-вот произойдут.
Провидец с восточного фронтона Храма Зевса, мрамор, ок. 470–455 гг. до н. э., Олимпия, Греция: 90 176 Уровень эмоций на лице провидца никогда не присутствовал бы в архаических статуях, и это ломает раннеклассический строгий стиль, позволяя зрителю ощутить неприступные события, которые вот-вот произойдут.
В отличие от статичной композиции восточного фронтона, Кентавромахия на западном фронтоне изображает движение, исходящее из его центра. Кентавры, сражающиеся мужчины и похищенные женщины борются и сражаются друг с другом, создавая напряжение в другом примере раннего изображения эмоций. Большинство фигур изображено в Суровом стиле. Однако у некоторых, включая кентавра, черты лица отражают их гнев и гнев.
Кентавромахия, ок. 460 г. до н.э.: Западный фронтон храма Зевса в Олимпии.
Двенадцать над пронаосом и опистодомом изображают сцены из двенадцати подвигов Геракла. Подобно развитию скульптуры на фронтоне, рельефы на метопах отражают раннеклассическое понимание тела.
Тело Геракла сильное и идеализированное, но в нем есть уровень натурализма и пластичности, что увеличивает живость рельефов. Сцены изображают различные типы композиций. Некоторые из них статичны с двумя или тремя неподвижно стоящими фигурами, в то время как другие, такие как Геракл и Критский Бык, передают ощущение живости благодаря своей диагональной композиции и перекрывающимся телам.
Геракл и критский бык, ок. 460 г. до н.э.: На этом фрагменте метопы Геракл изображен в более динамичной и эмоциональной позе. Это из храма Зевса в Олимпии. Афина и Геракл, изображающие стимфалийских птиц, ок. 460 г. до н.э.: На этом фрагменте метопы изображен Геракл с относительно спокойным языком тела. Из храма Зевса в Олимпии.
Мальчик Критиос
Небольшая статуя, известная как Мальчик Критиос, была посвящена Афине спортсменом и найдена в Персерхутте Афинского Акрополя. Его название происходит от известного художника, которому когда-то приписывали скульптуру.
Мраморная статуя является ярким примером раннеклассического скульптурного стиля и демонстрирует отход от жесткого стиля, характерного для архаичных куроев. Торс изображает понимание тела, а пластика мышц и кожи позволяют статуе оживать.
Часть этой иллюзии создается стойкой, известной как . Это описывает человека, вес которого перенесен на одну ногу, что создает сдвиг в бедрах, груди и плечах, создавая более драматичную и натуралистическую стойку, чем жесткая фронтальная поза. Это положение контрапоста оживляет фигуру за счет соотношения между напряженными и расслабленными конечностями.
Однако лицо мальчика Критиоса невыразительно, что противоречит натурализму его тела. Это известно как . Пустые выражения позволяют скульптуре казаться менее натуралистичной, что создает экран между искусством и зрителем. Это отличается от использования (ныне исчезнувшего), которое было добавлено в скульптуру, чтобы повысить их натурализм. Однако ныне пустые глазницы когда-то были инкрустированы камнем, чтобы придать скульптуре реалистичный вид.
Мальчик Критиос, мрамор, ок. 480 г. до н.э., Акрополь, Афины, Греция: Эта мраморная статуя является ярким примером раннего классического скульптурного стиля и демонстрирует отход от стиля, наблюдаемого в архаическом курои.
Поликлет
Поликлет был известным греческим скульптором и теоретиком искусства в период с начала до середины пятого века до нашей эры. Он наиболее известен своим трактатом о обнаженном мужском теле, известным как «Канон», в котором описывается идеальное эстетическое тело, основанное на математических пропорциях и классических условностях, таких как .
Считается, что его Дорифор, или Копьеносец, представляет собой скульптурное изображение Канона. Статуя изображает молодого, хорошо сложенного воина, держащего в левой руке копье, к левому запястью которого прикреплен щит. Оба военных орудия сейчас утеряны. Фигура имеет строгое лицо и контрапостную стойку. В другом развитии, отличающемся от жесткого и, казалось бы, неподвижного архаического стиля, левая пятка Дорифора приподнята над землей, что подразумевает способность ходить.
Дорифор: Дорифор Поликлета (Копьеносец), как полагают, является его скульптурным изображением Канона. Это римская мраморная копия греческого бронзового оригинала, ок. 450 г. до н.э.
Эта скульптура демонстрирует, как использование контрапоста создает S-образную композицию. Сопоставление напряженных ног и напряженных рук и расслабленных ног и расслабленных рук, расположенных поперек тела друг от друга, создает в теле букву S. Динамическая сила этой формы композиции размещает элементы — в данном случае конечности фигуры — напротив друг друга и подчеркивает создаваемое этим напряжение. Статуя, как визуализация канона Поликлетия, также изображает греческое чувство симметрии, гармонии частей, увиденной здесь в пропорциях тела.
Бронзовая скульптура раннего классического периода Греции
Сохранившиеся греческие бронзовые скульптуры раннего классического периода демонстрируют мастерство греческих художников в изображении тела и выражении движения.
Бронза была популярным материалом для лепки у греков. Состоящий из металлического сплава меди и олова, он обеспечивает прочный и легкий материал для использования в древнем мире, особенно для создания оружия и предметов искусства. Греки использовали бронзу на протяжении всей своей истории.
Поскольку бронза является ценным материалом, на протяжении всей истории бронзовые скульптуры переплавлялись для ковки оружия и боеприпасов или для создания новых скульптур. Греческая бронза, которую мы имеем сегодня, в основном сохранилась из-за кораблекрушений, из-за которых материал не использовался повторно, а скульптуры с тех пор были извлечены из моря и отреставрированы. Греки использовали бронзу в качестве основного средства скульптуры, но большая часть наших знаний о греческой скульптуре происходит от римских копий. Римляне очень любили греческое искусство, и коллекционирование их мраморных копий было признаком статуса, богатства и интеллекта в римском мире.
Римские копии, выполненные из мрамора, имели несколько отличий от оригинала из бронзы.
Были добавлены распорки или опоры, чтобы помочь удержать вес мрамора, а также свисающие конечности, которые не нуждались в поддержке, когда статуя изначально была сделана из более легкой и полой бронзы. Стойки появились либо в виде прямоугольных блоков, соединяющих руку с туловищем, либо в виде пней против ноги, поддерживающей вес скульптуры, как в этой римской копии Diadoumenos Atenas.
Диадумен Атенас (римская копия): Удлинение, соединяющее ствол дерева с ногой фигуры, является примером распорки, используемой в мраморных римских копиях оригинальных греческих изделий из бронзы.
Техника утраченного воска
, также известная под французским названием cire perdue, — это процесс, который древние греки использовали для создания своих бронзовых статуй. Первый шаг процесса включает в себя создание полномасштабной глиняной модели предполагаемого произведения искусства. Это будет ядром модели. После завершения из глиняного стержня изготавливается форма, а также создается дополнительная восковая форма.
Затем восковую форму помещают между глиняным сердечником и глиняной формой, создавая карман, и воск выплавляется из формы, после чего зазор заполняется бронзой. После охлаждения внешняя глиняная форма и внутренние глиняные сердечники аккуратно удаляются, и бронзовая статуя завершается. Несколько частей свариваются вместе, недостатки сглаживаются, а затем добавляются любые дополнительные элементы, такие как инкрустированные глаза и ресницы. Поскольку глиняная форма должна быть сломана при извлечении фигуры, метод выплавляемых восков можно использовать только для изготовления единственных в своем роде скульптур.
Дельфийский возничий — раннеклассическая бронзовая скульптура возничего в натуральную величину. Надпись у основания говорит нам, что статуи первоначально были посвящены человеком по имени Полизал из Гелы Аполлону в святилище Аполлона в Дельфах. Полизал заказал и посвятил работу в память о своей победной гонке на колесницах во время Пифийских игр.
Возничий — единственная сохранившаяся часть большой группы статуй, в которую входили колесница, конюхи и лошади.
Дельфийский возничий: Дельфийский возничий. Бронза. в. 475 г. до н.э. Святилище Аполлона, Дельфы, Греция.
В то время как комиссар был тираном греческого колониального города Гела на Сицилии, считается, что статуя была сделана в Афинах. Он был сделан по выплавляемой восковой технике из нескольких частей, а затем собран.
Возничий стоит прямо, его правая рука вытянута, чтобы схватить поводья; его левая рука отсутствует. У него высокая талия, что, вероятно, выглядело более естественно, когда он стоял на своей колеснице. Однако, несмотря на высокую талию, фигура обладает высокой степенью натурализма, наравне с мраморными скульптурными разработками раннего классицизма. Руки, лицо и ступни прорисованы с высокой пластичностью, а инкрустированные глаза и добавление меди на губы и ресницы добавляют степень натурализма.
По сравнению с архаическими скульптурами это выглядит очень естественно. Однако, как раннеклассическая скульптура, Возничий еще не достиг полного классического стиля. Его нет, но он кажется почти пустым и невыразительным, наравне с другими скульптурами, выполненными в суровом стиле раннеклассического периода.
Воины Риаче
Воины Риаче — набор из двух обнаженных бронзовых скульптур воинов-мужчин, обнаруженных у побережья Риаче, Италия. Они являются ярким примером ранней классической скульптуры и перехода от архаического к классическому стилю скульптуры.
Фигурки обнаженные, в отличие от Возничего. Их тела идеализированы и кажутся динамичными, с освобожденными конечностями, контрапостным смещением веса и повернутыми головами, что подразумевает движение. Мышцы смоделированы с высокой степенью пластичности, которую бронзовый материал усиливает за счет естественных отражений света. Дополнительные элементы, такие как медь для губ и сосков, серебряные зубы и глаза, инкрустированные стеклом и костью, были добавлены к фигурам, чтобы увеличить их натурализм.
Обе фигуры изначально держали щит и копье, которые сейчас утеряны. Воин Б носит шлем, и похоже, что воин А когда-то носил венок на голове.
Воины Риаче: Воин A (справа) и Воин B (слева). Бронза, гр. 460–450 гг. до н. э., Риаче, Италия.
Бронза Артемисион
Бронза Артемисион представляет либо Зевса, либо Посейдона. Оба бога изображались с густыми бородами, что означало зрелость. Однако невозможно идентифицировать скульптуру как того или иного бога, потому что это может быть либо молния (символ Зевса), либо трезубец (символ Посейдона) в его поднятой правой руке. Фигура стоит в героическом обнаженном виде, как и следовало ожидать от бога, с раскинутыми руками, готовясь нанести удар. Бронза сочетается с идеализированным мускулистым телом и невыразительным лицом. Подобно Charioteer и Riace Warriors, Artemision Bronze когда-то имел инкрустацию стеклом или камнем в своих теперь пустых глазницах, чтобы повысить его реалистичность.
Правая пятка фигуры отрывается от земли, что предвосхищает движение, которое фигура собирается предпринять. Полный потенциал движения и энергии бога, а также изящество тела отражены в лепке из бронзы.
Бронзовая Артемисион: Бронзовая фигура Артемисион изображает либо Зевса, либо Посейдона, ок. 460–450 гг. до н. э., мыс Артемисион, Греция.
Керамика раннего классического периода Греции
Искусство керамики раннего классического периода Греции демонстрирует важные композиционные изменения и повышенный натурализм в рисунках. В этот период сохранилась техника красно- и чернофигурной росписи керамических изделий. В то время как художники продолжали создавать чернофигурные картины во втором веке до нашей эры, эта техника становилась все более редкой, уступая место краснофигурной живописи около 520 г. до н.э. Аттические краснофигурные вазы экспортировались по всей Греции и за ее пределы и долгое время доминировали на рынке тонкой керамики.
Лишь несколько центров гончарного производства могли конкурировать с Афинами по новаторству, качеству и производственным мощностям.
Краснофигурная живопись
продолжала процветать в ранний, высокий и поздний классические периоды. Натурализм фигур в раннеклассической вазописи продолжал расти, поскольку фигуры становились менее коренастыми и менее линейными. И фигуры, и их драпировка стали казаться более пластичными, а сцены часто изображали один момент мифической истории или события. Кроме того, на роспись ваз стали влиять изменения, происходящие как в скульптуре, так и в крупномасштабной росписи стен и панелей.
Маньеристы
Маньеристы были группой аттических художников-краснофигуристов, известных своими аффектированными (эмоциональными) сюжетами. Они были активны примерно с 480 г. до н.э. и почти до конца пятого века до н.э. Главной их особенностью является то, что они сохранили черты чернофигурной вазописи в краснофигурной технике.
Их фигуры кажутся вытянутыми и имеют маленькие головы, складки одежды ниспадают жестко и напоминают лестницу, а изображения обрамлены чернофигурным орнаментом.
На диапазон мотивов также повлияли предыдущие периоды. Фигуры жестикулируют, как будто используя язык жестов — руки часто кажутся жесткими и театральными. Мы можем видеть типичные маньеристские маленькие головы и нарочитые жесты в картине художника Пана «Геракл, сражающийся с Бусирисом» (ок. 470 г. до н.э.).
Геракл, сражающийся с Бусирисом: Красная фигура в стиле маньеризма, выполненная художником Паном, ок. 470 г. до н.э.
Краснофигурный кратер художника Ниобида, изображающий Артемиду и Аполлона, убивающих детей Ниобы, датируемый 460 г. до н. э., считается композицией, вдохновленной панно. Сторона сосуда с изображением Артемиды и Аполлона связана с мифом о боге-близнеце и богине, убившей четырнадцать детей Ниобы после того, как она хвасталась, что ее способность рождать детей превосходит Лето, мать Аполлона и Артемиды.
Эта история отсылает к древнегреческим предостережениям против высокомерия или чрезмерной гордыни. Эта сцена — одна из первых сцен росписи ваз, в которой фигуры изображены на разных линиях земли.
Аполлон и Артемида стоят в центре сосуда, а дети Ниобы падают на землю вокруг них. Один ребенок даже упал за скалу в ландшафте.
На другой стороне вазы изображение богов и героев, с Гераклом в центре. Все фигуры стоят и сидят на разных линиях земли. Фигуры с обеих сторон изображены под разными углами, включая вид в три четверти, а профильный глаз используется для фигур в профиль, впервые в греческой вазописи.
Геракл с богами и героями: Этот кратер был нарисован Ниобидским художником. На оборотной стороне кратера изображены Артемида и Аполлон, убивающие детей Ниобы. Афинский краснофигурный чашевидный кратер, ок. 450 г. до н.э., Орвието, Италия. Артемида и Аполлон, убивающие детей Ниобеи: Нарисовано Ниобидским художником на афинском краснофигурном чашечном кратере, ок. 450 г. до н.э., из Орвието, Италия.
The Berlin Painter — еще один известный вазописец эпохи раннего классицизма. Его уникальный стиль изображает фигуры, изолированные от контекста, на небольшой линии земли на глянцевом черном фоне.
Его фигуры также начинаются в середине вазы и распространяются на плечо сосуда, останавливаясь у горлышка.
Он уделяет особое внимание деталям тела и драпировке каждой фигуры и позволяет фигуре и драпировке выражать эмоции, пространство и движение. Его картина под названием «Ганимед с обручем и петухом» передает ощущение динамизма, организовав тело через серию диагональных очертаний, используя контурные линии для обозначения расположения мышц и сухожилий под кожей.
Ганимед с обручем и петухом: Нарисовано берлинским художником на чердачном краснофигурном колокольном кратере, ок. 500–490 г. до н.э.
Живопись по белому фону
Живопись по белому фону возникла около 500 г. до н.э. и приобрела популярность в следующем столетии. Техника основана на использовании красок вместо шликера для создания полихромных сосудов. Сосуды были сначала покрыты белым шликером, а затем добавлены различные цвета краски. Белый фон и методы обжига позволяли использовать различные цвета, включая синий, желтый, красный, коричневый и зеленый.
Обычные контурные рисунки в технике белого фона не доминировали в этом стиле примерно до середины пятого века до нашей эры. В течение первых 50 лет бело-фоновой живописи, известной как Тип I, изображения напоминали обычную чернофигурную живопись, с единственным отличием в цвете фона. Это изображение Геракла, сражающегося с Герионом, представляет собой пример бело-фоновой живописи Типа I.
Геракл Сражается с Герионом: Геракл (в центре) атакует Гериона (крайний справа). У их ног лежит раненый Эвритион. Афина (слева) наблюдает за происходящим. Чердачный чернофигурный бело-фоновый лекиф.
Роспись по белому фону часто можно увидеть на сосуде, используемом для хранения масел, которые иногда использовались для помазания мертвых. Из-за этой погребальной функции лекитои также использовались в качестве подношений на могиле.
Таким образом, многие сцены, нарисованные на лекитои с белым фоном, изображают или намекают на погребальные сцены (такие как погребальные обряды и ритуалы) или изображения воинов, оставляющих своих жен на битву и смерть. В то время как сцена битвы Геракла с Герионом изображает довольно жестокую прелюдию к смерти, образы более поздних lekythoi несколько более уравновешены.
Женщина, посещающая гробницу: Нарисовано художником Танатос на аттическом белом фоне Лекифос, ок. 440–430 гг. до н. э.
Художник-ахиллес, ученик берлинского художника и создатель как краснофигурных, так и бело-фоновых сосудов, является одним из самых известных художников-белографистов. Сцены, которые он рисовал на своих белоземных лекифах, полны пафоса и печали, часто изображая женщин, сидящих перед могильными стелами или прощающихся с мужьями, связанными битвой.
Муза с лирой: Нарисовано художником-ахиллесом на аттическом белом фоне лекифа, ок.
440–430 гг. до н. э. В целом, как в бело-фоновой, так и в краснофигурной росписи раннеклассического периода форма тела доводилась мастерами до совершенства. Расписные сосуды теперь изображали фигуры на двумерной плоскости с иллюзией трехмерного пространства. Эти фигуры были переданы в этом пространстве естественно, с точки зрения их движения и формы.
Чернофигурная живопись почти исчезла в раннеклассический период и в основном использовалась для предметов, сделанных так, чтобы казаться старыми или напоминать античные стили, таких как победные амфоры для Панэллинских игр.
- Скульптура, найденная на фронтоне и метопах храма Зевса в Олимпии, представляет стиль рельефной и фронтонной скульптуры раннего классического периода.
- Суровый стиль — раннеклассический стиль скульптуры, в котором тело изображается натуралистично, а лицо остается пустым и невыразительным. Этот стиль отмечает понимание художником мускулатуры тела, сохраняя при этом экран между искусством и реальностью со стоическим лицом.
- Contrapposto — это смещение веса, изображенное на теле, которое вращает талию, бедра, грудь, плечи, а иногда даже шею и голову фигуры. Это увеличивает натурализм тела, поскольку правильно имитирует внутреннюю работу мускулатуры человека.
- Kritios Boy — ранний пример контрапоста и строгого стиля. Эта мраморная статуя изображает обнаженного юношу, мускулистого и хорошо сложенного, с видом натурализма, который растворяется при рассмотрении его лица в строгом стиле.
- Поликлет, художник и теоретик искусства, разработал канон создания идеального мужского тела на основе математических пропорций. Его Дорифор (Копьеносец) считается скульптурным изображением его трактата. Фигура стоит в контрапосте, лицо строгое.
- В то время как бронза была популярным материалом для греческих скульпторов, сегодня существует немного греческой бронзы. О большинстве известных скульпторов и скульптур мы знаем только по мраморным римским копиям и немногим уцелевшим изделиям из бронзы, часто оставшимся после кораблекрушений.
- Раннеклассические изделия из бронзы вылеплены методом литья по выплавляемым моделям. Фигуры созданы в стиле Суровый с натуралистичными телами и пустыми, невыразительными лицами. Легкий внешний вид скульптур обусловлен их полостью и способствует их подразумеваемой потенциальной энергии и движению.
- Дельфийский возничий, воины Риаче и бронза Артемисион демонстрируют характеристики скульптуры раннего классического строгого стиля, а также демонстрируют характеристики бронзовой скульптуры, включая легкость материала и живость, которых можно было достичь.
- Краснофигурная живопись продолжалась в раннеклассический период. Изменения в изображении тела и драпировке фигур начали меняться, отражая стилистические изменения и повышенный натурализм, наблюдаемый в классической скульптуре.
- Стиль краснофигурной живописи также стал разнообразным, поскольку художники начали изображать фигуры на нескольких линиях земли, показывать персонажей с разных точек зрения (включая вид в три четверти) и использовать больше натурализма (как видно из работ Ниобиды).
