Известные дизайнеры и их работы: Знаменитые дизайнеры | Знаменитые архитекторы и дизайнеры

Charles & Ray Eames. Чарльз и Рэй Эймс | Знаменитые архитекторы и дизайнеры

Философия Эймс (Eames) заключена в процессе творчества, пути, когда для достижения результата нужно пройти через годы проб и ошибок. Уходя от времени, когда мебель была тяжёлой и сложной в исполнении, когда каркас непременно нуждался в декорировании и обивке, Эймс дали свежий воздух для дыхания мирового дизайна.

 

Чарльз Эймс (Charles Ormand Eames) (1907-1978 гг.) и его жена Рэй Эймс (Ray Eames) (1912-1988 гг.) не только разработали некоторые из наиболее примечательных предметов мебели XX века, они также применяли свои таланты к созданию изобретательных детских игрушек, паззлов, фильмов, выставок и таких культовых лос-анджелесских зданий, как Eames House и Entenza House в Калифорнии.

 

Последнее, чего ожидал владелец, когда в 1941 году сдавал скромную квартиру на Авеню Стратмор в лос-анджелесском пригороде Вествуд молодожёнам Эймс, так это того, что из запасной спальни они сделают мастерскую.

Едва Чарльз и Рей переехали, как установили в этой комнате самодельный формовочный пресс, в который они помещали древесину и клей, прихваченные Чарльзом с MGM movies, где он работал архитектором.

 

На этой машине Эймс изготовили свой первый продукт, запущенный в массовое производство, — шину из клееной фанеры на ногу, изготовленную по слепку, сделанному с ноги самого Чарльза. Через год ВМС США заказали 5 000 экземпляров, и мастерская переехала из дома в арендованное помещение рядом с бульваром Санта-Моника.

 

Комбинация фантастического дизайна и изобретательности, которая побудила Чарльза и Рей Эймс создать массовый продукт в запасной комнате собственной квартиры, характеризует их работу в последующие четыре десятилетия.

 

Вместе они не только проектировали часть самой влиятельной и инновационной мебели конца XX столетия, но через их фильмы, преподавание, писательство и совместную жизнь в доме, который они спроектировали в Pacific Palisades (Калифорния), они определили открытый, органический, эмоционально выразительный подход к дизайну и образу жизни.

 

И Чарльз, и Рэй были младшими из двух детей в семьях среднего класса, и одарёнными студентами со способностями к искусству. А в остальном их истории очень разные.

 

Чарльз Орманд Эймс рос в Сан-Луисе (Миссури), где его отец, фотограф-любитель, работал в области безопасности на железных дорогах. Когда Чарльзу исполнилось восемь, его отец был ранен при ограблении, он был вынужден уволиться, работал журналистом и умер четыре года спустя. Чарльз помогал поддерживать семью, подрабатывал лаборантом в Laclede Steel Company, где он получил азы машиностроения и архитектуры, что в дальнейшем сказалось на выборе профессии. Школьный ежегодник описал его как «человека с идеалами, достаточно храброго, чтобы защищать их, и способного соответствовать им». 

 

После средней школы он выиграл в конкурсе на обучение архитектуре в Вашингтонском университете в Сан-Луисе. После двух лет обучения, он оставил университет. Многие утверждают, что Чарльз был отчислен за «слишком современный» подход к архитектуре, в частности за увлечение архитектурной концепцией Фрэнка Ллойда Райта. Скорее всего, это преувеличение, во время обучения Эймс работал архитектором на Trueblood and Graf, это отнимало много времени и не могло не сказаться на учебном процессе. 

 

В университете Чарльз Эймс встретил Кэтрин Вёрманн (Catherine Dewey Woermann), на которой и женился в 1929 году. Её отец заплатил за их медовый месяц в Европе, где они увидели работы Ле Корбюзье, Мис ван дер Роэ и Вальтера Гропиуса.

 

Вернувшись в Сан-Луис, Чарльз открыл архитектурное бюро (совместно с Чарльзом Греем и Уолтером Паули, Charles Gray and Walter Pauley), которое очень быстро закрылось.

 

Вскоре он попал под благотворное и очень сильное влияние финского архитектора Элила Сааринена (Eliel Saarinen), который предложил ему вместе изучать архитектуру и дизайн в Академии Cranbrook.

 

В 1938 году Чарльз вместе с женой и дочерью переехал в город Лючия, штат Мичиган, для дальнейшего изучения архитектуры в академии художеств Cranbrook, где впоследствии он станет учителем и руководителем промышленного дизайна департамента.  

 

Там Чарльз ещё больше сблизился с Элилом и особенно с его сыном Ееро (Eero), вместе с которым выиграл в 1940 году конкурс нью-йоркского Музея современного искусства (MoMA) в номинации «органический дизайн». Именно тогда Эймс и разработал собственный метод производства клееной многослойной древесины.

 

В 1941 году Чарльз и Кэтрин развелись, и он женился на своей коллеге по Cranbrook — Рэй-Бернис Александре Кайзер. Затем он переехал с ней в Лос-Анджелес, Калифорния, где они будут работать и жить всю жизнь. По дороге они подобрали перекати-поле, которое всё ещё свисает с потолка в их доме.

 

Рэй Эймс (полное имя — Рэй-Бернис Александра Кайзер, Ray-Bernice Alexandra Kaiser) родилась в Сакраменто (Калифорния) в творческой семье. Её отец был театральным продюсером, переквалифицировавшимся в страхового агента, и вместе с матерью поощрял её тягу к искусству. После смерти отца в 1929 году Рэй и её мать переехали в Нью-Йорк, чтобы быть ближе к брату, кадету в академии Вест-Пойнт. Рэй изучала абстрактную живопись под руководством Ганса Хоффмана (Hans Hofmann). Когда её мать умерла в 1940, Рэй переехала в Кранбрук (штат Мичиган) и поступила там в Академию искусств, где и встретилась с Чарльзом.

 

В Лос-Анджелесе Чарльз устроился на работу в MGM movies, а Рэй делала обложки для калифорнийского журнала об искусстве и архитектуре. По ночам они ставили эксперименты над фанерой в своей квартире. Заказ ВМС США («шины») позволил Эймс арендовать офис на бульваре Санта-Моники и собрать группу единомышленников, включая Гарри Бертойя (Harry Bertoya), создавшего дизайн обручальных колец для Рэй и Чарльза, и для Грегори Эйна (Gregory Ain). Продолжая свои эксперименты, они придумывали скульптуры, стулья, ширмы, столы и даже игрушечных животных из фанеры. Американская компания-производитель мебели Германа Миллера (Herman Miller) решила запустить некоторые из этих вещей в производство. Фанера от Эймс совмещала изящную органичную эстетику с любовью к материалам и технической изобретательностью.

 

Эти качества были также отчётливо заметны в шоу-руме, который они проектировали для Германа Миллера в 1949 году и в проектах Case Study Houses — дешёвом объекте жилищного строительства, спонсируемом журналом Arts&Architecture.

 

Дом Эймс был описан историком дизайна Патом Кирхэмом (Pat Kirkham) как  «композиция в стиле Мондриана на лос-анджелесском лугу». Дом Эймс (также известный как Case Study House №. 8, расположенный на бульваре  North Chautauqua, 203, в  Pacific Palisades, пригороде Лос-Анджелеса, Калифорния) является вехой архитектуры середины XX века. Он был построен в 1949 году семьёй Эймс и стал их домом и мастерской на всю жизнь.

 

Многие из современных икон архитектуры изображают из себя абсолют, пустынное пространство, не используемое человеком — картинка с выставки, кадр из кинофильма. Eames House другой — он яркий и внутри и снаружи, интерьер наполнен тёплыми, умными и полезными вещами — тысячи книг, произведений искусства, артефактов и всяческих «штучек» со всего мира.

Это дом людей, которые сами были интересны и интересовались всем. 

 

За основу  был принят проект дома Case Study, разработанный Эймс и Ееро Саариненом в 1945 году для Германа Миллера — дом для молодой семьи, одновременно уютный, функциональный и динамичный — гармоничный дом для жизни, работы и развлечений. Конструктивно дом состоит из стандартизированных блоков, которые могут быть собраны небольшой бригадой строителей в кратчайшие сроки. Этот проект был специально разработан для дешёвого и быстрого строительства: пятеро рабочих за 16 часов могли возвести стальной каркас, и ещё один рабочий за три дня настилал крышу.

 

Основные конструктивные элементы дома — сталь и стекло, высота — 17 футов (5,1 метра), длина  — 200 футов (60 метров). Членение фасада строго геометрическое, в духе картин Мондриана, состоит из ярких цветных панелей, перемежающихся с обильным витражным остеклением. Дом Эймс — один из 25 воплощений проекта Case Study — самый успешный, как в качестве объекта архитектуры, так и в функциональности жилой площади.

 

В настоящее время Eames House используется как студия, которая продолжает заниматься реализацией работ семьи Эймс. В 2006 году дом внесён в реестр Национальных Исторических Мест и охраняется законом.

 

Неудивительно, что дом и его содержание воплощали подход Чарльза и Рэй к дизайну и их концепцию «хороший жизни», воспевающую красоту как простых вещей, так и роскошных. Фанера со времён их медового месяца соседствовала с картиной Роберта Мадервелла. Игрушки, маски и другие фольклорные сувениры, приобретённые в путешествиях, лежали на столах рядом с камнями, пуговицами и кусками обложек их любимых книг. Британские архитекторы Питер и Элисон Смитсон (Peter & Alison Smithson) описали дом как «упаковку для культурного подарка». Это смешение продуктов массового производства и образцов фольклора постоянно появлялось и в фильмах Эймс, и в их графических проектах.

 

 

Eames Lounge Chair Wood (LCW) — это прорыв семьи Эймс. Этот маленький фанерный стул стал одним из символов «человечности» в мировом промышленном дизайне. Стул этот был результатом работы семьи Эймс в экспериментах по пластике фанеры. Это было время Второй Мировой войны — проблемы с деньгами, проблемы с материалами, проблемы с производством. Чарльз Эймс всегда был настоящим промышленным дизайнером. Середина  XX века — время беспокойства идеалистов о массовом производстве «правильных» вещей. Этот стул — «перековка меча на орало» — ведь к его реализации привел успешный проект по созданию фанерной шины для компенсации при ранениях и переломах. Ещё ранее, в 1940 году, Чарльз Эймс и Ееро Сааринен участвовали в конкурсе Музея Современного Искусства  — «Естественные мебельные решения» (Organic Furniture Competition) и выиграли этот конкурс. Конкурс был создан для изучения естественной эволюции мебели в быстро меняющемся потребительском мире. Несмотря на победу, из-за производственных проблем реализация их проекта была отложена. Потом началась война. Этот вынужденный перерыв позволил Эймсу совершенствовать метод деформирования фанеры и прийти к оптимальным решениям.

 

Изначально Эймс двигало стремление создать доступную, удобную, органичную мебель, применимую для массового производства. Однако, фанера  — сложный материал, склонный к непрограммируемой деформации и растрескиванию. Без метода проб и ошибок в работе с таким материалом не обойтись. Время цельнолитых конструкций на тот момент ещё не пришло, и Чарльз Эймс решил довольствоваться классическим разделением спинки и сидения стула. Результатом стал удобный, практичный и современный по форме стул. Одной из конструктивных особенностей стула стала гибкая система фиксирования спинки, основанная на конструкции с применением резины — система «shock mounts», в дальнейшем неоднократно используемая. Это был один из первых примеров стула с регулируемой спинкой.

 

Даже если считать, что Eames Lounge Chair Wood был временным компромиссом в отношении технологии производства, значение его для промышленного дизайна огромно. Сами Эймс неоднократно использовали его мотив  —  столовый стул (Dining Chair Wood (DCW) – такой же, как LCW, но с более узким сидением и длинными ножками; Lounge Chair Metal (LCM) и Dining Chair Metal (DCM) , а также LCW и DCW, установленные на металлической раме. Стул выпускается в трёх фактурах: ясень, орех и вишня и двух цветах — красный и чёрный. Официальные производители — Герман Миллер и Vitra. Все остальные — подделка. 

 

В нём нет ничего лишнего, но это не минимализм. Eames Lounge Chair Wood — настоящий, душевный стул для всего и для всех. Этот стул по прежнему является иконой для всего мира дизайна.

 

После экспериментов с фанерой Эймс сосредоточились на столь же активных опытах с другими материалами, создавая мебель из стекловолокна, пластмассы, алюминия, а также кожи и  дорогой фанеры (Lounge Chair, 1956 год). Этот стул-шезлонг стал иконой 1960-х и 1970-х годов — никакой честолюбивый руководитель не мог считаться таковым, пока в его  офисе не было этого предмета — но Чарльз всегда выражал предпочтение своим ранним, менее дорогим работам из фанеры.

 

Eames Lounge Chair — серийное имя  Eames 670 — самый респектабельный проект супругов Эймс для элитарного рынка. Впервые был выпущен в 1956 году. На самом деле это два предмета – собственно кресло и оттоманка к нему. Изготовлен из формованной фанеры и кожи, является постоянным экспонатом Нью-Йоркского Музея Современного Искусства. Кресло состоит из трёх изогнутых фанерных корпусов — резервуаров, изготовленных из тонких слоёв деревянного шпона, формованных при помощи температуры и давления. 

 

Lounge Chair пропорционален — подушки спинки кресла, сидения и сидения оттоманки примерно одного объёма. Проектируя этот «комплекс», Эймс прошли длинный путь экспериментов, начиная от знаменитого фанерного стула Eames Lounge Chair Wood (LCW). Для амортизации комплекса соединений спинка — сидение использовали резиновые шайбы, вмонтированные в корпус кресла. При использовании они обеспечивали невиданный до этого комфорт и адаптацию кресла под тело. Это был один из явных плюсов, но также и минус — при рассыхании резины или излишнем весе пользователя возникали проблемы, которые могли быть решены только полным демонтажом травмированных деталей.

 

Другое творческое использование материалов — в подушках сидений. Отказавшись от стандартного крепления обивки на гвоздях, Эймс применили соединение на молнии вокруг внешнего края. Сейчас это обычная практика для креплений обивки мягкой мебели, для 1956 года — Революция.

 

Внутренняя поддержка внешнего края корпусов с фанерным основанием — скрытые ролики и кольца. Такого рода крепления и амортизаторы позволили избавиться от стандартных болтовых соединений. 

 

Презентация Eames Lounge Chair состоялась на Эн-би-си в телепрограмме Арлин Фрэнсис «Домашняя страница» в 1956 году. Первые рекламные проспекты отображали универсальность Eames Lounge Chair  — кресло было показано в викторианской гостиной, на фоне американского псевдоготического дома и в поле у стога сена. Реклама снабжалась уведомлением потребителей об опасности подделок (ход Германа Миллера). Кресло стало символом современного дизайна, с момента первого выхода производство не прекращалось — сначала в США его выпускал Герман Миллер, потом, для европейского рынка — Vitra. Сразу же после молниеносного успеха многие дизайнеры и производители начали копировать Eames Lounge Chair, некоторые образцы были полными копиями, другие можно характеризовать как «под влиянием».

 

Совсем недавно китайский рынок, да и некоторые европейские компании начали делать прямую копию Eames Lounge Chair, тем не менее «брендом» являются только копии от Германа Миллера и Vitra. 

 

Eames Lounge Chair нравится по многим причинам — с одной стороны это классика, но это по-новому комфортная «классика», это натуральные материалы высочайшего качества, а некоторые считают его достойным из-за респектабельной цены — не менее $ 3200, в зависимости от используемой древесины и кожи. Цена на аукционе за коллекционный Eames Lounge Chair из бразильского палисандра — $ 7000.

 

Сотрудничество с компанией Herman Miller продолжалось и распространилось на  его европейского партнёра — Vitra. Эймс также начали длительные отношения с IBM, для которых они делали фильмы и проектировали выставки. Творчеству Эймс способствовало время. Они не испытывали дефицита корпоративных партнёров в расширяющейся американской послевоенной экономике. Одновременно существовал и большой выбор материалов и процессов производства, поэтому демократическое представление Эймс о дизайне вызвало общественный интерес в эру растущего богатства. В пятидесятые их мебель выставлялась на шоу Good Design, выставках, благодаря которым нью-йоркский Музей Дизайна (MoMA) стремился повысить общественную осведомлённость в области дизайна.

 

Мебель Эймс, особенно изящные и практичные офисные стулья, такие как Lounge Chair и Aluminium Series, теперь кажется синонимом корпоративной Америки середины XX столетия, но Чарльз и Рэй были столь же успешны в популяризации забытого тогда фольклора не только в США, но и в Индии.

 

Ещё одно замечательное произведение Эймс — «Слон», достигший легендарного статуса у коллекционеров и ставший позже визитной карточкой Vitra. Два прототипа «Слона» были разработаны в 1945 году и оба были продемонстрированы на выставке Музей Современного Искусства в Нью-Йорке. Рэй и Чарльз были очарованы слонами, огромное число фотографий слонов находится в их «индийской коллекции». «Слон» был задуман не только как игрушка для детей, но и как сложный скульптурный объект, который может быть представлен в любой среде, оживить любую ситуацию. К сожалению, «Слон» так никогда и не пошёл в серийное производство, были выпущены только ограниченные серии для коллекционеров.

 

Работа оставалась центром их жизни — с рабочими днями с 9 утра до 10 вечера и поваром под рукой, чтобы не пришлось покидать студию ради еды — до самой смерти Чарльза от сердечного приступа в 1978 году. Рэй упорно трудилась, чтобы закончить все незаконченные проекты, но, завершив их, не искала новые.

 

Она посвятила оставшуюся часть жизни продвижению их идей через беседы и писательство. Рэй Эймс умерла от рака 21 августа 1988, ровно день в день через десять лет после смерти Чарльза. 

 

Ресурсы о Чарльзе и Рэй Эймс:

 

http://www.eamesgallery.com/

 

http://www. architonic.com/cat/1/8101094/1

 

О Доме Эймс:

 

http://www.eamesfoundation.org/

 

http://housing.totalarch.com/eames_house

 

Дом-студия Эймс. Eames House. Case Study House №. 8. 1949 г.
Plywood Elephant. 1945. Производится Vitra	Wire Chair DKR. 1951. Производится Herman Miller
Soft Pad Chaise ES 106. 1968. Производится Vitra	Conference / Meeting Table. 1950. Производится Herman Miller
Eames Lounge Chair. 1956. Производится Herman Miller	Children’s Stool. Производится Vitra
EDU Desk Unit. 1950. Производится Herman Miller	Sofa Compact. 1954. Производится Herman Miller
Eames Lounge Chair Wood (LCW). 1940. Создан Эймс совместно с Ееро Саариненом (Eero Saarinen). Стал прототипом для серии стульев, в том числе Eames Molded Dining Chair (DCW). 1946. Производится Herman Miller	La Chaise. 1948. Производится Vitra
Organic Chair Highback. 1940. Создан Эймс совместно с Ееро Саариненом (Eero Saarinen). Производится Vitra	Adjustable Jig. 1945
Wire Chair DKR. 1951. Производится Herman Miller	Eames Plastic Armchair PA. 1950. Производится Vitra
Eames Plastic Armchair RA. 1950. Производится Vitra	Eames Storage Unit 420. 1950. Производится Herman Miller
Molded Lounge Chair (LCM). 1946. Производится Herman Miller	Lobby Chair ES 104. 1960. Производится Vitra

Charles Rennie Mackintosh. Чарльз Рени Макинтош | Знаменитые архитекторы и дизайнеры

Человек, объединивший в своём творчестве современность и дух романтики, шотландский архитектор и дизайнер Чарльз Ренни Макинтош (Charles Rennie Mackintosh) стал автором многих Работ, которые оказали большое влияние на развитие дизайна и остаются актуальными и любимыми до сих пор.

 

Немногие дизайнеры имеют право утверждать, что они создали уникальный индивидуальный стиль, который был бы мгновенно узнаваем. Известный сегодня в основном как дизайнер мебели, Чарльз Ренни Макинтош был архитектором в самом широком смысле понятия, он занимался проектированием школ, офисов, церквей, чайных комнат (tearoom – британский вариант кафе), частных домов. Чарльз Макинтош —  архитектор, дизайнер и декоратор, в сферу деятельности которого входило конструирование мебели, работа с металлом, текстилем, витражами в последние годы показал себя как талантливый акварелист. Благодаря Чарльзу Макинтошу флористика в живописи и орнаментике поднялась на принципиально другой уровень.

 

Его особый стиль слил вместе элементы шотландских и английских народных искусств и ремесленной традиции с органическими формами L’Art Nouveau. Работы Чарльза Макинтоша совместили в себе смелые геометрические формы с органическим символическим орнаментом.

 

Работы Чарльза Макинтоша  можно условно разделить на три основные области: общественные здания, частные дома и чайные комнаты. Первый проект чайной комнаты был реализован им в 1900 году, и вероятно является наиболее уникальным вкладом в развитие архитектуры и дизайна, в котором все элементы собрались в единой  среде. Эти лёгкие, элегантные и современные интерьеры имели огромное отличие от задымленных улиц и песчаных ландшафтов Глазго — крупного промышленного города-порта, где Чарльз Макинтош родился, обучался и прожил большую часть жизни. Глазго, где он выполнил большинство своих работ. К концу 19 века Глазго был богатым, бурно развивающимся европейским городом с огромной сетью торговли и производства, что представляло хорошие возможности для молодого архитектора и дизайнера.

 

Один из одиннадцати детей, Макинтош родился 7 июня 1868 года  в семье Маргарет и Уильяма Макинтоша, служившего клерком в полиции.

 

Первоначальное профессиональное образование Макинтош получил в Глазго в Художественной школе А. Глена (Allan Glen’s Institution). С 1885 по 1892 год  изучал архитектуру у Фрэнсиса Ньюбери (Francis Newbery)  — творческого директора Школы Искусств и практиковался у архитектора Джона Хатчинсона (John Hutchins). В 1889 году Макинтош работал чертежником в Honeyman & Keppie . В 1890 году он использовал стипендию А. Томпсона на поездку во Францию и Италию, где изучал архитектуру и посещал лекции. Его ранние произведения в Глазго включают здание редакции «Глазго геральд» (совместно с Кеппи, 1893 год) и общественной школы Мартира на улице Барони (1895).

 

Еще будучи студентом, Макинтош уделял большое внимание созданию нового изобразительного языка графики, отличающегося от рутинного академического стиля. В своих поисках он шел по пути, типичному для многих художников модерна. Макинтош изучал и зарисовывал различные, часто неожиданные, природные формы, например, узор, возникший на срезе кочана капусты, или рыбий глаз под микроскопом. Позднее он пытался выразить настроение, чаше всего меланхолическое, какого-либо стихотворного или прозаического фрагмента абстрактным сочетанием изогнутых линий.

 

В результате, как пишет Т. Ховард, Макинтош «приобретает умение выразить определенную идею с помощью чисто символических средств», без сомнения, его поиски шли под влиянием творчества прерафаэлитов и их последователей. Близкие устремления обнаружились у соучеников Макинтоша — Герберта Макнейра (Herbert MacNair),  и сестёр Маргарет и Фрэнсис Макдональд (Margaret and Frances Macdonald — в будущем их жёны) — эта группа стала известна как группа «Четыре» (The Four). Окончательно «стиль Глазго» сложился уже в совместной работе, хотя определенные различия творческих подчерков у членов группы сохранились.

 

Вместе они разрабатывают и выставляют работы, в том числе мебель и плакаты. В результате совместного творчества Макинтош обогащает свой художественный мир, в частности перенимает графический стиль сестёр Макдональд. В 1894 г. они были иронично описаны в прессе как «the Spook School» («Школа Привидений») — с намёком на их вытянутые, волнообразные женственные графические темы. В 1895 году Макинтош выступал на Выставке нового искусства в Париже как плакатист.

 

Макинтош был единственным из ее членов, кто кроме этого серьезно занимался архитектурой. При этом источники архитектурного творчества Макинтоша сильно отличались от источников его деятельности в других областях искусства.

 

Как архитектор Макинтош опирался на традицию сельского шотландского жилища и так называемый «баронский стиль» средневековых шотландских замков, то есть с этой точки зрения он был типичным представителем неоромантизма. Все его работы в жанре загородного особняка представляют собой талантливое и своеобразное проявление этого направления модерна.

 

В 1896 году Фрэнсис Ньюбери (Francis Newbery)  объявил конкурс на проект нового здания Школы Искусств Глазго. Одной из 12 компаний, представивших проекты, была Honeyman & Keppie, в которой на тот момент работал Чарльз Макинтош. Компания получила заказ почти наверняка из-за дружбы Чарльза с Фрэнсисом Ньюбери. Этот заказ положил начало будущей репутации Чарльза Макинтоша. 

 

Проект Школы Искусств на крутом склоне холма был очень прост, даже утилитарен с учётом очень жёстких бюджетных требований. Из-за финансовых ограничений проект был реализован в два этапа: северная часть была открыта в 1899 году, а строительство западной части было начато лишь в 1907 году и завершилось  в 1909. Это время совпало с наиболее продуктивным периодом в жизни и карьере Чарльза Макинтоша и считается промежуточной фазой в творчестве архитектора и дизайнера. По окончании строительства это стало очевидно — Западная часть Школы Искусств была гораздо более радикальна и прогрессивна, нежели Северная, также был добавлен чердачный этаж-студия. Умение вписать современный дизайн в исторический контекст, соединить в напряженно-выразительном облике здания аскетичную монументальность и чувственность, богатство декора со сдержанностью форм, — все эти качества создали Макинтошу репутацию выдающегося художника.

 

Здание имеет Е-образную форму. Рисовальные студии и архитектурные мастерские в основном расположены вдоль северного фасада школы. Другие учебные и служебные помещения — в восточном крыле. На запад выходят главный лекционный зал, библиотека и несколько студий.

 

Длина здания — семьдесят пять метров, ширина — двадцать восемь метров. Кроме пяти основных этажей в нем имеется чердачный этаж для мастерских, добавленный на втором этапе строительства. Перепад высот, составивший с севера на юг десять метров, помог создать эффектную вертикаль западного фасада. Лёгкая асимметрия во всех частях здания придает композиции живописность, свойственную народной архитектуре. Например, на северном фасаде два крайних окна на одну панель уже, чем остальные проемы.

 

Большие окна-витражи обеспечивают хорошее естественное освещение. Контрастируя с массивным каменным фасадом, они напоминают одновременно о стиле эпохи Елизаветы I и о крупных стеклянных элементах, характерных для современной архитектуры. Для естественного освещения подвального этажа вдоль северного фасада был вырыт глубокий ров, куда выходят окна нижних помещений.

 

Дверь первого этажа украшена цветным витражом. Рисунок включает характерные для Макинтоша элементы — «древо жизни», которое превращается в женское лицо и бутоны роз. Эти стилизованные, эротические и в то же время символические мотивы отражают разные стороны творческой индивидуальности мастера.

 

В мощной композиции западного фасада жесткость сочетается с асимметрией, характерной для традиционной народной архитектуры. Особенности внутренней структуры здания снаружи выразились в контрастном противопоставлении крупных стеклянных витражей с массивом глухой стены.

 

Интерьер библиотеки не менее удивителен — свет, падающий через витражное освещение, контрастирует с тёмными пятнами деревянной галереи, и лучи как бы раздваиваются. По замыслу Макинтоша тёмные пятна мебели украшены вставками-вспышками красного, зелёного и белого — магическое сочетание академической трезвости и современной геометрической интенсивности.

 

Вероятно, помещение библиотеки представляет собой самое интересное решение интерьера в здании. 

 

На верхней лестничной площадке расположен выставочный павильон музея. Он освещён через остекление крыши, комбинированное с деревянными балками, напоминающими средневековый амбар.

 

За исключением каменной резьбы над центральным входом, любое декорирование, которое Макинтошу удалось включить, было функциональным и при этом изящным. Оживлённое украшение чугунных перил стилизовано в виде цветов, пчёл, птиц и жуков, и напоминают собой японский гребень.  

 

В своем проекте Макинтош пошел нетрадиционным путем. Поиски в области новых способов формообразования привели его к методу проектирования «изнутри наружу». Функциональное назначение интерьера отражалось во внешнем облике здания. Например, потребность в естественном освещении студий живописи определила необычайно большую остеклённость фасада.

 

Макинтош разрабатывал идею тотального дизайна: здание со всей его начинкой (вплоть до мебели и мелких деталей внутренней отделки) — это целостный объект, все элементы которого должны находиться в стилевом единстве. Предполагалось системное проектирование всей жилой или общественной среды.

 

Одновременно с работой над проектом Школы Макинтош строит и оформляет крупные общественные здания в Глазго — церковь Куинс-Кросс (Queen’s Cross Church), школу на Скотланд-стрит (Scotland Street School).

 

Серию проектов частных одноквартирных домов Чарльз Макинтош начал в 1900 году с дома своего друга Уильяма Дэвидсона в Windyhill, Kilmalcolm. Следующим проектом стал дизайн музыкальной комнаты в Вене для Фрица Вандорфера, сторонника движения  Secession Movement и после — Wiener Werkstätte. Но наиболее важным был проект Hill House.

 

В 1902 году Чарльз Макинтош берётся за проект собственного дома для Вальтера Блэки (Walter Blackie) — Дом на холме (Hill House) в Хелленсбурге с видом на залив Клайда. Дом идеально вписан в ландшафт и ориентирован по сторонам света. Это классический семейный дом с библиотекой, главным залом для приёма клиентов и садом для детей. Здесь он также использует традиционные элементы шотландской «баронской традиции», объединённые с современными средствами визуализации. Всё стилистически объединено – от фасадов здания до дровяных шкафов и каминных щипцов. Его стремление к созданию общей среды обитания идёт в соответствии с общеевропейской тенденцией — Йозеф Хоффман в Вене и  Бэйли Скотт (Baillie Scott) в Англии работают в том же манере.

 

Hill House, пожалуй, был самым продуманным проектом Чарльза Макинтоша, до этого в подобном стиле был выполнен собственный дом супругов Макинтош на 120 Mains Street в Глазго (а затем на Southpark Avenue), где они экспериментировали с контрастом чёрных и белых комнат, «женской» и мужской» средой.

 

Чарльзу Макинтошу очень повезло с клиентами, такими как Вальтер Блэки, которые позволяли ему иметь полный контроль над проектом. Самым щедрым клиентом и постоянным покровителем Макинтоша была миссис Кэтрин Крэнстон, которой принадлежала сеть чайных заведений (tea rooms) по всему Глазго. В то время чайные комнаты были уникальным явлением. В них могли собираться люди разных классов, встречаться с друзьями и наслаждаться безалкогольными напитками в разных залах одного комплекса. На момент, когда идеи воздержания становятся всё более популярными, чайные комнаты того типа, которыми владела миссис Кэтрин Крэнстон, играли важную роль в культурной и экономической жизни Глазго.

 

Макинтош был первым, кто использовал трафареты для декорирования интерьера (tea rooms, 91-93 Buchanan Street, 1896 год). Эти помещения реконструированы Брауном Эдинбургом, оформлением и меблировкой занимался Джордж Уолтон.

 

Макинтошу предложили украсить стены в дамской чайной комнате, обеденном зале и галерею для курильщиков. Он выполнил этот проект в виде удлинённых женских фигур, стоящих парами друг с другом в окружении роз. Успех этой работы привёл к длительному сотрудничеству. В 1899 году в чайной на Argyle Street Макинтош впервые меблировал зал стульями с высокой спинкой. Которые впоследствии стали известны как «Стул Макинтош». В 1900 году он разработал дамскую комнату для завтраков (The Ladies’ Luncheon Room) на Ingram Street, в 1903 году – чайную Willow.  

 

Чайные комнаты Willow были расположены на узкой улице Sauchiehall — старой шотландской «Ивовой аллее», что подтолкнуло к использованию темы ивы в орнаментике интерьеров. Ничто не избежало внимания Макинтоша. Он и Маргарет разработали всё — от мебели и меню до униформы официанток. В здании четыре этажа: дамский чайный зал на первом этаже, общий обеденный зал и чайная галерея над ними.

 

Первый этаж был исключительно дамским, мужские залы, бильярдные и комнаты для курения находились выше. Наиболее экстравагантными были номера de Luxe на первом этаже. Вид на улицу, белые стены с фризом из цветного стекла, зеркала, великолепные двойные двери из свинцового стекла и серебряными украшениями, кресла и диваны с высокими спинками в фиолетовых тонах.

 

В 1914 году Макинтош разрывает партнёрство с  Honeyman, Keppie & Mackintosh. Это был сложный период. Говорили, что он много пьёт, что у него сложный характер и он не способен привлекать новых клиентов. Может и так, но, скорее всего Макинтош к тому времени исчерпал возможности Глазго. В архитектуре Англии, где господствовал неоромантизм, влияние Art Nouveau ощущалось слабо. Макинтош оставался единственным  представителем нового течения на всём острове. Вполне возможно, что он намеревался переехать в Вену, где он пользовался большим авторитетом (гораздо большим, чем у себя на родине), его друзьями были знаменитые австрийские архитекторы Йозеф Хоффман (Josef Hoffmann) и Коломан Мозер (Koloman Moser). Его планы прервала Мировая война. Макинтош переехал в Walberswickв Саффолке. Там он создал серию акварелей с флореальным мотивом. Там же он был арестован как германский шпион (вина налицо — странный человек не полон патриотических чувств, демонстративно рисует «цветочки», да ещё получает корреспонденцию с вражеской стороны). В итоге Макинтош вместе с женой переехал в Лондон, в Chelsea.

 

Макинтош пытался получить работу, соответствующую его статусу и квалификации, но в данный момент патриотические чувства гегемонии обострены — популярна классика, а «стиль школы Глазго» признан устаревшим. Макинтош ещё создаёт дизайн и меблировку на 78 Derngate, Northampton для W.J. Bassett-Lowke, производит эскизы тканей. Дизайн дома на Derngate был выполнен в радикально современном стиле, подобно тому, как была оформлена библиотека Школы Искусств Глазго. Макинтош и Школа Глазго были основателями британского модерна, и, вместе с тем, им не свойственны стилеобразующие черты Art Nouveau — взвинченный ритм, линии, напоминающие удар хлыста, обильные растительные орнаменты. У них свой путь в дизайне, опережающий время. Вещи Макинтоша геометричны и функциональны. Их пропорции стройны, все лишнее удаляется. Макинтош создает серию стульев, проектирует часы, светильники, витражи, камины и столы.

 

Лишённый возможности, а возможно и желания строить, Макинтош в течение 20-х годов создал замечательную серию акварельной живописи.

 

В 20-х годах всё большее влияние на развитие архитектуры оказывает прогрессивное функционалистическое движение Германии и Австрии. Стиль Макинтоша и Школы Глазго, возникший из традиционной шотландской сельской эстетики и ремесла становятся неинтересны публике.  В 1923 г. он переехал на юг Франции, где он провел последние пять лет его жизни перед смертью в Лондоне. Несмотря на все разочарования архитектора, его работы в Глазго, многие из которых используются и сегодня, вошли в историю мировой архитектуры и дизайна как одни из самых важных произведений, они  актуальны — мебель по его проектам до сих пор производится и успешно продается, а его дизайнерский метод стал основой мастерства для последующих поколений.

 

 

Обложка книги об истории чайных комнат миссис Крэнстон в Глазго	Глазго. Конец 19 века. Улица Аргиль, на которой находилась одна из чайных комнат миссис Крэнстон. Argyle Street tea rooms
Чарльз Рени Макинтош (Charles Rennie Mackintosh) и Маргарет Макинтош Макдональд (Margaret Mackintosh Macdonald)	House for an Art Lover, 1901
Дамская комната для завтраков (The Ladies’ Luncheon Room) на Ingram Street	House for an Art Lover, 1901
Афиша фестиваля шотландской музыки. Группа 4	Part Seen
Hill House в Хелленсбурге для издателя Вальтера Блэки (Walter Blackie)	Ruchill St. Church Halls в Глазго
Queen’s Cross Church в Глазго	Salon de Luxe in the Willow Tea Rooms, 1903
Библиотека Школы Искусств Глазго (Glasgow School of Art)	Стул Hillhouse.  В настоящее время производится Cassina S.p.A.
Стол D.S. 1 и стулья D.S. 3. В настоящее время производится Cassina S.p.A.	Стол Berlino и стулья Ingram. В настоящее время производится Cassina S.p.A.
D.S.5. В настоящее время производится Cassina S.p.A.	G.S.A. В настоящее время производится Cassina S.p.A.
D.S.3. В настоящее время производится Cassina S.p.A.	Стул Argyle. В настоящее время производится Cassina S.p.A.
Кресло Willow. В настоящее время производится Cassina S.p.A.
Акварель Port Vendres, La Ville, 1925-26	Акварель. The Fort, 1925

 

Краткая биография Чарльза Макинтоша:

 

1868 — Родился в Глазго, Шотландия

 

1875 — Обучался в Reid’s Public School, затем в 1877 —  Allan Glen’s Institution

 

1883 — 1894 — Обучение в Школе Искусств Глазго (Glasgow School of Art), где получает много призов

 

1884 — Обучается у архитектора из Глазго Джона Хатчинса (John Hutchins)

 

1889 — Присоединяется к архитектурной группе Honeyman & Keppie, где знакомится с Гербертом Макнейром (, 1868-1955)

 

1891 — Путешествует в Италию по студенческой путёвке

 

1894 — Вместе с Гербертом Макнейром  и сестрами Маргарет и Фрэнсис Макдональд (Margaret and Frances Macdonald) создает творческое объединение, известное как «Четыре» (The Four)

 

1896 — Чарльз Макинтош становится ведущим дизайнером Honeyman & Keppie. The Four выставляются на Arts and Crafts Exhibition Society в Лондоне. Проектируют и производят настенные декорации для Buchanan Street tea rooms в Глазго для мисс Cranston

 

1897 — Дизайн Queen’s Cross Church в Глазго, строительство ведёт Школа Искусств Глазго. Появляются публикации о Чарльзе Макинтоше.

 

1898 — Представляет несколько проектов зданий на Международной выставке в Глазго. По заказу Крэнстон реализуется дизайн помещения tearoom на улице Argyle. Проектирует дизайн для Ruchill St. Church Halls в Глазго, а также два проекта интерьера: в Queen’s Palace в Глазго для Robert Maclehose и проект столовой для Hugo Brückmann, редактора Dekorative Kunst в Мюнхене.

 

1899 — Открывается новая Школа Искусств Глазго

 

1900 — женится на Маргарет Макдональд. Вместе они занимаются дизайном и меблировкой собственной квартиры на 120 Mains Street в Глазго. Выполняет заказ на проектирование дизайна и меблировки для The Ladies’ Luncheon Room в чайных комнатах на Ingram Street. Проектирует дом для своего друга Уильяма Дэвидсона в Windyhill, Kilmalcolm. 

 

1901 — Становится партнером в Honeyman, Keppie & Mackintosh. Создаёт дизайн интерьера и мебели для миссис Rowat  на 14 Kingsborough Gardens в Глазго.

 

1902 — Дизайн музыкальной комнаты в Вене для Фрица Вандорфера, сторонника движения  Secession Movement и после — Wiener Werkstätte. Строит Hill House в Хелленсбурге для издателя Вальтера Блэки (Walter Blackie)

 

1903 — Миссис Крэнстон заказывает разработку интерьера и экстерьера чайных комнат Willow в Глазго. Школьный совет Глазго поручает Чарльзу Макинтошу разработку Scotland Street School в Глазго.

 

1904 — завершает Hill House в Хелленсбурге. Дизайн, декорирование и меблировка столовой, гостиной и двух спален в Hous’hill Nitshill в Глазго для миссис Крэнстон и её мужа — Major Cochrane.

 

1905 — Дизайн магазина на 233 Sauchiehall Street. Проектирование Dutch Kitchen в подвальном этаже чайных комнат на  Argyle Street в Глазго.

 

1906 — Разрабатывает дизайн помещения для заседания совета директоров Школы Искусств Глазго (Glasgow School of Art). Чарльз Макинтош вместе со своей женой переезжает на 78 Southpark Avenue, где они создают новые интерьеры

 

1907 — Дизайн The Oak Room (Дубовая Комната) в чайных комнатах на Ingram Street. Проектирует западное крыло Школы Искусств Глазго.

 1909 — Дизайн Card Room для Hous’hill, а также Oval Room (Овальный зал) и дамскую комнату для чайных комнат на Ingram Street. Открытие западного крыла Школы Искусств Глазго (Glasgow School of Art).

 

1911 — Создает интерьеры Cloister Room (Зал заседаний) и Chinese Room (Китайская комната) для чайных комнат на Ingram Street в Глазго.

 

1914 — Расторгает партнёрство с Honeyman, Keppie & Mackintosh и уезжает в Walberswick, Suffolk, где рисует акварели. Местные жители подозревают его в шпионаже.

 

1915 — Переезжает в Chelsea, Лондон

 

1916 — Создаёт дизайн и меблировку на 78 Derngate, Northampton для W. J. Bassett-Lowke, производит эскизы тканей.

 

1917 — Дизайн Dug-Out для чайных комнат Willow, а также  часы для W.J. Bassett-Lowke.

 

1919 — Разрабатывает дизайн гостевой спальни на 8 Derngate, Nothampton и коттеджа на East Grinstead для E.O. Hoppé.

 

1923 — Уезжает в Port Vendres на юге Франции, где рисует серию акварелей. В основном пейзажи.

 

1928 — умирает в Лондоне от рака

самых известных графических дизайнеров всех времен (каждый творческий человек должен следовать)

Если вы хотите знать, кто является лучшим дизайнером, стоящим за самыми популярными работами всех времен, вот мой список из 25 известных графических дизайнеров.

Многие уважаемые дизайнеры со временем внесли свой вклад в эволюцию индустрии графического дизайна .

Некоторые из них являются типографами, дизайнерами обложек журналов и альбомов, а также художниками политических плакатов, которые оставили свой след в мире .

Кто известный графический дизайнер?

На самом деле в мире сотни графических дизайнеров, и многие из них могут быть первыми в моем списке.

Однако, поскольку у нас разные творческие предпочтения, я включаю в список 25 самых популярных графических дизайнеров всех поколений .

Все эти графические дизайнеры являются экспертами в различных областях и категориях, таких как типографика, дизайн логотипов, дизайн плакатов и журналов и т. д.

Все они изменили ситуацию к лучшему, и хотя некоторые из них прошли, их дизайн продолжает жить в индустрии как наследие .

Являетесь ли вы профессиональным дизайнером или новичком, важно ознакомиться с этими именами графических дизайнеров .

Наблюдая и изучая их работу, вы сможете изучить их принципы и дисциплины , которые затем вы сможете применить в своей карьере.

От прошлого поколения до настоящего и определенно до следующего поколения, их названия и конструкции никогда не забудется .

Известные графические дизайнеры, такие как Michael Bierut и Josef Muller-Brockmann , опубликовали книги, которые, несомненно, принесут пользу любому творцу.

Вы также можете ознакомиться с другой моей статьей, в которой я представил коллекцию из лучших книг по графическому дизайну .

Итак, без лишних слов, давайте все будем поражены и вдохновлены жизнью и творчеством самых известных графических дизайнеров всех времен .

25 Famous Graphic Designers

1. Michael Bierut
2. Stefan Sagmeister
3. Chip Kidd
4. Massimo Vignelli
5. Herb Lubalin
6. Alexey Brodovitch
7. Ladislav Sutnar
8. Дэвид Карсон
9. Макс Мидингер
10. Сол Басс
11. Сьюзен Кэр
12. April Greiman
13. Ivan Chermayeff
14. John Maeda
15. Hermann Zapf
16. Lester Beall
17. Claude Garamond
18. Jan Tschichold
19. William Golden
20. Жаклин Кейси
21. Сипи Пинелес
22. Абрам Геймз
23. Армин Хофман
24. Josef Muller-Brockmann
25. Seymour Chwast

Хотя некоторые из них ушли из жизни, их вклад в индустрию дизайна остался, и послужил источником вдохновения для нового поколения дизайнеров.

1. Майкл Бирут

Нью-йоркский графический дизайнер, дизайнерский критик и педагог, известный как один из лучших дизайнеров всех времен — Майкл Бирут .

Он использует отличительный и всеобъемлющий подход к графическому дизайну.

Компания Bierut впервые разработала доступный дизайн , который упрощает трудный для понимания текст и делает его более привлекательным.

Он изучал графический дизайн и с отличием окончил Колледж дизайна, архитектуры, искусства и планирования Университета Цинциннати.

Он является старшим критиком по графическому дизайну в Йельской школе искусств и лектором по дизайну и менеджменту в Йельской школе менеджмента.

2. Стефан Сагмайстер

Еще один культовый и самый известный австралийский графический дизайнер, рассказчик и типограф — Стефан Сагмайстер .

Известный графический дизайнер, который использует юмор и сексуальность в своих проектах.

Он также является творческим профессионалом из Нью-Йорка и является основателем и владельцем Sagmeister Inc .

Стефан, 59 лет, современный графический дизайнер , работавший с HBO, The Rolling Stones и Музеем Гуггенхайма.

Это Работа Загмейстера , которая волнует и будоражит дизайнерскую индустрию комедией, сексуальностью, нетрадиционностью и мельчайшими деталями.

3. Чип Кидд

Помимо того, что он профессиональный дизайнер, Чип Кидд также является дизайнером книг, автором, редактором, лектором и музыкантом из Америки.

Известный графический дизайнер, специализирующийся на дизайне обложек книг.

Одной из наиболее последовательных характеристик стиля Кидда является тот факт, что его книга охватывает не носят ни одного фирменного образа.

Говорят, что с него началась «революция в искусстве упаковки американских книг».

Как давний поклонник комиксов , он не только писал для DC Comics, но и оформлял их обложки.

4. Массимо Виньелли

Хотя Массимо Виньелли скончался в 2014 году, его образ по-прежнему остается одной из лучших личностей в индустрии дизайна.

Популярный дизайнер создал карту метро Нью-Йорка.

Он итальянский дизайнер , который работал в ряде областей, включая упаковку, предметы домашнего обихода, мебель, вывески и дизайн выставочных залов.

Вместе со своей женой Леллой Виньелли они основали Vignelli Associates , дизайнерскую фирму в Нью-Йорке.

Они прочно укоренились в модернистском движении и использовали простых геометрических форм и типографику. ‍

Являясь одним из самых известных графических дизайнеров 20-го века , их работа включает в себя все: от графического дизайна до фирменного стиля, архитектуры и интерьеров.

5. Херб Любалин

В сотрудничестве с Ральфом Гинзбургом, Херб Любалин оформил три журнала Гинзбурга — Eros, Fact и Avant Garde.

Известный дизайнер, создавший шрифт ITC Avant Garde.

Он американский графический дизайнер, и ему было поручено отвечать за творческую визуальную красоту Публикации журналов Гинзбург.

Разработанный им шрифт ITC Avant Garde стал очень популярным, и его можно широко увидеть в известных логотипах, созданных в 1990–2000-х годах.

Его самые известные работы включают создание Международной типографской корпорации и типографского журнала U & L.C.

6. Алексей Бродович

Известный арт-директор Harper’s Bazaar с 1934 по 1958 год, Бродович — американский фотограф, дизайнер и педагог.

Влиятельный дизайнер, который привносит европейские принципы дизайна в Америку.

Когда он познакомил Америку с новыми дизайнерскими идеями в 1920-х годах, новое поколение дизайнеров создало более простых и современных дизайнов.

За 15 лет работы в Harper’s Bazaar Бродович раздвинул границы журнала в области фотографии, типографики и макетирования. ‍

Хотя он уже скончался в возрасте 72 лет, он все еще был признан одним из лучших и самых известных графических дизайнеров всех поколений.

7. Ладислав Сутнар

Ладислав Сутнар , известный графический дизайнер из Чехословакии, использовал дизайн, чтобы придать смысл абсурду.

Профессиональный креатив, использующий дизайн для передачи сообщения.

Чтобы сделать информацию более доступной и удобной для среднего зрителя, он специализировался на Информационном дизайне .

Один из подходов Сутнара к улучшению четкости дизайна заключался в том, чтобы ограничить его цветовые и шрифтовые палитры, что составляет 9Техника дизайна 0007 , которая до сих пор широко используется.

Определенная палитра как для цвета, так и для шрифта , такая как шаблон инфографики Brown Cute Animals Charity, многое добавит вашему дизайну.

8. Дэвид Карсон

Дэвид Карсон , прозванный «Крестным отцом гранжа», преобразовал дизайн-бизнес, применив уникальный подход к дизайну, нарушающий правила .

Карсон наиболее известен своим инновационным дизайном журналов.

Он американский графический дизайнер, который известен тем, что создал уникальных журнальных дизайнов и использовал экспериментальную типографику.

Он был арт-директором журнала Ray Gun , где он использовал большую часть своего фирменного стиля типографики и макета.

Его впечатляюще разорванные, деформированные, а иногда и непонятные идеи компоновки продолжают быть источником радикального вдохновения для дизайнеров всего мира.

9. Max Miedinger

Miedinger — известный швейцарский дизайнер шрифтов, наиболее известный созданием шрифта Neue Haas Grotesk в 1957 году, переименованного в Helvetica в 1960 году.

Знаменитый графический дизайнер шрифта Helvetica.

Его дизайн, рекламируемый как знак передовой швейцарской технологии, стал мгновенным мировым успехом .

Макс Мидингер разработал множество шрифтов за свою жизнь, но Helvetica является его самым известным .

В наши дни это абсолютно везде: от киноафиш и этикеток продуктов до программ обработки текстов и уличных знаков.

Если какой-либо шрифт имеет культовый статус, то это Helvetica, и Мидингер, несомненно, был бы доволен его популярностью — в конце концов, именно для этого он его и разработал.

10. Сол Басс

Помимо того, что он является одним из самых известных графических дизайнеров, Саул Басс также является титульным дизайнером и режиссером.

Американский графический дизайнер и оскароносный режиссер.

Он хорошо известен своей работой над последовательностями названий фильмов, афишами фильмов и корпоративными логотипами.

После разработки заставки для фильма Отто Премингера «Человек с золотой рукой» Басс стал хорошо известен в киноиндустрии. ‍

Сол Басс скончался в возрасте 75 лет, но его работы остались замечательными и послужили источником вдохновения для современных дизайнеров.

11. Сьюзен Кэр

Сьюзан Кэр — современный дизайнер, создавшая ряд элементов интерфейса для Apple Macintosh в 1980-х годах.

Профессиональный дизайнер, воплощающий дизайн в технологии.

Она работала консультантом по дизайну в Microsoft, IBM, Sony Pictures, Facebook, Pinterest и Niantic Labs.

Она разработала шрифты Monaco и Geneva, символ клавиши Command для клавиатур Apple и значки, такие как мусорное ведро.

Многие из примеров Каре до сих пор так или иначе используются, и большинство вдохновили большую часть современного дизайна интерфейса.

Она считается одним из самых влиятельных современных технологов , изобретших пиксель-арт и графический компьютерный интерфейс.

12. Эйприл Грейман

Во многих аспектах Эйприл Грейман сыграл важную роль в создании термина «графический дизайн» как отдельной области исследования.

Один из первых дизайнеров, использующих компьютерные технологии в качестве инструмента дизайна.

По словам историка дизайна Стивена Хеллера, апрель стал мостом между модерном и постмодерном, аналоговым и цифровым.

Графический дизайн и искусство в 1980-х годах находились под влиянием и поощрялись новаторскими попытками Греймана использовать технологии .

В результате усилий Греймана компьютеры больше не рассматривались как просто устройства для обработки информации, , а как творческие инструменты .

13. Иван Чермаев

Иван Чермаев , сын британского архитектора русского происхождения Сержа Чермаева, является одним из лучших графических дизайнеров Америки.

Наиболее известен созданием логотипов абстрактной формы

Он стал источником вдохновения для нового поколения графических дизайнеров благодаря своим уникальным дизайнам и произведениям искусства.

Ивану легко позвонить известный дизайнер логотипов благодаря своей работе, которая включает в себя такие знаковые логотипы, как павлин NBC и синий глобус Pan Am.

В результате использования Чермаевым абстрактных форм, а не букв, он стал легендой в дизайнерском сообществе.

14. John Maeda

Работа John Maeda исследует область, в которой бизнес, дизайн и технологии сливаются воедино, чтобы освободить место для «гуманистического технолога».

Один из самых влиятельных и известных графических дизайнеров.

Для более десяти лет он работал над интеграцией технологий, образования и искусства в синтез творчества и инноваций 21-го века.

Цифровые и аналоговые носители были одинаково важны для работы Маэды, что расширило границы каждого из них.

Именно благодаря этому исследованию и его последующей работе интерактивная анимационная графика стала настолько обычным явлением в современном графическом дизайне .

15. Герман Цапф

Герман Цапф был немецким шрифтовым дизайнером и каллиграфом, который жил в Дармштадте, Германия.

Известный графический дизайнер, изменивший типографику.

Zapf Dingbats, Palatino и Optima — это лишь некоторые из хорошо известных шрифтов , которые он разработал и создал.

Помимо компьютеризированной типографики, он был ярым сторонником перехода от печатного станка к компьютерные образцы .

Наконец, он разработал инструмент для набора текста , который повлиял на многие последующие разработки программного обеспечения, дополнив его впечатляющее резюме.

16. Лестер Билл

Билл создал свои культовые плакаты для Управления электрификации сельских районов США, чтобы повысить осведомленность общественности и признание власти в сельских районах.

Ведущий сторонник модернистского графического дизайна в США.

Именно инновационный дизайн Лестера Билла и революционный подход к дизайну произвели неизгладимое впечатление на мир дизайна .

Он научил графических дизайнеров в Америке тому, что они творчески решают проблемы и должны больше заниматься маркетингом.

Что делает его работы нестареющими и эталоном для современных дизайнеров, так это отношение Билла к дизайну , а также его собственный потрясающий дизайн.

17. Клод Гарамон

Клод Гарамон , французский дизайнер шрифтов, родившийся в 1505 году, с самого начала оказал значительное влияние на дизайн.

Клод — один из ведущих шрифтовых дизайнеров всех времен.

Он работал в традициях дизайна с засечками в старом стиле , которые генерировали буквы со структурой, похожей на почерк, но более жесткой и вертикальной.

Шрифты Garamond, Granjon и Sabon, и это лишь некоторые из них, были разработаны Гарамондом в течение его карьеры.

Именно новаторская работа Гарамонда заложила основу для разработки современного графического дизайна .

18. Ян Чихольд

Немецкий каллиграф, типограф и книжный дизайнер, сыгравший значительную роль в развитии графического дизайна в 20 веке.

Дизайнер, установивший принципы типографской иерархии.

Новые типографские стандарты были разработаны в Высоко оцененная книга Чихольда Die Neue Typographie.

Чихольд также разработал оранжевые обложки Penguin Books, которые были напечатаны более 500 раз .

Постоянное значение Чихольда в графическом дизайне отчасти объясняется его бесконечным поиском новых методов и подходов.

19. Уильям Голден

Уильям Голден был талантливым дизайнером, который оказал художественное влияние на бизнес своей яркой и яркой работой на CBS.

Известный дизайнер, создавший классический дизайн глаз CBS.

Он также выступал за различие между художником и дизайнером , что помогло создать индустрию графического дизайна более определенным образом.

AIGA описывает его как «известную группу пионеров эпохи после Второй мировой войны, которые заложили основу для растущей области графического дизайна».

Golden заслужил репутацию благодаря постоянному стремлению к совершенству и простоте, что привело к созданию отличительного и утонченного дизайна, отражающего идею.

20. Жаклин Кейси

Жаклин Кейси была одним из самых известных графических дизайнеров, наиболее известным своими плакатами в швейцарском стиле.

Она наиболее известна своими плакатами, которые она создала для Массачусетского технологического института.

Кейси работала графическим дизайнером в Управлении публикаций (позже переименованном в Управление дизайнерских услуг) с 1955 по 1989 год.

Ее работа помогла представить США и сообщество MIT новый европейский швейцарский шрифт и стиль.

Работа Кейси до сих пор считается парадигмой того, что можно сделать, когда хороший дизайн сочетается с сильным посланием.

21. Сипе Пинелес

Сипе Пинелес была графическим дизайнером и арт-директором австрийского происхождения, которая сделала свою карьеру в Нью-Йорке, работая в журналах, таких как Vogue .

Известная первая женщина-дизайнер крупных журналов.

В течение своей дизайнерской карьеры она работала над многочисленными громкими публикациями , от Vogue до Glamour, Seventeen и Charm.

Она была первой женщиной-дизайнером, вступившей в Клуб арт-директоров в Нью-Йорке, а также первой женщиной-арт-директором журнала .

Она привлекла первых профессиональных иллюстраторов к дизайну периодических массовых изданий, положив начало многолетней тенденции в дизайне журналов .

22. Abram Games

Games был британским графическим дизайнером, занявшим место в пантеоне лучших графических дизайнеров 20-го века .

Он прославился благодаря своим плакатам с политической подоплекой.

Он сказал, что сообщение и коммуникация должны быть сильными, его дизайн остается простым, ясным и простым.

Из-за продолжительности его карьеры, которая охватила более шести десятилетий , его работа по существу является отражением социальной истории той эпохи.

Работа Геймса стала образцом для дизайнеров во всем мире , продемонстрировав свою личную мантру «Максимальное значение, минимум средств».

23. Армин Хофман

Чтобы бороться с «тривиальностью цвета», он создал множество плакатов, подчеркивающих экономное использование цвета и типографики.

Армин был назван «легендой швейцарского дизайна».

Нью-Йоркский музей современного искусства, например, показал его плакаты как произведения искусства. ‍

Armin Hofmann Прочный, чистый и продуманный дизайн вдохновлял поколения дизайнеров прошлого и настоящего.

Будучи примером эффективного, нестареющего и добросовестного швейцарского дизайна, работы Хофмана отражают эти идеалы.

24. Йозеф Мюллер-Брокманн

Йозеф Мюллер-Брокманн был швейцарским графическим дизайнером, писателем и педагогом. Он был директором Muller-Brockmann & Co.

Он известен своими простыми, но впечатляющими проектами.

Его работа воплощает в себе сущность швейцарского дизайна с геометрическими формами, четкими шрифтами без засечек и яркой цветовой палитрой.

Одним из важных вкладов Мюллера-Моста Брокманна в графический дизайн является система сетки, которую он помог создать и популяризировать.

Дизайнеры во всем мире продолжают ежедневно полагаться на этот инструмент проектирования .

25. Сеймур Чваст

Сеймур Чваст — американский графический дизайнер, иллюстратор и дизайнер шрифтов, прославившийся благодаря своим уникальным рисункам.

Ему приписывают создание современного дизайна и иллюстраций.

Он стремился объединить две дисциплины смелыми, красочными способами, которые резко контрастировали с эстетикой швейцарского дизайна.

По данным AIGA, Чваст помог разработать новую философию дизайна, основанную на «знании, восхищении и повторном применении прежних стилей и форм».

Трудно переоценить вклад Чваста в графический дизайн , как с точки зрения его визуальной работы, так и с точки зрения его нетрадиционного подхода.

Выводы

Есть несколько человек, которых вы должны знать, если хотите работать графическим дизайнером .

Это дизайнеры, которые оказали огромное влияние на то, как современный мир смотрит на графический дизайн .

Это новаторы, провидцы и первопроходцы в области дизайна.

Кто самые популярные графические дизайнеры?

От известных художников обложек книг до дизайнеров логотипов и всех, кто между ними, наш список дизайнеров действительно представляет широту бизнеса .

Несмотря на то, что они прибыли из разных уголков мира, их имена и произведения стали широко известны и признаны во всем мире.

Как творческий человек, я надеюсь, что этот список самых известных графических дизайнеров и их вклад в индустрию вдохновили вас.

Помните, что они не получают свою популярность и репутацию в мгновение ока; вместо этого они очень много работают над этим .

Кроме того, вы также можете ознакомиться с другой моей статьей, в которой я представил лучших дизайнеров знаковых логотипов, которым следует .

Теперь, когда я закончил выделять лучших графических дизайнеров всех поколений , кто из них вам больше всего нравится? — Оставьте комментарий ниже.

Другие связанные статьи:

• 19 ИЗОНИЧНЫЕ ЛОГОПИОННЫЕ ДИЗАЙНЕРЫ
• Лучшие книги графического дизайна
• БЕСПЛАТНЫЙ Графический дизайн курсов

35 Знаменитые графические дизайнеры.

Вам нужен9 9. И мы предполагаем, раз вы здесь, вы тоже любите графический дизайн. Это означает, что мы все тоже любим графических дизайнеров — в конце концов, именно они создают дизайн. Хотя мы считаем, что все дизайнеры, независимо от того, на каком этапе своей карьеры они находятся, должны быть отмечены, есть некоторые известные дизайнеры, которых должен знать каждый!

Мы спросили жителей Шиллингтона, наших студентов, выпускников и преподавателей об их любимых дизайнерах — прошлых или настоящих — и составили этот удобный список. Мы вышли за рамки обычного списка сильных ударов: есть победители наград, члены Зала славы, носители Олимпийского огня, дудлеры Google, Черные пантеры, мастера по изготовлению бумаги и многое другое. Итак, если вы ищете вдохновения или просто хотите удивиться, тогда читайте!

Карьера Гейл Андерсон очень впечатляющая — она работала в Rolling Stone, The Boston Globe, Random House и в настоящее время является партнером Anderson Newton Design. Кроме того, она также преподает в Школе визуальных искусств, публикуется в журнале Imprint and Uppercase и является соавтором множества книг, в том числе The Typographic Universe, American Typeplay и New Modernist Type. Настоящий центр дизайна, ее работы на протяжении многих лет остаются впечатляющими и, безусловно, достойны внимания. Мы не единственные, кто так считает — Андерсон также получил множество наград от крупных организаций, включая AIGA и Клуб директоров шрифтов, и это только две. Первый из них наградил ее медалью за заслуги перед жизнью в 2008 году. Ее работы также находятся в постоянных коллекциях нью-йоркского Музея дизайна Купера Хьюитта, Библиотеки Конгресса и Архива дизайна Милтона Глейзера. Она также самопровозглашенная накопительница с коллекциями солонок и перечниц, крышек от бутылок, мексиканских крестов и чугунных игрушек.

Hey Studio и ее креативный директор Вероника Фуэрте находятся в авангарде барселонского и мирового дизайна с момента своего основания в 2007 году. В течение последних 14 лет Фуэрте создает прекрасные работы, которые стали частью ее дома. город. В каталонской столице даже заклеймили Рождество! Фуэрте и ее команда в Hey работают над художественным оформлением, брендингом, упаковкой, кампанией, иллюстрацией, печатью, типографикой и цифровыми технологиями. Они также работали с глобальными брендами, такими как Uniqlo и Huawei, а также с независимыми небольшими барселонскими брендами, такими как Caravelle и мадридская Hola Coffee. В довершение всего, Хей открыл магазин в Готическом квартале Барселоны в 2019 году..

Если вы не знаете его имени, вы наверняка видели некоторые из работ Родриго Коррала — он разработал более 500 обложек для книг от Джона Грина «Ошибка в наших звездах» до «Расшифрованного» JAY Z. Коррал из Нью-Йорка является одним из самых плодовитых дизайнеров книжных обложек последнего времени, создавая обложки для книг, получивших Пулитцеровскую премию, и гигантов американской и международной литературы. Помимо обложек своих книг, Коррал также является креативным директором Farrar, Straus & Giruoux и руководит собственной одноименной студией. Он читает лекции в своей альма-матер, Школе визуальных искусств и других колледжах по всей Америке.

Эмори Дуглас наиболее известен своей работой в качестве министра культуры Американской партии черных пантер в период с 1967 по 1980 год. В течение этих тринадцати лет он курировал художественное руководство газеты организации «Черная пантера». Его невероятные знания в области дизайна, производства, печати и иллюстраций помогли распространить информацию о BPP и сыграли важную роль в ее успехе — поиске новых способов распространения информации. Помимо газеты, он также выпускал газеты, которые были расклеены по всему району залива, где проживали Дуглас и его партия, а также в Америке, снова распространяя информацию о Пантерах и вербовав новых членов. Работа Дугласа стала такой же революционной, как и сама организация — он использовал иллюстрации, надписи, коллажи и карикатуры для создания запоминающихся работ, которые действительно выдержали испытание временем.

Теа Аглоу — креативный директор творческой лаборатории Google в Сиднее, поэтому вы можете себе представить, что ее работа тесно связана с цифровыми технологиями. Работа Теа в Creative Lab Google в основном связана с работой с культурными организациями, такими как Сиднейская биеннале, Британский музей и Adelaide Fringe, для проведения цифровых экспериментов. Работая с продюсерами, разработчиками и коллегами-дизайнерами, она стремится создавать работы, которые интригуют и учат других. Еще в 2018 году компания Deloitte признала Чай одним из австралийских лидеров #OUT50 LGBTQ. Она также является автором сборника «Громко и гордо», в котором собраны невероятные, изменяющие мир выступления сообщества ЛГБТК+ и его союзников.

Мы не знаем многих известных графических дизайнеров, чья работа началась на новоселье. Но еще в 2009 году импровизированная установка мела Даны Танамачи на вечеринке в Бруклине привела к комиссии Google, возрождению тенденции меловых надписей и процветающей карьере Танамачи. Индивидуальная типографика и иллюстрация стали названием игры, и вскоре она открыла собственную специализированную студию, работающую с редакционными, лайфстайл-брендами, продуктами питания и модными брендами. С тех пор она работала в огромном количестве различных компаний по всему миру, включая, помимо прочего, Nike, Penguin и Instagram. Она также создавала обложки для O, HOW и культового журнала TIME.

Люк Чойс проработал в индустрии дизайна 15 лет, начав работать в ведущих агентствах Лондона, Сиднея и Нью-Йорка. Тем не менее, желая полностью погрузиться в свой собственный стиль и создать что-то, что он действительно может назвать своим, он основал Velvet Spectrum в 2014 году. Choice всегда был большим поклонником комиксов и мультфильмов, и это видно по его работам. Его портфолио полно подробных рассказов, переплетающихся с инновационными, красочными иллюстрациями и творениями. Мечтательные вещи. Choice и Velvet Spectrum создали проекты для American Express, Samsung и Adobe Max.

Типографика — это название игры для венесуэльского дизайнера Изабель Урбины Пенья. Она руководит собственной студией в Бруклине, которая занимается надписями, обложками и дизайном книг, дизайном шрифтов и брендингом. Список ее клиентов также впечатляет. Сюда входят The New York Times, BuzzFeed, Refinery29, Нью-Йоркское историческое общество и другие. Пенья любит работать над проектами, имеющими положительное социальное значение, и постоянно работает над тем, чтобы сделать индустрию дизайна более доступной и инклюзивной. Раньше она вела Yes, Equal, базу данных женщин в творческих сферах, которая сейчас заархивирована.

Зипэн Чжу, также известный как Мистер Дэззл, художник, дизайнер и владелец студии DAZZLE Studio и компании по производству товаров для дома и одежды DAZZLE Supply. Работая над брендингом, цифровыми технологиями, анимацией, иллюстрацией, окружающей средой, печатью и упаковкой, Zhu — это чудо дизайна. Он создал вариативные шрифты для Adidas, банки для пива Eliqs ‘Love Spectrum и брендинг для антирасистской, трансфеминистской инициативы Towards Utopia, которая предоставляет искусство, образование и ресурсы. Он также был гостем первого эпизода Pathfinder, собственного подкаста Шиллингтона о дизайне.

Лорен Хом, проживающая в Детройте, но родом из Калифорнии, начала свою удивительную карьеру совершенно незапланированно, когда получала степень по рекламе. Первоначально взяв на себя несколько увлеченных проектов, Хом вскоре превратила свою практику в полноценную и полностью процветающую внештатную практику. Вы наверняка видели работу Лорен, но она работала в Кулинарном институте, Washingtonian, Chobani и многих других, а также создавала шрифты, которыми можно поделиться. Хом также проводит фантастический бесплатный еженедельный конкурс #HOMwork, который она запустила и проводит с 2017 года.0005

Синдисо Ниони — многопрофильный дизайнер из Булавайо (Зимбабве), а также иллюстратор, уличный художник и активист. Ниони работал иллюстратором и арт-директором в рекламной индустрии Южной Африки, а также подрабатывал художником-постером R!OT. Под этим видом его работы публиковались как в Южной Африке, так и за рубежом в США, Великобритании, Испании, Хорватии, Германии и Мексике. Ниони также участвовала в жюри и консультативных комиссиях по дизайну в Африке и была представителем континента на 50-м Всемирном дне коммуникационного дизайна Icograda в 2013 году.

Креативная Шона Х из Нью-Йорка работает в цифровом, пространственном и динамическом направлениях, а это означает, что ее зажигательные, яркие работы за последние несколько лет украсили множество различных пространств. С экранами, автомобилями, досками для серфинга и даже гигантским анимированным рекламным щитом для Samsung на всемирно известной Таймс-сквер в Нью-Йорке работа X никогда не уклоняется от работы. Помимо Samsung, она также работала в Adidas, Dr Martens, OKCupid, Squarespace и Музее пиццы. С таким бесспорно впечатляющим составом вы определенно видели работу X где-то за последние несколько лет, будь он фанатом пиццы или нет.

Родившийся в Барселоне и живущий в Бруклине Алекс Трочут, безусловно, известный графический дизайнер, который заслуживает того, чтобы быть в этом списке. В своей работе, которая включает в себя дизайн, типографику и иллюстрацию, он любит смешивать стили и жанры, часто вдохновляясь одновременно поп-культурой, уличной культурой, модой и музыкой. Это явно окупается, он работал с гигантами спортивной одежды Nike и Adidas, газетами The Guardian и The New York Times и международными компаниями по производству напитков Coca Cola и Pepsi. Помимо своей более корпоративной работы, Трочут также работал с некоторыми из крупнейших групп мира. А именно The Rolling Stones, Arcade Fire и Vampire Weekend, для которых он разработал визуальный язык.

Лучший графический дизайнер и арт-директор Габби Лорд — это имя, которое, мы уверены, вы узнаете — если не за ее потрясающую работу, то определенно за ее совершенно фантастический информационный бюллетень OMGLORD. В последнем она еженедельно делится своими мыслями о дизайне и творчестве, а также делится некоторыми полезными ресурсами для своих творческих коллег. В своей дизайнерской работе, которая сосредоточена преимущественно на брендинге, она стремится создавать демократичные и стратегические ответы на брифы, решая проблемы способами, которые вы никогда не ожидаете. Помимо своей дизайнерской практики и информационного бюллетеня, Лорд также основала и курирует Broads Down Under, базу данных женщин и небинарных людей в индустрии дизайна Австралии, которая способствует представительству и равным возможностям.

Британский дизайнер, арт-директор, иллюстратор и художник Кейт Моросс руководит собственной студией Studio Moross с 2012 года. для подкаста Spotify Renegades: Born in the USA, организованного Бараком Обамой и Родом Стюартом, а также постановку, мерч и постеры для камбэк-тура Spice Girls 2019. Другими словами, влияние Моросса на то, как выглядит музыкальный мир в последние годы, было ОГРОМНЫМ. Помимо дизайнерской работы, Моросс также снял музыкальные клипы для Jessie Ware, Simian Mobile Disco и других. Интересно, что они также пронесли Олимпийский огонь через Льюишем, Южный Лондон, перед лондонскими Олимпийскими играми 2012 года.

Лета Соберайски — дизайнер из Нью-Йорка, которая создает свои уникальные работы, сочетая традиционный графический дизайн с фотографией, искусством и стилем. Управляя дизайн-студией вместе со своим мужем и соавтором Уэйдом Джеффри, Соберайски работает в самых разных областях — от брендинга и арт-директорства до инсталляций и видео. Она работала с самыми разными клиентами, такими как Tate Britain в Лондоне, AIGA Eye on Design Conference и модными домами Gucci и Comme Des Garçons. Ее уникальный стиль и процессы означают, что ее работы выделяются и мгновенно узнаваемы.

Несмотря на то, что в свое время Аарон Дуглас был известен как художник, многие работы, созданные Аароном Дугласом, теперь будут считаться графическим дизайном. Ключевой игрок в движении Гарлемского Возрождения, Дуглас умело смешал понятия ар-деко и ар-нуво с коннотациями африканских масок и танцев. Однако в своем иллюстративном стиле он оторвался от этих традиций и четко передал свое африканское наследие, в конечном итоге разработав отчетливо африканский и афроамериканский стиль дизайна. Дуглас также был постоянным участником ночной жизни Черного Гарлема, что вдохновило его на творчество и привело к его фрескам, украшающим стены многих заведений Гарлема. Его лучше всего помнят по его иллюстрациям к «Новому негритянскому движению» Алана Локка и эпической поэме Джеймса Уэлдона Джонсона «Божий тромбом», а также по его фрескам «Аспекты негритянской жизни» для филиала Нью-Йоркской публичной библиотеки на 135-й улице.

Родом из Колумбии, но сейчас живущий и занимающийся дизайном в Тасмании, Джо Рока является креативным директором For The People, брендингового агентства со студиями в Сиднее, Перте и Тасмании. Они также выиграли студию года AGDA в 2019 году! Джо стремится создавать впечатляющие дизайнерские работы, а не шумиху, понимая, какое влияние дизайн может оказать на некоммерческие организации. Она пришла к этому пониманию, работая над ребрендингом Сиднейского приюта для кошек и собак, который ловко отражает всех животных прошлого, настоящего и будущего, которые проходят через приют, в логотипе и брендинге. Это 3000 животных в год — для сравнения.

Луиза Фили руководит собственной студией дизайна с 1989 года, поэтому она некоторое время была в игре — она даже была наставником Даны Танамачи, о которой мы говорили выше! Фили и ее студия занимаются брендингом и упаковкой продуктов питания и ресторанов. В список ее клиентов входят Маркус Самуэльссон, известный как Red Rooster, варенье Sarabeth’s, пиццерия Juliana’s Pizza, а также Mermaid Inn и Oyster Bar. До того, как открыть свою студию, Фили также в течение 11 лет была арт-директором Pantheon Books. В Pantheon она разработала обложки для колоссальных 2000 книг. Она также написала и стала соавтором многих книг по типографике на английском и итальянском языках. И, конечно же, такая карьера, как у Фили, не обходится без бесчисленных наград — она является членом Зала славы арт-директоров, имеет награды за выслугу от AIGA и шрифтовых директоров и получила премию Фредерика В. Гуди за Превосходство в типографике.

Стены, упаковка, автомобили, обувь, одежда, книги, журналы, галереи и люди — все они были затронуты дизайном Тимоти Гудмана. Ведущий графический дизайнер, иллюстратор и художник-монументалист Гудман работал с клиентами по всему миру, включая Airbnb, Google и Netflix. Помимо этого, он также написал книгу под названием «Мастерская Sharpie Art Workshop», выпустил линию футболок для Uniqlo и является соавтором пяти сторонних проектов, в том числе «Build Kindness Not Walls» и «Friends With Secrets». Мы уверены, что вы где-то встречали его работы — будь то стена, вышеупомянутые футболки или даже бутылка вина от Aldi.

Покойный японский графический дизайнер Икко Танака создал уникальный стиль графического дизайна. В своей работе он объединил модернистские принципы и японские традиции, создав невероятное количество работ для компаний по всему миру. На протяжении всей своей карьеры он работал с Mazda, Issey Miyake, Hanae Mori и создавал плакаты для культурных учреждений как в своей стране, так и для японских культурных мероприятий по всему миру. Он также был первым креативным директором японской розничной компании Muji, известной своим минималистским подходом к товарам для дома и потребительским товарам без логотипов. Ему приписывают разработку концепции вместе с консультантом по маркетингу Казуко Койке и дизайнером интерьеров Такаши Сугимо.

Родившийся и выросший в «Большом яблоке», Джон Контино уже много лет является одним из основных дизайнеров и брендинговых сообществ. Запуск и креативное руководство собственной брендинговой студией CONTINO. Студия выпускала работы для телевидения, уличной одежды и спорта — недавно они впервые за 30 лет переделали логотип Chicago White Sox. Кроме того, Contino также ведет подкаст The Nose Knows, который описывается как «лекарство от обычного подкаста о дизайне». Он также опубликовал свою первую книгу «Бренд вручную» в 2018 году и проводит Contino Workshop, мастер-класс по написанию букв вручную.

Паула Шер, возможно, является одним из самых влиятельных дизайнеров всех времен, и это имя вам определенно знакомо. Работая в нью-йоркском офисе Pentagram в течение последних 30 лет, Шер была знакома в индустрии с момента ее новаторской работы в The Public Theater в середине 90-х. Ее дизайнерское наследие широко распространено в ее родном городе, США и мире. Среди клиентов она работала с Microsoft, Shake Shack, Музеем современного искусства, Институтом Сандэнс, New York City Ballet, New York City Ballet. Ботанический сад, Мемориальный музей Холокоста в США и Департамент парков и зон отдыха Нью-Йорка. На самом деле ее наследие настолько велико, что она работала в Комиссии по общественному дизайну города Нью-Йорка с 2006 по 2015 год.0005

Австралийский дизайнер Кития Паласкас любит привносить ремесло в свои работы. Используя техники ручной работы и традиционные ремесленные методы, которые она переосмысливает на современный лад, она создает реквизит, инсталляции, контент, иллюстрации и мастер-классы, которые доставляют истинное наслаждение для глаз. Упаковка для шоколада, обложки для альбомов, самоделки, пиньяты и витрины — все это сделано вручную из картона, войлока и других материалов ярких, смелых цветов. Паласкас также очень увлечена тем, что делится своей любовью к культуре ручной работы, особенно в наш цифровой век — она даже опубликовала книгу о ремеслах под названием Piñata Party.

Крейг Олдхэм — британский дизайнер, работающий под вывеской The Office of Craig Oldham. Компания Oldham, гордо проживающая на Севере и базирующаяся в Манчестере, работала в сфере кино, телевидения, искусства, розничной торговли и образования, и это лишь некоторые из них. Некоторые из его более крупных проектов включали работу с футбольным клубом «Манчестер Сити», зоопарком Честера, Creative Review и ребрендингом Brit Awards с иконой моды Вивьен Вествуд. Он также является креативным директором издательства Rough Trade books и опубликовал свою собственную книгу под названием In Loveing ​​Memory of Work, визуальный отчет о забастовке горняков Великобритании в 1919 году.80-е годы.

Ноэми Ле Коз — австралийский дизайнер, которая, по ее словам, стремится превратить удовольствие в функциональность. Ей нравится добавлять в работу ощущение игры, в результате чего получается великолепное портфолио, которое, за неимением лучшего слова, доставляет удовольствие. Ее работа с такими брендами, как Casper, Billie и Smalls, направлена ​​на то, чтобы довести основное сообщение до его самой ясной и свежей визуальной формы, чего она определенно добивается каждый раз. Помимо своей независимой практики, Ле Коз вместе со своим мужем Джереми является половиной творческой студии Little Troop и ранее работала в Pentagram, RoAndCo Studio, Hugo & Marie, Partners & Spade, Google Creative Lab и Apple.

Еще одно имя, которое, как мы знаем, вы слышали раньше, — покойный Сол Басс — легенда в мире дизайна. Он наиболее известен своей работой в киноиндустрии, создавая плакаты и названия фильмов для некоторых из крупнейших режиссеров и фильмов в истории. Два самых известных плаката Басса — это «Головокружение» Альфреда Хичкока и «Сияние» Стэнли Кубрика, созданные с разницей в 20 лет в 1960 и 1980 годах соответственно. И то, и другое до сих пор хорошо помнят и ценят. Помимо своей работы в кино, Басс также был плодовитым дизайнером логотипов, создавшим некоторые из самых широко известных логотипов в американской истории, включая United Airlines, AT&T и Geffen Records.

Панк-дизайнер. Джейми Рид познакомился с Малкольмом Маклареном, наиболее известным как менеджер Sex Pistols, во время учебы в Кройдонской художественной школе в Южном Лондоне, а остальное уже история. Эстетика Рида продолжала формировать британскую панк-сцену в период ее расцвета в 1970-х и 80-х годах. Взяв поп и националистические изображения и объединив их с надписями в стиле записки о выкупе, он создал свою самую известную работу, в частности, обложку песни Sex Pistols «Боже, храни королеву». За последние 50 лет анархист Рейд сохранил свою роль как в дизайне, так и в политике, издавая журналы, объединяющие две его страсти воедино. Его работы можно найти в постоянных коллекциях Тейт и Виктории и Альберта в Лондоне и МоМА в Нью-Йорке.

Луис Пинто — мексиканский графический дизайнер и иллюстратор, живущий и работающий в Гватемале. На его сверхвыразительные и красочные работы повлияли народные сказки, повседневная жизнь, графические романы, история искусства и поп-культура. Этот смешанный набор влияний прекрасно дополняется экспериментами Пинто и использованием различных средств — вместе они создают прекрасное портфолио работ. Он разработал и проиллюстрировал для Google Doodles, Little White Lies, Easyjet, Culture Trip и множество других замечательных клиентов.

Бесспорная королева цвета Мораг Майерскоу — британский дизайнер и художник, возглавляющая свою студию Studio Myerscough. Работу Майерскоу можно охарактеризовать выразительным использованием цвета, часто с использованием неона и других ярких цветов, а также разумным использованием узора. Работая как в 2D, так и в 3D, работы Майерско всегда идеально воплощают ее мантру: «сделай счастливыми тех, кто рядом, и тех, кто далеко придет». Ее инсталляции появились в городах по всему миру, от Лас-Вегаса до Лидса и от Манчестера до Мехико.

Начав свою карьеру в качестве наборщика книг, канадский дизайнер Мариан Бантьес постоянно развивала и совершенствовала свою практику с тех пор, как присоединилась к миру фриланса в 2003 году. формы букв и декоративный дизайн появились в публикациях и на плакатах по всему миру. Несмотря на органичность и плавность для невооруженного глаза, работа Бантьес также имеет основную структуру и формальность, которые позволяют ее работам иметь расцвет, которым она стала известна. Именно это смешение формальности и расцвета сделало творчество Бантьеса таким влиятельным, каким оно является сегодня.

Основатель и креативный директор &Walsh, невероятная Джессика Уолш руководит одной из самых известных в мире студий — одной из 36 студий, возглавляемых женщинами в Америке. Трудно смотреть на последние десять лет графического дизайна, не глядя на Джессику Уолш. Еще в 2010 году Стефан Загмайстер нанял ее в свою студию, которая тогда называлась Sagmeister Inc. Два года спустя, в возрасте 25 лет, Уолш помогал вести шоу, став партнером, и появилась компания Sagmeister & Walsh. Семь лет спустя она основала компанию &Walsh, и с тех пор их продукция неуклонно растет. Уолш даже нанял выпускницу школы Шиллингтон Мельбурн Стефани Халованик в свою команду в &Walsh. Уолш также является основателем Ladies, Wine & Design, сообщества женщин-творцов с 273 отделениями по всему миру на шести континентах (единственным недостающим является Антарктида).

Австрийский графический дизайнер Штефан Загмайстер наиболее известен своими работами в музыкальной индустрии. Он разработал обложки альбомов для некоторых из самых популярных групп всех времен, включая The Rolling Stones, Лу Рида, JAY Z и Aerosmith. Он получил две премии «Грэмми» за работу с Talking Heads и Брайаном Ино в 2005 и 2010 годах соответственно. Он руководил Sagmeister Inc. с 1993 по 2011 год, прежде чем сделать вышеупомянутую Джессику Уолш партнером и сформировать компанию Sagmeister & Walsh, которой они управляли вместе до 2019 года.. В прошлом году австрийская национальная газета Die Presse назвала его австрийцем года.

Unknown Pleasures, альбом Joy Division, для которого Питер Сэвилл разработал обложку, возможно, является одним из самых воспроизводимых произведений графического дизайна. Его наносили на футболки, пляжные полотенца, тарелки и всю коллекцию Raf Simons. Его также пародировали как сцену из «Симпсонов» и как донер-кебаб, но имитация — самая искренняя форма лести, верно? Однако все это не должно умалять значимости Сэвилла. Его работа над дизайном для Manchester’s Factory Records сформировала эру как дизайна, так и музыки. Работы Сэвилла были представлены на собственной выставке в лондонском Музее дизайна в 2003 году.

Добавить комментарий Отменить ответ

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *

Комментарий *

Имя *

Email *

Сайт