Картин типы: виды, стили, жанры, техники, история возникновения, развитие
Виды рисунка: основные понятия и характеристики
С детства мы привыкли воспринимать рисунок — как любую картинку, которую мы нарисовали. Но это не совсем так. Рисунок — это вид изображения созданного во время обучению академическому рисунку или по законам и принципам академизмом.
С рисунка начинается любое обучение рисованию. Даже перед обучению живописи мы советуем изучать основы рисунка, ведь рисунок даёт понимание предметности и основных правил изобразительного искусства.
Для того, чтобы понимать, насколько необходим рисунок любому новичку, поговорим об его видах.
Виды рисунка в зависимости от использованных изобразительных средств
Линейно-конструктивный рисунок – вид рисунка, при котором используют линии и её характеристики — толщину, тон и фактуру. Чаще всего такой вид рисунка используют архитекторы и дизайнеры, которым необходима четкость линий и понимания структуры предмета.
В начале обучения все строят линейно-конструктивный рисунок, чтобы понимать особенности строения предмета и научиться его анализировать.
Линейно-конструктивный с условной светотенью – такой вид рисунка даёт возможность передать свет и тень, положение предмета по отношению к источнику света. Занятия по такому рисунка необычайно важны, ведь они позволяют учиться передавать предмет в зависимости от окружения.
Свето-теневой – данный вид рисунка позволяет художнику передать свет и тень, при этом чаще всего фон имеет нейтральный подтон, либо вообще не поддается штриховке. Такой рисунок подходит для изображения фигуры или портрета человека, определенного предмета. При дальнейшей проработке мы можем добиться высокого уровня реалистичности.
Тональный – самый сложный вид рисунка, который занимает больше всего времени. На таком рисунке передаются все свето-теневые отношения, прорисовывается детально окружающее пространство. Такой рисунок всегда реалистичен, на нем уже передается материальность предмета, а не только его форма. Применяется воздушная перспектива.
Виды рисунка в зависимости от цели
Рисунок используется на разных стадиях образовательного процесса, также рисунок используют и уже опытные художники при создании больших полотен.
Учебные рисунки — тот вид рисунка, который выполнял любой художник. Часто такой рисунок представляет собой определенное упражнение для изучения и закрепления определенной темы.
Академический рисунок — рисунок, который выполнен профессионально и по всем законам рисунка.
Творческий рисунок может принадлежать как и опытному художнику, так и новичку. Главная цель — передать свое видение и ощущение.
Набросок — вид рисунка, который применяется для запечатления момента, или подготовительный перед большой работой. Такой рисунок не проработан, часто заканчивается на этапе линейного изображения.
Эскиз используют художники перед началом монументальной или детализированной картины. Эскизы позволяют не забывать о мелочах.
На этюдах подчеркивают основные характеристики изображаемого предмета.
Виды рисунков в зависимости от способа и метода рисования
В данном контексте мы рассматриваем рисунок в зависимости от того, с чего он был нарисован, как его воспринимал художник.
Если художник рисует с натуры (пейзаж, портрет или натюрмортная композиция), то такая работа будет рисунком по восприятию. Такой формат работы позволяет анализировать реальные предметы, учить передавать пространственность и объем реального предмета.
Рисунок по представлению — рисунок, при котором художник не имеет подспорья в виде натуры или картины для копирования. Такой вид развивает воображение и память, успех такого рисунка заключается в уровне “насмотренности”, а также умении анализировать предметы и понимать их структуру.
Последний вид — копирование. Копирование позволяет овладеть различными техниками, сформировать свою манеру письма, а также поучиться у самых великих мастеров.
Выразительные средства
Создавать рисунок можно с помощью различных выразительных средств. Основными являются линия и точка.
Рассмотрим внимательней линию. С помощью неё выполняется любое построение, также она является важной характеристикой любого предмета. Линии бывают простыми и сложными. Простые линии — обычные прямые, которые могут между собой пересекаться и находится в разном положении.
Сложные линии бывают волнистыми, спиральные и т.д. Чаще всего, такие линии являются очень специфичными, и используются для передачи материальности.
Важными элементами также являются тушевка и штриховка. Штриховка — процесс нанесения одиночных штрихов, плотность цвета достигается с помощью многократного нанесения штрихов.
Тушевка — процесс нанесения цвета с помощью широкой стороны грифеля, широкими движениями. Выглядит менее аккуратно, нежели штриховка, при этом с ее помощью можно быстрее покрыть большие пространства.
Всем этим приемам Вас могут обучить на занятиях в студии по академическому рисунку и основам рисунка.
Введение. Виды и жанры изобразительного искусства. | Искуству.ру
Искусство – это творчество вцелом.Какие искусства вам известны?
Литература, музыка, танец, театр, кино.
Изобразительное искусство – пространственное, не растянуто во времени. Оно требует двух- или трехмерного пространства. Хотя в наше время благодаря техническим возможностям появился вид искусства, включающий временное пространство (видеоарт).
Изобразительное искусство отражает действительность с помощью зрительных образов:
— мысли и чувства человека.
Это способ познания окружающего и себя самого.
Для этого художник использует обобщение и воображение.
Виды изобразительного искусства:
Архитектура
Живопись
Графика
Скульптура
Декоративно-прикладное искусство
Театрально-декорационное искусство
Дизайн
Архитектура
Архитектура – это искусство постройки зданий и сооружений для жизни и деятельности людей.Слово «архитектура» произошло от греческого «Архус» – главный, высший;
«Тектонико» — строительство.
Требует трехмерного пространства.. Имеет еще и внутреннее пространство – интерьер.
Живопись
Живопись – это вид изобразительного искусства, произведения которого создаются с помощью красок (темпера, масляные краски, акрил, гуашь, …).Графика
Графика – это вид изобразительного искусства, включающий рисунок и печатные изображения. «Графо» — пишу, рисую, черчу.Рисунки выполняются карандашом, тушью, сепией, сангиной…
Печатные изображения – гравюры, литография, ксилография, монотипия.
Графика делится на станковую, книжную и прикладную.
На грани живописи и графики стоят акварель, гуашь и пастель.
Первые произведения графики – наскальные росписи первобытного искусства.
В Древней Греции графическое искусство было на высочайшем уровне – вазопись.
Скульптура
Термин произошел от латинского «sculpere» — вырезать, высекать.В отличие от живописи и графики, в скульптуре присутствует объем.
Скульптура – это объемное изображение.
Материалы: кость, камень, дерево, глина, металл, воск…
Скульптура – один из самых древних видов искусства.
Первые скульптурные произведения являлись идолами, оберегами, изображали древних богов.
Различаются круглая скульптура (осматриваемая с разных сторон) и рельеф (высокий, средний, низкий, контррельеф).
Декоративно-прикладное искусство (ДПИ)
В каждом доме живут и служат нам различные предметы. И если их коснулась рука художника, ювелира или народного умельца, то они становятся произведением декоративно – прикладного искусства. Термин появился в 18 в. от французского слова «декор» — украшение везде.Прикладное означает то, к чему приложено умение, искусство.
Дизайн
Начиная с первобытного периода можно проследить развитие этого вида искусства.Театрально — декорационное искусство
Этот вид искусства включает в себя создание декорации, бутафории, костюмов, грима.ЖАНРЫ
Термин «жанр» произошел от французского – вид, род.Первые самостоятельные жанры появились в Нидерландах в 16 веке.
Исторический
Мифологический, религиозный
Батальный
Портрет
Пейзаж
Натюрморт
Бытовой
Марина
Анималистический
Интерьер
Исторический жанр
Исторический жанр – это произведения искусства, в которых отражены реальные исторические персонажи или события.Мифологический жанр
Мифологический жанр – это произведения искусства, в которых отражены мифологические сюжеты.Религиозный
Батальный жанр
Батальный жанр – это произведения искусства, в которых отражены военные эпизоды.Художник, который пишет на батальные темы, называется баталистом.
Портрет
Портрет – это изображение человека в скульптуре, живописи и графике.Портреты, написанные художниками, доносят до нас образы людей прошедших эпох.
Пейзаж
Пейзаж – картина, в которой природа стала её главным содержанием.Термин «пейзаж» (paysage) пришел из французского языка, что в переводе означает «природа». Как самостоятельный жанр пейзаж возник в Голландии.
Пейзажная живопись разнообразна. Есть пейзажи, точно передающие те или иные уголки природы, в других тонко передано состояние. Еще есть фантастические пейзажи.
Натюрморт
Термин «натюрморт» произошел от французского слова, буквально означающего «мертвая природа».Это картины, героями которых являются различные предметы обихода, фрукты, цветы или снедь (рыба, дичь и так далее).
Натюрморты рассказывают нам не только о вещах, но и об их владельцах, об их жизни, быте и привычках.
Бытовой жанр
Бытовой жанр – это картины, на которых отражены эпизоды из повседневной жизни людей.Марина
Марина – это произведения искусства, на которых изображено море.Художник, который пишет море, называется маринистом.
Анималистический жанр
Анималистический жанр – это произведения искусства, на которых изображены животные.Интерьер
Изображение внутреннего убранства архитектурного сооружения.Стиль искусства
Понятие «стиль» — это своеобразие, которое позволяет сразу определить, в какую историческую эпоху создано произведение.Художественным (высоким) стилем называется направление, вовлекшее в себя все виды искусства.
Например, барокко – высокий стиль, а рококо – направление.
К великим или высоким стилям относятся классика античности, романский стиль и готика в Средние века, ренессансный стиль, обозначивший собой переходный период от Средних веков к Новому времени, барокко и классицизм в Новое время. Последним крупным стилем на рубеже XIX – XX вв. стал модерн, в котором была сделана попытка возрождения единства архитектуры, декоративного и изобразительного искусства.
Соединение нескольких видов искусства в одном произведении называют синтезом искусств.
Иначе говоря художественный стиль достигает наивысшего уровня, когда вовлекает в себя все виды искусства.
Сложившись в определенную историческую эпоху, высокие стили непрерывно преобразовывались и возрождались на следующем этапе в новом качестве. К примеру, классицизм XVII в. во Франции взял основу из античной классики, при этом он сильно отличается от неоклассицизма второй половины XVIII в. и, конечно же, от неоклассицизма как одного из направлений эклектики второй половины XIX – начала ХХ вв.
Художественный образ
Художественный образ – это форма отражения (воспроизведения) объективной действительности в искусстве.Пейзаж — жанр в живописи: суть, разновидности, типы пейзажей, история, примеры картин в пейзажном жанре. Известные художники-пейзажисты: Тёрнер, Левитан, Айвазовский, Шишкин
Updated:
Пейзаж — это живописный жанр, предметом которого являются природные, сельские и городские ландшафты, а также атмосферные явления. Люди и животные тоже могут появляться в пейзажах, но их роль второстепенна: они «захвачены» кистью творца, поскольку оказались частью изображаемой реальности. Иногда это вообще не более чем стаффаж — фигуры, которые оживляют местность.
Пейзаж многолик в живописи. В этом жанре создано множество бессмертных шедевров. Пейзажисты переносят на холсты леса и моря, грозы и радугу, архитектуру и даже просторы космоса. Иногда они заглядывают в прошлое, а иногда в будущее. Часто отражают реальность, нередко дают волю фантазии, а порой переливают в краски своё настроение.
Пейзажи, вошедшие в число самых знаменитых творений планеты, оцениваются в миллионы долларов. Многие художники-пейзажисты — такие, как Уильям Тёрнер (Joseph Mallord William Turner), Исаак Ильич Левитан, Иван Константинович Айвазовский — относятся к элите живописцев. Их гениальность бесспорна. Поэтому даже трудно поверить, что ещё несколько веков назад этот жанр считался… низким! (Наряду с бытовым жанром и натюрмортом). Мастера не сразу оценили его потенциал и довольно долгое время рассматривали ландшафты только как фон для сюжетных картин и портретов.
Развитие пейзажной живописи
Пейзажная живопись — это молодой жанр. В качестве самостоятельной живописной ветви в европейском искусстве он начал оформляться только в XV столетии, а зрелости достиг в XVII-XVIII веках.
Пейзажные мотивы встречались на античных фресках, но в эпоху Средневековья развитие традиций античности прервалось. Иногда ландшафтные детали появлялись в средневековых рукописях, но только как элемент среды обитания человека.
Крупным прорывом стало создание братьями Лимбург (Frères de Limbourg) «Великолепного часослова герцога Беррийского». Его наполняют изображения сельской местности в разные времена года. Иллюстрации написаны в духе интернациональной готики — переходного стиля, предшествовавшего Проторенессансу и Ренессансу.
В эпоху Возрождения мастера начинают всё больше уделять внимания природным мотивам, впрочем, всё ещё используя их в качестве фона. Но росло мастерство, повышалась реалистичность, усиливалась проработка деталей. Ландшафт всё чаще становится не просто дополнением, а значимым элементом композиции. Примером может служить знаменитая «Мона Лиза» Леонардо да Винчи (Leonardo di ser Piero da Vinci).
Совершенствовалась техника, изучались законы перспективы, композиции, светотени. Всё это открывало новые возможности для изображения окружающего мира.
Большую роль сыграла венецианская школа в период Позднего Возрождения. Одним из первых авторов, у которых природа обретает самостоятельное значение, стал Джорджоне (Giorgio Barbarelli da Castelfranco). В его «Буре» роль человеческих фигур уже второстепенна.
Параллельно на Севере Европы развивала пейзажно-живописное направление голландская школа. В отличие от насыщенного колорита итальянцев, у голландцев краски были приглушёнными.
К концу XVI столетия уже можно говорить о выделении пейзажно-ландшафтной живописи в качестве отдельной ветви. Так, в работе Эль Греко (El Greco) «Толедо в грозу» уже вообще нет человеческих фигур.
В XVII-XVIII веках свою изюминку в живописание «натуры» вносили различные стили:
- классицисты искали в ней идеальную гармонию;
- мастера барокко переносили на полотна буйство стихий, наполняли свои творения динамикой и эмоциями;
- представители рококо создавали изящные, утончённые, полные очарования образы, сотканные из пастельных оттенков.
Огромную роль сыграл романтизм XIX века. Художники-романтики обращались к темам, будоражащим чувства и воображение. Их творчество зовёт в дальние странствия, показывает экзотические или затерянные уголки мира, воспевает красоту стихии или же приглашает приоткрыть полог тайны.
Следующим революционным шагом стало появление пленэра — живописания на открытом воздухе. В конце XIX столетия начали выпускать тюбиковые краски, что позволило выезжать с мольбертами в леса, поля, луга, на берега водоёмов.
Благодаря натуральному освещению открылись новые возможности в передаче красоты воздушно-световой среды. Первую скрипку в этот период играли импрессионисты.
В XIX — начале XX веков также повышается значение реализма. Поразительно точная передача действительности — вплоть до травинки — характерна, например, для Ивана Ивановича Шишкина.
Ну, а затем разнообразие стилей становится таким, что нет смысла их перечислять. По-своему отображали окружающую среду «дикие фовисты», кубисты, абстракционисты…
Передача реальности окончательно теряет значение, а доминантой становится самовыражение художника, его личный взгляд на мир.
Какими бывают пейзажи
Природа многолика, и искусство отображает всё её многообразие. На полотнах предстают водопады, леса и реки, горы и озёра, моря и небо, луга и океаны, поля и города. В XX столетии живописцы-пейзажисты обратились даже к космической тематике, отражающей и реалистическое, и фантастическое представление о глубинах Вселенной.
Разнообразие тем привело к выделению пейзажных поджанров:
- Природный пейзаж. В центре внимания художников — местности, нетронутые цивилизацией, смена времён года, а также всевозможные естественные явления — от летнего дождика до извержения вулкана.
- Парковый (или усадебный) — отображение облагороженного ландшафта, которого коснулась рука человека. Образы, как правило, носили идиллический характер.
- Морской (марина). Разновидность природного, даже получившая собственное название. Авторов, вдохновлённых морем, называют маринистами. Сначала марины писали со стаффажем (кораблями), но в XIX веке живописцы-маринисты сосредоточились на красоте волн.
- Сельский. Этот поджанр возник в рамках пасторалей, приверженцы которых воспевали гармоничную жизнь на лоне природы без горестей и забот. Но постепенно и в сельские образы вторгается реализм.
- Городской. Предметом внимания художника-пейзажиста являются архитектура, урбанистика. В работах предстают силуэты городов, руин, а с конца XIX века — и индустриальные сооружения.
- Космический. Сравнительно недавно выделившийся подвид. К нему относятся и вполне реалистичные изображения, основанные на знаниях, полученных в результате развития космонавтики, и фантастические, и даже астрально-эзотерические (они превратились в визитную карточку целого направления — русских космистов).
В свою очередь, и эти разновидности дали свои ответвления. Среди природных пейзажей особняком стоит марина — возможно, потому, что морская стихия противостоит суше. Самостоятельность марина обрела ещё в XVII столетии.
Также выделяются (хотя, скорее, неофициально — у них нет специальных названий), пейзажи горные, лесные, степные и другие.
А вот городской пейзаж получил более чёткое деление.
От него отпочковались:
- Архитектурный (ведута). В ведутах итальянские мастера с высокой точностью порой близкой к фотографической, отражали детали зданий и сооружений.
- Каприччио (в переводе — «причуда» или «каприз»). Это тоже итальянское изобретение: виды с руинами (как правило, античными), причём зачастую они были несуществующими, вымышленными.
- Индустриальный. Возник с развитием промышленности, появлением грандиозных заводов, огромных мостов, железных дорог.
- Урбанистический. Это перенесённые на полотно небоскрёбы, эстакады и другие атрибуты мегаполисов. Интересная ветвь — футуристическая урбанистика, изображающая мегаполисы будущего.
Есть также обширные группы, объединённых общей пейзажной темой (достаточно узкой, специфической), но не имеющие специальных названий. Так, например, в эпоху романтизма живописцы-пейзажисты часто писали виды с замками, монастырями, средневековыми руинами.
Ещё одна интересная группа — пейзажисты, «специализирующиеся» на изображении неба. Главная фигура среди них — Уильям Тёрнер (Joseph Mallord William Turner), которого называют художником воздуха и света.
А минималист Ив Кляйн (Yves Klein) в 1962 году довёл воспевание красоты чистого неба до апофеоза работой «IKB», представляющей собой прямоугольник синего цвета.
Распространено также деление живописно-пейзажного творчества по времени года:
Делят работы мастеров-пейзажистов и по времени суток: на утренние, дневные, вечерние и ночные. Крупные тематические группы — картины, воспевающие закаты и восходы, жаркий полдень, таинственный покров ночи — звёздной, беззвёздной, лунной…
Специальной классификации для изображений природных явлений не разработано.
Но, опять же, можно выделить группы произведений, в которых основное внимание художника-пейзажиста сосредоточено именно на атмосферных явлениях: дожде, снеге, грозе, сильном ветре (вплоть до бури и шторма), радуге.
Типы пейзажей по жанру и характеру — эпика, лирика, сюрреализм…
Помимо тематического деления, ест
суть, типы и развитие в живописи. Исторические картины выдающихся художников прошлых эпох — Гойи, Делароша, Маклиза, Бруни, Сурикова
Исторический жанр, или историческая живопись — это раздел в живописи, который включает в себя сюжеты, написанные в разных стилях изобразительного искусства на реальные исторические события, на религиозные, мифологические, аллегорические темы. Понятие произошло от слова historia (лат. «повествование»), в которое обычно вкладывают более широкий смысл.
Исторический жанр получил свое развитие в эпоху Возрождения. В этот период появилось большое количество картин и фресок с библейскими и античными сюжетами, которые отличались крупным форматом и многофигурной композицией. Средневековый живописец и писатель Леон Баттиста Альберти (Leon Battista Alberti) называл историческую живопись самой благородной формой искусства, так как при создании полотен от художника требовалось немалое мастерство, чтобы показать взаимодействие и эмоции всех изображенных персонажей.
Типы исторического жанра
Исторический жанр считался высшей ступенькой достижений живописцев, поэтому картины писались только на значительные, заслуживающие отображения на холсте темы с глубоким внутренним смыслом.
Сюжеты разделяют на пять основных направлений, а именно:
Самые ранние религиозные произведения создавались еще в период расцвета готики. В дальнейшем в моду вошли античные легенды, и популярными героями стали древнеримские и древнегреческие божества. К мифологической категории также относятся любые картины со сказочными и былинными сюжетами.
Аллегория — это история, в которой содержится скрытый смысл. Любой образ на картине, будь то фигура человека, животного или предмета, отображает определенную концепцию, философию или идею. Художники Возрождения наполняли свои произведения символами, которые могли расшифровать только посвященные люди. Языком живописи мастера критиковали государственную власть, религию или конкретных персонажей, но тайные знаки были непонятны рядовому зрителю.
Картины литературного направления основаны на мотивах, взятых из произведений поэтов и писателей. Мастера черпали вдохновение в пьесах Уильяма Шекспира (William Shakespeare), стихах Генри Лонгфелло (Henry Longfellow), сказках Льюиса Кэролла (Lewis Carroll).
Историческая категория объединяет все работы, изображающие значительные события прошлого. Это направление достигло своего апогея в девятнадцатом столетии на волне угасания интереса к религии и мифам. На выставках демонстрировались шедевры, посвященные великим свершениям полководцев и общественных деятелей.
Зарождение исторического жанра
В Средние века история отождествлялась с деяниями святых, подвижников и религиозных фанатиков. Творчество живописцев было направлено на то, чтобы поднять нравственность и укрепить мораль всего общества, а библейскими сценами украшали стены храмов, публичных зданий, ратуш и дворцов.
Великим мастером жанра в эпоху Ренессанса был Мазаччо (Masaccio) — создатель росписи капеллы Бранкаччи, прославившийся благодаря использованию революционных техник линейной перспективы и кьяроскуро.
Сандро Боттичелли (Sandro Botticelli) знаменит своими полотнами на мифологические темы. Его картины «Весна» и «Рождение Венеры» полны аллегорий и до сих пор вызывают бурные обсуждения и споры искусствоведов.
Одна из самых известных многофигурных фресок Леонардо да Винчи (Leonardo da Vinci) — «Тайная вечеря». Сложная перспектива, глубокая драма происходящего, мастерство в передаче психологического состояния персонажей делают эту работу ярким примером эстетики Высокого Возрождения.
Среди мастеров барокко, работавших в жанре исторической картины, выделяется Питер Пауль Рубенс (Pieter Paul Rubens). Его творения отличают обилие пышущих здоровьем обнаженных тел, сложные композиционные решения и реалистичная передача динамики происходящего на картине.
Единственное сохранившееся полотно Диего Веласкеса (Diego Rodríguez de Silva y Velázquez) с историческими мотивами — «Сдача Бреды», посвященное десятимесячной осаде испанцами одного из голландских городов. Придворный художник стремился показать не только триумф победителей, но и великодушное отношение Испании к побежденным, так как мир был заключен на выгодных для сдавшихся условиях.
Голландский гений Рембрандт (Rembrandt) отметился целой серией работ, посвященных истории и мифам. «Заговор Клавдия Цивилиса» стал самой большой картиной за всю историю творчества мастера. Сюжет повествует о восстании древних жителей Нидерландов против римлян, описанное философом Тацитом.
Восемнадцатый век стал переломным для исторической живописи — она приобрела статус академической во всех учебных заведениях Европы. Возрос интерес к недавним событиям, и в 1770 году британец Бенджамин Уэст (Benjamin West) впервые изобразил своих героев в одежде современного покроя.
Великая Французская революция вдохновила мастеров на создание выдающихся картин с героическими и трагическими событиями этого периода — таковы работы Жан-Луи Давида (Jacques-Louis David) «Смерть Марата» и «Клятва Горациев».
Расцвет историзма в изобразительном искусстве
Начало девятнадцатого века было ознаменовано победным шествием Наполеона по Европе, что привело к появлению множества шедевров, прославляющих его подвиги. Падение императора сделало тему завоеваний непопулярной, и художники переключили свое внимание на сцены из жизни простого народа, пострадавшего от неумеренных амбиций царственного корсиканца.
Общество стремительно менялось, в Европе увеличилась прослойка среднего класса, возросло количество зрителей, которые требовали новых впечатлений. Классические герои в античных одеждах потеряли былую привлекательность, и на первый план в картинах вышел драматизм сюжета. Поль Деларош (Paul Delaroche) прославился благодаря своим глубоко эмоциональным зарисовкам из жизни английских королей, а Жан-Леон Жером (Jean-Léon Gérôme) стал хорошо известен работами в стиле исторического анекдота.
В художественной среде Великобритании вошли в моду мотивы, почерпнутые в романах Вальтера Скотта. Тому способствовало множество археологических находок, дававших полное представление о жизни, костюмах и нравах рыцарей. Средневековой романтикой увлекались прерафаэлиты Эдвард Берн-Джонс (Edward Coley Burne-Jones) и Дэниел Маклиз (Daniel Maclise).
Романтическая концепция объединяет творчество российских мастеров — Карла Брюллова, Федора Бруни, Константина Иванова. В их работах нашло отражение восприятие истории, характерное для общества первой половины XIX столетия.
С ростом демократических настроений в изобразительном искусстве развилось реалистическое направление. Произведения признанных русских мастеров — Василия Сурикова, Илья Репина, Василия Перова — проникнуты сильными эмоциями и подлинным драматизмом.
История занимала мысли творцов и в XX веке. Революция, мировые войны, социальные потрясения стали темами творчества многих художников. В каталогах Very Important Lot встречаются картины с исторической проблематикой русских и европейских мастеров прошлого и современности.
20 самых странных картин в мировой живописи
Есть произведения искусства, которые словно бьют зрителя по голове, ошарашивая и изумляя. Другие затягивают в раздумья и в поиски смысловых слоев, тайной символики. Некоторые картины овеяны тайнами и мистическими загадками, а другие удивляют непомерной ценой.
Мы тщательно просмотрели все главные достижения в мировой живописи и выбрали из них два десятка самых странных картин. Сальвадора Дали, чьи работы полностью попадают под формат этого материала и первыми приходят на ум, не включили в эту подборку намеренно.
Понятно, что «странность» — это довольно субъективное понятие и для каждого есть свои удивительные картины, выбивающиеся из ряда прочих произведений искусства. Мы будем рады, если вы поделитесь ими в комментариях и расскажете о них немного.
«Крик»
Эдвард Мунк. 1893, картон, масло, темпера, пастель.
Национальная галерея, Осло.
«Крик» считается знаковым событием экспрессионизма и одной из самых известных картин в мире.
Существуют две трактовки изображенного: это сам герой охвачен ужасом и безмолвно кричит, прижимая руки к ушам; или же герой закрывает уши от звучащего вокруг крика мира и природы. Мунк написал четыре варианта «Крика», и есть версия, что картина эта — плод маниакально-депрессивного психоза, от которого страдал художник. После курса лечения в клинике Мунк не возвращался к работе над полотном.
«Я шел по тропинке с двумя друзьями. Солнце садилось — неожиданно небо стало кроваво-красным, я приостановился, чувствуя изнеможение, и оперся о забор — я смотрел на кровь и языки пламени над синевато-черным фьордом и городом. Мои друзья пошли дальше, а я стоял, дрожа от волнения, ощущая бесконечный крик, пронзающий природу», — говорил Эдвард Мунк об истории создания картины.
«Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идем?»
Поль Гоген. 1897-1898, холст, масло.
Музей изящных искусств, Бостон.
По указанию самого Гогена картину следует читать справа налево — три основные группы фигур иллюстрируют вопросы, поставленные в названии.
Три женщины с ребенком представляют начало жизни; средняя группа символизирует ежедневное существование зрелости; в заключительной группе, по замыслу художника, «старая женщина, приближающаяся к смерти, кажется примирившейся и предавшейся своим размышлениям», у ее ног «странная белая птица… представляет бесполезность слов».
Глубоко философская картина постимпрессиониста Поля Гогена была написана им на Таити, куда тот сбежал от Парижа. По завершении работы он хотел даже покончить жизнь самоубийством: «Я верю, что это полотно превосходит все мои предыдущие и что я никогда не создам что-то лучше или даже похожее». Он прожил еще пять лет, так и получилось.
«Герника»
Пабло Пикассо. 1937, холст, масло.
Музей королевы Софии, Мадрид.
«Герника» представляет сцены смерти, насилия, зверства, страдания и беспомощности, без указания их непосредственных причин, но они очевидны. Рассказывают, что в 1940 году Пабло Пикассо вызвали в гестапо в Париже. Речь сразу зашла о картине. «Это сделали вы?» — «Нет, это сделали вы».
Огромное полотно-фреска «Герника», написанная Пикассо в 1937 году, рассказывает о налете добровольческого подразделения люфтваффе на город Герника, в результате которого шеститысячный город был полностью уничтожен. Картина была написана буквально за месяц — первые дни работы над картиной Пикассо работал по 10-12 часов, и уже в первых набросках можно было увидеть главную идею. Это одна из лучших иллюстраций кошмара фашизма, а также человеческой жестокости и горя.
«Портрет четы Арнольфини»
Ян ван Эйк. 1434, дерево, масло.
Лондонская национальная галерея, Лондон.
Знаменитая картина целиком и полностью наполнена символами, аллегориями и разнообразными отсылками — вплоть до подписи «Ян ван Эйк был здесь», превратившей картину не просто в произведение искусства, а в исторический документ, подтверждающий реальность события, на котором присутствовал художник.
Портрет предположительно Джованни ди Николао Арнольфини и его жены является одним из наиболее сложных произведений западной школы живописи Северного Возрождения.
В России в последние несколько лет картина обрела большую популярность благодаря портретному сходству Арнольфини с Владимиром Путиным.
«Демон сидящий»
Михаил Врубель. 1890, холст, масло.
Государственная Третьяковская галерея, Москва.
Картина Михаила Врубеля удивляет образом демона. Его печальный вид совсем не похож на общечеловеческие представления о том, как должен выглядеть злой дух.
Это образ силы человеческого духа, внутренней борьбы, сомнений. Трагически сцепив руки, Демон сидит в окружении цветов, устремив свой взгляд вдаль. Композиция подчеркивает стесненность его фигуры, будто бы зажатой между верхней и нижней перекладинами рамы.
Сам художник говорил о самой известной своей картине: «Демон — дух не столько злобный, сколько страдающий и скорбный, при всем этом дух властный, величавый».
«Апофеоз войны»
Василий Верещагин. 1871, холст, масло.
Государственная Третьяковская галерея, Москва.
Метафора войны в картине передана автором так точно и глубоко, что за каждым черепом, лежащим в этой куче, начинаешь видеть людей, их судьбы и судьбы тех, кто этих людей больше никогда не увидит. Сам Верещагин с сарказмом называл полотно «натюрмортом» — на нем изображена «мертвая природа». Всe детали картины, в том числе желтый колорит, символизируют смерть и опустошение. Ясное синее небо подчеркивает мертвенность картины. Идею «Апофеоза войны» выражают также шрамы от сабель и дыры от пуль на черепах.
Верещагин — один из главных российских художников-баталистов, но он рисовал войны и сражения не потому, что видел в них красоту и величие. Наоборот, художник пытался передать людям свое негативное отношение к войне.
Однажды Верещагин в пылу эмоций воскликнул: «Больше батальных картин писать не буду — баста! Я слишком близко к сердцу принимаю то, что пишу, выплакиваю (буквально) горе каждого раненого и убитого». Вероятно, результатом этого возгласа стала страшная и завораживающая картина «Апофеоз войны».
«Американская готика»
Грант Вуд. 1930, масло. 74×62 см.
Чикагский институт искусств, Чикаго.
Картина с мрачными образами отца и дочери переполнена деталями, которые указывают на суровость, пуританство и ретроградство изображенных людей. Сердитые лица, вилы прямо посередине картины, старомодная даже по меркам 1930 года одежда, швы на одежде фермера, повторяющие форму вил, как символ угрозы, которая адресована всем, кто посягнет. Полотно насыщено мрачными подробностями, которые заставляют ежиться от неуюта.
«Американская готика» — один из самых узнаваемых образов в американском искусстве XX века, известнейший художественный мем XX и XXI столетий.
Интересно, что судьи конкурса в Чикагском институте искусств восприняли «Готику» как «юмористическую валентинку», а жители штата Айова страшно обиделись на Вуда за то, что тот изобразил их в столь неприятном свете.
«Влюбленные»
Рене Магритт. 1928, холст, масло.
Картина «Влюбленные» («Любовники») существует в двух вариантах. На одном полотне мужчина и женщина, чьи головы укутаны белой тканью, целуются, а на другом — «смотрят» на зрителя. Картина удивляет и завораживает.
Двумя фигурами без лиц Магритт передал идею о слепоте любви. О слепоте во всех смыслах: влюбленные никого не видят, не видим их истинных лиц и мы, а кроме того, влюбленные — загадка даже друг для друга. Но при этой кажущейся понятности, мы все равно продолжаем смотреть на магриттовских влюбленных и думать о них.
Едва ли не все картины Магритта — это ребусы, которые полностью разгадать невозможно, так как они ставят вопросы о самой сути бытия. Магритт все время говорит об обманчивости видимого, о его скрытой таинственности, которую мы обычно не замечаем.
«Прогулка»
Марк Шагал. 1917, холст, масло.
Государственная Третьяковская галерея.
«Прогулка» — это автопортрет художника с супругой Беллой. Его любимая парит в небе и того гляди утащит в полет и Шагала, стоящего на земле непрочно, будто касаясь ее только носками туфель. В другой руке у Шагала синица — он счастлив, у него есть и синица в руках (вероятно, его живопись), и журавль в небе.
Обычно до крайности серьезный в своей живописи Марк Шагал написал восхитительный манифест собственного счастья, наполненный аллегориями и любовью.
«Сад земных наслаждений»
Иероним Босх. 1500-1510, дерево, масло.
Прадо, Испания.
«Сад земных наслаждений» — самый известный триптих Иеронима Босха, получивший свое название по теме центральной части, посвящен греху сладострастия.
Картина насыщена фантастическими фигурами, сооружениями, образами чудовищ, словно обретшими плоть галлюцинациями — всем тем, что можно назвать адскими карикатурами реальности, на которую автор смотрит испытующим, чрезвычайно острым взглядом.
Некоторые ученые хотели видеть в триптихе изображение жизни человека сквозь призму тщеты земной любви, другие — торжество сладострастия. Однако простодушие и некоторая отстраненность, с которыми трактовались отдельные фигуры на картине, а также благосклонное отношение к этому произведению церковных властей заставляют сомневаться, что содержанием его могло быть прославление телесных наслаждений.
На сегодняшний день ни одно из имеющихся толкований картины не признано единственно верным.
«Три возраста женщины»
Густав Климт. 1905, холст, масло.
Национальная галерея современного искусства, Рим.
Эта работа Климта одновременно передает ощущение и радости, и печали. В ней тремя фигурами написана история жизни женщины: беззаботность, умиротворение и отчаяние.
Молодой женский образ органично вплетен в орнамент жизни, образ старой женщины выделяется из него. Контраст между стилизованным изображением молодой женщины и натуралистическим образом старухи приобретает символический смысл: первая фаза жизни несет с собой бесконечные возможности и метаморфозы, последняя — постоянство и конфликт с реальностью.
Полотно не отпускает, забирается в душу и заставляет думать о глубине послания художника, равно как и о глубине и неизбежности жизни.
«Семья»
Эгон Шиле. 1918, холст, масло.
Галерея «Бельведер», Вена.
Шиле был учеником Климта, но, как и всякий отличный ученик, он не копировал своего учителя, а искал новое. Шиле куда более трагичный, странный и пугающий, нежели Густав Климт. В его работах много того, что можно было бы назвать порнографией, разнообразных перверсий, натурализма и при этом щемящего отчаяния.
«Семья» — его последняя работа, в которой отчаяние доведено до абсолюта, несмотря на то что это наименее странно выглядящая его картина. Художник нарисовал ее перед самой смертью, в 28 лет, после того как от испанки умерла его беременная жена Эдит. На полотне изображен сам автор, его жена и их так и не рожденный ребенок.
«Две Фриды»
Фрида Кало. 1939.
История трудной жизни мексиканской художницы Фриды Кало стала широко известна после выхода фильма «Фрида» с Сальмой Хайек в главной роли. Кало писала в основном автопортреты и объясняла это просто: «Я пишу себя, потому что много времени провожу в одиночестве и потому что являюсь той темой, которую знаю лучше всего».
Ни на одном автопортрете Фрида Кало не улыбается: серьезное, даже скорбное лицо, сросшиеся густые брови, чуть заметные усики над плотно сжатыми губами. Идеи художницы зашифрованы в деталях, фоне, фигурах, появляющихся рядом с изображением автора на полотнах. Символика Кало опирается на национальные традиции и тесно связана с индейской мифологией доиспанского периода.
В одной из своих лучших картин «Две Фриды» она выразила мужское и женское начала, соединенные в ней единой кровеносной системой и демонстрирующие ее целостность.
«Мост Ватерлоо. Эффект тумана»
Клод Моне. 1899, холст, масло.
Государственный музей Эрмитаж, Санкт-Петербург.
При рассмотрении картины с близкого расстояния зритель не видит ничего, кроме полотна, на который нанесены частые густые масляные мазки. Вся магия произведения раскрывается, когда мы постепенно начинаем отодвигаться от полотна на большее расстояние.
Сначала перед нами проявляются непонятные полуокружности, проходящие через середину картины, затем мы видим явные очертания лодок, а если мы отойдем приблизительно на два метра, то перед нами возникнут и выстроятся в логическую цепочку все связующие произведения.
«Номер 5, 1948»
Джексон Поллок. 1948, фибролит, масло.
Странность этой картины в том, что полотно американского лидера абстрактного экспрессионизма, которое он нарисовал, разливая краску по разложенному на полу куску фибролита, — одна из самых дорогих картин в мире. В 2006 году на аукционе Sotheby’s за нее заплатили 140 миллионов долларов. Дэвид Гиффен, кинопродюсер и коллекционер, продал ее мексиканскому финансисту Дэвиду Мартинесу.
«Я продолжаю отходить от обычных инструментов художника, таких как мольберт, палитра и кисти. Я предпочитаю палочки, совки, ножи и льющуюся краску или смесь краски с песком, битым стеклом или чем-то еще. Когда я внутри живописи, я не осознаю, что я делаю. Понимание приходит позже. У меня нет страха перед изменениями или разрушением образа, поскольку картина живет своей собственной жизнью. Я просто помогаю ей выйти наружу. Но, если я теряю контакт с картиной, получается грязь и беспорядок. Если же нет, то это чистая гармония, легкость того, как ты берешь и отдаешь».
«Мужчина и женщина перед кучей экскрементов»
Жоан Миро. 1935, медь, масло.
Фонд Жоана Миро, Испания.
Хорошее название. И кто бы мог подумать, что эта работа говорит нам об ужасах гражданских войн.
Картина была сделана на листе меди за неделю между 15 и 22 октября 1935 года. По словам Миро, это результат попытки изобразить трагедию Гражданской войны в Испании, картина о периоде беспокойства. На полотне изображены фигуры мужчины и женщины, тянущиеся друг к другу в объятия, но при этом не движущиеся. Увеличенные половые органы и зловещие цвета были описаны автором как «полные отвращения и гадливой сексуальности».
«Эрозия»
Яцек Йерка.
Польский неосюрреалист известен по всему миру благодаря своим удивительным картинам, в которых объединяются реальности, создающие все новые. Трудно рассматривать его предельно детальные и в какой-то степени умилительные работы по одной, но таков формат нашего материала. Рекомендуем ознакомиться подробнее.
«Руки противятся ему»
Билл Стоунхэм. 1972.
Эту работу, конечно, нельзя причислить к шедеврам мировой живописи, но то, что она странная, — это факт.
Вокруг картины с мальчиком, куклой и ладошками, прижатыми к стеклу, ходят легенды. От «из-за этой картины умирают» до «дети на ней живые». Выглядит картина и впрямь жутковато, что порождает у людей со слабой психикой массу страхов и домыслов.
Художник же уверял, что на картине изображен он сам в возрасте пяти лет, что дверь — представление разделительной линии между реальным миром и миром снов, а кукла — проводник, который сможет провести мальчика через этот мир. Руки представляют альтернативные жизни или возможности.
Картина обрела известность в феврале 2000 года, когда была выставлена на продажу на eBay с предысторией, рассказывающей, что картина — «с привидениями». «Руки противятся ему» купил за 1025 долларов Ким Смит, который затем был просто завален письмами с жуткими историями и требованиями сжечь картину.
Источник: adme.
51 Типы живописи: стили и приемы
Изучение искусства или просто любитель искусства? Если вы хотите узнать о типах живописи, их стилях и техниках. вы попали в нужное место!
«Искусство — это выражение свободной души».
Живопись — это искусство разбрызгивания оттенков с помощью кистей с определенной целью — создать мастерство. Роспись должна быть возможна практически на любой поверхности, и она может быть цифровой (на ПК) или ручной с использованием красок и кистей.
Это краткое изложение 51 вида живописи, их стиля и техники, от самых востребованных до наименее востребованных. Изучение различных стилей, наблюдение за тем, что сделали разные художники, и попытки применить различные методики — это тоже части пути к созданию вашего собственного стиля и техники.
Виды живописи по технике
Техника — это метод работы или способ использования умения (например, рисования). Существуют различные виды живописи, такие материалы, как песок, бумага, грязь и другие.Живопись — это изобретательность, поэтому мастера не ограничиваются только ограниченным материалом и материалами, это постоянно развивающаяся процедура. Сюжеты этих картин были такими же простыми, как женщины и девушки на картинах, повседневные события и т. Д.
Он научит вас рисовать различные предметы, собраны все необходимые инструменты, настроить собственное рабочее пространство, и вы готовы начать свое художественное путешествие в краске. Но прежде, чем вы это сделаете, стоит знать некоторые основные техники и стили рисования, которые помогут вам на этом пути.
1. Набросок карандашом
Портрет Шарля Маркотта, 1838 г. Автор J-A-D Ingres
Происхождение: 17 век
Место происхождения: Франция
База: Совместимость с любой поверхностью для рисования
Уникальность: Использование графита и пней для смешивания
Известные художники: Жан-Огюст-Доминик Энгр, Адонна Кхаре, Поль Кадден, Диего Фацио
Рисование карандашом началось с помощью графитового инструмента, упакованного в деревянный ящик.Особенность этой художественной техники заключается в тонкой дифференциации и хорошем контрасте. Этот вид искусства — старая техника рисования. Теперь доступны даже эскизы цветными карандашами, выполненные цветными карандашами. Это один из самых первых набросков для рисования портрета.
Знаете ли вы? Хотя графит был добыт в 16 веке, использование художниками кусочков натурального графита, вставленных в карандаш («подставка для карандашей»), не было известно до 17 века.
2. Масляная живопись
Девушка с жемчужной сережкой, Иоганнес Вермеер
Происхождение: 7 век
Место происхождения: Бамиан, Афганистан
База: Холст
Уникальность: Использование пигментов, смешанных с различными маслами
Известные художники: Иоганнес Вермеер, Да Винчи, Рафаэль, Ян Ван Эйк
Масляная краска, используемая в масляной живописи, содержит олифу, которая используется как фолио для тени.Используемые олифы представляют собой пекановое масло, маковое масло, в основном льняное масло и другие. Вот как мы делаем масляные краски. Даже с учетом гладкой части он выглядит очень запутанным и запутанным, однако этот состав имеет искрящийся эффект и имеет гладкую поверхность. По большей части это было начато в Индии и Китае, однако получило признание спустя сотни лет. В наши дни это, по общему мнению, исключительно известные виды живописи, и мастера, как правило, любят выбирать такие краски.
Знаете ли вы? Слой лака для картин обычно наносится на законченную картину маслом, чтобы защитить этот вид искусства от атмосферных воздействий, незначительных потертостей и опасного скопления грязи.
3. Акварельная живопись
Венеция с крыльца Мадонны делла Салюте, Дж. М. У. Тернер
Происхождение: 4000 г. до н. Э.
Место происхождения: Китай, Азия
База: Pape
Уникальность: Использование пигментов, смешанных с растворителями на водной основе
Известные художники: Винсент Ван Гог, Дж.М. В. Тернер, Томас Гиртин
В этой стратегии рисования краски соединяются с основанием с помощью воды. Оттенки красок растворимы в воде. Обычно это рисуется на бумаге, но для этого материала используется еще одна основа, такая как дерево, холст, воловья кожа и так далее. Штрихи штриховки соединяются кистью разного размера. Акварельная живопись имеет давнюю традицию, которая давно известна. Этот вид искусства еще называют росписью кистью.
Знаете ли вы? Когда доисторические люди в эпоху палеолита красили стены своих пещер смесью охры, древесного угля и других природных пигментов. Акварели также писались на папирусе и использовались в египетских художественных формах
.
4. Рисунок углем
Роберт Лонго, «Без названия» (стол Фрейда у окна), 2004 г., продан за 266 500 долларов США на Christie’s New York
Происхождение: 26000 B.С.
Место происхождения: Не известно (современная Япония)
База: Совместимость с любой поверхностью для рисования
Уникальность: Использование угольных стержней из древесины липы, фиксаторов
Известные художники: Роберт Лонго, Уильям Кентридж, Дэн Пайл, Джоэл Дэниел Филлипс
Уголь можно использовать аналогично тому, как вы используете карандаш, чтобы рисовать и растушевывать что-либо, но он наиболее подходит для все более выразительных видов штриховки, таких как цветы.Уголь можно использовать для рисования иллюстраций художественного творчества на холсте. Если вам что-то мешает в ваших формах и качествах, промойте исправным фиксатором и начните рисовать углем. Переворачивание угольной палочки на бок и заполнение значительных участков объекта — это необычный метод подготовки вашего ума к восприятию форм, а не форм.
Знаете ли вы? В эпоху Возрождения древесный уголь широко использовался, но немногие произведения искусства сохранились из-за отслаивания частиц угля от холста.В конце 15 века был реализован процесс погружения рисунков в ванну для десен, чтобы уголь не отслаивался.
5. Живопись смешанной техникой
Романтическая картина в смешанной технике с фото
Происхождение: 20th Century
Место происхождения: Spane
База: Холст
Уникальность: Смешение множества традиционно уникальных средств визуального искусства
Известные художники: Пикассо, Анри Матисс, Джозеф Корнелл
Рисование в смешанной технике — более типичная практика, чем многие специалисты считают ее похвальными.На самом деле, большинство мастеров смешивают медиа, не задумываясь об этом. Этот вид живописи объединяет разнообразную живопись и привлекающие материалы и техники, чтобы создать одно исключительное произведение искусства. Найдите неограниченные потенциальные результаты, которые сопровождают произведение искусства из смешанных медиа.
Знаете ли вы? Натюрморт Пикассо со стулом (май 1912 г.) часто считается первым современным коллажем. Этот вид искусства на самом деле представляет собой собрание масляной краски, клееной ткани, наклеенной бумаги, а также веревки, превращающей его в барельеф, трехмерная работа.
6. Цветной рисунок карандашом
«Амбиции» Марко Маццони
Происхождение: XIX век
Место происхождения: Германия
Основа: листов бумаги для рисования
Уникальность: Смешение множества традиционно уникальных средств визуального искусства
Известные художники: Марко Маццони, Мартин Авелинг, Тим Джеффс
Этот стиль развивается шаг за шагом, и закрашенный карандашный рисунок наталкивается на неслыханное измерение благодарности в мире искусства.Они проработали тонкий пигментированный центр, заключенный в деревянный бочкообразный корпус. Компоненты закрашенных карандашей на восковой или масляной основе содержат различные цвета и узлы.
Знаете ли вы? Первые цветные карандаши были изобретены и произведены в 1924 году компаниями Faber-Castell и Caran d’Ache.
7. Живопись коллаж
Бутылка Vieux Marc, Стекло, Гитара и Газета », Пикассо (1913)
Происхождение: 20th Century
Место происхождения: Франция
База: Любая поверхность
Уникальность: вырезанных фотографий, раскрашенных форм или даже трехмерных объектов
Известные художники: Пикассо, Джордж Брак, Франсис Пикабиа, Курт Швиттерс
Это один из накопленных изобретательских видов живописи с улучшенной визуализацией.Работа с коллажами должна быть возможна с кусочками закрашенных или тщательно собранных бумаг, полосами, нанесением красок, журналами и т. Д. Темы различались и по большей части это некачественный метод рисования.
Знаете ли вы? Термин «коллаж», придуманный художниками-кубистами Браком и Пикассо, происходит от французского слова coller , или «склеивать».
8. Живопись Каламкари
Жанровая живопись — Art Term
Жанр живописи особенно развился в Голландии в XVII веке. Наиболее типичными сюжетами были сцены крестьянской жизни или выпивки в тавернах, как правило, небольшого размера. В Британии современные моральные сюжеты Уильяма Хогарта представляли собой особый жанр по своей откровенности и часто острой социальной сатире.
Более простые жанровые картины появились в конце восемнадцатого века, например, у Джорджа Морланда, Генри Роберта Морланда и Фрэнсиса Уитли.Жанровая живопись стала чрезвычайно популярной в викторианскую эпоху после успеха блестяще умелых, но глубоко сентиментальных работ сэра Дэвида Уилки.
К концу девятнадцатого века возникло новое направление жанровой живописи. Художники хотели запечатлеть волнение и мимолетность современной жизни, которую они видели вокруг себя в быстрорастущих мегаполисах, таких как Лондон и Париж. Простые и слегка сентиментальные жанровые сцены викторианской эпохи сменились шумными уличными сценами и сверкающими интерьерами кафе, запечатленными такими художниками-импрессионистами, как Огюст Ренуар и Клод Моне.Размышления о недостатках урбанизации также стали предметом внимания художников. Жанровые сцены художника Camden Town Group Уолтера Сикерта, написанные в начале двадцатого века, включают отчужденные пары в интерьерах, что говорит о том, что люди могут чувствовать одиночество в больших городах.
Как это ни странно, слово «жанр» также используется в искусстве для описания различных типов или общих предметов живописи. В семнадцатом веке было установлено пять типов — или «жанров» — живописи, а именно: историческая живопись; портретная живопись; пейзаж; жанровая живопись (сцены повседневной жизни) и натюрморт.Эти жанры рассматривались художественным истеблишментом как имеющие разные уровни важности, причем историческая живопись (рисование сцен из истории, библии или литературы) как наиболее важный жанр, а натюрморт (картины неподвижных объектов) как наименее важный. .
.M Mahlstick Наверх N-O Рисование ногтей P-Q Кисти для рисования Живопись
жанры В начало |