Стиль это эпоха примеры: Мини-сочинение на тему «Стиль – это эпоха, стиль – это человек»

Стиль модерн ч.2. Основные характеристики

В России и Англии — модерн, в Германии — югендстиль, в Австрии — сецессион, в Италии — либерти, во Франции — ар нуво.

Мы продолжаем наш разговор об одом из прекраснейших и интереснейших стилей. Первую чать публикации с фотографиями интерьеров в стиле модерн можно увидеть здесь:

http://www.livemaster.ru/topic/280775-stil-modern-v-interere?vr=1&inside=1

Сегодня мы вычленим характерные черты стиля модерн.

Модерн часто называют манерным и декадентским, забывая, что он возник благодаря промышленной революции XIX века и в свое время считался чрезвычайно радикальным и прогрессивным.

Быстрому распространению модерна помогли всемирные выставки, и прежде всего грандиозная парижская 1900 года, которой Европа отмечала переход в новое столетие (на ней впервые были представлены, к примеру, озвученный фильм, эскалатор и дизельный двигатель! :)).

Именно Всемирные выставки, на которых разные страны представляли свои достижения, свою культуру в отстроенных специально для этого павильонах, являлись толчком к объединению искусства, науки. Можно сказать были первым шагом к созданию единого информационного пространства, к которому мы сейчас в эпоху интернета так привыкли. На эти выставки съезжались промышленники и художники из разных стран… Хотя… я немного отвлеклась, это уже немного другой разговор. А сейчас мы говорим про модерн как стиль в искусстве…

Кстати, вот так выглядел павильон России на Всемирной вытавке 1900 года в Париже:

Итак, продолжая начатый нами ранее разговор, можно вычленить некоторые особенности стиля модерн:

Прежде всего, для модерна характерны мягкие, тягучие, плавные линии, нарочитое избегание прямых углов. Линия в орнаменте приобретает так называемую форму «удара хлыста». Это, пожалуй, самая характерная особенность этого стиля.

Возврат к природе, интерес к естественным наукам, активное использование элементов и идей, почерпнутых, подсмотренных у природы — еще одна характерная особенность этого времени. Растительное царство, царство птиц, рыб и насекомых просто врываются в эпоху модерна, подчиняя его своим законам.

В орнаменте — растительные мотивы, очень любимые художниками того времени павлины и павлиньи перья, активный фантазийной декор . Преобладание водных цветов и изысканных по форме растений: камыши, лилии, ирисы, папоротники, орхидеи.

Жители подводного царства, медузы, морские коньки, улитки, бабочки, стрекозы, всевозможные жуки-пауки переселяются в интерьеры, украшения, ткани.

Таинственные девы, нимфы и русалки поселяются даже на самых обыденных предметах.

Архитектура отступает от жестко заданной трезхвенной ордерной структуры классицизма и подчиняется только фантазии и мастерству архитектора. Формы как бы произрастают одна из другой, заимствуя этот принцип у растений. Этому способствовало строительство из железобетона (из кирпича и дерева сложно наладить массовое строительство зданий столь разнообразных и гибких форм).

Во многих интерьерах архитекторы того времени активно экспериментируют, нарочито избегая острых углов. Мы можем увидеть овальные окна, мягкие линии потолков и ниш, сложные изогнутые линии стен. Стремясь приблизить жилище человека в природе, архитекторы в некоторых случаях заходят так далеко, что создают жилые помещения, непривычные и неудобные для проживания человека.

Активно используется спираль, позаимствованная у раковины, как пример — лестницы, в форме спирали.

Фасады домов спорят между собой в первенстве за красоту и оригинальность. (Как здесь не вспомнить знаменитый «Квартал раздора» в такой модернистской на местный манер Барселоне:)).

Мебель приобретает более легкий внешний вид и оригинальные формы. Она не расставляется четко по периметру комнаты, как это делалось в интерьерах классицизма, а свободно располагается по всему пространству комнат, встраивается в стены и ниши. Мебель производится целыми гарнитурами, коллекциями.

Появляются сложные мебельные конструкции, объединяющие себе, например, диван, придиваные тумбы, полки, зеркала. Можно сказать, что знакомые нам с детства «стенки» нашли свое рождение именно в это время.

Промышленное производство мебели и предметов интерьера способствовали тому, что мебели в помещениях становилось много, иногда избыточно много. Тоже можно сказать и о безделушках, интерьерных вещицах.

В противовес этому возникали течения, в которых художники, архитекторы, писатели, дизайнеры, ремесленники критиковали фабричные изделия, «ширпотреб», подчеркивая превосходство предметов личного производства. Еще у истоков модерна в конце XIX века сторонниками движения «Искусство ремесел» была предложена концепция, согласно которой искусство, дизайн и предметы не фабричного, а индивидуального, ремесленного производства могут изменить общественный уклад и улучшить качество жизни их создателей и потребителей. Надо заметить, что художники оказались правы, и в свое время именно «ширпотреб» вытеснит модерн с историчекой сцены. В обескровленной войнами и революциями Европе станет не до дорогого и штучного модерна…

Развитие фотографии — отсюда множество фото, расставленных на полках и столиках, заполоняющих собой стены.

Время модерна также возвращает нас к мистике. Художники и композиторы изучают народные сказки и легенды (в отличие, скажем, он предыдущих веков, когда искусство опиралось на классические сюжеты Древней Греции и библейские истории). Русалки, эльфы, феи, сильфиды, элементали, оккультная и мистическая символика, символизм как таковой — все это неотъемлемые части модерна.

Надо сказать, что влияние мистицизма испытали на себе не только художники и композиторы начала XX века. В это время стало появляться множество оккультных обществ, спиритических кружков. В моду входят карты Таро, астрология, буддизм, повсеместное увлечение мистериями и тайными учениями. Выйдя за границы «тайных братств», эзотерика захлестнула собой широкие круги интеллигенции. Конечно, эта мода не могла в той или иной степени оставить равнодушными и художников эпохи модерна. Как очень характерный пример — творчество Врубеля. Помните: «Фауст», «Пан», «Царевна лебедь», «Принцесса Греза», демон… Хотя про русский модерн можно и нужно говорить отдельно!…

Погружение в тайны психики и бессознательного (Фрейд, Юнг), изучение и терапевтическое использование гипноза и трансовых состояний…

В цвете модерн у меня ассоциируется со всеми оттенками синего. Мистического фиолетового, небесного серебряного. Все цвета водного и воздушного царств… Цвета увядших роз. Странное и неведомое…

Цветное стекло и витражи на окнах.

Парящие конструкции из металла и стекла

Кованные детали

Легкие конструкции-перегородки

Как я уже говорила выше, начало ХХ века это, прежде всего, эпохи технического прогресса. В архитектуре это использование железобетона, металлических конструкций, стекла, огромных окон, зеркал. Строительство железных дорог и железнодорожных вокзалов.

Какие красивые вокзалы в стиле модерн из стекла и бетона, с любовно обыгранными архитекторами опорными конструкциями из железа, стеклянными крышами…

Тема модерна неисчерпаема. Мы только обозначили основные моменты этого стиля. Впереди еще очень много интересного…

В следующей публикации мы, как я и обещала, поговорим о Шехтеле и одном из моих любимых зданий в Москве, особняке Рябушинского.

Оставайтесь с нами:)…

Мини-сочинение на тему «Стиль – это эпоха, стиль – это человек»

Слово «стиль» в русском языке имеет несколько лексических значений. Прежде всего, стоит заметить, что стиль – это эпоха, стиль – это человек. Ведь именно от человека зависит то, какие будут нравы в его время. Каждый человек — это личность, поэтому у всех своя манера поведения, манера общения и приемы работы. Стиль может у человека складываться и в моде, где каждая личность реализует себя по – разному.

Но если рассматривать более подробно стиль в общении, то стоит отметить, что временные рамки, то есть эпоха обязательно на это накладывает отпечаток. Наше общение – это показатель того, насколько человек развит, каков его внутренний мир. Образ жизни человека также оказывает большое влияние на стиль и общение между людьми. Русский язык богат своими просторечными словами, сленгами, диалектизмами. Поэтому каждый человек вправе сам решать, говорить ему на литературном языке, который будет понятен всем вокруг, либо же выбирать другой, свой путь, который обязательно будет тернист. Характер человека помогает выбирать стиль в общении, но каждая эпоха оказывает свое большое влияние, заставляя говорить на французском языке в

19  веке и изучать английский язык в наше время.
Если проследить развитие человечества, то станет многое понятно в том, что общение – это результат исторических изменений. Человек меняется под влиянием истории, меняются его взгляды, его мировоззрение. Стоит подметить, что ни одна эпоха не может быть похожа на прежнюю и ли на ту, которая будет потом. Поэтому стиль в общении — это, конечно же, отражение того, в какое время живет человек, кто его окружает и на какой ступени в обществе он находится. Человек не может находиться без общества, но подчиняясь инстинкту, он ищет себе подобных, чтобы можно было легко общаться и выражаться, чтобы его понимали и поддерживали.

​Мини-сочинение на тему «Стиль – это эпоха, стиль – это человек» (вариант 2)​​​

Стиль ампир — Имперский стиль в моде и архитектуры. — Искусство

Вслед за классицизмом в Европе в начале XIX века в моду вошёл стиль ампир. В истории вслед за Древней Грецией могущественным и влиятельным становится Древний Рим, точно также и классицизм сменяется стилем ампир. Классицизм в большей степени был связан с влиянием Древней Греции, а стиль ампир был подвержен влиянию искусства Древнего Рима, а именно Рима периода империи.

 
Эпоха стиля ампир – 1800-1825 годы. Ампир означает имперский, зарождается он во Франции, во времена Наполеона, а именно во времена его успехов, его побед. Ведь ампир – это стиль империи, стиль триумфальных арок, арок, возводимых в честь побед, как в Древнем Риме, так теперь и в Париже.

 
Ампир появится и в ХХ веке, так называемый сталинский ампир. Здания и целые архитектурные ансамбли в стиле сталинского ампира можно найти в Киеве, Москве и Минске. Так в Минске весь проспект Независимости от вокзала до здания БНТУ выдержан в духе сталинского ампира, стиля империи.

 
Казанский Собор построен в стиле ампир, а также сталинская высотка в стиле сталинский ампир.
 

 
Стиль ампир всегда отличается большой пышностью, блеском, помпезностью.
 
Но вернёмся в начало XIX века. Как и в архитектуре, так и в моде стиль ампир получает распространение.

Силуэт костюма эпохи ампир имеет цилиндрическую форму, стремясь к цилиндрическим очертаниям стройной и высокой колонны. Используются однотонная рельефная вышивка, симметричная декоративная отделка, плотные блестящие ткани.

 
В мужской одежде распространённым становится появившийся ещё в эпоху классицизма фрак – шерстяной с высоким воротником-стойкой, обязательно тёмных тонов – чёрный, синий, серый, коричневый.
 
Носили такой фрак со светлым жилетом и такими же светлыми панталонами.
 
Верхний одеждой оставался также появившийся ранее редингот или сюртук. Сюртук постепенно становится основным элементом в мужском деловом костюме. А осенью и зимой носили редингот с двойным, а то и тройным воротником или же пелериной.
 
Причёски – в основном короткие, на головах – шляпы с небольшими и загнутыми по бокам полями.
 
Обувь – туфли и сапоги.

Но особенно сильным было влияние стиля ампир на женскую одежду. Яркой особенностью стиля ампир в женской одежде становится высокая талия, которая делит фигуру в соотношении 1 : 7 и 1 : 6, плюс прямая длинная юбка и узкий лиф.


 
Корсеты столь популярные во времена барокко и вышедшие из моды в эпоху классицизма в период ампира вновь возвращаются. На смену мягким и лёгким тканям приходят плотные, к примеру, плотный шёлк, впрочем, также используются и тонкие прозрачные ткани, но обязательно на плотной, чаще шёлковой подкладке.
 


 
В женском костюме появляется и всё больше и больше декоративных элементов — рюши, оборки, кружева, вышивки. Вышивки часто выполнены однотонной белой гладью с золотой и серебряной нитью, блестящими пайетками.
 

Для самих платьев в стиле ампир также были характерны: шлейф, низкое декольте, короткий рукав-фонарик на широком манжете.

 
В верхней женской одежде в начале XIX века появляются короткие спенсеры, однобортные рединготы из хлопчатобумажных, а также шерстяных тканей, отделанные бархатом, атласом (а зимой — подбитые мехом). Верхняя одежда повторяет силуэт, форму и покрой деталей платья.
 

Головные уборы – капоры самых разнообразных фасонов, а иногда и с вуалью, шляпы типа ток.
 

 
Тока – головной убор, который как раз таки появляется именно в эпоху Наполеона. Это была чёрная бархатная шляпа, украшенная перьями. Такая шляпа изображалась … на гербах, а именно на гербовом щите. Цвет околыша и количество перьев менялось в зависимости от титула хозяина герба. Так, к примеру, тока, изображённая на гербе дворян, имела зелёный околыш и одно перо.

Вскоре такой головной убор без полей и округлой формы стали носить и женщины.


 
 
Именно в начале XIX века, как и в эпоху барокко, большое внимание уделяется причёскам и головным уборам, а именно их пышности и нарядности.
 
Также используются перчатки: длинные лайковые, иногда без пальцев, так называемые митенки.
 
Обувь – туфли, плоские и открытые, кожаные и на низком каблуке.

 
Украшениями к платьям в стиле ампир служили жемчуг (как искусственный, так и натуральный), камеи, диадемы, колье, ожерелья, которые оборачивались вокруг шеи по несколько раз, на руках – браслеты, перстни, браслеты также носились и на ногах, серьги с подвесками.

 

 

Неизменной законодательницей моды в стиле ампир в начале XIX века была супруга Наполеона Бонапарта Жозефина.


 

Сегодня стиль ампир в одежде в основном представлен в платьях и сарафанах. Очень красивы свадебные платья. А вот особенности стиля ампир сегодня такие же, как и в начале XIX века: завышенная линия талии, наличие обязательной ленточки под грудью, а также струящийся силуэт и ощущение лёгкости. Длина также может быть до пят, как и вначале XIX, но может быть и короткой.

 

 
 
Платья в стиле ампир с укороченными юбками придают образу определённую женственность и даже кукольность, наивность. Из-за этой кукольности появилось и название стиля для подобных платьев – стиль baby doll.
 
Свадебные платья в стиле ампир шьются, как и из традиционного для ампира шёлка, та и из шифона. Обувью к таким свадебным платьям служат либо сандалии на плоской подошве, либо туфли на высоком каблуке. Волосы разбиваются на прямой пробор, гладко причёсаны, а на лоб спадают локоны. Если же волосы длинные, то их заплетают в две косы и укладывают в сеточку на затылке.


Плюсом платьев в стиле ампир является то, что они подходят практически всем. Так полным девушкам они помогут подчеркнуть грудь и скрыть полноту, девушкам с мальчишеской фигурой придадут женственности. А низким девушкам, платья в стиле ампир позволят выглядеть более высокими и статными.
 
Вероника Д.   http://www.liveinternet.ru/users/4723908/post230294527/
http://mylitta.ru/510-empire-style.html
http://fashiony.ru/page.php?id_n=12556
http://commons.wikimedia.org

Понравилась статья? Подпишитесь на канал, чтобы быть в курсе самых интересных материалов

Подписаться

особенности стиля, фотографии фасадов и интерьеров в этом стиле.

Стиль модерн имеет условные хронологические границы: конец 1880-х – 1914 год – начало Первой мировой войны, оборвавшей естественное развитие искусства в большинстве стран Европы.

В период модерна происходило переосмысление старых художественных форм и приемов, сближение и слияние различных видов и жанров искусства.

• В каждой стране этот стиль имеет собственное название: в США – Тиффани, во Франции – ар-нуво, в Германии – югендстиль, в Австрии – стиль сецессион, в Англии – модерн-стайл, в Италии – стиль либерти, в Испании – модернизмо, в Нидерландах – Nieuwe Kunst (новое искусство), в Швейцарии – еловый стиль, в России – модерн.

• Модерн отказывается от традиционных классических архитектурных принципов – симметрии, ордера и античного декора фасадов – в пользу природных плавных текучих форм. Кривая изогнутая линия – главная черта в декоре фасадов и интерьера.

Особняк С.П. Рябушинского, архитектор Ф. Шехтель, Москва, 1900 год

Особняк «Дом Шаронова», архитектор Ф. Шехтель, Таганрог, 1912 год

Особняк А. Курлиной, архитектор А. У. Зеленко, Самара, 1903 год

Маскарон на особняке Е.Е. Карташова, архитектор А.Л. Обер, Москва, 1902 год

Музей «Архитектура эпохи модерна в Симбирске»Музей модерна. Особняк А.П. Курлиной

• Каждая постройка эпохи модерн обладает индивидуальным архитектурным образом, каждая по-своему уникальна. Исчезает деление на конструктивные и декоративные элементы здания. Фасады превращаются в живые организмы с растительными орнаментами, фантастическими животными или маскаронами в форме женских головок. Они результат свободного полета фантазии художника. Архитектура и изобразительное искусство сближаются, влияют и дополняют друг друга. Здание – это холст, на котором важны даже мельчайшие детали, форма лестничных перил, рисунок дверей и окон…

• Архитектурно-художественный образ здания обязательно учитывает функциональное назначение строения. Строительные материалы модерна – железобетон, сталь, стекло, керамика, бронза, медь, кирпич.

• Основные цвета в модерне – пастельные приглушенные оттенки: табачные, увядшей розы, жемчужно-серые, пыльно-сиреневые.

Интерьер особняка А. Курлиной в Самаре

Декор потолка в особняке А. Курлиной в Самаре

Декор потолка в особняке С.П. Рябушинского в Москве

Декор потолка в особняке А. Курлиной в Самаре

Лестница в особняке С.П. Рябушинского в Москве

Музей «Градостроительство и быт Таганрога»Мемориальный Музей-квартира А.М. Горького

• Стилю свойственен принцип единства целого. В модерне здание проектируется «изнутри наружу», то есть от внутренних помещений к внешнему облику строения. Возрождается традиция, когда архитектор проектировал строение от фасада и до мелких деталей. Все – от решетки ограды до оконных переплетов, дверных ручек, перил, мебели, посуды, тканей, светильников и других составных элементов – решено в одном ключе.

• В оформлении здания часто используется дерево и кованные изогнутые элементы для дверей, лестниц, решеток балконов и ограды строения.

• Двери и окна, как правило, прямоугольные, часто арочные. Двери – иногда во всю стену, раздвижные, распашные или поворотные с богатым растительным орнаментом. Ленточные – во всю стену окна или «магазинные» – широкие, наподобие витрин.

Декоративный десюдепорт над дверью в особняке А. Курлиной в Самаре

Окно-витраж в особняке А. Курлиной в Самаре

Окно-витраж в особняке С.П. Рябушинского в Москве

Камин, декорированный медными маками, в особняке А. Курлиной в Самаре

• Мозаика, эмаль, витражи, латунь – любимые техники, используемые для украшения интерьера здания и мебели.

Читайте также:

• Древний Египет, Восток, готика, русский стиль – любимые темы для творческого переосмысления в эпоху модерна. Архитекторы на их основе создают романтические, эмоционально насыщенные образы зданий, используя декоративные детали, дающие дополнительную игру света и тени.

Элемент декора стула. Особняк А. Курлиной, Самара

Деревянный маскарон в интерьере. Особняк А. Курлиной, Самара

Настольная лампа. Особняк А. Курлиной, Самара

Капитель колонны с изображением ящерицы и лилий. Особняк С.П. Рябушинского, Москва

Скульптурное оформление стены с изображением совы. Особняк М.П. фон Брадке, Ульяновск

Декоративные орнаменты на потолке. Особняк А. Курлиной, Самара

Эпоха Возрождения – стиль Ренессанс в архитектуре и интерьере

Возрождение или Ренессанс зародилось в Италии и прошло несколько этапов, оказав при этом огромное влияние на искусство и культуру других западноевропейских стран. Принято выделять четыре этапа итальянского Возрождения: Проторенессанс (треченто) – вторая половина XIII в. – первая половина XIV в.; Раннее Возрождение (кватроченто) – конец XIV в.–XV в.; Высокое Возрождение (чинквеченто) – конец XV в. – первая треть XVI в.; Позднее Возрождение – вторая половина XVI в.

В эту эпоху, казалось бы, незыблемые ранее устои феодального строя начинают расшатываться. Богатые торговые города ведут борьбу за независимость, за право на самоуправление. Особенно преуспевают на этом пути итальянские торговые города. Начинают активно формироваться ранние формы капиталистических производств, которыми являлись мануфактуры.

Распространение мануфактур характеризует эпоху упадка феодализма и подъёма нового класса – буржуазии. В это время складываются благоприятные условия для развития науки, техники, различных видов искусств. Эпоха Возрождения дала целый ряд выдающихся учёных, изобретателей, путешественников, архитекторов, художников, деятельность которых способствовала расширению представлений человека того времени об окружающем его мире и его законах. Поэтому идеи Возрождения означали не просто смену стилевых направлений и художественных вкусов, но и обусловили глубокие перемены во всех областях жизни того общества.

Возрождение зарождается в экономически наиболее развитых итальянских городах-республиках, в которых, как когда-то в городах Древней Греции, складываются благоприятные условия для становления нового гуманистического мировоззрения, отвергающего идеологию феодализма. В Италии на базе античного наследия начинается невиданный до тех пор расцвет искусства. В то время как другие страны ещё переживают готику в её последнем периоде, в Италии складываются новые культура и искусство, основанные на концепциях и формах античности.

Гуманизм Возрождения, как его главный принцип, провозглашает основой мировоззрения человеческий разум и познание мира, идею высшего культурного и нравственного развития человека. Появляется острый интерес к забытой античной культуре, философии и, особенно, к искусству. Многое меняется в духовной и материальной жизни людей: идеологические воззрения, эстетические потребности, социально-культурные условия, а с ними и мир вещей.

Границы человеческого познания раздвигаются, чему способствуют, в частности, и многочисленные изобретения. На сукновальных, железоделательных, лесопильных производствах мускульная сила все чаще заменяется силой воды. Важно подчеркнуть, что именно в эту эпоху, впервые в истории, мир машин и механизмов занял определенное место в кругу художественных проблем. Естественно, что проектировщики машин были в то время не только механиками, но и художниками. Неразрывность художественного и технического творчества выражалась в том, что живопись и скульптура приравнивались к обычным ремеслам. Художники принадлежали к цеховым организациям, причём живописцы зачастую относились к цеху аптекарей (фармацевтов), а скульпторы – к каменных дел мастерам. Обращение к древней культуре античности возрождает интерес к антропоцентрическим представлениям об окружающей предметно-пространственной среде и красоте как мере и гармонии.

Возрождение, активно отрекаясь от средневековой культуры, обращается к реалистическому языку искусства, ставшему в эту эпоху главным видом духовной деятельности человека. Тем не менее, именно многовековая культура средневековья послужила фундаментом для расцвета культуры Возрождения. Возможно, именно этим обуславливаются глубокие противоречия эпохи Возрождения.

В это время стираются границы между светским и церковным искусством, т.к. для светских и религиозных сюжетов художники используют один и тот же художественно-образный язык. Налицо смешение и взаимопроникновение светского и религиозного начал во всех видах искусства. Направленность на утилитарное, житейское мироощущение, характерное для античности, на земные ценности способствует появлению наук, целью которых является изучение человеческого (от лат. – studia humanitatis), в отличие от studia divina – изучения божественного. Те, кто занимается изучением человеческого, получают в конце XV в. название гуманистов.

В европейской культуре того времени аскетизм и догматизм средневековья сменяются новыми ощущениями смысла жизни, широкими возможностями человеческого разума и опыта. Формы античного мира сначала проявляются в архитектуре итальянских городов, в интерьерах зданий. Мастера итальянского Возрождения создают прекрасные храмы, театры, дворцы во Флоренции, Венеции, Сиене, Мантуе и других итальянских городах. Под влиянием местных условий складываются ясно различимые итальянская, французская, нидерландская, немецкая, английская и испанская разновидности нового стиля.

Формальный язык античного искусства был поставлен на службу идеалам новой эпохи. Складывающийся новый архитектурный стиль получался, подобно древнеримскому, весьма эклектичным, а его формальные элементы были явно заимствованы из арсенала форм греко-римских ордеров. Спокойные горизонтальные членения форм зданий новой архитектуры противопоставляются теперь устремленным ввысь линиям готики. Кровли становятся плоскими; вместо башен и шпилей часто появляются купола, барабаны, паруса, сдвоенные ордера и др.

Вернувшись к античному стилю, архитектура Возрождения подчинилась определённым правилам: регулярности, симметрии, сомасштабности человеку, стремлению к спокойным, уравновешенным пропорциям в рамках строго линейных композиций. Например, обеспечиваются регулярность ритма оконных и дверных проёмов и их обязательное расположение на одном уровне и т.п. Мерой гармоничности форм служит правило золотого сечения.

Типичные формы фасадов итальянских палаццо

Палаццо Медичи. М. ди Бартоломео. XV в. Флоренция

Палаццо Строцци. Б. да Майано. Конец XV в. Флоленция

Фасад итальянских палаццо

---

Именно в эту эпоху формообразование получает рациональный, проектный характер. Материальные объекты зарождаются сначала в виде проектов, и лишь затем выполняются в натуре. Если предыдущие стили развивались последовательно, как бы органически вырастая друг из друга, то Возрождение избрало отправной точкой развития своего искусства художественно-культурное наследие далёкого прошлого.

Для этой эпохи характерно возведение, помимо зданий культового назначения, как правило, центрально-купольных, светских сооружений – домов, дворцов (палаццо) и общественных зданий новых типов: ратуш, складов, больниц, театров. Снова начинают возводиться загородные дома, прототипом для которых послужили римские виллы.

Эти постройки зáмкового типа возводились на больших земельных участках вне стен средневекового города. За монументальным, выложенным бутовыми квадрами, фасадом такого сооружения находился, обычно закрытый, окружённый аркадами двор, минуя который посетитель оказывался в богато убранных парадных залах и покоях дворца. Фасады декорировались мраморными плитами, стукко или техникой цветного сграффито. Окна решались с полукруглым, а позднее – с прямым завершением.

Комнаты располагались вокруг внутреннего двора анфиладой. Мраморные лестницы помещались в углах здания и разбивались на отдельные марши, каждый из которых располагался по отношению к соседнему под углом в 180°, отделяясь от него глухой стеной, и перекрывался, как правило, цилиндрическим сводом.

Монументальные интерьеры дворцов отличались богатством своего декоративного убранства, правда, это не были копии или имитации настоящих древнеримских интерьеров, т.к. зодчие Возрождения имели представление об интерьерах жилых домов римлян лишь по описаниям Витрувия. Тем не менее, лучшие интерьеры дворцов этой эпохи обладали пропорциональным совершенством, элементы которого имели модульную взаимосвязь.

Интерьеры эпохи Возрождения

Приёмная зала. Колледжо дель Камбью. Перуджа

Студиоло Ф. да Монтефельтро. Палаццо Дукале. Урбино

Кессонированный потолок. Братья Дель Тассо. Палаццо Веккье. Флоренция

Интерьер капеллы Пацци. Брунеллески. XV в.

Коридор в Палаццо Спада. Рим

Входная лестница библиотеки Сан-Лоренцо. Микеланджело. XVI в.

Салон виллы Медичи в Поджо-а-Кайяно. Кессониро-ванный свод из стукко

Простые и ясные интерьеры Ф. Брунеллески (1377–1446 гг.), например, в капелле Пацци (1430–1461 гг.) в церкви Санта-Кроче во Флоренции, оказали глубокое воздействие на последующее понимание внутреннего пространства. Для его интерьеров характерен контраст белых или слабо тонированных оштукатуренных стен с гладкими или рельефными архитектурными членениями из серого камня. Новый подход к организации пространства проявился в более четком различении функций помещений и их взаимосвязи, чего в таких масштабах средневековье не знало. В то время как в средневековом домашнем хозяйстве предметы обстановки служили, как правило, в соответствии со своим прямым назначением, то во дворцах и богатых домах Возрождения они демонстрировали ещё и достаток, и могущество их хозяев.

Обычно в таких дворцах наиболее чётко выделялся вестибюль (для приёма посетителей), библиотека (что не удивительно в век начала книгопечатания и широкого распространения книг), кабинет-студиоло и галереи. Столовые были, в общем, не известны. Обеденные столы, которые можно было легко сложить или разложить, ставились в лоджиях, составлявших важную часть как городского, так и загородного дома. Для интерьеров эпохи Возрождения характерно (по примеру Древнего Рима) стремление как бы увеличить реальное пространство помещений с помощью фресковых росписей, станковых картин или даже скульптуры. Потолки стали делать под античность. Они выполнялись плоскими или на падугах, многие из которых были покрыты штукатуркой или расписаны фресками. Характерным элементом архитектурно-декоративного оформления потолков стал кессон. В экстерьерах и интерьерах зданий увеличилась ширина карнизов, которые украшались античными мотивами самого разного вида.

Простое дощатое покрытие стен сменяется деревянными панелями с профилированными деталями рам, колоннами, пилястрами и резными филёнками. В эту эпоху камины стали занимать в интерьерах весьма значительное по важности место, чего не наблюдалось даже в средневековье за исключением каминов в парадных залах.

Тем не менее, для интерьеров периода Раннего Возрождения в Италии характерны простота, ясность и даже безыскусность их решения. На картинах художников кватроченто мы видим гладкие стены комнат, тонкие карнизы и тяги, балки по потолку, иногда подкрашенные, иногда с лёгкой позолотой, совсем немного резьбы и лепки. Характерно, что архитектурно-декоративные элементы внутри помещений мало отличались от тех, что украшали фасады зданий, а само пространство интерьера мало отличалось от внешнего. Эти пространства были как бы взаимно связаны.

На многих картинах Возрождения видно, что, изображая то или иное помещение или экстерьер здания, художник обязательно раскрывал окна или двери, показывая тем самым единый характер наружного и внутреннего убранства.

В комнатах той поры располагалось только самое необходимое. Различные вещи, утварь, а также немногочисленную мебель можно было перемещать в пределах комнаты или убрать вовсе – облик интерьера при этом не изменялся. Даже много позже предметы обстановки богатых домов и палаццо были всё ещё немногочисленны и, большей частью, размещались вдоль стен просторных помещений. Вся красота интерьеров дворцов обеспечивалась, в основном, декором пола, стен, потолка и с помощью некоторых мебельных объектов, которые служили надлежащим фоном для пышных костюмов того времени. Помимо ковров (украшавших лишь самые богатые интерьеры), расписных или кожаных занавесей, а также шерстяных или хлопковых покрывал в большей части комнат практически не было постоянных предметов обстановки.

Описание апартаментов палаццо Фоскари, специально подготовленных для короля Франции Генриха III на время его визита в Венецию в 1574 г., показывает, что в его комнатах было весьма мало мебели. В спальне были всего лишь три мебельных объекта: позолоченная кровать, покрытая алым шёлком, позолоченное кресло под золотым балдахином и стол из чёрного мрамора, который был покрыт скатертью зелёного бархата.

Общая характеристика итальянской мебели эпохи Возрождения – раннего и позднего этапов его развития – ясность, чёткость и логичность построения формы любого мебельного объекта, использование в декоре большого количества архитектурных элементов, заимствование античных мотивов в орнаментике. Композиция строится на красоте точно выверенных пропорций, ясности и чистоте силуэтов формы изделий.

Корпусная мебель решается по типу архитектурного сооружения в виде цельного объёма с колоннами, пилястрами, карнизами, фронтонами, цоколями и др. Украшаются практически все элементы формы любого мебельного объекта.

Широко используются, помимо архитектурных элементов, листья аканта, мотив канделябра, гермы, купидоны. Колонны и пилястры нередко сплошь покрываются растительным или геометрическим орнаментом. В этот период вводится в обиход и целый ряд новых декоративных элементов, в том числе т.н. гротески, т.е. переработанные композиции, полученные на основе орнаментов, обнаруженных на стенных росписях при раскопках древних римских зданий и склепов, называвшихся там гротами. Гротески – это очень причудливые орнаментальные композиции в виде вплетённых во вьющиеся растительные формы фигур животных, фантастических существ, птиц, человеческих голов, цветов и др.

Широко использовались также такие орнаментальные формы как арабески, плетёнки, фигуры полулюдей-полуживотных. Мебельное искусство в это время достигает весьма высокого профессионального уровня. Цветовой строй мебели Возрождения отличается сдержанностью. Как правило, показывается красота естественного цвета и текстуры древесины.

Изобретение станка для выработки тонких листов фанеры по своей значимости для развития мебельного производства имело такое же важное значение, как повторное изобретение пилы (начало XIV в.) для получения уже не рубленных топором, а пиленых досок. Оно открыло путь для широкого распространения техники фанерования, а вместе с ней и приёма украшения мебели интарсией и маркетри. На раннем этапе техника инкрустации деревом была сравнительно простой и применялась, главным образом, для украшения церковной мебели.

Мебель эпохи Возрождения

Резной буфет из дуба, Бельгия

Резной стол из ореха, Италия

Резной стол из ореха для столовой, Италия

Резной дубовый сундук, Франция

Большой сундук (кассоне) из кедра, Италия

Резной кресло-трон из ореха

Изображения были почти монохромными, без оттенков. Наиболее распространенные декоративные мотивы – вьющийся стебель, акантовый лист, музыкальный инструмент, городской пейзаж, натюрморт. Нередко элементы набора левой и правой стороны того или иного предмета мебели находились в позитивно-негативном отношении друг к другу. Сущность этого приема декорировки состоит в следующем: из двух наложенных друг на друга по-разному окрашенных листов фанеры выпиливались фрагменты узора. В последующем, при наклеивании на основу, полученные фрагменты узора, одинаковые по рисунку, но разные по цвету, менялись местами. Круг приёмов и мотивов украшения постепенно ширится: появляются фигуральные решения, гротеск, орнамент в виде арабески, в обиход вводится окрашенное дерево, осваивается приём тонирования с помощью раскалённого песка.

Итальянская мебель Раннего Возрождения

В это время главным предметом обстановки в жилище остается сундук кассоне (ларь), который является и ёмкостью для хранения и перевозки вещей, и местом для сидения, а иногда и лежания, и традиционной принадлежностью свадебного приданого невесты. В середине XV в. распространены ларцы (касса) – ёмкости для хранения бумаг, денег, драгоценностей.

Стенки наиболее ранних итальянских ларцев (XV в.) собираются с помощью весьма примитивных приёмов ящичной вязки, когда отдельные доски сбиваются под прямым углом деревянными гвоздями (нагелями). Ларцы обычно богато декорировались. Наиболее древним следует считать способ украшения гравировкой, где рисунок образован углубленными линиями, нанесенными резцом. На небольших по размерам ларцах декорировалась, чаще всего, внутренняя сторона крышки, на которой растительный орнамент соседствовал с изображениями зверей, птиц и человеческими фигурами. Гравированное изображение обычно подчёркивалось раскраской или находилось на окрашенном фоне.

Другим приёмом, также пришедшим из далекого прошлого, является украшение углублённой резьбой. После нанесения контура какого-либо изображения резцом фон вокруг него снимается на одинаковую глубину. Таким образом создается плоский узор на плоском фоне. На ларцах, украшенных углубленной резьбой, часто встречается орнамент заплетённой лозы с изображениями животных (средневековый мотив), а также более реалистически трактованные изображения человеческих фигур. Наиболее нарядно выглядят североитальянские ларцы, где на блестящей поверхности золочёного фона рельефно выделяются резные узоры орнамента. Поверхность дерева после выглаживания обычно вощилась.

Сундук-кассоне Раннего Возрождения представляет собой простой прямоугольный ящик, который имеет фасад, цоколь, ножки и иногда карниз. Лицевой фасад, а иногда и поверхности боковых стенок, украшаются плоской резьбой, которая напоминает гравировку по дереву, и инкрустацией. Цоколь и карниз верхней части сундука сильно профилированы. Крышка сундука изнутри покрывается росписью. Живописные изображения, нанесенные на сундуки, особенно свадебные, отличаются высоким качеством. Над росписью свадебных сундуков трудились известные итальянские живописцы.

Дальнейшее развитие орнамента эпохи Возрождения в Италии можно наблюдать на флорентийских сундуках с рельефной резьбой. Благодаря углублению на разную величину фона и сглаживанию резных контуров элементов орнамента они оказываются на разной глубине и как бы выпуклыми. И хотя резчик по-прежнему ограничен плоскостью доски, она его не связывает – он овладевает передачей объёма, поэтому орнамент воспринимается реалистически.

Позднее, когда в архитектурных сооружениях Раннего Возрождения утвердился принцип согласованности пропорций отдельных элементов и целого, этот принцип стал повсеместно использоваться в организации форм, в первую очередь, корпусной мебели. На сундуках стало увеличиваться количество декоративных элементов, появились точёные ножки, заменяемые потом на львиные лапы. Сундук как бы приподнялся над полом, профили его нижней части теперь плавно сводятся к ножкам, благодаря этому зрительная тяжесть его объёма стала уменьшаться. Сундук начал утрачивать характер простого ящика.

Со второй половины XV в. и, особенно, в XVI в., свадебные сундуки-лари приобретают весьма сложные лекальные формы. Как правило, подобные сундуки имеют богато украшенную резьбой с позолотой и росписью переднюю стенку-фасад. Сюжетами здесь служили виды итальянских городов, сцены из героической и любовной поэзии XV в., изображение многолюдных процессий и др.

Флоренция, главный город Тосканы (провинции в Средней Италии), где зародилось итальянское Возрождение, стала центром мебельного мастерства и задавала направление мебельного стиля XV в. для всей Италии.

Здесь работали знаменитые флорентийские архитекторы Бенедетто и Джулиано да Майано, которые вначале были резчиками-мебельщиками. Помимо Флоренции появляется центр производства мебели в Сиене, где также делают роскошные свадебные сундуки-лари. Они отличаются от флорентийских тем, что большинство их рельефных украшений делается из левкаса (смеси мела, гипса и клея), которые потом золотятся. В конце XV в. возникает ещё один центр мебельного искусства в Болонье, где особую популярность имели столы простой формы, ножки которых выполнялись в виде точёных балясин.

Обильно декорированной была венецианская мебель, имевшая свой характерный облик, в котором до самого конца XV в. соединялись элементы готики с орнаментами Возрождения, живописью и позолотой.

Шкафы появляются в самом конце XV в. В это время в декоре мебели господствуют архитектурные элементы: цоколи, пилястры, капители, архитектурные тяги, консоли, карнизы и др. Шкаф эпохи Раннего Возрождения представляет собой как бы два поставленных друг на друга сундука с двухпольными дверками, иногда с выдвижными ящиками. Филёнки дверей и боковых стенок шкафа почти не имеют декоративных элементов за исключением мест крепления ручек.

В эту эпоху во флорентийских жилищах были весьма распространены пристенные скамьи для сидения, представляющие собой тот же сундук-ларь, к которому приделывалась высокая глухая спинка, иногда расчлененная пилястрами. Кроме свадебных сундуков-ларей и пристенных скамеек большое распространение имели скамьи в виде сундука-ларя с откидывающейся крышкой сиденья и более низкой глухой спинкой и глухими массивными локотниками, которые с лицевой стороны украшались масками, пальметтами, волютами или головками ангелов. Корпус такой скамьи в нижней части имел, как правило, сложную криволинейную форму и покоился на многоступенчатом цоколе. Такие места для сидения получили название касса-панка (cassa-panca). В формообразовании подобных мебельных объектов, предназначенных для хранения вещей и сидения, в их декоре (обработке профилей, заимствованном растительном орнаменте и др.) просматривается явная стилистическая связь с саркофагами древнеримской эпохи. Существовала также мебель для сидения в виде табуретов на дощатых опорах и сиденьем восьмиугольной формы, разгибные Х-образные стулья, т.н. курульные кресла. Скрещивающиеся ножки-опоры таких стульев (кресел) имеют плавно изогнутую форму, их нижние и верхние выступающие над уровнем сиденья концы соединены поперечными планками. Нижние планки выполняются в виде опор, а верхние – в виде локотников. Спинки профилируются по краям, имеют разнообразной формы выкружки и вырезы, могут быть гладкими или украшаться резьбой и гербом владельца. В одних случаях планка спинки выполняется съёмной, тогда стул (кресло) может складываться, в других случаях спинка крепится наглухо к локотникам и, несмотря на то, что конструкция такого места для сидения имеет как бы оси вращения деталей сидений и ножек, стул складываться не может. Сиденья таких стульев (кресел) делаются в виде плоской панели или в виде натянутого между ножками-опорами куска кожи или ткани.

Большие парадные столы прямоугольной формы состояли из очень массивной столешницы, боковые части которой были украшены профильной резьбой, и своеобразных боковых опор, соединенных поперечным бруском или проножками. Декоративная резьба боковых опор, заканчивающихся у пола массивными львиными лапами, весьма напоминает некоторые типы мраморных древнеримских столов. Кроме декоративного убранства самого стола, пышность и торжественность трапезы достигались также красивыми скатертями и посудой.

Существенную роль в убранстве жилища играла кровать, которая часто делалась без балдахина, но имела четыре, поднимающиеся выше рамы кровати, высокие резные угловые столбика как продолжение ножек и одну или две спинки.

Головная спинка имела рельефную, а иногда и сквозную резьбу, угловые точеные столбики и рама кровати также украшались резьбой в виде архитектурных шаблонов, растительного и геометрического орнаментов. В раму кровати вставлялся настил из досок, на который клались тюфяк или перина.

Встречается также другой тип кровати, имеющий лёгкий балдахин, поддерживаемый четырьмя резными стойками и задергиваемый занавесками, которые служили защитой от холода. Обычно кровати любых типов ставились на широкий цоколь, который использовался как своеобразная прикроватная скамья. Типичную для XV в. мебель можно увидеть в интерьерах флорентийских палаццо Даванцатти.

Мебель итальянского Раннего Возрождения делается большей частью из орехового дерева, реже из каштана. Поверхность деталей шлифуется и обрабатывается протравой, натирается воском или маслом. Благодаря этим приемам мебельные объекты приобретали темно-коричневый цвет и весьма благородную шелковистую фактуру поверхностей.

Итальянская мебель Высокого и Позднего Возрождения (конец XV–XVI в.)

Это время появления новых типов мебели: шкафов-бюро, мягких стульев и кресел, пластинчатых стульев, кабинетов. Мебель Высокого и Позднего Возрождения обильно декорируется, ее классические формы приобретают большее разнообразие. В качестве украшений используются архитектурные шаблоны: целые антаблементы, фризы, карнизы, цоколи, кронштейны, отстоящие от фона колонны, полуколонны, пилястры с базами и капителями. Стволы колонн или пилястр покрываются каннелюрами или резным плоским орнаментом. Кроме того используются различные маски, львиные лапы, бараньи и львиные головы, гермы, женские головки, атланты, кариатиды, волюты, розетки, триглифы, растительный и геометрический орнамент, орнамент гротеск, маскароны и многие другие декоративные элементы.

Следует подчеркнуть, что развитие искусства итальянского интерьера XVI в. шло в сторону большей сдержанности и классичности всех элементов. Постепенно снижается значение орнамента, который используется, большей частью, в декоре элементов потолка. Однако сравнительно большую роль сохраняет орнамент в художественном оформлении мебели, на форму и декор которой оказывают сильное влияние найденные в этот период в Риме подлинные памятники античной эпохи. В начале века были раскопаны помещения Золотого дома Нерона в Риме с их изысканным и тонким орнаментом. Участвуя в раскопках древних зданий в Риме и склепов, которые получили название гротов, в 1516–1518 гг., Рафаэль, увидев ранее неизвестные ему античные орнаментальные композиции, ввел их в роспись стен Лоджий в Ватикане. Такой орнамент, где сложные архитектурные композиции переплетались с завитками растительного орнамента, цветами и акантами, строго упорядоченные построения элементов которого парадоксальным образом включали в себя целый мир фантастических существ – человеческих полуфигур или полулюдей-полуживотных, как бы вырастающих из чашечки цветка, и другие сложные построения, стал называться гротеском. Если гротеск строился симметрично относительно центральной вертикальной многоярусной оси, получался так называемый канделябр. Такой орнамент, а также маскароны (декоративные маски в виде фантастических изображений головы животного или человеческого лица), сфинксы, тритоны, крылатые амуры стали излюбленными декоративными мотивами в мебели того времени.

В XVI в. в мебели начинает широко применяться маркетри из разноцветного дерева разных пород. Большую популярность к концу XV в. приобретают изображения на лицевых и внутренних (наиболее часто) сторонах филёнок шкафов и кабинетов, а также на стенных деревянных панелях, перспективных видов архитектурных сооружений, многолюдных процессий, различных тематических картин, выполненных в технике интарсии. Со второй половины XVI в. в моду входят гермы, оканчивающиеся женскими головками, пилястры с плоскими консолями, сильно профилированные карнизы и цоколи, резные ножки. На филёнках, обрамленных профилированными рамками, помещают круглые или овальные розетки, выше карнизов устраивают резные фронтоны. Широкое распространение получает орнамент из завитков на подставках для бюстов и на скамейках. Конструктивные сопряжения и сочленения элементов мебельных объектов иногда маскируются декоративными элементами, покрываются позолотой и раскрашиваются.

К XVI в. резные стенки сундуков-кассоне стали обрабатываться барельефами, а затем и горельефами, трактующими мифологические сцены. К этому времени мебельные мастера Возрождения окончательно освободились от плоскостной трактовки своих произведений. Теперь резной скульптурный барельеф передней стенки сундука окружается богато профилированной рамкой со множеством тяг, с нитями жемчужника, рядами иоников, аканта, меандра или волны и другими декоративными мотивами античности. Часто угловые стойки таких ёмкостей трактуются как полуфигуры атлантов, зрительно поддерживающих крышку сундука. Иногда здесь делалась опорная консоль в форме большого акантового листа. Полоса из завитков и листьев аканта становится распространенным приемом украшения, особенно корпусной мебели.

Отличительной особенностью флорентийских сундуков-кассоне в конце XV–начале XVI в. является ясно читаемая связь их формы с орнаментом. Мастер-мебельщик не скрывает конструкцию объекта, добиваясь гармонических пропорций его формы и отдельных ее элементов.

Наряду с этим нельзя не отметить, что основной декор этих ранних флорентийских сундуков касался лишь фасадной их стенки, боковые оставались гладкими. И, как и раньше, сундуки снабжались свисающими железными ручками, которые убедительно свидетельствовали о том, что ёмкости оставались по-прежнему переносными.

В течение XVI в. сундуки окончательно теряют свою прямоугольную форму. Теперь они сужены книзу, рельефная резьба покрывает переднюю и две боковые их стенки. Сундук теперь полностью напоминает античный мраморный саркофаг, который выполняется как бы из единого деревянного монолита и не может служить местом для сидения или лежания. В центре передней фасадной стенки помещаются гербы представителей вступающих в брак знаменитых фамилий. В декоре применяются орнаменты гротеска. Глубокая резьба иногда покрывается позолотой и местами имеет прописанный цветной фон.

В шкафах этого времени, как уже выше отмечалось, в большом количестве применяют архитектурные шаблоны: пилястры, карнизы, фронтоны, консоли, профили и др. Такой своеобразный тип шкафа как шкаф-бюро имеет в верхней части небольшой шкаф с двумя двойными створками дверец, с выдвижными ящиками в подстолье, которое опирается по бокам на два хорошо профилированных щита. В Позднее Возрождение появляются так называемые шкафы-кабинеты, которые получили потом распространение по всем странам Европы. Такой шкаф, поднятый над полом и поставленный на подставку или на ряд ножек, стянутых проногами, включал в себя три или пять рядов маленьких ящичков, наружная сторона которых была богато инкрустирована. Небольшие глухие дверцы, которые закрывали весь набор этих ящиков, обычно украшались маркетри с перспективными видами архитектурных построек. Такой шкаф служил для хранения деловых бумаг, денег, драгоценностей. Иногда передняя стенка кабинета откидывалась и превращалась в столешницу. Это был прообраз современного секретера.

В это время были широко распространены стулья и кресла нескольких типов. Например, существовали стулья с четырьмя прямыми ножками квадратного сечения. Продолжение задних ножек у таких стульев служит стойками для высокой прямой спинки, которые заканчиваются вверху резными декоративными элементами – акантами, львиными масками и др. Между передними ножками вставлялись две или три плоские скрепляющие их панели-проножки, покрытые богатой резьбой с узорно выпиленными краями. Прямоугольная доска сиденья, вытянутого по ширине, украшалась резным подзором. Со второй половины XVI в. появляются кресла, подобные по конструкции таким стульям, но с добавлением хорошо декорированных локотников, передние края которых часто заканчиваются волютами. Передние ножки, продолженные вверх над сиденьем, служат опорой брускам локотников.

В эту эпоху стул, бывший сотни лет жестким, сделался мягким. Раньше для удобства сидения подкладывались тюфячок или подушка, теперь мягкие элементы входят в конструкцию мебельного объекта. Главным декоративным элементом в таком варианте становятся даже не резьба, позолота или роспись, а обивка бархатом, парчой или тисненой кожей с крупными латунными шляпками гвоздей. Появляется отделка различными кистями и бахромой. Подобным образом декорируются и кресла.

Другой распространенной формой мебели для сидения продолжают оставаться курульные кресла. Появляется новый тип так называемых пластинчатых (или дощатых) стульев. Эти стулья состоят, в основном, из трех досок, из которых более длинная служит задними ножками и спинкой, более короткая – передними ножками. Маленькая горизонтальная доска образует сиденье, которое обычно имеет восьмигранную форму. Доски спинки и ножек могут иметь небольшой наклон. В нижней части доски ножек скрепляются специальным бруском. Спинка и лицевые плоскости опорных частей досок украшаются обильной рельефной резьбой. Края доски сиденья и нижняя кромка короба сиденья профилируются.

Продолжает изготавливаться и широко применяться в качестве мебели для сидения и ёмкостей касса-панка, украшенная высокой и весьма сложной резьбой.

Столы имеют массивные формы и обильно декорированы. Вместо ножек делаются два боковых опорных щита, которые соединяются бруском или доской с фигурными вырезами. Эти боковые опорные щиты украшаются резным орнаментом, барельефами в виде львиных масок, дельфинов, бараньих голов и пр. Коробка подстолья декорируется триглифами, розетками и растительным орнаментом. Края столешницы обычно профилируются архитектурными шаблонами или украшаются резным орнаментом.

С середины XVI в. центр мебельного производства постепенно стал перемещаться в Рим, где изготавливают весьма обильно декорированные резными фигурами свадебные сундуки-кассоне, письменные бюро-кабинеты, столы прямоугольной формы с массивными подстольями. В это время ещё больше увлекаются античными раскопками и перенесением отдельных элементов древнеримского искусства (декора найденных в раскопках мраморных саркофагов, жертвенников, канделябров и др.) на современную римскую мебель.

В центрах мебельного производства Средней Италии (в Риме, Сиене, Болонье) мебельные объекты имели крупную декоративную резьбу. В Северной Италии (в Ломбардии и Венеции) вместо резьбы начали широко применять инкрустацию из дерева разных пород и слоновой кости, т.н. чертозскую мозаику. Чертозами назывались в Италии монастыри, основанные монахами картезианского ордена. Чертозы были довольно многочисленны на Севере Италии и имели высоко развитые художественные мастерские. (Например, в Чертозе Повийской – монастыре недалеко от Милана).

Техника чертозской мозаики такова: многогранные разноцветные стерженьки из различных пород дерева и кости плотно склеивались между собой, образуя на торце задуманный рисунок. Такой блок распиливался затем на поперечные, одинаковой толщины пластинки, которыми обклеивали поверхность мебельного объекта. Чертозской мозаикой украшались курульные кресла, маленькие ларцы и даже кассоне. Сложные геометрические узоры чертозской мозаики имеют несомненное сходство с персидскими шкатулками. Приемы восточного мастерства проникали в Италию через Венецию, которая вела интенсивную морскую торговлю со странами Востока. В Ломбардии была распространена также интарсия из светлых и темных пород дерева.

Во второй половине XVI в. мебельное производство достигает больших высот в Генуе. Здесь большим успехом пользовались особого вида поставцы-креденцы, в формообразовании которых весьма заметно было влияние мебельных центров Франции XVI в. В это время в прикладном искусстве Италии, в том числе и в искусстве мебели, в соответствии с общим развитием архитектуры, живописи и скульптуры отмечается усиление тех стилевых тенденций, которые в дальнейшем, через краткий период маньеризма, привели к формированию стиля барокко.

Французская мебель Раннего Возрождения (Ренессанса). Стиль Франциска I (1515–1547 гг.)

Французский ренессансный стиль принято делить по времени правления французских королей. Правление Людовика XII (1498–1515 гг.) характеризует стиль, переходный от готики к Ренессансу. К Раннему Ренессансу относят стиль Франциска I (1515–1547 гг.), к расцвету – стиль Генриха II (1547–1559 гг.). С именем Генриха IV (1589–1610 гг.) связывают Поздний французский Ренессанс.

Замок Шамбор. 1519–1559 гг. Шамбор, Франция – Château de Chambord (фр.)

Входные ворота, Шато (дворец-замок) в Ане. 1547–1552 гг. Франция – Château d’Anet

Дворцовый фасад с башней, королевский замок Блуа. 1515–1524 гг. Блуа, Франция – Château de Blois

Галерея Франциска I в Фонтенбло. Роспись и лепнина Россо и Приматиччо. 1533–1540 гг. Франция – Galerie François-I^er (Château de Fontainebleau)

Галерея Франциска I в Фонтенбло. Роспись и лепнина Россо и Приматиччо

Внутренний двор Шато Анси-ле-Фран. 1541–1550 гг. Франция – Château d’Ancy-le-Franc

В переходном стиле продолжают доминировать формы более привычной для французов пламенеющей готики, а мотивы Возрождения затрагивают лишь орнаментальный строй декора интерьеров.

Во многих случаях декоративные элементы, орнамент, архитектурные шаблоны, характерные для Возрождения, просто накладывались на позднеготические формы, что приводило к весьма необычным сочетаниям. Поэтому ренессансный стиль во Франции значительно менее четко выражен, чем в Италии. Первые реальные успехи французского Ренессанса относятся ко времени Франциска I – к тому времени, когда в Италии уже нарождался маньеризм.

Влияние итальянского искусства Возрождения на средневековую Францию было весьма значительным. Ряд войн между Италией и Францией в конце XV–начале XVI в. познакомил французов с новым и необычным для них искусством Италии.

Много произведений искусства было вывезено из Италии во Францию, куда переселились и многие итальянские художники – специалисты в различных областях искусства.

Сам король Франциск I весьма увлекался итальянским искусством. Его идеалом было все искусство итальянского Возрождения. В это время строятся замки в Блуа и Шамборе. Например, знаменитая лестничная башня в замке Блуа, со своей спиралевидной каменной лестницей, представляет собой образец французского Ренессанса.

Те же принципы определяют и вид замка Шамбор, построенного по плану средневековой крепости со рвом, над которым возвышается мощный квадратный донжон с четырьмя угловыми башнями под коническими крышами. Зодчим замка был итальянец по имени Доменико да Кортона.

Формы замка Шамбор являются уникальным примером французской архитектуры готического стиля, дополненного классическими элементами.

Кроме того, Франциск I приказал построить многочисленные дворцы в центральной Франции – в провинции Иль-де-Франс, в частности, Мадридский замок и Загородный замок Фонтенбло (60 км от Парижа), который вместе с пристройками 1528–1540 гг. представляет собой наиболее сохранившийся замковый комплекс Раннего Ренессанса во Франции. Его создатель, Жиль Бретон, спроектировал знаменитую Галерею Франциска I, которая является самым ранним примером такого типа помещения, который позднее пользовался популярностью во Франции и Англии. Его внутреннее оформление было выполнено Джованни Батиста Росса – флорентийским художником. Свое влияние на развитие французской архитектуры оказал и Себасть-яно Серлио, который в 1540 г. прибыл из Венеции в Фонтенбло, где он построил для кардинала Феррары разрушенный сегодня Гранд Ферраре – городской дом (отель), который стал почти на целое столетие французским образцом этого типа здания. Сооружение, давшее начало независимому французскому стилю, связано с именем Пьера Леско, начавшего в 1546 г. строительство для Франциска I квадратного двора Лувра в Париже. Его фасады сильно выступают вперед и богато профилированы сложными оконными наличниками, разнообразными колоннами и пилястрами коринфского и композитного ордеров. Пластическая выразительность облика здания и его интерьеров ещё больше усилены благодаря наличию круглой скульптуры, свободно размещенной в пространстве, и рельефов Жана Гужона. В этом содержалось одно из главных нововведений французской манеры убранства интерьера. Начатое Леско введение скульптуры в интерьер продолжало в течение последующих трёх столетий играть важную роль в его убранстве. Это хорошо заметно, например, по решению многих помещений Версаля.

Другим знаменитым архитектором был Филибер Делорм. Между 1547 и 1552 гг. он построил в Нормандии Шато в Ане для Дианы де Пуатье, фаворитки Генриха П. Его талант можно оценить на примере композиции замкового комплекса Ане. Здесь нет замкнутого пространства двора замка, типичного для французской средневековой архитектуры того времени, а использована компоновка в виде карэ, при этом передний корпус решен в виде ворот с оградой.

Распространение нового ренессансного стиля во Франции шло очень медленно, и традиции готики сохранялись в мебельных объектах весьма долго. В то время, как в Париже и его окрестностях уже много лет подряд выделывалась мебель в стиле Франциска I, в Нормандии, Бретани и других провинциях вплоть до середины XVII в. продолжали делать готические шкафы и сундуки, характерные по своим пропорциям и украшениям для XV в.

Стиль Франциска I отличается наплывом итальянского орнамента на французские готические формы. Этот стиль известен тем, что ренессансными пилястрами с каннелюрами, коринфскими капителями, балясовидными опорами, фризами и карнизами в большом количестве декорировались подзднеготические типы мебели, и без того украшенные позднеготическими элементами. Возник эклектичный, но весьма оригинальный прием декорировки. Сундуки, креденцы, шкафы, кресла сохранили свою готическую устремлённость ввысь, но декор был новым. Многоплановость резных украшений придала богатство всем ранее оголенным рёбрам и плоскостям мебели. Косяки, филёнки, карнизы, фронтоны заполнены элементами различных орнаментов.

Архитектурный декор

Часто встречаются архитектурные шаблоны: пилястры, капители, смелые выступы профилей, а также целые перспективные сцены, головы в профиль на длинных шеях, заключенные в венки, развивающиеся ленты и др., исполненные слабой резьбой. Всё это напоминает мотивы северного итальянского Возрождения.

Для стиля Франциска I характерны точёные колонки в виде баляс или узоры канделябра с пламенем в верхней части, которые располагаются между филёнками по оси пилястр.

Кроме того, на мебельных объектах часто выполнялась королевская монограмма-шифр в виде красиво переплетённых F и I или эмблема Саламандра в огне, увенчанная короной.

В этот период полностью освоена рамочно-филёночная система вязки дерева, что позволяет придавать мебельным объектам более изящные пропорции, жёсткость и прочность всей конструкции. Вместо дуба основным материалом мебели становится ореховое дерево. Характерный тип мебели для сидения этого стиля – дощатые кресла, которые делаются с высокими спинками, поднимающимся сиденьем с ёмкостью внутри и двойными филенками на передней стенке. Их форма со скругленными углами ещё сохраняет характерные пропорции готики, но резной орнамент, украшавший их ранее, уже отсутствует. Особенно активно декорируются резьбой невысокого рельефа пилястры спинки и ее верхний карниз. На высокой спинке, выше головы сидящего, вырезается герб владельца кресла, обрамленный тонким венком. В более поздний период резьба становится более пышной и выполняется в высоком рельефе. Локотники делаются сквозными с грузными точёными подставками в виде баляс. Со второй половины XVI в. начинает широко применяться итальянский тип Х-образного табурета с массивными дугами опор.

Декор сундуков (ларей), особенно их лицевых граней, делается весьма изысканным со строго симметричным расположением орнаментации из канделябров, тонких веток аканта, с выходящими из них фигурами и головками, массивных венков, висящих на тоненьких ленточках, медальонов и др. Готический поставец-креденца принимает название дрессуар, но по своей конструкции представляет все тот же сундук, приподнятый на высоких ножках над нижней цокольной частью. Дрессуар служил для хранения сосудов, столовых приборов и ценных вещей. Его форма по-прежнему остается шестигранной, но передняя грань делается более широкой за счёт боковых.

В давно устоявшуюся композицию введена тектоническая целесообразность, подчеркиваются горизонтальные профили, с помощью которых верхняя часть корпуса дрессуара делится на два яруса. Передние опоры заменяются брусками или хорошо профилированными точеными столбиками, но остается опускающаяся донизу дощатая задняя стенка. Некоторое время спустя дрессуар приобрел прямоугольную форму, был расчленен пилястрами или колонками на отдельные филенки и поставлен на ножки-стойки. Филенки обрабатываются резьбой низкого рельефа с применением особой разновидности гротескного орнамента, т.н. канделябра, о котором ранее уже шла речь. Он имеет вертикальный стержень с симметрично расположенными направо и налево завитками и действительно напоминает канделябр, у которого рожки для свечей расположены поярусно. В центре гладкой гротескной композиции обычно помещается резной медальон с профильным изображением мужской или женской головы, исполненный также в низком рельефе.

В изготовлении столов повторяются приемы и мотивы украшений, которые пришли из Италии. Боковые опорные щиты делаются с проемами, как и в эпоху готики, но эти проемы теперь имеют форму античной арки с каннелированными колоннами по сторонам. Эти боковые опорные элементы опираются на массивное основание с резными лежащими львами вместо ножек, на котором стоит ряд точеных балясин, подпирающих подстолье. Само подстолье украшено по углам львиными масками с висящими под ними точеными шишками. Делаются и более простые столы, столешницы которых украшаются наборным деревом.

Французская мебель расцвета Возрождения (Ренессанса). Стиль Генриха II (1547–1559 гг.)

Во второй половине XVI в. Франция уже задает тон в строительстве дворцов, организации и декоре интерьеров и их меблировки для королей, аристократии, высшего духовенства и крупной буржуазии.

Стиль Генриха II, который сохраняется даже в Позднем французском Ренессансе 80-х гг. XVI в., характеризуется преобладанием откровенно древнеримских мотивов над готическими и даже итальянскими эпохи Возрождения. Стремление к использованию древнеримских мотивов вытеснило остатки готики. На этой мебели – высокая рельефная резьба, фантастичные животные, вместо ножек – гермы, колонны, делаются портики и фронтоны на шкафах и креслах. На филенках между колоннами и полуколоннами выполняются неглубокие ниши, обрамленные античными архитектурными шаблонами, в которых помещают статуи героев или богов древности. Фронтоны делают разрывными, а между боковыми их частями ставят бюст, статуэтку, вазу или небольшую триумфальную арку. С этого времени для изготовления мебели вместо дуба используется орех. Мебель украшается также инкрустацией из камня и пластинками цветного мрамора. В декоре используется вензель Генриха II и Дианы де Пуатье, а также двойной или тройной полумесяц. Именно в это время формируется истинно национальное французское мебельное искусство.

Продолжает существовать форма традиционного дощатого кресла с прямой спинкой, покрытого обильной резьбой. Делаются, как и в предыдущий период, кресла, на спинках которых место пилястр занимают кариатиды, исполненные в манере гротеска. В верхней части спинки помещается иногда рельефная раковина.

В XVI в. в процессе создания мебельных объектов начинает активно применяться токарная работа. Появляются стулья и кресла с точеными, украшенными резьбой и позолотой ножками и стойками спинок.

Со второй половины XVI в. впервые начинают обиваться тканью или кожей сиденья и спинки кресел и стульев. Точеные элементы появляются и в отделке шкафов.

Широкое распространение получают кресла итальянского типа с обитыми бархатом или парчой спинкой и сиденьем. По ребрам спинки и обвязи сиденья ткань прикрепляется гвоздями с крупными шляпками и украшается бахромой. Прямые ножки и проноги такого кресла покрыты резьбой. Особенно богато декорированы локотники и их стойки. Края локотников заканчиваются волютами, а ножки стоят на специальных брусках-подставках, украшенных львиными лапами. Следует отметить, что уже к концу XVI в. вся мебель для сидения конструируется с учетом удобства сидящего человека. Спинка слегка откидывается назад, сиденья делаются шире, локотники выгибаются под руку и т.д.

В эпоху расцвета французского Ренессанса на мебели, особенно на шкафах, появляется большое количество резных скульптурных изображений в виде кариатид и герм, между которыми на филенках помещаются рамы крупного рельефа с панно, сплошь покрытыми рельефной резьбой.

Вершиной мебельного искусства во Франции этого времени были резные двухкорпусные шкафы. Они создавались одновременно в Бургундии и провинции Иль-де-Франс.

В Бургундии работал архитектор Г. Самбен, влияние которого распространялось и на город Лион. Его творчество ярко выражало своеобразный характер искусства Бургундии этой эпохи. Большую роль в распространении и утверждении стиля Генриха II в этой части Франции сыграли также рисунки (эскизы) мебели в гравюрах архитектора Жака Дюсерсо.

Шкафы строятся согласно архитектурным принципам, принятым в то время: нижний корпус более массивен, верхний – более строен и несколько отступает назад. Во внешней форме выявляются опорные, несущие части мебельного объекта.

Обильно декорируются резным орнаментом и тягами профили рамок на филёнках, которые в свою очередь украшаются гротескным орнаментом, выполненным в низком рельефе.

Три кариатиды или атланта, выполненные в виде герм и поставленные по краям и между створок как своеобразные опоры, поддерживают карниз. Эти изысканные резные по дереву украшения – подлинные образцы скульптурного искусства. Здесь ореховое дерево, как конструкционный и декоративный материал, использовано на максимуме его возможностей. Своеобразна мебель, которая делалась в Центральной Франции – в провинции Иль-де-Франс.

Шкафы Центральной Франции, в частности, парижские, делаются также двухкорпусными и двухстворчатыми. Эти шкафы имеют меньший объём и отличаются весьма гармоничными и лёгкими пропорциями. Лицевая их сторона строится как архитектурное сооружение, как фасад здания – с колоннами, фризом и фронтоном. Лицевая поверхность шкафа и выдвижные ящики над нижним корпусом иногда декорируются прямоугольными вставками из мрамора, на филенках часто делаются неглубокие ниши со статуэтками или изящно изогнутыми женскими фигурами, а также фигурами античных божеств и др.

Эти фигуры, элементы растительного орнамента режутся в низком рельефе. Их удлиненные пропорции, ритм плавных текучих линий, совершенство композиции невольно ассоциируются со стилем школы Ж. Гужона – знаменитого скульптора, работающего в стиле Генриха II.

Широкое распространение приобретают двухкорпусные шкафы, лицевые и боковые стороны которых членятся полуколоннами на отдельные панно, украшенные резным орнаментом. Шкафы, как правило, имеют широкий антаблемент и венчаются разрывным фронтоном. Средняя, а иногда и цокольная части, украшаются выступающими за габариты корпуса профилями. Здесь в рисунке декора, в пропорциях основных формообразующих элементов чувствуется влияние выдающихся французских архитекторов этой эпохи – Ф. Делорма и Ж. Дюсерсо.

В конце XVI в. во Франции появляются флорентийские шкафы-кабинеты с массой мелких ящичков, что объясняется влиянием королевы Марии Медичи и ее связями с родственным ей флорентийским двором.

В отличие от мебельного искусства Бургундии, мебель провинции Иль-де-Франс характеризуется большим изяществом композиционных решений.

Типы парадных столов в эту эпоху напоминают столы стиля Франциска I, прототипами которых являлись древнеримские мраморные столы. Столешницы и коробки подстолья таких столов покоятся на двух параллельных вертикальных опорных щитах. Они разрабатываются как целые скульптурные гротескные композиции. Столешница и подстолье опираются также на ряд канне-лированных колонок, стоящих вдоль бруса, соединяющего опорные щиты, которые, в свою очередь, заканчиваются у пола львиными головами или завитками. Делаются столы облегченной конструкции, столешницы которых украшаются маркетри, а также круглые столы, стоящие на одной, обильно украшенной резьбой, тумбе-опоре.

Кровати в стиле Генриха II делаются очень широкими, над ними устанавливается прямоугольная рама балдахина на четырех опорных столбах, являющихся продолжением ножек. Эти точеные с крупными перехватами или витые опоры обычно ещё покрываются резьбой невысокого рельефа или делаются с ажурными проемами.

Балдахин, который раньше прикреплялся к потолку, теперь опирается своей деревянной резной рамой на эти четыре опоры. Рама выполняется одинаковой величины с кроватью, завершается выступающим карнизом и украшается медальонами. К этой раме прикрепляются снизу ламбрекены, сделанные из разрезного бархата или парчи или же украшенные аппликацией из различных кусков ткани.

В последней четверти XVI в. резные украшения на мебели начинают вытесняться инкрустацией, в т.ч. интарсией из палисандра, гаванского кедра и чёрного (эбенового) дерева, которые во всё большем количестве ввозятся во Францию. В конце века появляются шкафы, которые не имеют ни резьбы, ни инкрустации, а их декорирование идёт, в основном, за счёт хорошо профилированных фигурных филёнок и архитектурных шаблонов.

Использованы материалы учеб. пособия: Грашин А.А. Краткий курс стилевой эволюции мебели – Москва: Архитектура-С, 2007

что такое Ренессанса, история развития в живописи, периоды, вехи, примеры известный картин. Историческая эпоха и великие имена Леонардо да Винчи, Джорджоне, Боттичелли, Рафаэль, Тициан, Микеладжело, Мазаччо

Ренессанс (Rinascimento), или Возрождение — уникальная по значению культурная эпоха, охватившая почти три века и ознаменовавшаяся расцветом искусств. Даже те, кто не особо интересуются живописью, знакомы с термином «Ренессанс» и слышали имена Леонардо да Винчи, Джорджоне, Боттичелли, Рафаэля, Тициана, Микеладжело… Но это лишь вершина айсберга: десятки их коллег — признанные величины в истории искусства, их творения включены в золотой фонд знаменитых музеев мира. И это не считая сотен художников, которых принято называть «рядовыми». Ведь практически каждый европейский правитель покровительствовал живописи в эпоху Возрождения! Старалась не отставать и аристократия.

Значение Ренессанса измеряется не только количеством замечательных произведений. В эпоху Возрождения произошли качественные изменения во всех областях культуры. Каноны Средневековья уступили место новому искусству: гуманистическому, антропоцентрическому, светскому, реалистичному. Были заложены художественные основы творчества мастеров всего Нового времени. На какое бы направление вплоть до коренного идейного перелома в конце XIX — начале XX веков мы ни взглянули, — все они выросли из ренессансной колыбели.

Название этому периоду (от латинского renasci происходят итальянское слово Rinascimento и французское Renaissance) было дано самими современниками. Например, термин встречается у итальянца Джорджо Вазари (Giorgio Vasari) — художника, архитектора и писателя. Дело в том, что творцы этой эпохи, отказавшись от средневековых канонов, своим фундаментом провозгласили античное искусство. Речь шла о возрождении художественных принципов античности, которые представлялись ренессансным мастерам идеалом. Но они были новаторами, а не эпигонами. Их творчество не было слепым копированием: на древнем фундаменте построили величественный дворец, наполнив его новым содержанием.

Ну, а термин в современном значении, то есть для обозначения периода в истории культуры, ввёл в XIX веке французский историк Жюль Мишле (Jules Michelet).

Исторические вехи и периоды Возрождения

История Возрождения начинается в XV столетии. Ренессансно-гуманистическая доминанта звучит на протяжении почти трёхвекового периода: с начала 1420-х годов до последней четверти XVI столетия (завершающие аккорды были слышны и в начале XVII века). Ренессансные тенденции зародились в Италии, а затем распространились за пределы Альп, поэтому в других странах национальное Возрождение началось позже.

Разумеется, новый стиль возник не мгновенно. Новаторские идеи постепенно пробивали себе путь в течение дученто и треченто Проторенессанса, оттесняя готические и византийские мотивы.

Ренессанс делится на три периода:

• Ранний — с 1420-х годов по конец XV столетия;
• Высокий — с конца XV века до 1520-х годов;
• Поздний — до конца XVI столетия.

Раннее Возрождение — Филиппо Липпи, Гирландайо и Боттичелли

Началом ренессансной эры считают 20-е годы XV века, а очагом нового стиля – блистательную Флоренцию. Осторожное проторенессансное новаторство сменяется уверенным манифестом творцов-гуманистов. Искусство становится светским (это не означает исчезновения религиозных сюжетов, меняется сам характер творчества). Философской основой провозглашается антропоцентризм. Что же касается техники, то живописцы внимательно изучали античные идеалы, стремились к реалистичности форм и красок, работали с перспективой.

Идеализму готики противопоставил реализм Мазаччо (Masaccio) — реформатор из флорентийской школы. Большое внимание он уделял передаче индивидуальности: например, в «Чуде со статиром» у каждого из персонажей — свой характер.

Фра Филиппо Липпи (Fra Filippo Lippi) был монахом (фра — не часть имени, а наименование монахов в Италии, сокращение от слова frate — брат). Но, несмотря на монашеские обеты, он наполнял картины чувственностью и жизнерадостностью. Впрочем, чего ожидать от человека, который выкрал из монастырских стен молодую монахиню? Фра Филиппо был очень интересным человеком!

На примере написанной им «Мадонны под вуалью» можно увидеть, как религиозные сюжеты переходят в плоскость светской живописи: образы поэтичны, но реалистичны. И неудивительно, поскольку позировала мастеру жена с его детьми (та, которую он похитил; брак, правда, так и не был признан законным).

Влияние античности демонстрирует «Портрет Джованны Торнабуони» Доменико Гирландайо (Domenico Ghirlandaio).

Усиление влияния реалистического подхода заметно в «Портрете старика с внуком»: прекрасный образец расцветающего портретного жанра.

Ну, а «Рождение Венеры» Сандро Боттичелли (Sandro Botticelli) — пожалуй, известнейший шедевр кватроченто.

Такой же чувственно-радостной атмосферой и музыкальным колоритом фонтанирует «Весна».

Религиозные творения Боттичелли лирично-возвышенны и поэтично-музыкальны. «Мадонна Магнификат» так потрясла современников, что её повторяли во множестве копий.

Линии Боттичелли называют певучими. Поразительная пластичность делает его манеру письма настолько выразительной, что он относится к числу самых узнаваемых художников в истории.

Высокое Возрождение — да Винчи, Рафаэль, Микеланджело и Тициан

Пиком Ренессанса считается тридцатилетие, отсчитываемое от написания «Тайной вечери» Леонардо да Винчи, то есть с 1490-х годов. Центром притяжения творцов становится Рим. Здесь создаются грандиозные, амбициозно-масштабные вещи: например, росписи Микеланджело в Сикстинской капелле и Рафаэля в Ватиканском дворце. Другим центром была Венеция, которую прославили Тициан и Джорджоне.

Изобразительная техника достигает высот. Для фресок и полотен характерны сложные композиции, углубленность пространства, эмоциональная насыщенность.

Воспевая красоту человека, художники-гуманисты стремились отразить индивидуальность каждого персонажа. Для этого они внимательно изучали анатомические особенности тела, старались передать тончайшие нюансы мимики. Знаменитая «Джоконда» до сих пор поражает мир тайной своей улыбки.

Эти тридцать лет поразительны по концентрации шедевров и великих имён.

ЛЕОНАРДО ДА ВИНЧИ (Leonardo di ser Piero da Vinci). Главные работы:

• Мадонны «Бенуа» и «Литта»;
• «Мона Лиза»;
• «Дама с горностаем»;
• монументальная роспись в миланском монастыре Санта-Мария делле Грацие «Тайная вечеря»;
• «Витрувианский человек», демонстрирующий канонические пропорции.

Характерная черта у Леонардо — лёгкая размытость: дымка сфумато. Этот приём, позволяющий в буквальном смысле «нарисовать воздух», изобрёл именно он.

Интересная деталь: современные исследователи выяснили, что гений был способен наносить краску тончайшими слоями в два микрона!

РАФАЭЛЬ САНТИ (Raffaello Santi), чьё творчество отражает самые светлые и возвышенные идеалы. Восхищает сочетание красок, изящество линий, композиционная гармония. Ему невероятным образом удавалось соединить яркость палитры с безупречным вкусом. Картины наполнены воздухом и светом.

Шедевры Рафаэля:

• одна из самых узнаваемых картин планеты – величественная и лиричная «Сикстинская Мадонна»;
• Мадонны «Коннестабиле», «Альба» и «С щеглёнком»;
• «Святое семейство»;
• «Портрет Бальдассаре Кастильоне»;
• «Дама с единорогом»;
• величественное «Преображение».

И, конечно же, невозможно не упомянуть фрески «Парнас» и «Афинскую школу».

МИКЕЛАНДЖЕЛО БУОНАРРОТИ (Michelangelo di Lodovico di Leonardo di Buonarroti Simoni), добившийся исключительных высот в изображении человеческого тела.

Микеланджело известен прежде всего как гениальный скульптор, про которого говорили: своим «Давидом» он отнял славу у греческих и римских статуй. Но есть у него и живописные шедевры — фрески «Сотворение Адама» и «Страшный суд».

ТИЦИАН (Tiziano Vecellio), возглавляющий венецианскую школу. Его полотна потрясают великолепной колористкой.

Он мастерски работал с полутонами, создавал изумительную игру света и тени, заполнял пространство воздушными переливами. Талант колориста наиболее ярко проявился в его поздних работах.

Живопись Тициана наполняет сочный, красочный эротизм. Великолепны и чувственны «Любовь земная и Любовь небесная», «Венера перед зеркалом», «Венера и Адонис» и знаменитая «Венера Урбинская». Это гимн красоте и радостям жизни.

Но есть у него и работы, насыщенные глубоким драматизмом. Таковы «Динарий кесаря» и «Кающаяся Мария Магдалина».

Прославился Тициан и как один из величайших портретистов. Заполучить портрет его кисти жаждали монархи и князья, римские папы и кардиналы. Говорят, что когда мастер писал Карла V и уронил кисть, монарх сам поднял её и произнёс, что даже для императора честь услужить Тициану.

ДЖОРДЖОНЕ (Giorgio Barbarelli da Castelfranco), ещё один великий венецианец. Колористические нюансы, тонкая градация освещения, выразительность и утончённость линий характерны для его техники. Сюжеты эмоциональны, образы одухотворённы и поэтичны. Такова одна из его известнейших героинь — «Юдифь».

Новаторство Джорджоне выразилось в насыщении картин образами природы. Они присутствуют в «Трёх философах», «Суде Соломона», «Поклонении пастухов», «Мадонне Кастельфранко»… Мастер одним из первых начал проявлять внимание к красоте природы, подготовив почву для выделения пейзажа как отдельного жанра.

Позднее Возрождение

Но ничто не вечно. Наступил кризис идей. Это было связано, с одной стороны, с исчерпанием новаторского потенциала, а с другой — с наступившими изменениями в общественной жизни. XVI век оказался тяжёлым для Европы: сначала Реформация расколола её на две части и спровоцировала длительную эпоху религиозных усобиц и гражданских войн, затем пришла Контрреформация.

В творческой среде оставалось всё меньше носителей возрожденческих идеалов. Тем не менее, ещё творили Микеланджело и Тициан, причём для них начало заката Ренессанса совпало с кульминацией личного творчества. Можно сказать, это была лебединая песня Возрождения…

Особым островком, где долго сохранялся ренессансный дух, была Венеция. Дело Тициана здесь продолжили Тинторетто (Tintoretto), Джакобо Бассано (Jacopo Bassano) и Паоло Веронезе (Paolo Veronese).

За Альпами продолжало шествовать так называемое Северное Возрождение, имевшее специфические особенности: в нём меньше звучали античные мотивы, зато довольно отчётливо сохранялись готические.

Кроме того, большое идейное воздействие оказала Реформация.

Ренессансная эпоха в ряде стран, начавшись позже, чем в Италии (во Франции, Испании), и завершилась позднее — в начале XVII века.

Но в целом, XVI век был переломным для европейской культуры. Европу лихорадило. Жгли ведьм, устраивали кровавые религиозные побоища, казнили еретиков. Возникали радикальные секты, назревали апокалипсические настроения… Идеалы ренессансного гуманизма уже казались неактуальными. Новые реалии куда лучше отражали изломанность маньеризма, контрасты красно-чёрного караваджизма и драматический хаотизм барокко.

Семейство шрифтов

Eras ITC — Typography

• 11.03.2020
• 2 минуты на чтение

В этой статье

Обзор

ITC Eras — это шрифт без засечек с необычным стилем, благодаря небольшому наклону вперед и незначительным вариациям толщины штрихов. Как и большинство современных шрифтов, разработанных для типографики фильмов, ITC Eras имеет сравнительно большую строчную x-высоту, а также отличные характеристики подгонки букв.Вдохновение для ITC Eras двояко: греческие каменные гранильные буквы и римские заглавные буквы. Результат — сразу линейный акцент и смесь резких углов и широких кривых. Сочетание широких изгибов и близкого расстояния между буквами подчеркивает большие открытые пространства, внутренние формы букв. ITC Eras — неточное геометрическое лицо. Он кажется спонтанным, как письменный шрифт без засечек, особенно из-за его небольшого наклона вперед и составных символов. Этот штрих стиля подчеркивает властный вид его капителей, которые также могут служить титульным лицом.Французский дизайнер Альбер Ботон создал ITC Eras в сотрудничестве с покойным Альбертом Холленстайном, также французом.

Имя файла	Erasbd.ttf Erasdemi.ttf Eraslght.ttf Erasmd.ttf Erasult.ttf
Стили и вес	Eras Bold ITC Eras Demi ITC Eras Light ITC Eras Medium ITC Eras Ultra ITC
Дизайнеры	Альберт Холленштейн, Альберт Ботон
Авторское право	Шрифт: Copyright © 1995 International Typeface Corporation.Данные: Copyright © 1995 Microsoft Corportation. Все права защищены.
Поставщик шрифта	ITC
Теги скрипта	НЕТ
Кодовые страницы	1252 Latin 1 Mac Roman Набор символов Macintosh (US Roman)
Фиксированный шаг	Ложь

Информация о лицензировании и распространении

• Часто задаваемые вопросы о распространении шрифтов для Windows
• Лицензионные шрифты Microsoft для предприятий, веб-разработчиков, для распространения оборудования и программного обеспечения или установки серверов

Продукты, которые поставляют этот шрифт

Этот шрифт доступен в приложениях Office.Для получения дополнительной информации посетите эту страницу.

Примеры стиля и веса

Eras Bold ITC

Eras Demi ITC

Eras Light ITC

Eras Medium ITC

Eras Ultra ITC

E). Научно-академический стиль

Морфологические особенности. Терминологическое словообразование и словообразование: формирование неологизма путем аффиксации и преобразования.Ограниченное использование конечных форм глагола. Использование слова «авторское мы» вместо I. Частое использование безличных конструкций.

Лексические особенности. Использование слов в их основном словарном значении, ограниченное использование коннотативных контекстных значений, многочисленные неологизмы.

Широкое употребление книжных слов e. грамм. предположить, сделать вывод, предвзятое мнение, когнитивное.

Ограниченное использование эмоциональной окраски, междометий, экспрессивной фразеологии, фразовых глаголов, разговорной лексики, тропов, таких как метафора, гипербола, сравнение и т. Д.

Обилие научной терминологии и фразеологии, имен собственных.

Синтаксические особенности. Полный и стандартный синтаксический способ выражения.

Синтаксическая точность, обеспечивающая логическую последовательность мысли и аргументации.

Прямой порядок слов.

Использование длинных предложений с придаточными предложениями.

Широкое использование причастных, герундийских и инфинитивных комплексов.

Обширное использование наречных и предложных фраз.

Частое использование скобок после тире.

Обилие атрибутивных групп с описательной функцией.

Преимущественное использование предложных атрибутивных групп вместо описательных из фраз.

Избегание многоточия, даже обычно опускаемых союзов, таких как «то» и «которое».

Преобладание именных конструкций над словесными, чтобы избежать привязки ко времени ради обобщения.

Частое использование пассивных и нефинитных глагольных форм для достижения объективности и безличности.

Следует использовать безличные формы и предложения, такие как упоминание , это можно сделать вывод, предполагая, что, и т. Д.

Композиционные особенности. Виды текстов композиционно зависят от научного жанра: монография, статья, презентация, диссертация, диссертация и др.

В собственно научных и технических текстах e.грамм. математика: высокоформализованный текст с преобладанием формул, таблиц, диаграмм с краткими комментариями.

В гуманитарных текстах (история, философия): описательное повествование, снабженное аргументацией и интерпретацией.

Логичное и последовательное повествование, последовательное изложение материала и фактов.

Широкое использование цитат, ссылок и примечаний. Ограниченное использование выразительных средств и стилистических приемов.

Обширное использование общепринятых стандартных фраз в определенных местах для подчеркивания логического характера повествования, например , как мы видели, в заключение, наконец, как упомянуто выше.

Использование отступлений для обсуждения или поддержки определенного момента.

Определенное структурное расположение в иерархическом порядке: введение, главы, параграфы, заключение.

Специальный набор соединительных фраз и слов для поддержания последовательности и логики, например, , следовательно, наоборот, аналогично.

Широкое использование двойных союзов как … как, либо … или оба … и, и т. Д.

Композиционно расположенные модели предложений: постулирующий (в начале), аргументативный (в центральной части), формулирующий (в заключении).

Описанные выше отличительные особенности никоим образом не представляют собой исчерпывающую номенклатуру для каждого типа. Тщательное изучение каждого функционального стиля требует исследования множества типов текстов различных жанров, представляющих каждый стиль.Очевидно, что в рамках этого курса сделать это невозможно. Это также одна из причин, почему литературный стиль не был включен в это описание. Вряд ли стоит пытаться делать какие-либо обобщения о сфере стиля художественной литературы, который включает в себя такой набор жанров, будь то в прозе, поэзии или драме, не говоря уже о своеобразных стилях отдельных авторов.

:

История классической музыки — эпохи

История классической музыки Это первый период, когда мы можем начать быть достаточно уверенными в том, как большая часть сохранившейся музыки звучала на самом деле.Самая ранняя письменная светская музыка относится к трубадурам 12 века (в форме виреле, эстампи, баллад и т. Д.), Но большинство нотных рукописей исходят из мест обучения, обычно связанных с церковью, и поэтому неизбежно имеют религиозную основу. Григорианское пение и простая песня, которые являются монодическими (то есть написанными как одна музыкальная линия), постепенно превратились в течение 11-13 веков в органум (то есть две или три строки, движущиеся одновременно, но независимо друг от друга, поэтому почти непреднамеренно представляющие начало гармонии).Однако первоначально Organum был подавлен жесткими правилами, регулирующими мелодию и ритм, что в конечном итоге привело к так называемому периоду Арс Нова 14 века, в основном представленным композиторами де Витри, Махо и Ландини. Рекомендуемая запись: См. Каталог средневекового периода Пятнадцатый век стал свидетелем значительного увеличения свобод, особенно в плане того, что на самом деле воспринимается как «гармония» и «полифония» (одновременное движение двух или трех взаимосвязанных частей).Композиторы (хотя они почти не воспринимались как таковые) все еще почти полностью посвятили себя хоровому письму, а несколько сохранившихся инструментальных композиций часто создают впечатление (во многих случаях совершенно точно) замаскированных вокальных произведений, но без слов. Существует очевидное новое наслаждение в текстурном разнообразии и контрасте, так что, например, конкретная часть текста может быть усилена за счет мгновенного пропадания вокальной части только для того, чтобы снова вернуться в особый момент акцента.Четырьмя наиболее влиятельными композиторами пятнадцатого века были Данстейбл, Окегем, Депре и Дюфай. Вторая половина 16 века стала свидетелем зарождения традиции, которую многие любители музыки легко связывают с обычным ощущением «классической» музыки. Постепенно композиторы отошли от модальной системы гармонии, которая преобладала более 300 лет (и до сих пор звучит несколько архаично для некоторых современных ушей), к организации своей работы в мажорной и минорной гаммах, тем самым придавая сильное ощущение каждой пьесе. имеющий определенный тональный центр или «ключ». Это был также своего рода золотой период для хоровой композиции, поскольку казалось, что бесконечный поток месс a capella (без аккомпанемента), песнопений, гимнов, псалмов и мадригалов вытекал из перьев мастеров эпохи. Кроме того, впервые появилась инструментальная музыка, особенно клавишная в форме фантазий, вариаций и танцевальных движений (гальярды, паваны и т. Д.). Среди композиторов, заслуживающих особого внимания, — Доуланд, Таллис, Берд, Гиббонс, Фрескобальди, Палестрина, Виктория, Лассус, Алонсо Лобо, Дуарте Лобо, Кардосо и Джезуальдо. Рекомендованных записей: Берд: Месса для четырех голосов; Месса для пяти голосов; Инфеликс эго Naxos 8.550574 Джезуальдо: Духовная музыка для пяти голосов (Complete) Naxos 8.550742 Lamentations Музыка Таллиса, Уайта, Палестрины, Лассуса и де Брито Наксос 8,550572 Lassus: Missa super entre vous; Инфеликс эго; Missa imitationem moduli susanne un tour Naxos 8.550842 Lobo: Missa pro defunctis / Cardoso: Missa pro defunctis Naxos 8.550682 Палестрина: Missa Papae Marcelli; Missa aeterna Christi munera Naxos 8.550573 Палестрина: Missa hodie Christus natus est; Hodie Christus natus est; Stabat mater / Lassus: Missa bell ‘amfitrit’ altera Naxos 8.550836 Таллис: Месса для четырех голосов; Мотеты Naxos 8.550576 Виктория: Missa O magnum mystery; Missa O quam gloriosum / А.Lobo: Versa est in luctum Naxos 8.550575 См. Каталожный список эпохи Возрождения В период барокко были заложены основы для следующих 300 лет музыкального самовыражения: родилась идея современного оркестра, наряду с оперой (включая увертюру, прелюдию, арию, речитатив и хор), концертом, соната и современная кантата. Семейство струнных виолончелей эпохи Возрождения постепенно заменялось более смелыми скрипкой, альтом и виолончелью, был изобретен клавесин и были достигнуты важные успехи во всех инструментальных группах. Примерно до 1700 года старые лады время от времени проявлялись, окрашивая определенные мелодические линии или последовательности аккордов, но с начала 18-го века современная гармоническая система, основанная на мажорной и минорной гаммах, была фактически панъевропейской. Хоровая музыка больше не доминировала, и по мере того, как композиторы все больше и больше обращались к написанию идиоматических инструментальных произведений для ансамблей, становившихся все более яркими и разнообразными, « классическая » музыка (в отличие от « популярной ») постепенно начала проникать в саму ткань музыкального искусства. общество, играемая на открытом воздухе на званых обедах или специальных мероприятиях (например,грамм. Музыка на воде Генделя), или как спектакль в форме оперы. На чисто домашнем уровне у каждой богатой женщины был спинет для игры, а во время обеда в больших и богатых домах нанимали музыкантов, чтобы играть то, что в Германии в народе называлось Tafelmusik , из которых Телеман был, пожалуй, самым известным композитором . Из многих композиторов 17 века, которые проложили путь к этому популярному взрыву «классической» музыки, выдающимися были следующие: Монтеверди, Корелли, Алессандро Скарлатти, Шютц, Букстехуде, Перселл и Люлли.Тем не менее, самые популярные композиторы того периода, действительно те, кто, кажется, определяют своими именами звучание музыки барокко в ее наиболее красочном и сложном виде: Иоганн Себастьян Бах, Гендель, Телеманн, Рамо, Франсуа Куперен, Доменико Скарлатти и Вивальди, все они на пике своего творчества в первой половине XVIII века. См. Каталожный список периода барокко Эпоха барокко засвидетельствовала создание ряда музыкальных жанров, которые сохранят свою композицию на долгие годы, но именно в классический период появилась форма, которая доминировала в инструментальной композиции до наших дней: форма сонаты .Вместе с этим современные концерт, симфония, соната, трио и квартет достигли нового пика структурной и выразительной изысканности. Если музыка барокко отличается сложностью текстур, то классический период характеризуется почти одержимостью структурной ясностью. Семена классической эпохи были посеяны рядом композиторов, чьи имена сейчас в значительной степени забыты, такими как Шоберт и Оннауэр (оба немцы в значительной степени активны в Париже), а также более исторически уважаемыми именами, в том числе Глюк, Боккерини и по крайней мере трое из сыновей Иоганна Себастьяна Баха: Карл Филлип Эммануэль, Вильгельм Фридман и Иоганн Кристиан (так называемый «лондонский» Бах).Они представляли период, который по-разному описывается как рококо или галанте, первый подразумевает постепенный отход от искусности высокого барокко, второй — совершенно новый стиль, основанный на симметрии и чувственности, который стал доминировать в музыке вторая половина 18 века через двух выдающихся композиторов: Йозефа Гайдна и Вольфганга Амадея Моцарта. См. Каталог каталога классического периода Когда классический период достиг своего зенита, становилось все более очевидным (особенно с поздними работами Бетховена и Шуберта), что количество и интенсивность экспрессии, которую стремились достичь композиторы, начинали выходить за рамки того, что оркестр классического размера / спроектировал / фортепиано могло бы охватить.Таким образом, следующий период в истории музыки обнаружил, что композиторы пытались сбалансировать выразительное и формальное в музыке с помощью разнообразных подходов, которые оставили бы композиторов любого предыдущего возраста совершенно сбитыми с толку. Когда открылась музыкальная карта, начали появляться националистические школы, именно здесь начался поиск оригинальности и индивидуальности выражения, который стал такой навязчивой идеей в нынешнем веке. Эпоха романтизма была золотым веком виртуоза, когда самая дьявольски сложная музыка исполнялась с беспечной легкостью, а самая безобидная тема в композиции разрабатывалась очень долго для удовольствия обожающей публики.Эмоциональный диапазон музыки в этот период значительно расширился, так же как и ее гармонический словарь, а также диапазон и количество инструментов, которые можно было использовать для игры на ней. Музыка часто имела «программу» или сюжетную линию, иногда трагического или отчаянного характера, иногда изображающую такие природные явления, как реки или скачущие лошади. В ближайшие сто лет композиторы либо полностью примут идеалы романтизма, либо каким-то образом выступят против них. Из ранних композиторов-романтиков особо следует упомянуть двух националистов — русского Глинку (прославившегося Русланом и Людмилой) и богемскую Сметану (композитор популярной симфонической поэмы «Влтава» или «Молдау»). Однако из шести ведущих композиторов той эпохи, несомненно, были Берлиоз, Шопен, Мендельсон, Шуман, Лист и Верди. См. Каталог каталога романтического периода За достойным исключением Брамса и Брукнера, композиторы этого периода разделяли общую тенденцию давать свободу своему естественному вдохновению, часто задавая своим композициям больше эмоционального содержания и драматической непрерывности, чем органического структурного роста.Это была эпоха, отмеченная необычайно быстрым появлением национальных школ и оперным превосходством Верди и Вагнера. Окончательный конец романтизма пришелся на фрагментацию этого основного стиля, композиторы присоединились к «школам» композиции, каждая со стилем, который был в моде в течение короткого периода времени. Рекомендованные записи:

Стили английского языка от формального к неформальному

Язык и стиль

От формальный стиль к неформальному — чем они отличаются?

В любой язык, разные стили выражения уместны в разных ситуациях. Мы можем уйти от формального к неформальному, написано разговорный, из технических язык (или жаргон) к сленгу.

Нет никаких «правил» как таковых; тем не менее, есть множество особенностей, которые отличают формальный стиль из неформальных стили. Вот некоторые из них.

Принципы английского стиля:

Примечание: это принципы : их никоим образом не считаться «правилами».

• а) Более формальных документ, тем больше в нем будут использоваться неодушевленные существительные (т.е. вещи, процессы, идеи, а не люди) как предметы предложений.
• б) Более формальных язык, тем больше вероятность использования пассивного конструкции.
• в) Более формальных язык, тем больше отглагольных существительных (то есть существительных, таких как развитие или создание) он будет использовать.
• г) Более формальных документ, тем больше слов латинского происхождения он будет использовать.

наоборот

• а) Более неформальный или спонтанный язык, тем больше он будет использовать люди как субъекты предложений.
• б) Более неформальный текст, тем меньше будет использовать пассивные конструкции,
• в) Более неформальный текст, тем больше он будет использовать глагол структуры, где выбор возможно (т.е. разработать или создать) вместо глагольных существительных.
• б) Более неформальный или произносится текст, тем больше слов германского происхождения он будет использовать.

Здесь несколько примера ; в каждом случае та же идея выражается с использованием трех различных уровней формальности: взгляд при различных изменениях, которые происходят, когда мы переходим от формального стиля к неформальный

От формального к неформальному, письменный на разговорный английский

1. В суровость климатические условия вынудили президента вернуться раньше, чем Запланированное.
В президент был вынужден вернуться раньше чем планировалось из-за плохих погодных условий.
г. президенту пришлось вернуться раньше, чем запланировано, потому что погода была очень плохой.

2. пожалуйста Ждите инструкции перед отправкой товаров.
пожалуйста дождитесь инструкций перед отправкой предметы выкл.
Не отправь что-нибудь, пока тебе не скажут к.

3. Главное меры должны быть приняты в самая ранняя возможность.
Один должен принять все необходимые меры при первой же возможности.
Вы должен делать все, что нужно, как можно скорее как вы можете.

4. Приор к открытие Америки, картошка не потреблялись в Европе.
Перед Америка была открыта, картошка была не ели в Европе.
Раньше они открыли Америку, европейцев картошку не ел.

письменный и разговорные версии использования языка разные стили, разные регистры. Говорить на «письменном английском» май быть не более уместным, чем писать, используя «устную» разновидность Английский.Вообще говоря, письменный английский всегда более формален, чем разговорный. Английский. тем не менее, существуют неформальные формы письменного английского языка (особенно в фантастика и в популярной прессе), и формальные стили разговорного английского в специфический «дискурс», или подготовленная речь.

Письменный стиль также может быть зависит от длины использованных предложений, длины абзацев и других особенностей пунктуации.

Одна и та же идея выражена в шести разных стилях:

В в следующих примерах такое же сообщение выражены в шести разных стилях, от чрезвычайно формального письменного стиль, к очень неформальному разговору.Примечание в в частности, как цвет закодированное слово группы развиваются.

Для демонстрации всего стилей используя единое «сообщение», необходимо выбрать тему или тему о которых люди на самом деле пишут или говорят в целом ряде контексты. Эти примеры показывают разные стили, начиная с очень формально для неформальный, который может использоваться для выражения сообщения о государственной фискальной политике (или, выражаясь менее формально, налоговая политика государства).Разные части сообщения имеют цветовую маркировку: посмотрите, как они переходят от одного стиля к другому. Обратите внимание, что Британская валюта официально известна как « стерлингов, », и чаще всего обозначается как « фунт ».

а) Жаргон, очень формальный.
Это стиль языка, используемый в официальных отчеты, технические исследования и т.д. Это исключительно письменный английский стиль, полный глагольные существительные, технический слов и пассивных слов .

Последующие к признательности в обменной стоимости фунтов стерлингов против других валюты, введены необходимые фискальные меры Правительством в целях Уменьшить вероятность импортный светодиод рост потребительских расходов.

б) Написано, официально, ясно.
Этот понятно, написано по-английски, как нашел в «качество» в прессе или в документах — даже по техническим предметы — ориентированы на обычных образованных читателей.

После международная стоимость фунтов стерлингов роза , правительство было обязан принять фискальный меры по сокращению вероятность а всплеск в потребительских расходах во главе с более дешевым импортом.

в) Письменный стиль для широкой публики, дискурс сценарий новостей радио или телевидения.
Это классический английский письменный стиль, который встречается в книгах, популярных газеты и журналы для широкой публики.Это стиль формального дискурса — разговорный английский из письменного или «написанного» текста.

As в стоимость фунтов стерлингов увеличилась по сравнению с другими валютами, правительство было вынуждены принять налоговые меры на голову от а быстрый рост потребительских расходов, вызванный более дешевым импортом.

г) Официальный разговорный стиль — радио, семинар, разговаривать.

As Sterling ‘s международное значение отправлено вверх , у правительства было принять налоговые меры к голова от потребителя траты бум, спровоцированный более дешевый импорт.

д) Расслабленный, неформальный разговорный стиль: обсуждение.
Там много использования предложных глаголов. Все действия теперь выражаются через глагола , а не словесно существительные

По мере роста фунта в ценность, правительство взимать налоги с стоп потребители тратить слишком много дешевого импорта.

е) расслабленный, упрощенный, чат, очень неформальный разговорный стиль;
Заметка добавление повторения и наполнителей .

А вы видите, Фунт пошел все выше и выше в цене, так что в результате правительство должно было уйти круглые налоги, вы видите, чтобы остановить всех собирается и тратят все свои деньги на дешевые импорт.

Пример 2:

граждан чей нормальный место жительства находится за пределами Соединенных Штатов Америки, впредь требуется зарегистрировать свои интересы в консульстве США ближайший к месту жительства; отказ от регистрации может привести к конфискации налоговые льготы на доходы, выплачиваемые из источников в США Состояния.

Студенты: попробуйте перефразировать это предложение как минимум в двух менее формальных стилях:

Вернуться на английский Грамматический указатель

Руководство по APA Текстовая ссылка

В этой статье отражены рекомендации APA 7-го издания . Щелкните здесь, чтобы ознакомиться с рекомендациями 6-го издания APA.

Цитаты в тексте кратко определяют источник информации в основном тексте. Они соответствуют полной справочной записи в конце статьи.

Цитирование в тексте APA состоит из фамилии автора и года публикации.При цитировании определенной части источника также включайте номер страницы или диапазон, например (Parker, 2020, стр. 67) или (Johnson, 2017, стр. 39–41).

Опустите суффиксы (например, «младший») и названия (например, «доктор философии» или «доктор») и укажите только год публикации, а не день и месяц.

Генератор цитирования APA Scribbr

Цитаты APA в тексте объяснены за 4 минуты

Цитирование в скобках и повествование

Цитата в тексте может быть заключена в круглые скобки или естественным образом включена в предложение.

• В скобках: Существует корреляция между использованием социальных сетей и симптомами тревоги у подростков (Parker, 2019).
• Повествование: Паркер (2019) обнаружил корреляцию между использованием социальных сетей и симптомами тревоги у подростков.

Год публикации указывается сразу после имени автора при использовании повествовательного формата. Цитата в скобках может быть помещена внутри предложения или в конце предложения, непосредственно перед точкой.Посмотрите полный пример абзаца с цитатами в тексте.

Цитаты в тексте APA с несколькими авторами

Если у работы два автора, разделите их имена амперсандом (&) в скобках или «и» в повествовательной цитате. Если авторов три или более, укажите только фамилию первого автора, за которой следует «et al.», Что означает «и другие».

Авторы группы, известные своими сокращениями (например, CDC), пишутся полностью в первый раз и сокращаются в последующих ссылках.

Несколько авторов в цитировании в тексте APA

Тип автора	В скобках	Рассказ
Один автор	(Харрис, 2020)	Харрис (2020)
Два автора	(Харрис и Кук, 2020)	Харрис и Кук (2020)
Три и более авторов	(Харрис и др., 2020)	Harris et al. (2020)
Коллектив авторов	(Scribbr, 2020)	Scribbr (2020)
Сокращенная группа авторов Первое упоминание Последующие ссылки	(Центры по контролю и профилактике заболеваний [CDC], 2020) (CDC, 2020)	Центров по контролю и профилактике заболеваний (CDC, 2020) CDC (2020)

Без автора, даты или номера страницы

Отсутствует информация в цитатах в тексте APA

Неизвестный элемент	Решение	Цитата в тексте
Автор	Используйте название источника.	(Название источника, 2020)
Дата	Напишите «н.о.» для «без даты».	(Харрис, н.о.)
Номер страницы	Используйте альтернативный локатор или опустите номер страницы.	(Харрис, 2020, 03:46) или (Харрис, 2020)

Без автора

Если автор источника неизвестен, попробуйте определить, есть ли организация, ответственная за создание контента. Если да, укажите название организации в тексте цитаты (и в ссылке).

Стоимость солнечной энергии снизилась на 34% за последние три года (Tesla, 2020).

В качестве альтернативы используйте название источника вместо автора. Выделите заголовок курсивом, если он выделен курсивом в справочной записи. В противном случае заключите его в двойные кавычки.

Применить заглавные буквы и сократить длинные заголовки. Всегда следует включать первое слово заголовка, чтобы читатели могли легко найти соответствующую ссылку.

• («Риск наводнений в США», 2015 г.)
• (Думая, быстро и медленно, 2017)

Нет даты публикации

Если дата публикации неизвестна, напишите «n.d. » (без даты) в цитировании в тексте.

(Джонсон, н.о.).

Без номера страницы (альтернативные указатели)

Номера страниц требуются только с прямыми кавычками в APA. Если вы цитируете работу, у которой нет номеров страниц (например, веб-страницы или видео на YouTube), вы можете использовать альтернативный указатель, например:

• (Лю, 2020, 03:26)
• (Джонсон, 2019, Глава 3)
• (McCombes, 2016, пункт 4)
• (Дэвис, 2016, слайд 15)
• (Флорес, 2020, таблица 5)
• (Streefkerk, 2020, раздел «Без номера страницы»)

Несколько источников в одних скобках

Если утверждение поддерживается несколькими источниками, цитаты в тексте могут быть объединены в одну круглую скобку.Расположите источники в алфавитном порядке и разделите их точкой с запятой.

При цитировании нескольких работ одного и того же автора укажите годы публикации через запятую.

Эти результаты были воспроизведены в нескольких исследованиях (Brown, 2009; Porter, 2004; Smith, 2015, 2017).

Как избежать двусмысленности в цитировании APA в тексте

Если в тексте цитаты неоднозначны, потому что они соответствуют нескольким ссылочным записям, примените решения, указанные в таблице ниже.

Неоднозначность цитат в тексте APA

Ситуация	Решение	Цитата в тексте
Несколько произведений одного автора в одном году.	Добавьте строчную букву после года.	(Купер, 2018a) (Купер, 2018b)
Разные авторы с одинаковой фамилией.	Включите инициалы авторов.	(Х. Тейлор, 2019) (Б. Дж. Тейлор, 2016)
Несколько работ с 3+ авторами, которые сокращаются до одной и той же формы (т. Е. С одним и тем же первым автором и датой).	Включите столько имен, сколько необходимо, чтобы различать цитаты.	(Купер, Ли и др., 2015) (Купер, Росс и др., 2015)

Ссылка на косвенные источники («как указано в»)

Если вы хотите сослаться на источник, который вы нашли в другом источнике, вы всегда должны пытаться получить доступ к первоисточнику или первоисточнику.

Однако, если вы не можете найти первоисточник, вам следует процитировать его через вторичный источник, который привел вас к нему, используя фразу «как процитировано в».

(Parker, 1978, цитируется по Bloom et al., 2017)

Если дата публикации первичного источника неизвестна, укажите только год публикации вторичного источника.

Портер (цитируется по Johnson, 2017) утверждает, что…

Включайте только ссылку на вторичный источник, а не на первичный.

Со ссылкой на личное сообщение

Личные сообщения, такие как телефонные звонки, электронные письма и интервью, не включены в список литературы, поскольку читатели не могут получить к ним доступ. Цитата в тексте также имеет несколько иной формат.

Укажите инициалы и фамилию человека, с которым вы общались, слова «личное общение» и точную дату в скобках.

Во втором квартале продажи снижаются (П. Г. Браун, личное сообщение, 13 июня 2019 г.).

Общие упоминания веб-сайтов и программного обеспечения

Общие упоминания веб-сайта или программного обеспечения не должны цитироваться в текстовой ссылке или записи в списке литературы. Вместо этого включите соответствующую информацию в текущий текст.

• Веб-сайт Scribbr (www.scribbr.com) содержит различные полезные ресурсы.
• Статистическая программа SPSS (версия 25) была использована для анализа данных.

Пример абзаца с цитатами в тексте

Адаптированный пример параграфа

Проблемы с изображением тела широко связаны с использованием социальных сетей, особенно среди молодых женщин (Perloff, 2014). Связь между изображениями в средствах массовой информации и проблемами изображения тела хорошо известна; метаанализ Grabe et al. (2008) пришли к выводу, что воздействие средств массовой информации связано с неудовлетворенностью образами своего тела у женщин. Несколько эмпирических исследований были сосредоточены на использовании Facebook у девочек-подростков (Tiggermann & Slater, 2013; Meier & Gray, 2014), в то время как систематический обзор Holland и Timmerman (2016) установил взаимосвязь между социальными сетями и образом тела как для женщин, так и для мужчин. .

Часто задаваемые вопросы

Как выглядит цитирование веб-сайта в тексте APA?

При цитировании веб-страницы или онлайн-статьи в стиле APA в тексте цитируется фамилия автора и год публикации. Например: (Worland & Williams, 2015).Обратите внимание, что автором также может быть организация. Например: (Американская психологическая ассоциация, 2019).

Если вы цитируете, вы также должны включить локатор. Поскольку веб-страницы не имеют номеров страниц, вы можете использовать один из следующих вариантов:

• Номер пункта: (Смит, пункт 15).
• Название заголовка или раздела: ( CDC, 2020, раздел «Сезон гриппа»)
• Сокращенный заголовок: ( CDC, 2020, раздел «Основные факты»)

Обзор литературы | Полное пошаговое руководство

• часто задаваемые вопросы
• О нас
  • Наши редакторы
  • Применить как редактор
  • Команда
  • Вакансий
  • Контакт
• Мой аккаунт
  • Заказы
  • Загрузить
  • Реквизиты счета
  • Выйти
• Мой аккаунт
  • Обзор
  • Наличие
  • Информационный пакет
  • Реквизиты счета
  • Выйти
• Админ
• Авторизоваться
• Поиск

• Корректура и редактирование
  • • Диссертация
    • Кандидатская диссертация
    • Эссе
    • Бумага
    • Личная выписка
    • Редактирование APA
    • испанский, французский или немецкий
  • • О наших услугах
    • Наши услуги
    • Пример редактирования
    • Тарифы
    • Как это работает
    • Наши редакторы
    • Гарантия счастья
• Проверка на плагиат
• Инструменты цитирования
  • • Генератор цитирования APA
    • Генератор цитирования MLA
    • Citation Checker ^Новый
    • Цитирование Редактирование
  • • Руководства по стилю цитирования
    • Со ссылкой на источники
    • APA Style
    • MLA Стиль
    • Чикаго Стиль
• База знаний
  • Все статьи
  • Языковые правила
  • Академическое письмо
  • Научно-исследовательский процесс
  • Методы исследования
  • Структура диссертации
  • Исследовательская статья
  • Эссе
  • Плагиат

• Вычитка и редактирование
• Проверка на плагиат
• Инструменты цитирования
• База знаний

• часто задаваемые вопросы
• О нас
• Мой аккаунт
• Мой аккаунт
• Админ

.

Добавить комментарий Отменить ответ

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *

Комментарий *

Имя *

Email *

Сайт