Искусство постмодерна: Postmodern Art — Definition, History, Artists, Artworks

Искусство постмодернизма (Postmodernist art) — Художники, фотографы и скульпторы со всего света

«Постмодернизм» — это не движение, это общее отношение. Не существует согласованного перечня характеристик, определяющих «постмодернистское искусство»

Что такое постмодернистское искусство?

Термин «постмодернистское искусство» относится к широкой категории современного искусства, созданного примерно с 1970 года. Отличительной чертой «постмодернистского искусства» является его неприятие эстетики, на которой основывался его предшественник — «современное искусство» или «модертистское искусство» (1870-1970). Одной из этих отвергнутых ценностей является идея о том, что «искусство» — это нечто «особенное», которое должно быть «возвышено» над популярным вкусом. Совпадая с множеством новых технологических разработок, постмодернизм привел к почти пяти десятилетиям художественных экспериментов с новыми медиа и новыми формами искусства, включая «Концептуальное искусство», различные виды «Исполнительского искусства» и «Инсталляционного искусства», а также компьютерные движения, такие как Деконструктивизм и Проекционное искусство. Используя эти новые формы, художники-постмодернисты расширили определение искусства до такой степени, что почти «все идет».

К сожалению, большинство статей о постмодернизме полны сложных слов, таких как «современность» (не то же самое, что модернизм) и «постмодернизм» (отличается от постмодернизма), «метамодернизм» (от постмодернизма, но не часть его) и «Пост-постмодернизм». Поэтому вместо того, чтобы использовать жаргон, позвольте мне привести простой пример дресс-кода, который поможет вам понять «постмодернистское искусство» и то, чем оно отличается от «современного искусства» и его еще более раннего предшественника «академического искусства».

Первым крупным стилем искусства после эпохи Возрождения было академическое искусство, классическое искусство, которое преподавали профессора в Академиях. Академическое искусство — это художественный эквивалент традиционного «костюма и галстука». Далее, примерно в 1870 году, идет «современное искусство». Это художественный эквивалент «рубашки и брюк» или «куртки и брюк». Затем, примерно в 1970 году, появляется «постмодернистское искусство», которое является художественным эквивалентом «джинсов и футболки». Точно так же, как дресс-коды стали менее формальными и более «все идет», так и сегодняшние художники меньше впечатлены старыми идеями о том, каким должно быть искусство, и больше сосредоточены на создании чего-то (чего угодно), что привлекает внимание.

Но неформальная одежда, такая как джинсы и футболки, стала популярной только потому, что само общество стало менее формальным. Точно так же, как мы увидим, «постмодернистское искусство» является частью более широкого потока технологических, политических и социальных изменений на Западе, которые привнесли много новых взглядов и новых типов поведения. Полное влияние Интернета, например, на поиск и распространение художественных образов, а также на создание прикладного искусства и дизайна, еще предстоит ощутить. Но поскольку она уже произвела революцию в музыкальной индустрии, ее влияние на мир искусства вряд ли затянется надолго.

Определение постмодернистского искусства

Если вам действительно нужно определение постмодернистского искусства в одном предложении, вот оно:

Стиль искусства после 1960-х годов, который отверг традиционные ценности и политически консервативные предположения своих предшественников в пользу более широкой, более развлекательной концепции искусства, использующей новые художественные формы, обогащенные видео и компьютерными технологиями.

Чем постмодернизм отличается от современного искусства

В чем разница между постмодернистским искусством и современным искусством? На практике эти два термина более или менее взаимозаменяемы. Однако, технически говоря, «постмодернистское искусство» означает «после модерна» и относится к фиксированному периоду (скажем, 50 лет), начинающемуся примерно с 1970 года, тогда как «современное искусство» относится к движущемуся 50-летнему периоду непосредственно перед настоящим. На данный момент эти два периода совпадают. Но в 2050 году, например, «искусство постмодерна» (1970-2020) сменится другой эпохой, в то время как «современное искусство» теперь будет охватывать период 2000-2050 годов. Так что эти двое будут расходиться.

Чем постмодернизм отличается от позднего модернистского искусства

В изобразительном искусстве термин «поздний модернизм» относится к движениям или тенденциям, которые отвергают некоторые аспекты «современного искусства», но в остальном остаются в рамках модернистской традиции. Такие стили, как абстрактный экспрессионизм (1948-65), практиковались рядом радикальных современных художников, в том числе Джексоном Поллоком, изобретателем универсальной живописи действия, и Виллемом Де Кунингом, оба из которых отвергли многие формальные условности масляной живописи. И все же ни Поллок, ни де Кунинг не создали бы ничего подобного Стираному рисунку де Кунинга Раушенберга (1953, Музей современного искусства Сан-Франциско), поскольку оба оставались убежденными сторонниками модернистских концепций подлинности и смысла. Аналогичным образом, последователи постмодернистских движений, таких как современный реализм (1970-е годы и далее) и неоэкспрессионизм (1980-е годы и далее), также включали многочисленных художников, которые работали в модернистской, а не постмодернистской манере. С точки зрения дресс-кода, поздний модернизм является художественным эквивалентом «рубашки и брюк», но в ярко-желтом цвете.

Фон

«Современное искусство» обычно ассоциируется с веком 1870-1970-х годов — примерно от импрессионизма до поп-арта. Несмотря на несколько глобальных катастроф — Первую мировую войну (1914-18), Пандемию гриппа (1918-19), Вторую мировую войну (1939-1945), которые подорвали многие моральные устои той эпохи, современные художники в целом сохранили веру в фундаментальные научные законы разума и рационального мышления. Вообще говоря, как и большинство жителей Запада того периода, они верили, что жизнь имеет смысл; что научный прогресс автоматически был хорошим; что христианский Запад был выше остального мира; что мужчины были выше женщин. Модернисты также верили в значение, актуальность и развитие искусства, особенно изобразительного искусства и архитектуры. Следуя по стопам Леонардо и Микеланджело, они верили в «высокое искусство» — искусство, которое возвышает и вдохновляет образованного зрителя, — а не в «низкое искусство», которое просто развлекает или развлекает массы. Они придерживались дальновидного подхода, рассматривая искусство как нечто, что должно постоянно развиваться, возглавляемое ведущей группой художников-авангардистов.

Вторая мировая война и еврейский холокост перевернули все с ног на голову. Париж внезапно сменился Нью-Йорком как столицей мирового искусства. После Освенцима все изобразительное искусство — за исключением искусства Холокоста — внезапно оказалось неуместным, поэтому современные художники вместо этого обратились к абстрактному искусству (хотя и наполненному эмоциями, символизмом или анимацией), чтобы выразить себя. Удивительно, но в 1950-х годах Нью-Йоркская школа, в которой представлены картины Джексона Поллока, а также более спокойная цветовая живопись Марка Ротко, возглавила временное возрождение искусства по обе стороны Атлантики. Этим художникам-авангардистам удалось переопределить рамки абстрактных картин, но они остались в рамках модернизма. Они верили в создание подлинных, законченных произведений искусства с важным содержанием.

Но «модернистская» эпоха неумолимо приближалась к концу. Расширяющиеся разоблачения Холокоста, испытания атомных бомб, Кубинский ракетный кризис (1962 год) и война во Вьетнаме (с 1964 года) привели к тому, что люди все больше и больше разочаровывались в жизни (и искусстве). Уже в середине 50-х годов Джаспер Джонс и Роберт Раушенберг создали первые постмодернистские работы в стиле нео-Дада и поп-музыки. Вскоре мейнстрим поп-арта возвестит о наступлении собственно постмодернизма, поскольку американские телевизионные сети сосредоточились на наступлении Тет-а-тет 1968 года и хаотичном Демократическом съезде в Чикаго.

ПРИМЕЧАНИЕ: В архитектуре 20 века ситуация была несколько иной. На современный дизайн здания повлияло желание создать совершенно новый стиль для «современного человека». Архитекторы-модернисты хотели устранить все исторические отсылки и создать что-то совершенно новое. (Так что никаких греческих колонн, арок в готическом стиле или любых других напоминаний о «прошлых» стилях. ) Это привело к международному стилю архитектуры (1920-70), минималистской идиоме скучной регулярности, приправленной поистине ужасным брутализмом (бетонные многоквартирные дома с крошечными окнами). К счастью, примерно с 1970 года архитекторы-постмодернисты начали заново гуманизировать архитектуру 20 века, проектируя сооружения с интересными особенностями, заимствованными из популярной культуры и более традиционных стилей.

Характеристики постмодернизма

«Постмодернизм» — это не движение, это общее отношение. Таким образом, не существует согласованного перечня характеристик, определяющих «постмодернистское искусство». Но мы должны с чего-то начать, поэтому вот несколько выбранных указателей.

Общая идеология

Постмодернизм отражает широко распространенное разочарование в жизни, а также способность существующих систем ценностей и/или технологий осуществлять благотворные изменения. В результате авторитет, опыт, знания и выдающиеся достижения были дискредитированы. Художники теперь гораздо более настороженно относятся к «большим идеям» (например, весь «прогресс» хорош). Самое главное, «модернистское искусство» рассматривалось не только как элитарное, но и как белое, в котором доминируют мужчины и не заинтересованы меньшинства. Вот почему постмодернизм защищает искусство художников Третьего мира, феминисток и меньшинств. Однако критики говорят, что, несмотря на предполагаемый «отказ» от больших идей, у постмодернистского движения, похоже, есть много собственных больших идей. Примеры включают: «все виды искусства одинаково важны»; «искусство может быть сделано из чего угодно»; «демократизация искусства — это хорошо» (как насчет демократизации хирургии головного мозга?).

Перефразируя Энди Уорхола, «любой может стать знаменитым в течение 15 минут». Эта идея, как никакая другая, подводит итог эпохе постмодернизма. Столкнувшись с новым бессмысленным миром, постмодернистский ответ был:

Ладно, давай поиграем с этой ерундой. Мы признаем, что жизнь и искусство больше не имеют никакого очевидного внутреннего смысла, но что с того? Давайте поэкспериментируем, сделаем искусство более интересным и посмотрим, к чему это приведет. Кто знает, может быть, мы сможем прославиться на 15 минут!

Художественное образование

Постмодернизм изменил образовательные приоритеты во многих художественных колледжах. В 1970-е годы искусство живописи (и в меньшей степени скульптуры) считалось изношенным. Кроме того, идея работать в течение четырех лет, чтобы овладеть необходимыми навыками этих традиционных изобразительных искусств, считалась регрессивной. Считалось, что искусство должно быть освобождено от элиты и открыто для публики, поэтому художественные школы начали выпускать выпускников нового типа — тех, кто знаком с мгновенными формами в стиле постмодернизма, а также с основными технологиями производства. В двух словах, индивидуальное «творчество» считалось более важным, чем накопление навыков ремесленника.

Использование технологий

Эпоха «постмодернистского искусства» совпала с появлением нескольких новых технологий, основанных на изображениях (например, телевидение, видео, трафаретная печать, компьютеры, Интернет), и они принесли огромную пользу. Новый диапазон видео- и фотографических изображений снизил важность навыков рисования, и, манипулируя новыми технологиями, художники (особенно те, кто занимается новыми медиа, такими как инсталляция, видео и искусство на основе объективов) смогли сократить традиционные процессы, связанные с «созданием искусства», но все же создать что-то новое. Это иллюстрируется документальной фотографией Дианы Арбус, посвященной представителям меньшинств в Нью-Йорке, и видеоартом корейско-американского Нам Джун Пайка (1932-2006).

Постмодернистский акцент на популярной/низкой культуре

Термин «высокая культура» часто используется искусствоведами, когда они пытаются отличить «высокую культуру» живописи и скульптуры (и других изобразительных искусств) от «низкой» популярной культуры журналов, телевидения, криминального чтива и других товаров массового производства. Модернисты вместе со своими влиятельными сторонниками, такими как Клемент Гринберг (1909-94), считали, что низкая культура уступает высокой культуре. Напротив, постмодернисты, которые выступают за более «демократическую» идею искусства, считают «высокую культуру» более элитарной. Таким образом, поп-арт — первое постмодернистское движение — сделал искусство из обычных потребительских товаров (гамбургеры, банки супа, пакеты с мыльным порошком, комиксы), которые были мгновенно узнаваемы публикой. Поп-артисты и другие пошли еще дальше в своих попытках демократизировать искусство, печатая свое «искусство» на кружках, бумажных пакетах и футболках: метод, который, кстати, иллюстрирует стремление постмодернистов подорвать оригинальность и подлинность искусства.

Смешение жанров и стилей

Со времен Нео-Дада постмодернистам нравилось смешивать вещи — или вводить новые элементы в традиционные формы — для создания новых комбинаций и стилизаций. Фернандо Ботеро создает картины в примитивном стиле с изображением тучных фигур; Георг Базелиц рисует перевернутые фигуры. Герхард Рихтер объединил операторское искусство и живопись в своих «фото-картинах» 1970-х годов, в то время как Джефф Кунс объединил потребительские образы (формы воздушных шаров) с высокопрофессиональными скульптурными техниками для создания своих поп-скульптур из воздушных шаров (1994-2000). Тем временем Андреас Гурски сочетает фотографию с компьютерными изображениями для создания таких работ, как Rhein II (1999, MOMA, Нью-Йорк), в то время как Джефф Уолл использует цифровой фотомонтаж в своих постмодернистских живописных творениях.

Постмодернистская многозначность

Художники постмодерна отказались от идеи, что произведение искусства имеет только одно присущее ему значение. Вместо этого они считают, что зритель является не менее важным судьей смысла. Сюрреалистическая фотография Синди Шерман, например, подчеркивает идею о том, что произведение искусства можно интерпретировать по-разному. Действительно, некоторые художники, такие как художник-перформанс Марина Абрамович (р.1946), даже разрешают зрителям участвовать в их «произведениях искусства» или даже требуют вмешательства зрителей, чтобы завершить свою работу.

Удовлетворение потребностей потребителей

Рост потребительства и мгновенного удовлетворения за последние несколько десятилетий 20-го века также оказал огромное влияние на изобразительное искусство. Потребители теперь хотят новизны. Они также хотят развлечений и зрелищ. В ответ многие художники-постмодернисты, кураторы и другие профессионалы воспользовались возможностью превратить искусство в «развлекательный продукт». Например, внедрение новых видов искусства, таких как перформансы, хеппенинги и инсталляции, наряду с новыми предметами, включая такие вещи, как мертвые акулы, умирающие мухи, огромные ледяные скульптуры, толпы обнаженных тел, здания, которые, кажется, находятся в движении, коллекция из 35 000 терракотовых фигур, острова, завернутые в розовую полипропиленовую ткань, раскрашенные тела, жуткие проекционные изображения на общественных зданиях и т. Д., Предоставили зрителям целый ряд новых (иногда шокирующих) впечатлений. Являются ли эти новые так называемые формы искусства на самом деле «искусством», остается горячо обсуждаемым вопросом. Постмодернистские концептуалисты говорят «Да», традиционалисты говорят «Нет».

Сосредоточьтесь на зрелище

В отсутствие какого-либо реального смысла жизни — особенно когда нас день и ночь бомбардирует радио- и телереклама, в то же время вынуждая слушать политиков, объясняющих, что два плюс два равно трем, — постмодернисты предпочли сосредоточиться на стиле и зрелище, часто используя рекламные материалы и методы для максимального воздействия. Примером такого подхода являются методы коммерческой печати, изображения в стиле рекламных щитов и основные цвета поп-художников, таких как Рой Лихтенштейн и Джеймс Розенквист. Этот акцент на поверхности является повторяющейся особенностью постмодернистского искусства и иногда выходит за рамки мелодраматических, ослепительных, даже шокирующих образов. Посмотрите, например, модную фотографию Ника Найта и Дэвида Лашапеля. С 1980 года использование компьютерных и других технологий произвело революцию в мультимедийном искусстве (например, анимации) и создало особые возможности в таких областях, как архитектура и проекционное отображение.

Важность, которую постмодернизм придает привлечению внимания аудитории, прекрасно иллюстрируется шоковой тактикой группы студентов Колледжа Голдсмитов, известных как Молодые британские художники, в Лондоне в конце 1980-х и 1990-х годах. Ставшие известными благодаря трем выставкам — Freeze (1988) и Modern Medicine (1990), куратором которых был неизвестный студент по имени Дэмиен Херст (р. 1965), и Sensation (1997) — YBA были раскритикованы за их шокирующий дурной вкус, и все же некоторые (Рэйчел Уайтред, Дэмиен Херст, Дуглас Гордон, Джиллиан Вир, Крис Офили, Стив Маккуин, Марк Уоллингер) стали лауреатами премии Тернера, в то время как другие (Джейк и Динос Чепмен, Трейси Эмин, Марк Куинн и Дженни Сэвилл) также добились значительной славы и успеха. фортуна.

Три принципа «Постмодернистского искусства»

1. Мгновенный смысл

Больше никаких выцветших картин маслом, изображающих непонятные события из греческой мифологии, чтобы вызвать понимающую улыбку у образованных зрителей. С самого своего зарождения в движении поп-арта постмодернистская живопись и скульптура были смелыми, яркими и мгновенно узнаваемыми. Темы и изображения были заимствованы в основном из популярных потребительских товаров, журналов, рекламной графики, телевидения, фильмов, мультфильмов и комиксов. Впервые все поняли искусство, представленное на выставке. Хотя постмодернизм эволюционировал со времен поп-арта, ключевой целью остается мгновенное признание.

Однако некоторые произведения «постмодернистского искусства» более «мгновенно поняты», чем другие. Возьмем, к примеру, Эквивалент 1 (1966, Художественный музей, Базель) Карла Андре (р.1935). Это одно из тех произведений искусства, которые должны быть объяснены экспертом, прежде чем их можно будет оценить. Это постмодернистская минималистская скульптура, состоящая из 120 обычных строительных кирпичей. Кирпичи укладываются друг на друга на полу в два слоя по 60 кирпичей, расположенных в точной прямоугольной конфигурации из трех блоков по двадцать блоков. На первый взгляд этот шедевр современного искусства выглядит как нечто, что вы могли бы увидеть на супер-аккуратной строительной площадке. К счастью, каталог вашей художественной галереи говорит вам, что Андре принял радикальное решение сделать искусство плоским на полу в 1965 году, когда катался на каноэ по озеру в Нью-Гэмпшире, и что эта величественная груда кирпичей иллюстрирует его художественное кредо «форма = структура = место». Как оказалось, первоначальный эквивалент 1 был «уничтожен» в 1966 году и «переделан» в 1969 году. (Может быть, им для чего-то понадобились кирпичи).

2. Искусство может быть сделано из чего угодно

Продолжая традиции Марселя Дюшана, чей писсуар под названием «Фонтан» (1917) был первым известным примером превращения обычного предмета в произведение искусства, постмодернисты взяли за правило создавать произведения искусства из самых невероятных материалов и обрывков мусора. Смотрите: Мусорное искусство. Скульпторы, инсталляционисты и художники-ассамбляжи создавали произведения искусства из промышленного металлолома, противогазов, войлока, человеческих черепов, человеческой крови, дохлых мух, неонового освещения, поролона, банок из-под супа, бетона, резины, старой одежды, слоновьего навоза и многого другого. Идея этого состоит в том, чтобы демократизировать искусство и сделать его более доступным.

3. Идея имеет большее значение, чем само произведение искусства

Вообще говоря, вплоть до 1960-х годов художники (включая Пикассо, Поллока и Лихтенштейна) считали, что без готового продукта ничего не было. Поэтому огромное внимание уделялось качеству готового произведения искусства и мастерству, необходимому для его изготовления. Сегодня все по-другому. Постмодернисты, как правило, сильнее верят в концепцию, лежащую в основе готового продукта, чем в сам продукт. Вот почему многие «постмодернистские произведения искусства» известны как «Концептуальное искусство» или «Концептуализм». Примером этого нового подхода является концептуальное произведение (список инструкций) Мартина Крида под названием «227: Включение и выключение света» (2001), которое получило премию Тернера в 2001 году. Другие формы концептуализма без продукта включают инсталляции (которые, в конце концов, являются чисто временными делами), перформанс, хеппенинги, проекционное искусство и так далее.

Возможно, лучшим примером концептуального искусства стала выставка, состоявшаяся в марте 2009 года во французском Национальном музее современного искусства в Центре Помпиду в Париже. Озаглавленная «Специализация чувствительности в состоянии сырья в Стабилизированную изобразительную чувствительность», она состояла из девяти совершенно пустых комнат и ничего больше.

Похожие сообщения:

Искусство в эпоху постмодерна — Newartdom

Онлайн-школа современного искусства NEWARTDOM — это образовательная платформа, созданная успешными практикующими художниками, кураторами, теоретиками и дизайнерами. Мы предлагаем курсы, модули курсов, а также три годовые программы обучения, которые познакомят вас с актуальным состоянием российского и зарубежного искусства и помогут интегрироваться в международную арт-среду.

• мы предлагаем индивидуальное системное образование, основанное на свободе выбора и ответственном планировании
• только живые занятия, индивидуальный подход и небольшие группы до 15 студентов — все как в школе или университете, только удаленно
• многолетний преподавательский опыт в Северной Америке и сотни успешных учеников
• интердисциплинарный подход к образованию 
• наша школа — это новаторское авторское высказывание в области художественного обучения, которое не имеет аналогов

Наши курсы делятся на три блока:

арт-практики: знакомство с мультидисциплинарными направлениями в современном искусстве и создание авторского проекта.

история и теория: курсы о современном состоянии критической теории или дискурса, кураторстве, коллекционировании, истории искусства.

дизайн: практические курсы, нацеленные на конкретные навыки: брендинг, типографика, плакат, макетирование и т.д. (перейти на страницу курсов).

Тематические модули позволяют сформировать полноценное представление о той или иной тенденции в художественной практике и получить новые компетенции в области современного искусства, что даст отличный старт в той или иной карьере (перейти на страницу модулей).

Две годовые программы «АРТ-ГОД» берут за основу северо-американскую систему обучения, в рамках которой у студента есть возможность выбирать специализацию и ритм занятий (перейти на страницу годовых программ).

Мы предлагаем

• школьникам подготовить портфолио для поступления
• учащимся художественных вузов и школ овладеть дополнительными навыками и дисциплинами
• практикующим художникам и дизайнерам расширить свое профессиональное портфолио
• педагогам быть в курсе новейших образовательных тенденций
• кураторам и арт-менеджерам узнать об актуальном состоянии международной художественной практики
• тем, кто хочет освоить новую профессию начать карьеру в сфере современного искусства или дизайна
• любителям и интересующимся расширить горизонты творческого восприятия своей повседневности

Все еще не определились? Позвоните или напишите нам и мы с радостью поможем сделать вам правильный выбор.

Для тех, кто хочет стать дизайнером и продолжить образование в лучших российских и зарубежных вузах, NEWARTDOM предлагает годовую образовательную программу «NAD-DESIGN». Вас ждут более 152 академических часов дизайн-практик. В рамках системных теоретических и практических занятий вы создадите проекты, которые сможете включить в свое дизайнерское портфолио.

Начнем с основ брендинга, затронем историю и теорию искусства и продолжим созданием сложных и качественных дизайн-проектов, для которых вы продумаете концепцию и презентацию. Творческая и интеллектуальная работа в группе единомышленников поможет вам развить и воплотить в жизнь свои самые необычные задумки и идеи (перейти на страницу программы).

Для вас NEWARTDOM предлагает годовую образовательную программу «NAD-ART». Мы поможем вам сформировать отличное портфолио из порядка 15 арт-проектов и выбрать вуз для дальнейшего поступления. Продвигаясь от простого к сложному, вы приобретете важнейшие навыки в области современных арт-практик и полностью подготовитесь к интеграции в глобальную художественную среду.

Вас ждут 152 академических часов теоретических и практических занятий, увлекательные домашние задания, общение с сокурсниками и совместные обсуждения арт-проектов. Образование в NEWARTDOM нацелено не просто на овладение теми или иными техническими инструментами, а на генерацию идей и умение воплощать их с помощью любых инструментов (перейти на страницу программы).

Для тех, кто хочет больше узнать о мультидисциплинарных художественных направлениях и продолжить образование в лучших вузах мира или карьеру в сфере современного искусства, NEWARTDOM предлагает тематические модули NEWARTDOM. Вы можете полностью погрузиться в актуальное искусство (contemporary art) и создавать оригинальные арт-проекты или пойти в смежные области, такие как архитектура, мода, СМИ, кино и театр. Однако в каждой из них необходимы художественное видение, мультидисциплинарность, знание теории и навыки дизайна. Именно поэтому наши модули выстроены таким образом, чтобы не только повысить ваши узкоспециальные компетенции и расширить поле выбора, но и, главное, акселерировать успешный старт вашей карьеры.

 

В каждом модуле — 7 курсов, прохождение которых станет отличным стартом вашей карьеры и позволит сформировать портфолио под конкретную специальность — фотографа, куратора, аниматора, художника, педагога, иллюстратора и т.д. (перейти к списку модулей).

Программа наших курсов включает не только теорию, но и интерактивное взаимодействие: вы наблюдаете за преподавателем, получаете задания, вместе обсуждаете процесс работы. При этом онлайн-формат связывает вас из любой точки планеты. Регулярные консультации с ментором и общение в группе помогут разработать проблематику и концепцию произведения, а также уточнить технические рекомендации. Однако основная часть работы остается за вами — дома, в студии, где бы вы ни находились.

В результате обучения в NEWARTDOM вы подготовите уникальное портфолио, которое станет вашим билетом для поступление в любой художественный вуз или школу, а также повысит ваши шансы для прохождения на бюджет.

Для того, чтобы поступить на курсы NEWARTDOM, выберите подходящую для себя форму обучения:

• отдельные курсы и формат «Собери свой модуль» идеально подойдут для знакомства с направлениями актуального искусства или же для повышения квалификации
• выберите тематический модуль если хотите погрузиться в профессию и создать качественное и конкурентное портфолио
• в рамках годовой образовательной программы вы подготовитесь для поступления в учебное заведение своей мечты и создадите портфолио из порядка 10 арт-проектов, которое станет вашим пропуском в мир современного искусства.

После того, как вы выбрали формат, нажмите на кнопку «Зарегистрироваться». После заполнения небольшой анкеты мы создадим вам личный кабинет, в котором вы впоследствии сможете составить свое личное расписание. Мы пришлем вам на почту всю необходимую информацию об обучении и инструкции.

Для оплаты обучения вы будете перенаправлены на страницу платежной системы. Для тематических модулей и годовых программ доступна оплата в рассрочку (при которой, однако, сгорает скидка 10% на тематический модуль и 15% на годовую программу).

Если на любом из этих этапов у вас возникнут вопросы, мы с радостью поможем вам: позвоните нам по бесплатному номеру 8-800-302-68-62, напишите на почту [email protected] или заполните форму обратной связи справа.

Мы сформировали расписание школы максимально удобным образом:

• все занятия каждого курса идут раз в неделю в одно и то же время вечером — так вам будет проще совмещать учебу и повседневные заботы
• курсы из годовых программ стартуют каждые полтора месяца — таким образом вы сможете начать обучение с любого месяца
• вы можете самостоятельно составить расписание и даже перенести запись на курс (но не позднее, чем за 7 дне до старта) в своем личном кабинете
• ваша образовательная программа — индивидуальна, поэтому вы можете заниматься в своем темпе: раз в неделю или чаще

Поэтому вам не нужно долго ждать старта вашей обучающей программы: достаточно записаться на первый курс из списка курсов и приступить к обучению уже в этом месяце!

 

Что такое портфолио и зачем оно мне нужно?

Портфолио — это первый шаг в вашей карьере.

Это набор из 12-15 ваших лучших работ, которые вы показываете при поступлении в вуз или приёме на работу. Портфолио демонстрирует ваш творческий потенциал, оригинальность ваших идей и уровень профессиональных возможностей — все то, что находится в сфере пристального внимания приемной комиссии вуза или потенциального работодателя.

Я хотел бы научиться понимать не только о классическое, но и о современное искусство. Что я смогу узнать о нем на ваших курсах?

Наши теоретические курсы формируют наиболее полное представление о той или иной проблематике в современном искусстве. Мир не стоит на месте, искусство меняется под воздействием определенных инноваций, научных открытий или философских теорий, которые постоянно актуализируют вопрос о месте человека во вселенной или о смысле человеческого существования. Интернет, технологии, устройство современных городов влияют на нас, на нашу жизнь, на способ ее фиксации и описания.

Именно об этих исторических изменениях мы будем говорить, а также учиться не отбрасывать современное искусство как «странное», «некрасивое», «опасное», а понимать его и вдохновляться им.

Я хочу освоить дизайн, но еще не установил Adobe Photoshop. Можно обойтись без него?

Наша задача состоит в том, чтобы познакомить вас не только с инструментами дизайна, но с самой его сутью: производством идей и концептов, которые могут быть реализованы с помощью любых инструментов, будь то компьютер или листок бумаги и карандаш.

Актуальный дизайн перестает быть только утилитарным и безликим, но становится критическим: современный дизайнер скорее ставит вопросы, нежели чем предлагает готовые решения, заставляет задуматься, а не бесконтрольно покупать, настаивает на авторстве и оригинальности и формирует гражданина, а не потребителя. Дизайнерские курсы NEWARTDOM не просто передают вам знания о механистических навыках производства и инструментах их реализации, но и знакомят с новейшей философией дизайна, которая сегодня начинает работать для возможного будущего, где дизайнер становится посредником между миром людей и миром вещей.

Как проходит обучение в NEWARTDOM?

Обучение проходит дистанционно — то есть вам не обязательно куда-то ехать или выходить из дома, чтобы посетить занятие или «сдать экзамен». Единственное, что вам понадобится — доступ к интернету. Все занятия проходят в формате синхронных занятий в режиме «живого дистанта» (вебинаров), на которых вы общаетесь и обсуждаете тему с преподавателем и сокурсниками. Асинхронные — самостоятельные — занятия включают в себя консультации в режиме обратной связи от преподавателя. Все как в университете или школе — только удаленно!

Обучение проходит на популярной и удобной платформе GSuit, в рамках которой можно обмениваться файлами, чатиться, созваниваться и проводить видео-встречи. NEWARTDOM предоставляет все необходимые инструкции и техподдержку, от вас же требуется просто иметь или завести аккаунт Google.

В чем преимущества онлайн-обучения?

Вы можете находиться где-угодно: в любой стране, в Москве, небольшом городе или поселке — это не важно. Главное, чтобы у вас был доступ к интернету, а также телефон или ноутбук для встреч в прямом эфире.

Онлайн-обучение упрощает обратную связь: вы всегда можете задать вопрос или поговорить с преподавателем при помощи чата, почты, форума или аудио-/видеосвязи на платформе для дистанционного обучения.

Такое обучение доступно абсолютно любому человеку. Не важен уровень вашей подготовки, темп обучения, коммуникационные навыки или физические способности.

А что же остается от школы или университета?

Мы взяли все преимущества живого системного образования, но сделали его еще более доступным. Вы будете обучаться в небольших группах и иметь все возможности для качественного общения и обсуждения проектов. И все это — не выходя из дома или имея доступ к интернету в любой точке мира! NEWARTDOM предлагает не записи лекций, а синхронные занятия с преподавателем, на которых вы в любой момент можете задать вопрос или начать обсуждение. В деле обучения гуманитарным и практическим дисциплинам постоянная и живая поддержка ментора — главный ключ к успеху. Именно поэтому мы не рекомендуем пропускать занятия, ведь именно в диалоге строится фундамент для вашего последующего познания и продвижения.

Сложно ли учиться?

По структуре онлайн-образование мало чем отличается от реального обучения в школе или вузе, но основной упор сделан все же на самостоятельной работе. Мы покажем вам все возможные пути поиска и накопления информации, но мы не сможем провести за вас исследование или создать проект. Мы проверяем домашние задания, следим за соблюдением дедлайнов и всегда готовы помочь разобраться с трудностями или ответить на любые вопросы. Мы заинтересованы в качественной передаче знания, поэтому даже если будет не легко, то интерес гарантирован однозначно.

У меня получится совмещать обучение в NEWARTDOM с работой или учебой в школе или вузе?

График занятий построен таким образом, что основные лекции и практикумы проходят в вечернее время, а самостоятельной практической работой вы можете заниматься тогда, когда вам удобно. Главное, решиться на активный и интенсивный формат работы и получения знаний, составить реалистичный повседневный график и не забывать об отдыхе.

Если у вас все же возникнут сложности, вы всегда сможете обратиться к менторам: они подскажут, как эффективно расставить приоритеты и организовать рабочее время и пространство, а также поддержат в трудную минуту или дадут полезный совет.

Будет ли выдан документ, подтверждающий обучение?

Да, при прохождении отдельных курсов и модулей студенты получат сертификат участника, а при прохождении полной годовой программы или образовательного модуля — сертификат о системном образовании NEWARTDOM.

Движение в искусстве постмодернизма – история, художники и искусство – Artlex

Что такое постмодернизм?

Постмодернизм был художественным движением с 1960-х по 1990-е годы, отвергавшим современное искусство и идеализм. Связанный с философской критикой, он не поддавался категоризации, но охватывал многие стили, такие как поп-арт, концептуальное искусство, неоэкспрессионизм, феминистское искусство и работы молодых британских художников (YBA). Постмодернизм использовал популярную культуру для вдохновения художественных творений, и каждая постмодернистская работа была индивидуальным отражением художника и истории искусства.

Известные постмодернистские произведения искусства

Мэрилин Диптих (1962) Энди Уорхола через Тейт, Лондон
https://www. tate.org.uk/art/artworks/warhol-marilyn-diptych-t03093

 

One and Three Chairs (1965). Джозеф Кошут через MoMA, Нью-Йорк
https://www.moma.org/collection/works/81435

 

Кадр из фильма без названия № 21 (1978) Синди Шерман через MoMA, Нью-Йорк
https://www .moma.org/collection/works/56618
Интерьерный свиток (1975 г.). Кэроли Шнееманн через Тейт, Лондон
https://www.tate.org.uk/art/artworks/schneemann-interior-scroll-p13282Музей Гуггенхайма в Бильбао. (1997) архитектор Фрэнк Гери
https://www.guggenheim-bilbao.eus/en/the-building

 

Введение в постмодернистское искусство

Первая война и Вторая мировая война. Художники уехали в Нью-Йорк, ставший теперь центром мира искусства, где применялись абстрактные принципы.

Постмодернизм вырос из устаревших и элитарных взглядов на модернистское искусство. В постмодернистской культуре наблюдался рост феминизма, гражданских прав и прав ЛГБТ-сообщества. Художники и искусство выросли из этих изменений и влияний в новый современный мир. Популярная культура добавила постмодернизму дополнительный слой.

Одними из самых влиятельных художников постмодернизма являются Энди Уорхол, Кэроли Шнееманн, Мария Абрамович, Барбара Крюгер, Синди Шерман, Джефф Кунс и Дэмиен Херст. Благодаря этому культурному движению эти художники помогли изменить историю искусства и ход развития мира искусства.

Характеристики постмодернизма

Постмодернизм бросал вызов универсальным истинам, стирая грань между изобразительным искусством и популярной культурой, используя товары массового производства, журналы, телевидение и кино в качестве влияния. Это позволило создать новое искусство, включающее философию постмодерна. Это культурное движение переопределило то, что считалось искусством, и постмодернистское понимание нового художника.0007

Постмодернизм включал в себя то, что считается традиционными формами искусства, такими как живопись, скульптура и фотография, а также коллаж, сборку, монтаж, бриколаж, текст, присвоение и упрощение искусства. Перформанс был на пике популярности, побуждая зрителей взаимодействовать с этими произведениями постмодернизма. Идеи, стили и темы из прошлого были пересмотрены и переработаны в новый постмодернистский стиль.

Дадаизм — ранний предшественник постмодернистского искусства

Задолго до появления постмодернизма дадаизм (1916-1923) бросил вызов понятию того, что классифицируется как искусство. Готовые объекты, часто с небольшими изменениями, вводились как искусство. Это поставило под сомнение понятие искусства в современном мире и вызвало много споров.

Художник французского происхождения Марсель Дюшан вызвал скандал своей работой 1917 года под названием Fountain. Его реди-мейд скульптура состояла из писсуара, поставленного на спину.

Дюшан уже начинал определять постмодернистское искусство. Он уже мог представить себе будущее постмодернизма и изменения в мире искусства, которые это движение внесет в историю искусства.

Уорхол, поп-арт и постмодернизм

Американский художник Энди Уорхол (1929–1987) первоначально работал иллюстратором для печатных журналов, а также для рекламы. Это повлияло на его работу в области поп-арта, в которой упоминались коммерческие товары массового производства, которые были частью современного общества и повседневной жизни. Баночки для супа Campbell’s состоят из 32 полотен, каждое из которых представляет аромат от популярной суповой компании. Публика была потрясена этим упрощением предметов быта как предмета постмодернизма.

Знаменитости в его работах также подвергались коммерческому обращению с их изображениями, которые повторялись как обычные товары. Самый известный пример — его шелкография Мэрилин Диптих 1962 года, содержащая 50 изображений кинозвезды Мэрилин Монро. Он добился этого, спроецировав фотографическое изображение Монро на шелкографию в этом примере постмодернизма.

Большое произведение искусства размером шесть с половиной на восемь с половиной футов создано с использованием акрила, масла и эмали для шелкографии на холсте. Левая сторона цветная, как катушка с пленкой, а правая черно-белая, как изображение в газете. Здесь постмодернизм снова обращается к популярной культуре.

Называя и оформляя свою работу как диптих или две панели, которые соединяются вместе, как запрестольный образ, он намекает на тот факт, что кинозвездам поклоняются как Богу. Монро всего несколько месяцев назад умерла от самоубийства, что сделало ее иконой.

Постмодернизм и неоэкспрессионизм с улиц

Жан-Мишель Баския (1960-1988) начинал как уличный художник, создавая граффити и подписывая их SAMO в конце 1970-х. Любопытство к художнику росло и к 19В 80-х его неоэкспрессионистские работы выставлялись в национальных и международных галереях как образцы постмодернизма. Когда он был молодым, бездомным, цветным геем, его работы представляли влияние его жизни на постмодернистскую культуру. Черепа, медицинские термины, культурные деятели чернокожих мужчин и музыкальные темы часто появлялись в его ярких постмодернистских работах.

В Horn Players (1983) художник использует акриловые и масляные краски на трех панелях холста в этой работе в стиле постмодернизма. В работах сочетаются изобразительное искусство, искусство граффити и джаз с участием саксофониста Чарли Паркера и трубача Диззи Гиллеспи.

Героическая фигура появляется в его работе «Постмодернизм Без названия (Боксер) » (1982). Фигура афроамериканца — боксер, выигравший матч, с поднятыми вверх руками в перчатках и черным ореолом вокруг головы. Работы подчеркивают популярную культуру в связи с восхищением Баскии реальными боксерами, такими как Мухаммед Али и Джо Луи.

Концептуальное искусство и постмодернизм

Концептуальный художник Джозеф Кошут (1945-настоящее время) бросил вызов зрителю своими Один и три стула  (1965 г.). Работа в постмодернизме представляет собой черно-белую фотографию деревянного стула слева и физического деревянного стула в центре. Справа страница с текстом дает определение стула из словаря.

Какой настоящий стул? Какая репродукция? Философский постмодернизм требовал ответов от аудитории. Это было частью привлекательности постмодернистского искусства.

Постмодернизм и эволюция скульптуры

Джефф Кунс (1955) и его фарфоровая скульптура в стиле постмодернизма под названием Pink Panther (1988) — одна из 20 работ в его коллекции под названием Банальность . Сделанные так, чтобы они выглядели как недорогие сувениры или китч , немецкое слово, означающее массовое производство, Кунс изготовил предметы из коллекции в немецкой мастерской.

Розовый На пантере ростом более трех футов изображен ярко нарисованный мультяшный персонаж, обнимающий кинозвезду Джейн Мэнсфилд. Соединяя массовую культуру с изобразительным искусством, зрители задаются вопросом, является ли это вообще искусством, поскольку художник не создавал его сам. Это была повторяющаяся тема в работах постмодернизма.

Кунс также сделал три точные работы, что еще больше добавило литературной критики и обвинений в коммерциализации. Споры возникли снова, когда на Кунса подали в суд из-за законов об авторском праве.

Еще одна часть из Banality включала Michael Jackson and Bubbles (1988), работу певца в натуральную величину со своей обезьянкой. Нарисованный золотом художник хотел выделить Джексона как богоподобную икону, подобно византийскому искусству прошлого. Кунс утверждал, что треугольная композиция этого постмодернистского произведения восходит к эпохе Высокого Возрождения и Микеланджело.0016 Пьета.

Постмодернизм и живая скульптура

Дэмиен Херст (1965-настоящее время ) был частью Молодого британского художника или YBA, призванного шокировать провокационным искусством и постмодернизмом. Он исследовал вопросы науки, религии и смерти в таких работах, как « Физические невозможности смерти в сознании живущего человека » (1991), также известного как « Акула».

Описанная как «живая скульптура» большая тигровая акула, ныне мертвая, покоится в резервуаре с формальдегидом. Публике, рассматриваемой как скульптура в круглом виде, была предоставлена ​​​​возможность увидеть акулу вблизи так, как они не могли раньше. Работа вызвала мысли и страхи смерти, как публичной, так и насильственной, в пределах безопасности, поскольку акула была мертва. Достигнув этого, Херст смог очень наглядно объяснить реальность.

Постмодернистская работа Физические невозможности смерти в сознании живущего была заказана для лондонского бизнесмена Чарльза Саатчи. Работа сейчас остается в частной коллекции Стивена А. Коэна. Оригинальная акула была заменена на новую из-за распада.

Синди Шерман, фотография и постмодернизм

Художница Синди Шерман (с 1954 г. по настоящее время) создала серию исторических портретов с помощью своих фоторабот, живя в Риме между 1988-90. Эта коллекция феминистского искусства, пример постмодернизма, иллюстрирует женщин в истории глазами художницы. В каждом из них Шерман изображает себя героем знаменитых картин старых мастеров.

In Untitled #209 Шерман становится Моной Лизой из шедевра искусства Высокого Возрождения Леонардо да Винчи. Untitled #228 основан на картине Боттичелли, где Шерман изображает Юдифь, библейскую героиню, убившую Олоферна. В обеих работах она одета в старинную одежду, заставляя зрителя поближе взглянуть на то, как знакомое оригинальное искусство передано в современной интерпретации.

То же самое относится и к ее более ранним работам Безымянные кадры из фильмов (1977-1980). Шерман одевается в ретро-стиле, создавая свою интерпретацию киногероинь. Черно-белые фотографии, похожие на кадры из старых фильмов, — совершенно новые произведения постмодернизма. Тем не менее, фотографии создают ощущение знакомства со зрителем, наряду с чувством беспокойства.

Постмодернизм: фотография, текст, коллаж

Художница Барбара Крюгер (1945 г. – настоящее время) наиболее известна своими многослойными черно-белыми фотографиями и коллажами в сочетании с жирным цветным текстом, привлекающим внимание зрителя. социальные и гендерные комментарии.

Без названия (Я делаю покупки, поэтому я ) — это черно-белая работа, на которой изображена человеческая рука. Он держит красную вывеску с крупным белым текстом, восклицающим: «Я делаю покупки, следовательно, я существую». Это игра слов я думаю, поэтому я цитата из Рене Декарта, иллюстрирующая господство потребительства и темы постмодернизма.

Постмодернизм и перформанс

Кароли Шнееманн (1939 – 2019) представила свою работу под названием Интерьерный свиток (1975) перед публикой, где она разделась догола и читала из своей книги. Сезанн, Она была великой художницей  (1967). Затем она шокировала публику, вытащив из влагалища свиток и прочитав текст в этом произведении постмодернизма.

Сербская художница Марина Абрамович (с 1946 г. по настоящее время) разработала перформанс Ритм 0 , который будет разыгран только один раз. Результаты этой постмодернистской работы, выполненной в Studio Morra в Неаполе, были записаны.

Артистка пошла на свой страх и риск в спектакле. Все началось с 72 предметов на столе. Зрителям было предложено использовать эти предметы на ней, чтобы вызвать как удовольствие, так и боль. Представляя собой объект, Абрамович не реагировала ни на что, что она терпела в течение шести часов.

Среди предметов на столе были: пистолет, пуля, хлыст, перочинный нож, духи, роза, перо, разноцветные краски, вино, мед, торт, виноград и яблоко. По ходу вечера публика становилась более агрессивной. Они не только стали частью спектакля, но и контролировали результат этой работы постмодернизма.

Постмодернизм и архитектура

Постмодернизм противостоял чистым, прямым линиям модернизма и вместо этого был построен в изогнутых формах с асимметричным дизайном. Этот свободомыслящий дизайн, сочетающий в себе элементы различных архитектурных стилей, является визитной карточкой архитектуры постмодернизма.

Одним из выдающихся примеров архитектуры постмодернизма является работа канадского архитектора Фрэнка Гери (1929-настоящее время) и его дизайн для Музея Гуггенхайма в Бильбао, , Испания (1997). Гери использовал деконструктивизм для создания того, что он назвал «формой, следующей за фантазией». Здание с извилистыми стенами и балконами построено из известняка, стекла и титана, который меняет цвет в зависимости от освещения. Здание считается шедевром архитектуры постмодернизма.

Художники и архитекторы стиля постмодерн

• Энди Уорхол (1929-1987) Американец (постмодернизм)
• Жан-Мишель Баския (1960-1988) Американец (постмодернизм)
• Джозеф Кошут (1945-настоящее время) американец (постмодернизм)
• Джефф Кунс (1955-настоящее время) американец (постмодернизм)
• Дэмиен Херст (1965-настоящее время) английский язык (постмодернизм)
• Синди Шерман (с 1954 г. по настоящее время) американка (постмодернизм)
• Барбара Крюгер (1945-настоящее время) американка (постмодернизм)
• Кэроли Шнееманн (1939–2019) американка (постмодернизм)
• Марина Абрамович (1946-настоящее время) Сербка (Постмодернизм)
• Фрэнк Гери (1929- настоящее время) Канадский (Постмодернизм)

Термины, связанные с искусством

• Поп-арт
• Концептуальное искусство
• Неоэкспрессионизм
• Феминистское искусство
• Молодые британские художники
• Коллаж
• Сборка
• Монтаж
• Бриколаж
• Текст
• Присвоение искусства
• Упрощение техники
• Шелкография
• Эмаль для трафаретной печати
• Диптих
• Малярная палочка
• Живая скульптура
• Круглая скульптура
• Асимметричный
• Деконструктивизм

Современное искусство против постмодернистского искусства – CAI

Введение: разница между современным искусством и постмодернистским искусством

История искусства была отмечена обилием терминов, концепций и движений, что часто приводило к некоторой путанице в терминологии. Проблема, которая часто приводит к путанице и двусмысленности, — это различие между современным искусством и постмодернистским искусством.

Современное искусство — это понятие, относящееся к искусству периода модернизма, отмеченного идеализмом и почти догматической верой в разум и прогресс. В то же время постмодернистское искусство представляет собой контейнерную концепцию для искусства эпохи постмодернизма, отмеченную эпистемологическими сомнениями, бросающими вызов понятию универсальной истины (истин).

Если что-то еще не ясно, не беспокойтесь. Я бы удивился, если бы они были! В результате мы создали простую статью вопросов и ответов, в которой мы шаг за шагом отвечаем на самые важные вопросы о современном и постмодернистском искусстве, охватывая их определения, ключевые характеристики и различия и иллюстрируя, как эти концепции воплощаются в искусстве с некоторыми примерами. из наиболее важных художественных направлений современного и постмодернистского искусства.

Всего за восемь простых вопросов и восемь относительно простых ответов станет ясной упомянутая выше путаница и двусмысленность в отношении современного искусства и постмодернистского искусства. В результате на критические отличия указываем в заключении в конце статьи. Теперь, без дальнейших промедлений, давайте начнем с нашей статьи вопросов и ответов.

Когда существовало современное искусство?

Как сказано во введении, разница между современным искусством и постмодернистским искусством тесно связана и определяется культурным периодом, в котором проявилось искусство.

Современное искусство — это понятие, относящееся к искусству периода модернизма, начинающегося и заканчивающегося примерно в 1850 и 1950 годах. следующий период. В результате эти периоды времени не являются жесткими и не могут быть истолкованы слишком буквально. В результате существует множество возможных дат начала и окончания, как и в случае с каждым историческим периодом.

Для модернизма и, следовательно, для современного искусства отправная точка лежит между 1830 и 1870 годами. Некоторые говорят, что дата начала модернизма может быть около 1830 года, когда художественные движения, такие как романтизм и реализм, представляют новые темы и темы. Тем не менее, возможно, наиболее распространенной отправной точкой для современного искусства является символическое событие Салона отверженных в Париже в 1863 году, когда художники отошли от академических условностей и начали вводить новшества в отношении стиля и предмета.

Например, в течение первых Salon des Réfusés  Знаковая картина  Déjeuner sur L’herbe  была выставлена ​​после того, как жюри отказало ей в Салоне академии. Нагота была распространена во Франции 19 века, однако это была не Венера и не академическая обнаженная натура, которую нарисовал Мане. Вместо этого он нарисовал двух обнаженных проституток, сидящих рядом с двумя полностью одетыми мужчинами из буржуазии, что вызвало споры и широкую известность. Во многих (символических) отношениях современное искусство начинается именно с этой картины.

Конец модернизма и современного искусства находится между 1945 и 1960. Окончание Второй мировой войны привело к явному идеологическому сдвигу в политике и философии, а также в искусстве. Другие говорят, что модернизм закончился примерно в 1960 году из-за заметного сдвига в культуре и искусстве. Правда в том, что этот сдвиг не произошел в одночасье, а скорее был процессом, а не внезапным поворотом. Но нельзя было отрицать, что что-то изменилось по мере того, как искусство переходило от современного «Черного квадрата» Малевича к постмодернистскому «Один и три стула» Кошута.

Эдуард Мане, Деженер-сюр-л’Эрб. Холст, масло – 208 х 264,5 см. Собрание Музея Орсе, Париж.

Когда было постмодернистское искусство?

Постмодернистское искусство состоит из произведений искусства, созданных в культурную и философскую эпоху постмодернизма, начиная примерно с 1950 года и, возможно, продолжаясь до наших дней.

Постмодернизм тесно связан с послевоенной эпохой, поскольку Вторая мировая война играет значительную роль в смене парадигмы модернизма в сторону постмодернизма. В результате отправная точка может быть расположена примерно с 1945 по 1960 год, приняв эстафету модернизма (см. выше: конец модернизма).

Таким образом, постмодернистское искусство возникло в 50-е годы. Поп-арт обычно рассматривается как первое художественное движение постмодернистского искусства, поскольку различие между высоким искусством и популярной культурой растворилось в характерном постмодернистском подходе, заключающемся в охвате различных способов создания искусства или отказе от определения того, чем искусство является или может быть. Постмодернистское искусство достигло своего расцвета в 60-е и 70-е годы, в период расцвета концептуального искусства, за которым последовали перформанс, инсталляционное искусство, Arte Povera и другие (см. ниже: Художественные движения в постмодернистском искусстве).

Конец постмодернистского искусства до сих пор неясен, поскольку постмодернизм, возможно, все еще является текущим культурным и философским движением. Однако на рубеже тысячелетий, похоже, заявляют все больше ученых. Постмодернизм закончился, и началась новая эра. Хотя единого мнения по этому поводу пока нет, в искусстве и литературе можно заметить неизбежный сдвиг в характере «прикладного» постмодернизма, выходящего за пределы постмодернистской иронии, часто именуемой пост-постмодернизмом. Вопрос с продолжением!

Ричард Гамильтон, «Что делает современные дома такими разными и привлекательными?», 1956. Коллаж — 26 x 24,8 см. Коллекция Кунстхалле Тюбинген.

Когда появилось современное искусство?

Как мы упоминали ранее, символическое начало современного искусства может быть расположено в Париже, Франция, с Салоном Отверженных в 1863 году. 

Россия с русским конструктивизмом и супрематизмом. За эти полвека модернизм отличился радикальными изменениями в искусстве, что привело к взрыву -измов, Коперниканской революции в искусстве, представившей футуризм, фовизм, кубизм, экспрессионизм и многое другое (см. ниже: Художественные движения в современном искусстве). ).

В конце 30-х и 40-х годах, когда Вторая мировая война стала травмирующим событием и катализатором перемен, многие художники бежали из Европы в Соединенные Штаты, где царил процветающий культурный климат. При этом фокус модернизма переместился через Атлантику, , где абстрактный экспрессионизм стал кульминацией современного искусства и ознаменовал начало господства американского абстрактного искусства в ближайшие десятилетия.

Джексон Поллок, Блю Поулс (номер 11), 1952. Холст, эмаль – 212,1 х 488,2 см. Собрание Национальной галереи Австралии.

Где постмодернистское искусство?

Попытка спорить о том, где происходит постмодернистское искусство, не является дебатами. На данный момент художественные движения стали относительно глобальными, а не локальными.

Можно сказать, что постмодернистское искусство прежде всего проявило себя в Западном мире с 50-х по 70-е годы. Однако с продолжающейся глобализацией и окончанием «холодной войны» различные сферы начали смешиваться, поскольку региональные различия исчезли. Постмодернистское искусство стало глобальным движением в мировом искусстве.

Марина Абрамович, Перформанс во время выступления «Марина Абрамович: Художник присутствует» (9 марта 2010 г., Нью-Йорк). Музей современного искусства. / Фото Эндрю Х. Уокера/Getty Images (c)

Что такое современное искусство?

Современное искусство — это искусство, созданное в эпоху модернизма, отмеченное быстрыми социально-политическими, культурными и экономическими изменениями после промышленной революции 19 века. Эти разработки часто называют дорогой к современности, современному обществу или современному индустриальному миру. Прогресс был критической целью путем инноваций, экспериментов и разума.

В результате современное искусство характеризуется новаторством, экспериментом и почти догматической верой в разум и прогресс, подталкивая художника к открытию новых форм искусства, обновляя свой стиль, среду и предмет, освобождая себя от академических условностей. , отменяя традиции в своем стремлении к современному искусству.

С визуальной точки зрения современные художники экспериментировали с цветом, техникой и, в конечном итоге, с формами, что привело к явной тенденции к абстракции. Пожалуйста, подумайте об импрессионистах, изображающих реальность грубыми мазками цвета, о фовистах и ​​их свободном использовании цвета, или о кубистах и ​​их уникальном подходе к форме, приводящем к абстрактному изображению реальности, подобному культовому 9 Пикассо.0016 Авиньонские девицы .

Существует также мощный сдвиг, касающийся предмета современного искусства. Движущая сила современного искусства часто была социальной, как реализм Курбе, или политической, как у футуристов или русских конструктивистов. Идеологическая программа прогресса с часто утопическими или идеалистическими взглядами на современную жизнь стала одним из важнейших элементов современного искусства. Кроме того, существовал огромный интерес к определенным научным или психологическим открытиям. Подумайте о влиянии психоанализа Зигмунда Фрейда и исследований сновидений на художественные движения, такие как сюрреализм, что привело к абсурдным ассоциациям и новому интересу к подсознанию.

Пабло Пикассо, Авиньонские девицы, 1907. Холст, масло – 243,9 x 233,7 см. Собрание МоМА, Нью-Йорк.

Что такое постмодернистское искусство?

Постмодернистское искусство — это искусство, созданное во время постмодернизма, противодействующее пустым обещаниям модернизма и поиску нового мирового порядка из-за Второй мировой войны.

При этом постмодернистское искусство отмечено скептицизмом, недоверием к разуму и радикальным эпистемологическим сомнением, бросающим вызов понятию универсальных истин из-за неизбежной относительности вещей.

Важнейшими аспектами постмодернистского искусства являются акцент на индивидуальном опыте, ирония и сложность противоречивых смысловых слоев. Кроме того, оспаривается определение искусства, стирая различие между высоким искусством и популярной культурой, вводя присвоение и эклектизм и нарушая формальные условности искусства, ставя под сомнение художественный истеблишмент.

Эти элементы принесли новые средства массовой информации, новые движения и новое определение искусства в целом, часто называемое «все идет». Однако изобретательность этих новых разработок в постмодернистском и современном искусстве неоспорима и подняла концепцию искусства на новый уровень.

Ай Вэйвэй, Семечки подсолнуха, 2010. Фарфор – разные размеры. Коллекция Тейт.

Примеры современного искусства: какие художественные направления в современном искусстве

Современное искусство пережило взрыв новых художественных течений, особенно в первой половине 20-го века. В результате, чтобы понять и распознать современное искусство, в этом разделе мы перечислим все наиболее важные движения современного искусства, а затем самые известные примеры этого конкретного движения.

Художественные направления Современное искусство — это реализм, импрессионизм, постимпрессионизм, Les Nabis, фовизм, кубизм, футуризм, экспрессионизм, дадаизм, супрематизм, конструктивизм, де стиль, сюрреализм, и абстрактный экспрессионизм.

Вот некоторые из лучших примеров этих движений и, следовательно, образцы современного искусства. Обратите внимание, как мы прокручиваем вниз во времени и как тенденция к абстракции продолжает проявляться.

Образец импрессионизма (ок. 1860 – ок. 1900): Клод Моне, Пруд с кувшинками, 1899. Пример постимпрессионизма (ок. 1880–1910): Жорж Сёра, «Воскресенье на Гранд-Жатт», 1884–1886. Пример «Наби» (ок. 1890–1905): Поль Серюзье, «Цветочная преграда», 1889. Пример фовизма (ок. 1905–1910): Анри Маттиза, Le Bonheur de Vivre, 1905–1906. Пример кубизма (ок. 1905–1920): Жорж Брак, «Гитара», 1909–1910. Пример футуризма (ок. 1910 – 1915): Луиджи Руссоло, Динамизм автомобиля, 1913. Пример экспрессионизма (ок. 1910 – 1930): Эдвард Мунк, Крик, 1893. Пример дадаизма (ок. 1915 – 1920): Марсель Дюшан, Фонтан, 1917. Образец супрематизма (ок. 1915 – 1925): Казимир Малевич, Supremus 55, 1916-1917. Образец конструктивизма (ок. 1915 – 1930): Эль Лисицкий, Бить белых с красным клином, 1919. Пример Де Стиль (ок. 1915 – 1930): Пит Мондриан, Таблица I, 1921. Пример сюрреализма (ок. 1925 – 1940): Сальвадор Дали, Постоянство памяти, 1931. Пример абстрактного Экспрессионизм (ок. 1940–1960): Марк Ротко, № 13, 1958.

Примеры постмодернистского искусства. Что такое движения постмодернистского искусства?

В постмодернистском искусстве новые художественные движения кажутся другими, новаторскими в стиле и предмете и раздвигающими границы того, чем может быть искусство.

Художественные направления постмодернистского искусства: поп-арт, Arte Povera, капиталистический реализм, фотореализм, флюксус, концептуальное искусство, лэнд-арт, (пост)минимализм, феминистское искусство, оп-арт и неоэкспрессионизм.

Приведенный ниже список иллюстрирует разнообразие постмодернистского искусства. От банок с супом или написанных слов до грязи в море или ящика с ключами.

Пример поп-арта (ок. 1950–1975): Энди Уорхол, Банки супа Кэмпбелла, 1962. Пример Arte Povera (ок. 1960–1970): Марио Мерц, Игло ди Пьетра, 1982. Пример капиталистического реализма (ок. 1960–1970): Зигмар Польке, «Подруги», 1967. Пример фотореализма (ок. 1960–1980): Чак Клоуз, «Большой автопортрет», 1967–68. Пример Fluxus (ок. 1960–1980): Джордж Мачюнас, Взлом со взломом Kit, 1971. Пример концептуального искусства (ок. 1960 – настоящее время): Джон Балдессари, «Я больше не буду делать скучное искусство», 1971. Пример ленд-арта (1960–настоящее время): Роберт Смитсон, Spiral Jetty, 1970. Пример (пост)минимализма (ок. 1960–настоящее время): Дональд Джадд, Без названия, 1972. Пример феминистского искусства (ок. 1960–настоящее время): Guerilla Girls, Должны ли женщины быть обнаженными, чтобы попасть в Метрополитен? , 1989. Пример оп-арта (ок. 1965–1980): Бриджит Райли, Движение на площадях, 1961. Пример неоэкспрессионизма (ок. 1975–1990): Джин — Мишель Баския, Без названия, 1982.

Заключение: ключевые различия между современным искусством и постмодернистским искусством

Первое ключевое различие между современным искусством и постмодернистским искусством заключается в эпохе, в которой они проявляются. Современное искусство происходит во время движения модернизма примерно с 1850 по 19 век.50, за которым последовало постмодернистское искусство во время движения постмодернизма примерно с 1950 года по настоящее время. Это означает, что современное искусство полностью принадлежит прошлому, тогда как постмодернистское искусство достигает наших дней и все еще может рассматриваться как современное искусство.

Мы можем найти второе ключевое различие в различных характеристиках обоих движений, модернизм против постмодернизма. Разум против сомнения, прогресс против скептицизма, объективность против относительности, универсальные истины против личного опыта. Кроме того, современное искусство остается тесно связанным с традиционными формами искусства (за некоторыми исключениями, такими как реди-мейды Дюшана), оставаясь верным самым известным медиа, таким как живопись, рисунок или скульптура. С постмодернистским искусством в игру вступают различные новые медиа, такие как инсталляция, видео или перформанс.

Добавить комментарий Отменить ответ

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *

Комментарий *

Имя *

Email *

Сайт