Художники постмодернизма: суть постмодернизма, стили, особенности, история, примеры в живописи. Картины художников-постмодернистов Варо, Раушенберга, Херста, Кунса

Нико Пиросмани. Актриса Маргарита. 1909.

Кубизм основывается на сдвиге форм образов, их деформации и  разложении на геометрические элементы. Концепция картин стала доминировать над художественной ценностью. Именно это течение  определило развитие искусства на ближайшие десятилетия.

Л. Попова. Портрет философа. 1915.

Сюрреализм в живописи возник в результате литературных трудов, посвященных формированию сознания человека. Мысль о существование разума и души за пределами реального мира, изучение бессознательного, а так же феномена сна и абсурдных явлений дало художникам новые темы для работ.  Главный смысл   этого стиля – отстранение от привычного осознанного творчества. Сюрреализм в живописи – это образы и сюжеты, взятые  из глубин собственного подсознания. Посему картины этого плана полны причудливыми  галлюцинациями.

Сальвадор Дали. Постоянство памяти. 1931.

Как и сюрреализм, футуризм

Умберто Боччони. Состояния души II: Те, кто ушли. 1911.
Экспрессионизм в живописи – это протест против мира. Это внутреннее острое восприятие окружения, отчуждение человека, его духовное крушение. Стиль возник в преддверии войны, поэтому не удивительно, что холсты насыщенны деформацией, особым колоритом и резкими диссонансами. Экспрессионизм в живописи не что иное, как передача конкретной эмоции, драматизм понимания своих переживаний.

Эдвард Мун. Крик. 1893.

Абстракционизм в живописи – полный отказ от действительной передачи образов направлен на создание своеобразных ассоциаций у зрителя, путем сочетания на холсте разных геометрических фигур конкретных  оттенков. Абстракционизм в живописи нацелен на гармонию композиции, ведь любой предмет под разным углом может иметь разные формы и оттенки.  Это течение — последняя стадия проявления модернизма, так называемое нефигуративное искусство.

Тео ван Дусбург. Контркомпозиция V. 1924.

ПОСТМОДЕРНИЗМ 

Уже из названия понятно, что постмодернизм пришел на смену модернизму, непонятному широким кругам и попавшему под руку скептических критиков.  Он  имеет уникальные типологические признаки. Во-первых, постмодернизм в живописи – это наличие готовой формы. Художники заимствуют образы из классических традиций, но дают им новую интерпретацию, свой эксклюзивный контекст.  Не редко постмодернисты комбинируют формы из разных стилей, иронизируя над миром, а так же оправдывая тем самым свою вторичность.

Следующим важным отличием является отсутствие каких-либо правил.  Данное течение не диктует автору критерии для самовыражения. Творец вправе выбрать любую форму и манеру исполнения своей работы. Обратите внимание, что такая свобода стала основой для  свежих  творческих идей и направлений в искусстве. Именно постмодернизм в живописи является предпосылкой к возникновению художественных инсталляций и перформансов. Данное течение не имеет четких особенностей в технике, и сегодня является наиболее крупным и популярным на мировой арене.

Paul Salvator Goldengreen. The Painter Prince.

Художественная школа «Живопись Маслом» активно содействует в поиске своего стиля начинающим художникам и любителям.

Ольга Несмеянова. «Постмодернизм в искусстве» — Журнал Клаузура

Давно замечено: человек не способен изнутри оценить время, в котором живет, состояние общества, стиль жизни и искусства. Только спустя время, с расстояния точки обозримости можно осознать и поведать «о времени и о себе».  «Внутри времени» вряд ли Леонардо да Винчи осознавал себя титаном Возрождения, а человек эпохи  Барокко не знал, что живет во времена  величайшего мирового стиля. Само-то это слово и название стиля пришло 200 с лишним лет спустя  барочных будней.

Постмодернизм  (от фр. Postmodernisme, т.е. то, что после модернизма) — термин, обозначающий структурно сходные явления в мировой общественной жизни и культуре второй половины ХХ века: он употребляется как для характеристики постнеклассического типа философствования, так и для комплекса стилей в художественном искусстве.
Классический тип мышления в период Модернизма в начале ХХ века меняется на неклассический. А в конце века — на постнеклассический. Воплощение нового типа мышления требует преобразования социальной структуры общества. Современное состояние науки, культуры и общества в целом в 70-е годы прошлого века было охарактеризовано Ж.-Ф.Лиотаром как «состояние постмодерна». Зарождение постмодерна это 60 — 70-е гг., связано и логически вытекает из процессов Модернизма как реакция на кризис его идей, а также на так называемую смерть супероснований: Бога (Ницше), автора (Барт), человека (гуманитарности). Термин появляется в период Первой мировой вой­ны в работе Р. Панвица «Кризис европейской культуры» (1914). В 1934 в своей книге «Антология испанской и латиноамериканской поэзии» литературовед Ф. де Онис применяет его для обозначения реакции на модернизм. Однако в эстетике термин «Постмодернизм» не приживается. В 1947 го­ду Арнольд Тойнби в книге «Постижение истории» придает постмодернизму культурологический смысл: постмодернизм символизирует ко­нец западного господства в религии и культуре. Хабермас, Белл трактуют постмодернизм как постиндустриальное общество с характерным эстетическим эклектизмом. Объявленным «началом» постмодернизма считают статью Лесли Фидлера, 1969, «Пересекайте границу, засыпайте рвы», демонстративно опубликованную в журнале Playboy

Постмодернизм означал отход от экстремизма и нигилизма неоавангарда, частичный возврат к традициям. Впоследствии происходит расширение содержания этого понятия с первоначально узкого определения новых тенденций в американской архитектуре и нового течения во французской философии (Ж.Деррида, Ж.-Ф.Лиотар) до определения, охватывающего начавшиеся в 60-70 годы процессы во всех областях культуры, включая феминистское и антирасистское движения

Данный текст поначалу был написан  в помощь  студентам вузов, чтобы помочь разобраться и  составить системное представление о сложном и практически не структурированном в учебниках материале. Типология и систематизация – мои собственные, как результат изучения специальной литературы и наблюдения явлений жизни и искусства. Впоследствии этот текст был положен в основу статьи «Постмодернизм» в Википедии, где и находится по сей день, возможно «исправленный» и подпорченный другими авторами, поскольку Википедия – это открытый проект и все зарегистрированные авторы в ней могут писать и править  любую статью. Иногда это делается не из добрых побуждений

В текст, приведенный ниже, положен оригинал этой статьи

В настоящее время можно сказать, что мы существуем в обществе состоявшегося постмодернизма. Его проявления  пронизывают буквально все структуры нашей жизни, общества, культурные зоны и слои. Можно говорить о состоянии постмодерна не только общества, но и науки, философии, искусства, массовой культуры. Тип мышления человека  постмодернизма характеризуется как постнеклассический и сильно отличается от классического мышления человека конца 19- начала 20 века,т.е. эпохи «ДОмодернизма», если можно так выразиться. Это значит что мы все видим иначе, в ином свете, с позиций иных моральных оценок, чем было прежде. И то, что человек и вместе с ним искусство стало другим – очевидность, не требующая дополнительных доказательств.

Уже можно говорить о том, что в постмодернизме сложился стиль  искусства со своими  типологическими признаками. Вот эти признаки стиля:

• использование готовых форм — основополагающий признак такого искусства. Происхождение этих готовых форм не имеет принципиального значения: от утилитарных предметов быта, выброшенных на помойку или купленных в магазине, до шедевров мирового искусства (всё равно, палеолитического ли, позднеавангардистского ли). При этом в постмодерне слегка видоизменяется заимствованный материал, а чаще извлекается из естественного окружения или контекста, и помещается в новую или несвойственную ему область. Любая бытовая или художественная форма, в первую очередь, есть «…для него только источник стройматериала»(В. Брайнин-Пассек).

Йозеф Бойс. Рояль в войлоке

Ситуация художественного заимствования вплоть до симуляции заимствования, римейк, реинтерпретация, лоскутность и тиражирование, дописывание от себя классических произведений, добавившаяся в конце 80-90-х годов к этим характеристическим чертам «новая сентиментальность», — вот содержание искусства эпохи постмодерна. По сути дела, постмодернизм обращается к готовому, прошлому, уже состоявшемуся с целью восполнить недостаток собственного содержания.

Эффектная «металлическая  графика» Дмитрия Гутова, где рисунки Рембрандта воспроизведены сваркой железных отходов и в зависимости от ракурса смотрятся абстракцией, Йозеф Бойс и его рояль, укутанный в  войлок (к слову, он в своих  акциях заворачивал в войлок стулья, кресла, рояли, сам закутывался в него и обкладывался салом), звуки современной электронной музыки, представляющей из себя сплошной поток соединённых между собой так называемыми «ди-джейскими сводками» [смиксованных] готовых музыкальных фрагментов, композиции Луизы Буржуа из стульев и дверных полотен, Ленин и проститутка(вариант — Ленин и Микки-Маус) в произведении соц-арта — все это типичные проявления повседневной реальности постмодернистского дискурса.

Дмитрий Гутов. Из цикла «Рисунки Рембрандта». Этюд мужчины в тюрбане

Таким странным образом постмодерн демонстрирует свою крайнюю традиционность и противопоставляет себя нетрадиционному искусству авангарда. «Художник наших дней—это не производитель, а апроприатор… со времен Дюшана мы знаем, что современный художник не производит, а отбирает, комбинирует, переносит и размещает на новом месте… Культурная инновация осуществляется сегодня как приспособление культурной традиции к новым жизненным обстоятельствам, новым технологиям презентации и дистрибуции, или новым стереотипам восприятия» (Б. Гройс). Эпоха постмодерна опровергает казавшиеся ещё недавно незыблемыми постулаты о том, что «…традиция исчерпала себя и что искусство должно искать другую форму» (Ортега-и-Гассет) — демонстрацией в нынешнем искусстве эклектики любых форм традиции, ортодоксии и авангарда. «Цитирование, симуляция, ре-апроприация — все это не просто термины современного искусства, но его сущность» (Ж. Бодрийяр). При этом в постмодерне слегка видоизменяется заимствованный материал, а чаще извлекается из естественного окружения или контекста, и помещается в новую или несвойственную ему область. В этом состоит его глубокая

• маргинальность.

Замечу в  скобках, что «маргинальность» в данном контексте не ругательство и не отрицательная оценка, а официальный безоценочный культурологический термин, обозначающий оторванность человека или объекта от его естественного окружения и помещённость в новую среду. Таким образом, маргиналами являются, к примеру, деревенские жители в современном мегаполисе; люди, живущие в смешанном браке; представители старшего поколения с «молодой душой»; женщина-мать с ориентацией на карьеру; бисексуалы и т. д.). Исследователь маргинальности Э. Стоунквист еще в 30-е годы прошлого века заметил, что в результате перехода из одной культурной ниши в другую формируются «культурные гибриды», которые объективно оказываются в ситуации периферийности, вторичности по отношению к обеим культурам.

Эти вышеназванные свойства позволяют некоторым исследователям ставить знак равенства между постмодернизмом и китчем. Трудно согласиться с такой радикальной интерпретацией. Китч, как стилистическая основа массовой культуры, мэйнстрима, безусловно заимствует, но не из лона мировой традиции и классики, а фактически из самого себя, опираясь при этом исключительно на сиюминутную массовую моду. Кроме того, в китче подражание высокой культуре (без использования при этом ее достижений и духовного потенциала) носит принципиально серьёзный, можно сказать, пафосный и высокопарный характер, несомненно придающий китчу явный налёт пошлости (являющейся его неотъемлемым стилистическим признаком). Постмодерн в общем и целом не признает пафоса, он иронизирует над окружающим миром или над самим собой, тем самым спасая себя от пошлости и оправдывая свою исконную вторичность.

• ирония — вот следующий типологический признак культуры постмодерна. Авангардистской установке на новизну противопоставлено устремление включить в современное искусство весь мировой художественный опыт способом ироничного цитирования. Возможность свободно манипулировать любыми готовыми формами, а также художественными стилями прошлого в ироническом ключе, обращение ко вневременным сюжетам и вечным темам, еще недавно немыслимое в искусстве авангарда, позволяет акцентировать внимание на их аномальном состоянии в современном мире.

Отмечаются аналогии постмодернизма не только с массовой культурой и китчем. Гораздо более обосновано заметное в постмодернизме повторение эксперимента соцреализма, который доказал плодотворность использования, синтеза опыта лучшей мировой художественной традиции. Таким образом, постмодерн наследует

• синтетичность как типологический признак. Причем, если в соцреалистическом синтезе различных стилей сохраняется их идентичность, чистота признаков, раздельность, то в постмодернизме можно видеть сплав, буквальное сращение различных признаков, приемов, особенностей различных стилей, представляющих новую авторскую форму. Это очень характерно для постмодернизма: его новизна — это

Леонид Пурыгин. На кладбище

• сплав старого, прежнего, уже бывшего в употреблении, использованного в новом маргинальном контексте.

Вот, например,  работы российской художницы Анны Шубиной. По ее собственному мнению ее авторская форма это сплав стилей Питера Брейгеля, Роджера Ван дер Вейдена и Леонида Пурыгина, ее первого мужа – можно сказать «классика» постмодернизма, работы которого могут быть представлены как самостоятельный пример явления постмодернизма в изобразительном искусстве. Этот сплав стилей, как мировых, так и личных, заимствование, сращение различных манер самых разных как художников прошлого,  так и современных очень характерен, можно сказать типичен, встречается сегодня постоянно, повсеместно, это просто  способ мышления современного художника. Можно сказать, что  любой художник, работающий в современной манере представляет как свое новое нечто такое, что «срослось» из всевозможных традиций прошлого и существующего настоящего. Все это, в том числе и массовость проявлений говорит за  то, что в постмодернизме сложился новый стиль искусства

Анна Шубина. Натюрморт с лошадью в окне

В настоящее время постмодернизм рассматривается как новый художественный стиль, отличающийся от авангарда возвратом к красоте вторичной реальности, повествовательности, обращением к сюжету, мелодии, гармонии вторичных форм. «Для того, чтобы вторичность формы воспринималась  как новизна, указывает Б.Гройс, в современном состоянии искусства скрыта заинтересованность в культивации дилетантизма потенциального зрителя (точнее было бы сказать, потребителя артпродукции). Не имеющий представления о формах прежнего искусства ( по его выражению — собственного «культурного архива» в голове), неискушённый потребитель воспринимает современную художественную продукцию как новую для себя и волнительную, вследствие чего отпадает необходимость в поиске действительно нового: «Современное искусство обращается с художественным наследием в целом, как Дюшан с писсуаром: оно помещает это наследие в другие условия, чтобы привлечь новую публику к старому продукту» (Б. Гройс).

Между тем, критика постмодернизма носит тотальный характер (несмотря на то, что постмодернизм отрицает любую тотальность) и принадлежит как сторонникам современного искусства, так и его неприятелям. Уже заявлено о смерти постмодернизма (подобные эпатирующие высказывания после Р. Барта, провозгласившего «смерть Автора», постепенно принимают вид расхожего штампа), постмодернизм получил характеристику культуры second hand. Принято считать, что в постмодерне нет ничего нового (Гройс), это культура без собственного содержания (Кривцун) и потому использующая как строительный материал все какие угодно предшествующие наработки (Брайнин-Пассек), а значит синтетическая и больше всего по структуре похожая на соцреализм (Эпштейн) и, следовательно, глубоко традиционная, исходящая из положения, что «искусство всегда одно, меняются лишь отдельные приемы и средства выражения» (Турчин). Принимая во многом обоснованную критику такого культурного феномена, как постмодернизм, хочется обратить внимание на его бесспорные обнадеживающие качества. Постмодернизм реабилитирует предшествующую художественную традицию, а вместе с этим и реализм, академизм, классику, активно шельмуемые на протяжении всего ХХ века и представляет зрителю  новую фигуративность. Постмодернизм доказывает свою жизненность, помогая воссоединению прошлого культуры с ее настоящим. Отрицая шовинизм и нигилизм авангарда, разнообразие форм, используемых постмодернизмом, подтверждает его готовность к общению, диалогу, к достижению консенсуса с любой культурой, и отрицает любую тотальность в искусстве, что несомненно должно улучшить психологический и творческий климат в обществе и будет способствовать развитию адекватных эпохе форм искусства, благодаря которым «…станут видимы и далекие созвездия будущих культур» (Ф.Ницше)

Искусство постмодернизма: mikroweek — LiveJournal

В современном мире знание контекста произведения искусства не просто важно, а имеет первостепенное значение. Только знакомство с историей создания работы и биографией художника, способно превратить «нелепую мазню» в осмысленное и глубокое творение. Но иногда даже понимание работы не дает возможности разобраться к какому художественному течению относится написанная работа.

Из модернизма в постмодернизм

Признание новых течений современного искусства художниками XX века, происходило не сразу. Авангардизм, примитивизм, кубизм, сюрреализм, футуризм, экспрессионизм, абстракционизм и другие менее известные направления создали основный костяк модернизма, который откинув старые догмы построил совсем иные художественные принципы. Художники-модернисты перечеркнули свой старый исторический опыт и искали новое начало в искусстве, стараясь обновить восприятие живописи в резко прогрессивном технологическом обществе.

«Сон» Анри Руссо 1910 г. (примитивизм)

Модернизм смог отвергнуть академическое искусство и обратился к новым художественным образам, но впоследствии сам стал классикой. Это привело к отрицанию оригинальных идей и к возникновению следующего этапа художественного развития — постмодернизму. Который в последствии стал отрицанием всего отрицаемого прежде.
Если картины модернистов не были приняты критикам за размытие силуэты и грубые образы в своих работах. То постмодернисты решили уйти еще дальше и откинули и эти принципы, отойдя от понимания картины в целом и выйдя за рамки картинных рам.

Если вкратце, то все искусство постмодернизма можно свести к семи основным принципам:
— отказ от канонов и авторитетов, свободное отношение к классике и традициям
— желание художника эпатировать и удивлять, вызвать на конфликт и активный диалог со своим зрителем
— стирание грани между элитарной и массовой культурами и перемещение их в музейное пространство
— откровенное заимствование и цитирование с целью пародии над существующими образами
— принцип разных истолкований и двусмысленности интерпретации любого произведения
— полное отсутствие строгих правил и свобода самовыражения, как в формах так и в смыслах
— стремление автора нивелировать свое присутствия в созданном им же произведении

Постмодернизм имел присутствие в готовых классических формах, что впоследствии перешло в эксклюзивный контекст и новые интерпретации. Комбинирование формы разных стилей давало творцу собственные критерии для самовыражения и право выбрать любой вид исполнения своей работы. Позже это стало основой для возникновения художественных инсталляций и перформансов.
Модернизм начиная перестройку и деконструкцию старых образов, создал другие подходы к понимаю искусства, которые не позволяют понять постмодернизм опираясь только на какие-то факты. В целому, любое осмысленные произведения искусства художника-постмодерниста сводится только к одному принципу — нравится вам эта работа или нет.

«La Costellazione Del Leone» Карло Мария Мариани 1981 г. (постмодернизм)

«Сердца революционеров» Шаман Йозеф Бойс 1955 г. (постмодернизм)

«Cordoba» Миммо Паладино 1984 г. (постмодернизм)

Если вам понравилась статья, поделитесь ею со своими друзьями и напишите комментарий.
Добавляйтесь в друзья ЖЖ, всегда буду рад.

Текст является интеллектуальной собственностью моего ЖЖ, поэтому копирование текста позволяется только с прямой ссылкой на оригинальную статью.

СКУЛЬПТУРА ПОСТМОДЕРНИЗМА

1. Постмодернизм.
2. Альберто Джакометти. Экзистенциальный стиль.
3. Новый реализм.
4. Хайнц Мак, Отто Пине, Гюнтер Юккер. Использование новых материалов — воды, огня, света и дыма; технического сырья.
5. Художник-кинетист Жан Тэнгли.
6. Жан Мартин, Дариус Хулеа. Арт-объекты из «не скульптурных» материалов — производственных деталей, проволоки, гаек, гвоздей.

1.

Постмодернизм представляет собой направление в искусстве, пришедшее в 1950-е годы на смену модернизму. Постмодернизм возникает одновременно в нескольких развитых странах Америки и Европы и представляет собой художественное течение, являющееся, с одной стороны, продолжением модернизма, а с другой — его преодолением, контрастируя с искусством Нового времени.

Постмодернизм не относится к области философии или истории, не связан с идеологией, не ищет и не утверждает никаких истин. Постмодернизм расценивается как реакция на модернистский культ нового, а также как элитная реакция на массовую культуру. Постмодернизм также рассматривают как реакцию на тотальную коммерциализацию культуры, как противостояние официальной культуре.

Сила образа — это секрет, который в действительности лишен того, что могло бы быть раскрыто, — какого-либо смысла и содержания. Соблазн такого искусства — в намеках на якобы существующую здесь тайну.

Видео Tinguely-Museum Basel

2.

Альберто Джакометти, швейцарский скульптор и художник, проживший большую часть жизни во Франции, в Париже, входит в число легендарных художников ХХ столетия.

Его творчество безошибочно узнаваемо, его имя известно в любой точке земного шара. Без эпатажа и громких деклараций он воплощает в пластических композициях свое мировоззрение. Меняя пропорции человеческого тела, искажая и доводя до абсурда привычное представление о том, как оно должно изображаться, он сумел изменить отношение к скульптуре у целого мира. Поэтому его так часто сравнивают с Пикассо и противопоставляют ему. Оба художника, и Джакометти, и Пикассо, каждый по-своему поставили точку в истории классического искусства. После них никому не придёт в голову работать в традиционной манере — мир художников прочно встал на рельсы модернизма. Известность Джакометти приносит неповторимый собственный стиль в скульптуре, который позже назовут экзистенциальным. Многие скульптурные композиции Джакометти выстроены вокруг ребристых форм, будто спаянных из параллельных планок. Данная скульптура вызывает ассоциации не то с деталями промышленных конструкций неизвестного назначения, не то с музыкальными инструментами.

Позднее Джакометти обращается к работе с натурой, постепенно добиваясь неповторимого уникального виденья человеческого тела и философской глубины. Узкие вертикали почти бесплотных фигур его «зрелого стиля» собирают и удерживают любое пространство — от музейного интерьера до городских площадей.

Живописные и графические работы Джакометти — это тоже почти всегда изображения людей. Складываясь из промежуточных, рабочих, эскизных штрихов в выразительные портреты, они сохраняют процесс поиска истины, сущности модели, передают хрупкость и недолговечность всего живого.

За несколько дней до захвата Парижа немецкими солдатами в 1940 году Джакометти с братом пытаются покинуть город на велосипедах. Колонну беженцев обстреляют из воздуха. Следующие 5 лет Альберто, который окажется непригодным для службы, проведет в Женеве. Он работает в гостиничном номере и лепит крошечные человеческие фигуры. Когда война закончится, он упакует эти скульптуры в спичечные коробки и повезет в Париж. Европа после Второй мировой войны опустошена, разрушена, обескровлена. Люди брошены со всеми своими травмами, невозместимыми потерями, одиночеством, стыдом и отчаяньем. И абстракция часто оказывается единственным языком, подходящим для разговора об этой катастрофе. Альберто Джакометти возвращается в Париже по окончании войны с несколькими спичечными коробками — в этих коробках его скульптуры за несколько прошедших военных лет. Крошечные человеческие фигурки, безликие и хрупкие, почти исчезнувшие. Но в ближайшие несколько лет они начнут расти.

Есть что-то щемящее и символичное в скульптурах этого периода: размер каждой не больше пары сантиметров. Человек, который в сотни раз меньше любого окружающего пространства, куда бы он ни попал. Позже каждую из этих фигур Джакометти установит на необъятную, умножающую одиночество подставку. Это одиночество метафизического свойства, чувство абсолютной внутренней покинутости человека в мире.

Его работы напоминают остовы обгоревших деревянных культовых изваяний, дрожащие отражения в воде или удаленные силуэты, растворяющиеся в тумане. Это высокие, тонкие, практически исчезающие фигуры: идущие мужские и стоящие женские. На поверхности фигур всегда заметны следы пальцев скульптора, очертания небольших фрагментов глины, из которых создавалась, наращивалась фигура на металлическую арматуру.

3.

В конце 1960 года появилось движение Новый реализм, объединившее художников, которые интегрировали повседневную жизнь в искусство и использовали новые методы и материалы. Одним из них был Жан Тэнгли (Jean Tinguely, 1925–1991) — швейцарский художник-кинетист, автор скульптур-механизмов, самодвижущихся и самораспадающихся, хрупких и устрашающих одновременно. Тенгли превращает зрителя в свидетеля непрекращающегося процесса постоянной трансформации, начало и конец которого лежат вне его поля зрения, и созидание в этом процессе становится синонимом уничтожения.

Современное искусство объективно свидетельствует о том, что сложившаяся система представлений больше не видит в художнике творца высших ценностей. Девальвация духовной культуры, очевидно, связана с утверждением иных ценностей. Относительное изобилие и свободы, которыми обеспечило себя общество потребления, показывают, чего в действительности желает человек. Соответственно, творчество утрачивает свое первородство и становится «художественным производством», которое усиливает развлекательную, игровую функции.

В качестве примера подобных экспериментов можно привести творчество художников, создавших в Дюссельдорфе в 1957 году группу Zero. У истоков ее основания стояли Отто Пине и Хайнц Мак, позже к ним присоединился Гюнтер Юккер. Ноль в названии группы не был символом отрицания. Он являлся точкой отсчета, точкой тишины и пустоты, в которой возникал новый, полный надежды и света мир. В 1963 году появился манифест Отто Пине, Хайнца Мака и Гюнтера Юккера, он назывался «Zero — это тишина. Zero — это начало». По мнению одного из членов группы, Хайнца Мака, «счастье начала, легкость, открытость» должны обогатить не только искусство, но и жизнь в целом. Использование новых материалов — воды, огня, света и дыма, а также технического сырья — гвоздей, алюминия, зеркал, стекла и люминесцентных покрытий — открывает реальность как художественное целое, позволяет по-новому воспринимать и переживать ее.

В то же самое время художники группы Zero и их единомышленники всегда стремились к тому, что Гюнтер Юккер называл «миром, где искусство перестает быть делом одиночек», включая зрителей в процесс перфоманса, арт-действия, хэппенинга.

4.

Хайнц Мак экспериментировал с кинетическими возможностями света. Лейтмотивом его творчества являются его световые стелы, которые он располагал в нетронутых пространствах пустынь или открытом море.

Мак обычно использует для создания своих инсталляций полированный алюминий, стекло или пластик. При помощи электрического двигателя обеспечивается нерегулярное движение, которое вызывает игру отраженного света. Мак применяет и многие другие виды материалов, его работы включают скульптуры с использованием воды и ветра. Часто публика могла познакомиться с ними только с помощью видео или фотографии.

Творческий поиск Гюнтера Юккера находит выражение почти в ритуальном отношении к свету и тени, звуку и тишине, движению и статике, создавая из реальных природных материалов и функциональных предметов свою виртуальную среду, свое пространство в собственных временных фазах.

Черное и белое как полюса, между которыми, по словам Казимира Малевича, простирается весь цветовой спектр, доминируют в метафорическом творчестве Юккера, что, несомненно, свидетельствует об обращении к наследию автора «Черного квадрата» и одновременно указывает на увлечение философией дзэн-буддизма. Объединяющая природа белого цвета не только является цветом чистоты и ясности, но и выступает в качестве символического воплощения света, медитативного покоя.

Работы Гюнтера Юккера характеризуются отсутствием цвета, главенствующую роль во многих его работах играет гвоздь, по-своему отражающий свет и темноту. Гвоздь превратился в инструмент, в неотъемлемый образный элемент композиций художника. Вслед за Лючио Фонтана, элегантно прорубившим брешь в холсте, раздвинув тем самым его пространственные и временные параметры, Гюнтер Юккер поначалу с той же целью использовал гвоздь для прорыва двухмерной плоскости.

Затем он методично и формально обоснованно стал превращать гвоздь в самостоятельный модуль, благодаря чему возникли новые серийные структуры.

Самая известная серия Юккера, «Космическое видение» (1961–1981), представляет собой вращающиеся круги, в которые в геометрическом порядке забиты гвозди, которые превращаются в светоотражатели. Они функционируют иначе, чем излучающие свет стелы Мака, но создают сходный эффект.

Отто Пине, сочетавший художественное образование с философской подготовкой, был увлечен взаимодействием искусства и науки. Его работы отмечены особым чувством цвета, выделяются характерным почерком и формой.

5.

Ярким примером данного направления станут работы уже упомянутого художника и скульптора Жана Тэнгли — автора механизмов, собранных из всевозможного промышленного утиля.

Жан Тэнгли называли «создателем мечтающих машин», «мастером поломок, сомнения и случайности». Движение помогло Тэнгли преодолеть проблему выбора и позволило сделать жизнь произведения бесконечной, как и процесс работы над ним. Искусство Тэнгли основано на движении колеса, рождающего бесконечное повторение и изменение, и это два ключевых принципа его работ, которые почти невозможно увидеть в одинаковом виде.

Однако новаторство Тэнгли связано не с самим процессом движения — оно использовалось и до него, в частности Александром Колдером, Марселем Дюшаном и Ман Рэем, — а с тем, что ему удалось удачно соединить кинетизм, готовые объекты массового производства, звук, саморазрушение и зрелищность хеппенига для создания своих «мечтающих машин».

Méta-Harmonie II

Jean Tinguely Museum, Basel Switzerland

Фонтан Стравинского считается одной из интересных и необычных достопримечательностей Парижа. Он представляет собой большой прямоугольный бассейн глубиной всего 35 см, наполненный водой. По его поверхности передвигаются 16 сказочных персонажей: скрипичный ключ, лягушка, шляпа клоуна, русалка, слон, спираль и другие.

Необычный фонтан на площади Стравинского появился в 1982–1983 гг. Идея создания авангардного фонтана принадлежит Пьеру Булезу, французскому композитору и дирижеру, основателю расположенного в Центре Помпиду Института исследования и координации акустики и музыки (IRCAM). Причудливая инсталляция должна была оживить скучное и неинтересное пространство перед Центром Помпиду.

Авторами этого необычного фонтана стали швейцарский скульптор Жан Тенгли и его супруга, французская художница Ники де Сен-Фалль. Необычный монумент посвящен композитору Игорю Стравинскому, который значительную часть жизни провел во Франции и был награжден орденом Почетного Легиона.

Кинетические скульптуры необычных форм двигаются под его музыку из балетов «Весна священная» и «Жар-Птица», как будто разыгрывая сценки из произведений прославленного композитора. Первоначальный план предусматривал, что фонтан будет украшен лишь фантастическими машинами швейцарца, выкрашенными в черный цвет. Однако Тэнгли показалось, что такая композиция будет слишком мрачной, и предложил оживить площадь яркими фигурами в стиле поп-арт. Так появились скульптуры из полиэстера художницей Ники де Сен-Фалль. Черные механизмы, сочетающие шестеренки и колеса со шлангами, цикл за циклом повторяют замысловатые движения. Торчащие из воды огромные яркие фигуры время от времени выпускают струйки воды. Смотреть на все это увлекательно и забавно. Все скульптуры выполнены из пластика и легких металлов.

6.

Одним из актуальных направлений постмодернистского искусства является создание арт-объектов из «не скульптурных» материалов — производственных деталей, проволоки, гаек, гвоздей, механизмов, технического сырья, промышленных отходов, вторично используемых материалов, и сосуществование их в самых разнообразных комбинациях с любыми объектами. Таковы скульптуры молодого французского художника Жана Мартина, созданные из множества однообразных металлических элементов.

Прекрасно смотрятся на фоне природы произведения из проволоки румынского скульптора Дариуса Хулеа и многих других современных авторов. Дариус Хулеа работает с необычным материалом. Автор использует для своих работ все виды металла — нержавеющую сталь, железо, медь, латунную проволоку.

Металлические прутья вдохновляют мастера по многим причинам. Прежде всего, они очень пластичны — их можно изгибать, как душе угодно, и в итоге получить максимально интересный и оригинальный результат. Кроме того, смотрятся скульптурные портреты так, как будто их начали рисовать карандашом, но по какой-то причине не закончили. Неудивительно, что талант Дариуса снискал ему множество поклонников по всему миру. Его проволочные композиции представляют собой смесь классики и постмодерна, при этом его металлические портреты знаменитостей безошибочно узнаваемы.

Использованные источники:

• Википедия. Скульптура. Новейшее время.
• Википедия. Новый реализм
• Энциклопедия Кругосвет. Постмодернизм
• Николай Новиков. «Эрнст Неизвестный: искусство и реальность» Chalidze Publications New York 1981
• studme.org. Постмодернизм
• Информационный канал subscribe.ru
• artchive.ru  Шагающий человек
• bigpicture.ru
• static.boredpanda.com
• hobbysalon.ru Достопримечательности Базеля
• Музей ТЕНГЛИ. Базель
• cultobzor.ru. Выставки.Группа Zero

Постмодернизм в искусстве

Постмодернизм достаточно быстро пришел на смену новейшему модернизму, и представляет собой антитез этому уходящему в прошлое достаточно необычному периоду во всех сферах творчества. Формы творчества получили игровую или даже саркастическую форму, нивелируя при этом разницу между массовым потребителем и элитой общества. От модернизма существенно отличается тем, что в нем имеются классические и традиционные мотивы и нотки, а также присутствует пересмотр традиционных взглядов.

Философия постмодернизма

В основе направления не столько «новые мотивы», сколько ярко выраженные сомнения в правильности устаревших традиций в искусстве. На фоне невозможности объективности познания, а также отсутствии различных критериев достоверности устанавливается четко выраженное сомнение касательно позитивных истин, установок или убеждений.

Философские мотивы постмодернизма направлены на сближение не с научными сферами деятельности, а с искусством. Постмодернисты стараются выражать относительность всех существующих в жизни ценностей и иллюзорности воспринимаемого мира. Кроме того, делается акцент на неограниченных возможностях научных исследований.

Нужно отметить, что если модернизм позиционирует себя, как полную противоположность традиционному искусству, то постмодернизм уже сочетает в себе и традиционные, и новейшие тенденции и мотивы. При этом все так же направление предполагает полный отказ от рационализма и универсализма.

Постмодернизм часто характеризуют открытость и разорванность смысловых структур и форм, а также игровые, хаотичные мотивы. По сути, это неклассическая трактовка традиционных сюжетов и мотивов с применением антисистематичных и адогматичных элементов и построений сюжетной линии.

(Дома-кубы, постмодернизм в архитектуре)

В качестве символики эпохи можно привести лабиринт и ризому, которые, как нельзя кстати, выражают позицию философов и мыслителей постмодернизма. Актуально смешение творчества и искусства с научными тенденциями и мотивами, а стремление авторов к оригинальности своего творчества привели к пересмотру классических позиций о созидании и процессе разрушения, а также понятий порядка и хаоса.

Постмодернизм в живописи

В живописи это направление появилось немного позже, чем в сфере архитектуры. Впрочем, развивался он достаточно стремительно, и уже в 80-х годах двадцатого века прошло сразу несколько масштабных выставок работ разнообразных художников в этом жанре. Авторы часто использовали для конструирования артефактов в художественном творчестве методы аппликации, а изображению подвергалось все, начиная от самих людей и природы, и заканчивая Вселенной и космической тематикой картин.

Отличительные особенности этого стиля:

• наличие готовой формы в композиции, что резко отличает постмодернизм от модернизма;
• заимствование классических образов и традиций, но придание им новых интерпретаций;
• комбинирование форм, достаточно сильно выраженная ироническая нотка в картинах;
• полное отсутствие каких-либо строгих правил и свобода самовыражения.

Именно свобода самовыражения становится отличной основой для поиска свежих творческих идей и оригинальных мыслей. В живописи течение не имеет каких-то очень характерных особенностей в технике написания картин, но при этом является крупнейшим и популярнейшим на сегодняшний день в мировом творчестве художников.

Постмодернизм в театральном искусстве

Театральные постановки в стиле постмодернизма появились во второй половине двадцатого века, и они использовали те же философские мотивы, которые характерны для живописи или литературы данного направления. Направление сочетает в себе сразу несколько элементов:

• деконструкция образов;
• ироничность, выражение сарказма;
• классическое цитирование;
• демонстрация смерти автора.

Для этого стиля характерно достаточно сильное отступление от публичности в разряд элитарности. Такой театр переносится на маленькие, часто импровизированные, площадки, а спектакли нередко имеют форму инсталляции. При этом активное развитие технологий также наложило отпечаток на развитие театрального искусства, и это приводит к появлению соответствующего реквизита и образов.

Эрнста, Пикассо, Мане, Матисса, Дали, Кирхнера и других

Updated: 24.02.2020

Модернизм появился в западной культуре в конце XIX века и получил свое развитие в начале следующего столетия. Этот период вошел в историю искусства и, в частности, живописи как чрезвычайно плодотворный и наполненный новыми открытиями, хотя в сознании современников он ассоциировался с упадком. Модернизм эволюционировал на волне отрицания классического наследия и невероятно расширил и обогатил художественный язык живописи.

Модернизм стал прямым отражением социальных процессов, проходящих в обществе. Темпы жизни ускорялись, прежние идеалы стремительно устаревали, а новые только создавались. Художников преследовали ощущение пустоты и чувство тревоги, и спасение они искали в разрушении существующих устоев и традиций, навязанных классическими формами искусства.

Что такое модернизм, характерные черты и особенности стиля

Модернизм характеризуется отказом от реализма в пользу чувственного восприятия и передачи внутреннего мира живописца. Провозглашалась абсолютная свобода художника в творчестве, которое не должно быть связано рамками реального мира. На смену выверенным веками приемам пришел эксперимент.

Главной ценностью считалось самовыражение, которое стало философией модернизма. Адепты новых течений считали, что искусство прошлого с его ограниченностью и рационализмом ведут живопись в тупик, и только абсолютно новаторские и порой абсурдные приемы способны вдохнуть новую жизнь в творчество.

Модернизм — это совокупность множества направлений, получивших свое развитие в первой половине XX века, в их число входят:

• фовизм;
• кубизм;
• сюрреализм;
• футуризм;
• абстракционизм;
• экспрессионизм.

Живопись модернистов объединяла общая черта — художники по-новому подавали привычные образы, что выражалось в нестандартных формах, линейной композиции, сложном ритме и неожиданных цветовых сочетаниях.

Направления в модернизме, известные художники-модернисты

Искусствоведы спорят о точном времени зарождения стиля. В череду событий, которые можно назвать точкой отсчета для развития модернизма, входит «Салон отверженных», работавший в Париже с 1863 года. В экспозицию принимали работы, отвергнутые жюри официального салона. Публика ходила на выставку посмеяться над необычными картинами художников. В частности, жесткой критике была подвергнута работа Эдуарда Мане (Edouard Manet) «Завтрак на траве».

Первым течением в модернистском искусстве в начале XX века стал фовизм. Термин был впервые употреблен французской критикой в отношении творчества группы молодых художников, куда входили:

Живописцы не пропагандировали определенную эстетическую программу, но формально выступали против методов и приемов импрессионистов, что выражалось в примитивизме форм, остроте композиционных решений, стремлении к яркому цвету, пренебрежении линейной перспективой.

Кубизм возник чуть позднее фовизма, его основоположниками считаются Жорж Брак (Georges Braque) и Пабло Пикассо (Pablo Picasso). Художники взяли за основу постулат Сезанна о том, что в основе любого предмета лежат геометрические формы и развили его в своем творчестве. Картины кубистов представляют собой фантастическую реальность, созданную воображением художника. Вещи предстают в виде комбинаций отдельных частей, а плоскости сдвигаются. Главным критерием оценки произведений для кубистов было геометрическое совершенство изображения.

Первые работы футуристов появились в 1909 году. Художники противопоставляли технику и человека и стремились передать в своих произведениях переполненность сознания современников впечатлениями. Главным героем произведений стало время, его стремительный ритм они передавали через раздробленность зрительного образа, хаотичный ритм и многократное повторение движений тел и предметов. К футуризму примкнули многие заметные художники Италии:

Сюрреализм главным в искусстве провозгласил бессознательное начало и поставил своей целью пробудить ассоциативное мышление зрителей. Течение зародилось во Франции в 1920-е годы и развивалось в двух направлениях. Одни живописцы создавали шедевры с абстрактными образами и произвольными формами — таковы работы Андре Массона (Andre Masson), Макса Эрнста (Max Ernst), Хоана Миро (Joan Miro).

Другая группа сюрреалистов во главе с Сальвадором Дали (Salvador Dali) сосредоточилась на тщательном воспроизведении образов, возникающих в подсознании. Картины мастеров отличает точность изображения, скрупулезная прорисовка деталей и выверенная перспектива, характерная для академической живописи. Лейтмотивом творчества Дали стала фантастика абсурда с парадоксальными сочетаниями форм и зрительной неустойчивостью объектов.

Абстракционизм получил свое развитие после 1910 года. Гийом Аполлинер (Guillaume Apollinaire) назвал его «искусством, не имеющим более никакого внешнего сюжета, а только сюжет внутренний». Основоположником направления стал Василий Кандинский, работы которого в этот период окончательно утратили связь с реальным миром, но при этом чрезвычайно содержательны, эмоциональны и проникнуты динамикой настоящей жизни.

Ярким представителем рационального направления беспредметной живописи стал Казимир Малевич, который в своих композициях стремился создать мир холодной гармонии, воплощенный в геометрических формах. Чистейшей формулой живописной абстракции стала его работа «Черный квадрат», где художнику удалось передать саму суть пространства, лишенного масштаба и протяженности.

Начало течению экспрессионистов было положено немецкими художниками в первой четверти XX века. Первые представители направления — Эрнст Людвиг Кирхнер (Ernst Ludwig Kirchner), Эрих Хеккель (Erich Heckel), Отто Мюллер (Otto Mueller) — входили в группу «Мост», созданную в 1905 году в Дрездене. Целью живописцев стал поиск начала, объединяющего духовную и общественную жизнь. Эмоциональное состояние творцов находило свое отражение в импровизации, искажении реальных пропорций. Основным способом передачи пространства в картинах экспрессионистов стал цвет.

Разгоревшиеся военные конфликты в Европе конца 1930-х годов замедлили развитие модернистского искусства и прервали связь национальных школ живописи. Многие начинания художников первой половины двадцатого столетия остановились, едва начавшись. Модернизм оказал колоссальное влияние на эволюцию искусства, а творчество мастеров той эпохи вызывает неподдельное восхищение у современного зрителя.

Цена на произведения основоположников фовизма, экспрессионизма, футуризма на мировых аукционах живописи поднимается до астрономических сумм. В каталоге Very Important Lot вы найдете как антикварные работы, так и картины современных художников-модернистов.

Постмодернистское искусство — Postmodern art

Постмодернистское искусство — это совокупность художественных движений, которые стремились противоречить некоторым аспектам модернизма или некоторым аспектам, возникшим или развившимся после него. В целом, такие движения, как интермедиа , искусство инсталляции , концептуальное искусство и мультимедиа , особенно с участием видео, описываются как постмодернистские .

Есть несколько характеристик, которые придают искусство постмодерну; к ним относятся бриколаж , использование текста в качестве центрального художественного элемента, коллаж , упрощение , присвоение , перформанс , повторное использование прошлых стилей и тем в современном контексте, а также устранение барьера между прекрасным и высокое искусство, и низкое искусство, и популярная культура .

Использование термина

Преобладающий термин для искусства, созданного с 1950-х годов, — « современное искусство ». Не все искусство, обозначенное как современное искусство, является постмодернистским, и более широкий термин охватывает как художников, которые продолжают работать в модернистских и поздних модернистских традициях, так и художников, которые отвергают постмодернизм по другим причинам. Артур Данто утверждает, что «современник» — это более широкий термин, а постмодернистские объекты представляют собой «подсектор» современного движения. Некоторые художники постмодерна сделали более заметный отход от идей современного искусства, и нет единого мнения о том, что такое «поздний модерн», а что — «постмодерн». Идеи, отвергнутые современной эстетикой, были восстановлены. В живописи постмодернизм вернул репрезентацию. Некоторые критики утверждают, что большую часть современного «постмодернистского» искусства, новейшего авангардизма следует классифицировать как современное искусство.

Помимо описания определенных тенденций современного искусства, постмодерн также использовался для обозначения фазы современного искусства . Эту позицию придерживаются защитники модернизма, такие как Клемент Гринберг , а также радикальные противники модернизма, такие как Феликс Гваттари , который называет это «последним вздохом модернизма». Неоконсерватор Хилтон Крамер описывает постмодернизм как «творение модернизма на краю привязи». Жан-Франсуа Лиотар , согласно анализу Фредрика Джеймсона , не считает, что существует этап постмодерна, радикально отличающийся от периода высокого модернизма ; вместо этого постмодернистское недовольство тем или иным высоким стилем модернизма является частью экспериментов с высоким модернизмом, порождающих новые модернизмы. В контексте эстетики и искусства , Жан-Франсуа Лиотар является главным философом постмодернизма.

Многие критики считают, что постмодернистское искусство возникает из современного искусства. Предлагаемые даты перехода от модерна к постмодерну включают 1914 год в Европе и 1962 или 1968 год в Америке. Джеймс Элкинс , комментируя дискуссии о точной дате перехода от модернизма к постмодернизму, сравнивает их с дискуссиями 1960-х годов о точном масштабе маньеризма и о том, следует ли ему начинать сразу после Высокого Возрождения или позже в столетии. Он подчеркивает, что эти дебаты продолжаются постоянно в отношении течений и периодов в искусстве, что не означает, что они не важны. Завершение периода постмодернистского искусства было датировано концом 1980-х годов, когда слово постмодернизм потеряло большую часть своего критического резонанса, а художественные практики начали обращать внимание на влияние глобализации и новых медиа .

Американский философ-марксист Фредрик Джеймсон утверждает, что условия жизни и производства будут отражаться во всей деятельности, включая создание искусства.

Жан Бодрийяр оказал значительное влияние на искусство, вдохновленное постмодерном, и подчеркнул возможности новых форм творчества. Художник Питер Галлей описывает свои дневные цвета как «гиперреализацию настоящего цвета» и признает влияние Бодрийяра. Сам Бодрийяр с 1984 года был довольно последовательным в своем взгляде на современное искусство, и в частности постмодернистское искусство, уступало модернистскому искусству периода после Второй мировой войны, в то время как Жан-Франсуа Лиотар хвалил современную живопись и отмечал ее эволюцию от модерна. искусство. Основные художницы-женщины двадцатого века связаны с постмодернистским искусством, поскольку значительная часть теоретической артикуляции их работ возникла из французского психоанализа и феминистской теории, которая тесно связана с постмодернистской философией.

Как и в случае любого использования термина «постмодерн», его применение критикуется. Кирк Варнедо , например, заявил, что постмодернизма не существует и что возможности модернизма еще не исчерпаны. Хотя использование этого термина как своего рода сокращенного обозначения работы определенных послевоенных «школ», использующих относительно специфический материал и общие методы, стало общепринятым с середины 1980-х годов, теоретические основы постмодернизма как эпохального или эпистемологического разделения до сих пор очень много споров.

Определение постмодернистского искусства

Сопоставление старого и нового, особенно в том, что касается взятия стилей из прошлых периодов и их повторного включения в современное искусство вне их исходного контекста, является общей характеристикой постмодернистского искусства.

Постмодернизм описывает движения, которые возникают из тенденций модернизма , а также реагируют на них или отвергают их . Общие цитаты для конкретных направлений модернизма: формальная чистота, конкретность среды , искусство ради искусства , аутентичность , универсальность , оригинальность и революционная или реакционная тенденция, то есть авангард . Однако парадокс, вероятно, является наиболее важной модернистской идеей, против которой реагирует постмодернизм. Парадокс был центральным в модернистском предприятии, которое ввел Мане . Различные нарушения Мане изобразительного искусства выдвинули на первый план предполагаемую взаимную исключительность реальности и репрезентации, дизайна и репрезентации, абстракции и реальности и т. Д. Включение парадокса было очень стимулирующим от Мане для концептуалистов.

Статус авангарда неоднозначен: многие институты утверждают, что дальновидность, дальновидность, передовая и прогрессивность имеют решающее значение для миссии искусства в настоящее время, и поэтому постмодернистское искусство противоречит ценности «искусства нашего времени». «. Постмодернизм отвергает идею продвижения или прогресса в искусстве как таковой и, таким образом, стремится ниспровергнуть «миф авангарда ». Розалинда Краусс была одним из важных провозвестников точки зрения, согласно которой авангардизм закончился и что новая художественная эра является постлиберальной и постпрогрессивной. Гризельда Поллок изучала авангард и современное искусство и сталкивалась с ними в серии новаторских книг, анализируя современное искусство и одновременно переопределяя постмодернистское искусство.

Одной из характерных черт постмодернистского искусства является смешение высокой и низкой культуры за счет использования промышленных материалов и образов поп-культуры. Использование низших форм искусства также было частью модернистских экспериментов, как это задокументировано в выставке 1990–91 Кирка Варнедо и Адама Гопника « Высокие и низкие: популярная культура и современное искусство» в Музее современного искусства Нью-Йорка , которая в то время повсюду раскритиковали как единственное событие, которое могло объединить Дугласа Кримпа и Хилтон Крамер в хоре презрения. Постмодернистское искусство известно тем, как оно стирает различия между тем, что воспринимается как изящное или высокое искусство, и тем, что обычно считается низким или китчевым искусством. Хотя эта концепция «размывания» или «слияния» высокого искусства с низким искусством экспериментировалась во время модернизма, она получила полное одобрение только после прихода эпохи постмодерна. Постмодернизм ввел в свой художественный контекст элементы коммерциализма, китча и общей лагерной эстетики; постмодернизм берет стили из прошлых периодов, таких как готизм , ренессанс и барокко , и смешивает их, игнорируя их первоначальное использование в соответствующем художественном движении. Такие элементы — общие характеристики того, что определяет постмодернистское искусство.

Фредрик Джеймсон предлагает постмодернистские произведения отвергать любые претензии на спонтанность и прямоту выражения, используя вместо стилизации и прерывности. Вопреки этому определению Чарльз Харрисон и Пол Вуд из Art and Language утверждали, что стилизация и прерывность являются присущими модернистскому искусству и эффективно используются современными художниками, такими как Мане и Пикассо .

Одно компактное определение — постмодернизм отвергает грандиозные нарративы модернизма о художественном направлении, стирая границы между высокими и низкими формами искусства и нарушая условности жанра столкновениями, коллажами и фрагментацией. Постмодернистское искусство считает, что все позиции нестабильны и неискренни, и поэтому ирония , пародия и юмор — единственные позиции, которые критика или пересмотр не могут опровергнуть. «Плюрализм и разнообразие» — другие определяющие черты.

Предшественники авангарда

Радикальные движения и тенденции, считающиеся влиятельными и потенциально предшественниками постмодернизма, возникли во время Первой мировой войны и особенно после нее. С введением использования промышленных артефактов в искусстве и таких техниках, как коллаж , авангардные движения, такие как кубизм , дадаизм и сюрреализм, поставили под сомнение природу и ценность искусства. Новые формы искусства, такие как кино и рост репродукции , повлияли на эти движения как средства создания произведений искусства. Эссе Клемента Гринберга « Авангард и Китч» , впервые опубликованное в « Партизан ревью» в 1939 году, является отправной точкой для определения модернизма и защищает авангард перед лицом массовой культуры. Позже Питер Бюргер проводил различие между историческим авангардом и модернизмом, а такие критики, как Краусс, Хюссен и Дуглас Кримп, вслед за Бюргером, идентифицировали исторический авангард как предшественник постмодернизма. Краусс, например, описывает использование коллажей Пабло Пикассо как авангардную практику, предвосхищающую постмодернистское искусство с его упором на язык в ущерб автобиографии. Другая точка зрения заключается в том, что художники-авангардисты и модернисты использовали похожие стратегии, а постмодернизм отвергает оба.

Дадаизм

В начале 20 века Марсель Дюшан выставил писсуар как скульптуру. Он хотел, чтобы люди смотрели на писсуар, как на произведение искусства, только потому, что он сказал, что это произведение искусства. Он называл свою работу « Readymades ». Фонтан был писсуар подписал с псевдонимом Р. Mutt, которая потрясла мир искусства в 1917 году это и другие работы Дюшана , как правило , помечены как дадаизм . Дюшана можно рассматривать как предшественника концептуального искусства . Некоторые критики сомневаются в том, что Дюшана, чья одержимость парадоксом хорошо известна, можно назвать постмодернистом на том основании, что он избегает какой-либо конкретной среды, поскольку парадокс не привязан к среде, хотя впервые он возник в картинах Мане.

Дадаизм можно рассматривать как часть модернистской склонности бросать вызов установленным стилям и формам, наряду с сюрреализмом , футуризмом и абстрактным экспрессионизмом. С хронологической точки зрения дадаизм прочно укоренился в модернизме, однако ряд критиков считают, что он предвосхищает постмодернизм, в то время как другие, такие как Ихаб Хассан и Стивен Коннор , считают его возможной точкой перехода между модернизмом и постмодернизмом. Например, согласно Макэвилли, постмодернизм начинается с осознания того, что человек больше не верит в миф о прогрессе, и Дюшан почувствовал это в 1914 году, когда он перешел от модернистской практики к постмодернистской, «отказавшись от эстетического восхищения, трансцендентных амбиций и тур-де. силовые демонстрации формальной ловкости в пользу эстетического безразличия, признания обычного мира и найденного объекта или готового изделия «.

Радикальные движения в современном искусстве

В целом, поп-арт и минимализм начинались как модернистские движения: смена парадигмы и философский раскол между формализмом и антиформализмом в начале 1970-х годов заставили некоторых рассматривать эти движения как предшественники или переходное постмодернистское искусство. Другие современные движения, упомянутые как влиятельные в постмодернистском искусстве, — это концептуальное искусство и использование таких техник, как сборка , монтаж , бриколаж и присвоение .

Джексон Поллок и абстрактный экспрессионизм

В конце 1940-х — начале 1950-х годов радикальный подход Поллока к живописи произвел революцию в потенциале всего современного искусства, следующего за ним. Поллок понял, что путь к созданию произведения искусства так же важен, как и само произведение искусства. Подобно новаторскому переосмыслению живописи и скульптуры Пабло Пикассо на рубеже веков с помощью кубизма и искусственной скульптуры, Поллок изменил определение искусства в середине века. Переход Поллока от станковой живописи и условности освободил его художников-современников и последующих художников. Они реализовали процесс Поллока — работа на полу, на нерастянутом необработанном холсте, со всех четырех сторон, с использованием художественных материалов, промышленных материалов, изображений, не-изображений, разбрасывание линейных мотков краски, капание, рисование, окрашивание, чистка кистью — взорванное искусство, выходящее за рамки предшествующего границы. Абстрактный экспрессионизм расширил и развил определения и возможности художников для создания новых произведений искусства. В некотором смысле инновации Джексона Поллока, Виллема де Кунинга , Франца Клайна , Марка Ротко , Филипа Гастона , Ганса Хофмана , Клиффорда Стилла , Барнетта Ньюмана , Эда Рейнхардта и других открыли шлюзы для разнообразия и масштабов следующих произведений искусства.

После абстрактного экспрессионизма

В абстрактной живописи 1950-х и 1960-х годов появилось несколько новых направлений, таких как живопись Hard-edge и другие формы геометрической абстракции, такие как работы Фрэнка Стеллы , поскольку реакция на субъективизм абстрактного экспрессионизма стала появляться в студиях художников и в радикальном авангарде. -гардовые круги. Клемент Гринберг стал голосом пост-живописной абстракции; по курирования влиятельной выставки новых живописи гастрольных важных художественных музеев по всем Соединенным Штатам в 1964 году поле цвета картины , Hard края картина и лирическая абстракция появились как совершенно новые направления.

К концу 1960-х гг. Постминимализм , искусство процесса и искусство повера также возникли как революционные концепции и движения, охватывающие живопись и скульптуру, через лирическую абстракцию и постминималистическое движение, а также в раннем концептуальном искусстве . Технологическое искусство, вдохновленное Поллоком, позволило художникам экспериментировать и использовать разнообразную энциклопедию стиля, содержания, материала, размещения, чувства времени, пластика и реального пространства. Нэнси Грейвс , Рональд Дэвис , Ховард Ходжкин , Ларри Пунс , Дженнис Кунеллис , Брайс Марден , Брюс Науман , Ричард Таттл , Алан Сарет , Уолтер Дарби Баннард , Линда Бенглис , Дэн Кристенсен , Ларри Зокс , Ронни Лэндфилд , Ева Хессе , Кейт Сонниер , Ричард Серра , Сэм Гиллиам , Марио Мерц , Питер Реджинато , Ли Лозано были одними из самых молодых художников, появившихся в эпоху позднего модернизма, положившего начало расцвету искусства конца 1960-х годов.

Исполнительское искусство и события

В конце 1950-х и 1960-х художники с широким кругом интересов начали раздвигать границы современного искусства . Ив Кляйн во Франции и Кароли Шнеманн , Яёи Кусама , Шарлотта Мурман и Йоко Оно в Нью-Йорке были пионерами в создании произведений искусства, основанных на перформансе. Такие группы, как « Живой театр» с Джулианом Беком и Джудит Малина, сотрудничали со скульпторами и художниками, создавая среду; кардинально меняют отношения между публикой и исполнителем, особенно в их произведении Paradise Now . Театр танца Джадсона, расположенный в Мемориальной церкви Джадсона , Нью-Йорк , и танцоры Джадсона, в частности Ивонн Райнер , Триша Браун , Элейн Саммерс , Салли Гросс , Симонн Форти, Дебора Хэй , Люсинда Чайлдс , Стив Пакстон и другие, сотрудничали с артистами Робертом Моррисом. , Роберт Уитмен , Джон Кейдж , Роберт Раушенберг и такие инженеры, как Билли Клювер . Эти представления часто создавались как создание нового вида искусства, сочетающего скульптуру, танец и музыку или звук, часто с участием публики. Редуктивная философия минимализма , спонтанная импровизация и выразительность абстрактного экспрессионизма характеризовали работы.

В тот же период — с конца 1950-х до середины 1960-х — разные художники-авангардисты создавали Happenings . События были таинственными и часто были спонтанными и непредсказуемыми собраниями художников, их друзей и родственников в самых разных местах. Часто включает упражнения в абсурд, физические упражнения, костюмы, спонтанную наготу и различные случайные и, казалось бы, несвязанные действия. Аллан Капроу , Джозеф Бойс , Нам Джун Пайк , Вольф Фостелл , Клас Ольденбург , Джим Дайн , Красные женихи и Роберт Уитмен среди других были известными создателями Happenings.

Искусство сборки

С абстрактным экспрессионизмом связано появление комбинированных произведенных предметов — с материалами художника, отходящими от прежних условностей живописи и скульптуры. Работы Роберта Раушенберга , чьи «комбайны» в 1950-е годы были предшественниками поп-арта и инсталляционного искусства , и в которых использовалась сборка крупных физических объектов, включая чучела животных, птиц и коммерческую фотографию , являлись примером этого направления в искусстве.

Лео Стейнберг использует термин «постмодернизм» в 1969 году для описания «плоской» картинной плоскости Раушенберга, содержащей ряд культурных образов и артефактов, которые не были совместимы с живописным полем домодернистской и модернистской живописи. Крейг Оуэнс идет дальше, определяя значение работ Раушенберга не как представление, по мнению Стейнберга, «перехода от природы к культуре», а как демонстрацию невозможности принять их оппозицию.

Стивен Бест и Дуглас Келлнер идентифицируют Раушенберга и Джаспера Джонса как часть переходной фазы, под влиянием Марселя Дюшана , между модернизмом и постмодернизмом. Эти художники использовали в своих работах изображения обычных предметов или самих предметов, сохраняя при этом абстракцию и живописные жесты высокого модернизма.

Ансельм Кифер также использует элементы сборки в своих работах, а однажды показал на картине нос рыбацкой лодки.

Поп арт

Лоуренс Аллоуэй использовал термин «поп-арт» для описания картин, прославляющих консьюмеризм эпохи после Второй мировой войны . Это движение отвергало абстрактный экспрессионизм и его ориентацию на герменевтический и психологический интерьер в пользу искусства, которое изображало и часто прославляло материальную культуру потребления, рекламу и иконографию эпохи массового производства. Ранние работы Дэвида Хокни и работы Ричарда Гамильтона , Джона Макхейла и Эдуардо Паолоцци считались основополагающими примерами в движении. В то время как более поздние американские примеры включают большую часть карьеры Энди Уорхола и Роя Лихтенштейна и его использование точек Бендея , техники, используемой в коммерческом воспроизведении. Существует четкая связь между радикальными работами Дюшана , мятежного дадаиста  — с чувством юмора; и такие поп-артисты, как Клас Ольденбург , Энди Уорхол , Рой Лихтенштейн и другие.

Томас Макэвилли, соглашаясь с Дэйвом Хики , говорит, что постмодернизм США в изобразительном искусстве начался с первых выставок поп-арта в 1962 году, «хотя прошло около двадцати лет, прежде чем постмодернизм стал доминирующим отношением в изобразительном искусстве». Фредрик Джеймсон тоже считает поп-арт постмодерном.

Один из способов, которым поп-арт является постмодернистским, состоит в том, что он разрушает то, что Андреас Хюссен называет «великим разрывом» между высоким искусством и массовой культурой. Постмодернизм возникает из «поколений отказа от категоричных определений высокого модернизма».

Fluxus

Флуксус был назван и организован в 1962 году Джорджем Мачюнасом (1931–78), американским художником литовского происхождения. Fluxus ведет свою историю от занятий Джона Кейджа с 1957 по 1959 год по экспериментальной композиции в Новой школе социальных исследований в Нью-Йорке. Многие из его учеников были художниками, работающими в других СМИ, практически без музыкального образования. Среди учеников Кейджа были члены-основатели Fluxus Джексон Мак Лоу , Эл Хансен , Джордж Брехт и Дик Хиггинс . В 1962 году в Германии Fluxus начал: FLUXUS Internationale Festspiele Neuester Musik в Висбадене с Джорджем Мачюнасом , Йозефом Бойсом , Вольфом Фостеллом , Нам Джун Пайк и другими. И в 1963 году с: Festum Fluxorum Fluxus в Дюссельдорфе с Джорджем Мачюнасом , Вольфом Фостеллом , Джозефом Бойсом , Диком Хиггинсом , Нам Джун Пайк , Беном Паттерсоном , Эмметом Уильямсом и другими.

Fluxus поощрял эстетику «сделай сам» и ценил простоту выше сложности. Как и Dada до него, Fluxus включал в себя сильное течение антикоммерциализма и антиискусства , пренебрегая традиционным рыночным миром искусства в пользу творческой практики, ориентированной на художника. Художники Fluxus предпочитали работать с любыми материалами, которые были под рукой, и либо создавали свои собственные работы, либо сотрудничали в процессе создания со своими коллегами.

Флуксус можно рассматривать как часть первой фазы постмодернизма, наряду с Раушенбергом, Джонсом, Уорхолом и Ситуационистским Интернационалом . Андреас Хюссен критикует попытки заявить о Флюксусе как о постмодернизме как о «либо главном коде постмодернизма, либо о совершенно непредставляемом художественном движении — как бы возвышенном постмодернизме». Вместо этого он рассматривает Флуксус как важнейшее явление неодадаизма в авангардной традиции. Это не было значительным достижением в развитии художественных стратегий, хотя и выражало восстание против «управляемой культуры 1950-х годов, в которой умеренный, одомашненный модернизм служил идеологической опорой холодной войны ».

Минимализм

К началу 1960-х годов минимализм возник как абстрактное направление в искусстве (уходящее корнями в геометрическую абстракцию через Малевича , Баухауса и Мондриана ), которое отвергало идею реляционной и субъективной живописи, сложности абстрактных экспрессионистских поверхностей, а также эмоционального духа времени и полемики. присутствует на арене экшн-живописи . Минимализм утверждал, что крайняя простота может уловить возвышенное искусство представления. Связанный с такими художниками, как Франк Стелла , минимализм в живописи, в отличие от других областей, является модернистским движением и в зависимости от контекста может быть истолкован как предшественник постмодернистского движения.

Хэл Фостер в своем эссе The Crux of Minimalism исследует, в какой степени Дональд Джадд и Роберт Моррис признают и превосходят гринбергский модернизм в своих опубликованных определениях минимализма. Он утверждает, что минимализм — это не «тупик» модернизма, а «сдвиг парадигмы в сторону постмодернистских практик, которые продолжают развиваться и сегодня».

Постминимализм

Роберт Пинкус-Виттен ввел термин « постминимализм» в 1977 году, чтобы описать минималистское производное искусство, в котором содержание и контекстуальные оттенки минимализма отвергались. Он использовал этот термин в период с 1966 по 1976 год и относился к работам Евы Хессе , Кейта Сонье , Ричарда Серры и новым работам бывших минималистов Роберта Смитсона , Роберта Морриса , Сола Левитта , Барри Ле Ва и других. Технологическое искусство и антиформное искусство — это другие термины, описывающие эту работу, которую определяет пространство, которое она занимает, и процесс, с помощью которого она создается.

Розалинда Краусс утверждает, что художники 1968 года, такие как Моррис, Левитт, Смитсон и Серра, «попали в ситуацию, логические условия которой уже не могут быть описаны как модернистские». Расширение категории скульптуры до ленд-арта и архитектуры «привело к переходу в постмодернизм».

Минималисты, такие как Дональд Джадд , Дэн Флавин , Карл Андре , Агнес Мартин , Джон Маккракен и другие, продолжали создавать свои поздние модернистские картины и скульптуры до конца своей карьеры.

Движения в постмодернистском искусстве

Концептуальное искусство

Концептуальное искусство иногда называют постмодернистским, потому что оно прямо вовлечено в деконструкцию того, что делает произведение искусства «искусством». Концептуальное искусство, поскольку оно часто предназначено для того, чтобы противостоять, оскорблять или нападать на представления, которых придерживаются многие из людей, которые его рассматривают, вызывает особые споры.

Предшественники к концептуальному искусству включают работу Дюшана, Джон Кейдж «s 4» 33″ , в котором музыка называется «звуки окружающей среды , слушающие слушателей в то время как она выполняется , » и Раушенберга Erased De Kooning Drawing Многие концептуальные работы занимают позицию, согласно которой искусство создается зрителем, смотрящим на объект, или действует как искусство, а не из внутренних качеств самого произведения. Таким образом, поскольку Фонтан был выставлен, это была скульптура.

Монтажное искусство

Важная серия движений в искусстве, которые последовательно описывались как постмодернизм, включала искусство инсталляции и создание артефактов, которые носят концептуальный характер. Один из примеров — знаки Дженни Хольцер, которые используют средства искусства для передачи определенных сообщений, таких как «Защити меня от того, чего я хочу». Искусство инсталляции сыграло важную роль в определении пространств, выбранных для музеев современного искусства, чтобы иметь возможность хранить большие работы, состоящие из огромных коллажей изготовленных и найденных объектов. Эти инсталляции и коллажи часто электрифицированы, с движущимися частями и огнями.

Они часто предназначены для создания эффектов окружающей среды, таких как « Железный занавес» Христо и Жанны-Клод , стена из 240 нефтяных бочек, блокировка улицы Висконти, Париж, июнь 1962 года, которая была поэтическим ответом на Берлинскую стену, построенную в 1961 году.

Низкое искусство

Lowbrow — широко распространенное движение популистского искусства, берущее свое начало в андеграундном мире комиксов, панк-музыке, уличной культуре хот-родов и других субкультурах Калифорнии. Его также часто называют поп-сюрреализмом. Низкопробное искусство выдвигает на первый план центральную тему постмодернизма, поскольку различия между «высоким» и «низким» искусством больше не признаются.

Исполнительское искусство

Цифровое искусство

Цифровое искусство — это общий термин для ряда художественных произведений и практик, в которых цифровые технологии используются в качестве важной части творческого процесса и / или процесса презентации. Влияние цифровых технологий изменило такие виды деятельности, как живопись , рисунок , скульптура и музыка / звуковое искусство , в то время как новые формы, такие как сетевое искусство , искусство цифровых инсталляций и виртуальная реальность , стали признанными художественными практиками.

Ведущие теоретики искусства и историки в этой области включают Кристиан Пол , Фрэнк Поппер , Кристин Бучи-Глюксманн , Доминик Мулон , Роберт К. Морган , Рой Эскотт , Кэтрин Перре , Марго Лавджой , Эдмонд Кушо , Фред Форест и Эдвард А. Шенкен .

Интермедиа и мультимедиа

Еще одно направление в искусстве, связанное с термином «постмодерн», — это совместное использование нескольких различных медиа. Интермедиа , термин, придуманный Диком Хиггинсом и предназначенный для передачи новых художественных форм, таких как Fluxus , Concrete Poetry , Found objects , Performance art и Computer art . Хиггинс был издателем Something Else Press , поэт-бетоном , женат на художнице Элисон Ноулз и поклонник Марселя Дюшана . Ихаб Хасан включает «Интермедиа, слияние форм, смешение миров» в свой список характеристик постмодернистского искусства. Одной из наиболее распространенных форм «мультимедийного искусства» является использование видеопленок и ЭЛТ-мониторов, называемое видеоискусством . Хотя теория объединения нескольких видов искусства в одно искусство довольно старая и периодически возрождается, постмодернистское проявление часто сочетается с перформансом , где драматический подтекст удаляется, а остаются конкретные высказывания художника. вопрос или концептуальное изложение их действия. Концепция Intermedia Хиггина связана с ростом мультимедийной цифровой практики, такой как иммерсивная виртуальная реальность , цифровое искусство и компьютерное искусство .

Телематическое искусство

Телематическое искусство — это описание художественных проектов, использующих компьютерные телекоммуникационные сети в качестве среды. Телематическое искусство бросает вызов традиционным отношениям между активными объектами просмотра и пассивными объектами искусства, создавая интерактивные поведенческие контексты для удаленных эстетических встреч. Рой Эскотт рассматривает форму телематического искусства как преобразование зрителя в активного участника создания произведения искусства, которое остается в процессе на протяжении всего своего существования. Аскотт был в авангарде теории и практики телематического искусства с 1978 года, когда он впервые вышел в Интернет, организовав различные совместные онлайн-проекты.

Искусство присвоения и неоконцептуальное искусство

В своем эссе 1980 года «Аллегорический импульс: к теории постмодернизма» Крейг Оуэнс определяет возрождение аллегорического импульса как характерную черту постмодернистского искусства. Этот импульс можно увидеть в искусстве присвоения таких художников, как Шерри Левин и Роберт Лонго, потому что «аллегорические образы — это присвоенные образы». Искусство присвоения развенчивает модернистские представления о художественном гении и оригинальности и является более амбивалентным и противоречивым, чем современное искусство, одновременно устанавливая и ниспровергая идеологии, «будучи одновременно критическим и соучастником».

Неоэкспрессионизм и живопись

Возврат к традиционным формам искусства скульптуры и живописи в конце 1970-х — начале 1980-х годов, замеченный в творчестве художников -неоэкспрессионистов, таких как Георг Базелиц и Джулиан Шнабель , был описан как постмодернистская тенденция и одно из первых последовательных движений к возникают в эпоху постмодерна. Однако его прочные связи с рынком коммерческого искусства вызвали вопросы как о его статусе как постмодернистского движения, так и о самом определении постмодернизма. Хэл Фостер заявляет, что неоэкспрессионизм был замешан в консервативной культурной политике эпохи Рейгана-Буша в США. Феликс Гваттари игнорирует «крупные рекламные операции, получившие название« неоэкспрессионизм »в Германии» (пример «модной прихоти, которая поддерживает сам посредством публичности ») как слишком простой для него способ« продемонстрировать, что постмодернизм — не что иное, как последний вздох модернизма ». Эта критика неоэкспрессионизма показывает, что деньги и связи с общественностью действительно поддерживали доверие к миру современного искусства в Америке в тот же период, когда художники-концептуалисты и практики женщин-художников, включая художников и теоретиков-феминисток, таких как Гризельда Поллок , систематически переоценивали современное искусство. Брайан Массуми утверждает, что Делёз и Гваттари открывают горизонты новых определений красоты в постмодернистском искусстве. Для Жана-Франсуа Лиотара именно картины художников Валерио Адами , Даниэля Бурена , Марселя Дюшана , Браха Эттингера и Барнетта Ньюмана после эпохи авангарда и живописи Поля Сезанна и Василия Кандинского стали средством для новых идеи возвышенного в современном искусстве.

Институциональная критика

Критика художественных институтов (в основном музеев и галерей) содержится в работах Майкла Ашера , Марселя Бродтаерса , Даниэля Бурена и Ханса Хааке .

Смотрите также

Источники

• Триумф модернизма : мир искусства, 1985–2005, Хилтон Крамер , 2006, ISBN  978-0-15-666370-0
• Картинки из ничего: абстрактное искусство времен Поллока (Лекции А. В. Меллона в области изящных искусств), Кирк Варнедо , 2003
• Искусство эпохи постмодерна : с конца 1960-х до начала 1990-х годов, Ирвинг Сэндлер
• Постмодернизм (Движения в современном искусстве) Элеонора Хартни
• Скульптура в эпоху сомнений Томас МакЭвилли 1999

Ссылки

внешние ссылки

Постмодернистское искусство — Переиздание Википедии // WIKI 2

Искусство движения

Постмодернистское искусство — это совокупность художественных движений, которые стремились противоречить некоторым аспектам модернизма или некоторым аспектам, возникшим или развившимся после него. В целом, такие движения, как интермедиа, искусство инсталляции, концептуальное искусство и мультимедиа, особенно с участием видео, описываются как постмодернистские.

Есть несколько характеристик, которые придают искусство постмодерну; к ним относятся бриколаж, использование текста в качестве центрального художественного элемента, коллаж, упрощение, присвоение, перформанс, переработка прошлых стилей и тем в современном контексте, а также устранение барьера между прекрасным и высокое искусство, и низкое искусство, и популярная культура. ^{[1] [2]}

Энциклопедия YouTube

• 1/5

  Просмотры:

  108 311

  268 297

  9212

  666

  1030

• ✪ Разница между современным искусством, постмодерном и современным искусством | LittleArtTalks

• ✪ История и искусство — Постмодернизм: дизайн в двух словах (6/6)

• ✪ От модерна к постмодернистскому искусству и за его пределами, часть 1 Стивена Хикса

• ✪ Постмодернистское искусство и фотография 1960-1980

• ✪ Искусство 201/202: Постмодернизм и современное искусство

Содержание

Использование термина

Преобладающий термин для искусства, созданного с 1950-х годов, — «современное искусство».Не все искусство, обозначенное как современное искусство, является постмодернистским, и более широкий термин охватывает как художников, которые продолжают работать в модернистских и поздних модернистских традициях, так и художников, которые отвергают постмодернизм по другим причинам. Артур Данто утверждает, что «современник» — это более широкий термин, а постмодернистские объекты представляют собой «подсектор» современного движения. ^[3] Некоторые постмодернистские художники сделали более заметный отход от идей современного искусства, и нет единого мнения относительно того, что такое «поздний модерн», а что — «постмодерн».«Идеи, отвергнутые современной эстетикой, были восстановлены. В живописи постмодернизм вновь ввел репрезентацию. ^[4] Некоторые критики утверждают, что большую часть современного« постмодернистского »искусства, новейшего авангардизма, следует по-прежнему классифицировать как современное искусство. ^[5]

Помимо описания определенных тенденций современного искусства, постмодерн также использовался для обозначения фазы современного искусства. Защитники модернизма, такие как Клемент Гринберг, ^[6] , а также радикальные противники Модернизм, такой как Феликс Гваттари, который называет его «последним вздохом модернизма, ^[7] », занял эту позицию.Неоконсерватор Хилтон Крамер описывает постмодернизм как «творение модернизма на краю привязи». ^[8] Жан-Франсуа Лиотар в анализе Фредрика Джеймсона не считает, что существует этап постмодерна, радикально отличающийся от периода высокого модернизма; вместо этого постмодернистское недовольство тем или иным высоким стилем модернизма является частью экспериментов с высоким модернизмом, порождающих новые модернизмы. ^[9] В контексте эстетики и искусства Жан-Франсуа Лиотар — крупный философ постмодернизма.

Многие критики считают, что постмодернистское искусство возникает из современного искусства. Предлагаемые даты перехода от модерна к постмодерну включают 1914 год в Европе, ^[10] и 1962 год ^[11] или 1968 год ^[12] в Америке. Джеймс Элкинс, комментируя дискуссии о точной дате перехода от модернизма к постмодернизму, сравнивает их с дискуссией 1960-х годов о точном масштабе маньеризма и о том, должен ли он начаться сразу после Высокого Возрождения или позже в столетии.Он подчеркивает, что эти дебаты продолжаются постоянно в отношении течений и периодов в искусстве, что не означает, что они не важны. ^[13] Конец периода постмодернистского искусства был датирован концом 1980-х, когда слово постмодернизм потеряло большую часть своего критического резонанса, а художественные практики начали обращать внимание на влияние глобализации и новых медиа. ^[14]

Жан Бодрийяр оказал значительное влияние на искусство, вдохновленное постмодерном, и подчеркнул возможности новых форм творчества. ^[15] Художник Питер Галлей описывает свои дневные цвета как «гиперреализацию настоящего цвета» и признает влияние Бодрийяра. ^[16] Сам Бодрийяр с 1984 года был довольно последовательным в своих взглядах на современное искусство, и в частности постмодернистское искусство, уступало модернистскому искусству периода после Второй мировой войны, ^[16] в то время как Жан-Франсуа Лиотар высоко оценил современную живопись и отметил ее эволюцию от современного искусства. ^[17] Крупнейшие художницы-женщины двадцатого века связаны с постмодернистским искусством, поскольку большая часть теоретической артикуляции их работ возникла из французского психоанализа и феминистской теории, которая тесно связана с постмодернистской философией. ^{[18] [19]}

Американский философ-марксист Фредрик Джеймсон утверждает, что условия жизни и производства будут отражаться во всей деятельности, включая создание искусства.

Как и все случаи использования термина «постмодерн», его применение критикуется. Кирк Варнедо, например, заявил, что постмодернизма не существует и что возможности модернизма еще не исчерпаны. ^[20] Хотя использование этого термина в качестве своеобразного сокращения для обозначения работы определенных послевоенных «школ», использующих относительно специфический материал и общие методы, стало общепринятым с середины 1980-х годов, теоретические основы постмодернизма как Эпохальное или эпистемическое разделение все еще вызывает много споров. ^[21]

Определение постмодернистского искусства

Сопоставление старого и нового, особенно в том, что касается взятия стилей из прошлых периодов и их повторного включения в современное искусство вне их первоначального контекста, является общей характеристикой постмодернистского искусства.

Постмодернизм описывает движения, которые возникают из тенденций модернизма, противодействуют им или отвергают их. ^[22] Общие цитаты для конкретных направлений модернизма: формальная чистота, средняя специфичность, искусство ради искусства, аутентичность, универсальность, оригинальность и революционные или реакционные тенденции, т.е.е. авангард. Однако парадокс, вероятно, является наиболее важной модернистской идеей, против которой реагирует постмодернизм. Парадокс был центральным в модернистском предприятии, которое ввел Мане. Различные нарушения Мане изобразительного искусства выдвинули на первый план предполагаемую взаимную исключительность реальности и репрезентации, дизайна и репрезентации, абстракции и реальности и так далее. Включение парадокса было очень стимулирующим от Мане для концептуалистов.

Статус авангарда неоднозначен: многие учреждения утверждают, что дальновидность, дальновидность, передовая и прогрессивность имеют решающее значение для миссии искусства в настоящем, и поэтому постмодернистское искусство противоречит ценности «искусства искусства». наше время ».Постмодернизм отвергает идею продвижения или прогресса в искусстве как таковой и, таким образом, стремится ниспровергнуть «миф авангарда». Розалинда Краусс была одним из важных провозвестников точки зрения, согласно которой авангардизм закончился и что новая художественная эра является постлиберальной и постпрогрессивной. ^[23] Гризельда Поллок изучала авангард и современное искусство и противостояла им в серии новаторских книг, рассматривая современное искусство и одновременно переопределяя постмодернистское искусство. ^{[24] [25] [26]}

Одной из характерных черт постмодернистского искусства является смешение высокой и низкой культуры посредством использования промышленных материалов и образов поп-культуры.Использование низших форм искусства также было частью модернистских экспериментов, что задокументировано в выставке 1990–91 Кирка Варнедо и Адама Гопника High and Low: Popular Culture and Modern Art в Музее современного искусства Нью-Йорка, ^{[27 ]} выставка, которую в то время повсюду раскритиковали как единственное мероприятие, которое могло объединить Дугласа Кримпа и Хилтон Крамер в хоре презрения. ^[28] Искусство постмодерна известно тем, как оно стирает различия между тем, что воспринимается как высокое или высокое искусство, и тем, что обычно считается низким или китчевым искусством. ^[29] Хотя эта концепция «размытия» или «слияния» высокого искусства с низким искусством экспериментировалась во время модернизма, она получила полное одобрение только после наступления эры постмодерна. ^[29] Постмодернизм ввел элементы коммерциализма, китча и общей эстетики лагеря в свой художественный контекст; постмодернизм берет стили из прошлых периодов, таких как готицизм, ренессанс и барокко, ^[29] , и смешивает их, игнорируя их первоначальное использование в соответствующем художественном движении.Такие элементы — общие характеристики того, что определяет постмодернистское искусство.

Фредрик Джеймсон предлагает постмодернистские произведения отвергать любые претензии на спонтанность и прямоту выражения, используя вместо стилизации и прерывности. Вопреки этому определению Чарльз Харрисон и Пол Вуд из Art and Language утверждали, что стилизация и прерывность являются присущими модернистскому искусству и эффективно используются современными художниками, такими как Мане и Пикассо. ^[30]

Одно краткое определение — постмодернизм отвергает грандиозные нарративы модернизма о художественном направлении, стирая границы между высокими и низкими формами искусства и разрушая жанровые условности столкновениями, коллажами и фрагментацией.Постмодернистское искусство считает, что все позиции нестабильны и неискренни, и поэтому ирония, пародия и юмор — единственные позиции, которые критика или пересмотр не могут опровергнуть. «Плюрализм и разнообразие» — другие определяющие черты. ^[31]

Предшественники авангарда

Радикальные движения и тенденции, считающиеся влиятельными и потенциально предшественниками постмодернизма, возникли во время Первой мировой войны и особенно после нее. С введением использования промышленных артефактов в искусстве и таких техниках, как коллаж, авангардные движения, такие как кубизм, дадаизм и сюрреализм, поставили под сомнение природу и ценность искусства.Новые формы искусства, такие как кино и рост репродукции, повлияли на эти движения как средства создания произведений искусства. Эссе Клемента Гринберга, Avant-Garde и Kitsch , впервые опубликованное в Partisan Review в 1939 году, является отправной точкой для определения модернизма, и защищает авангард перед лицом массовой культуры. ^[32] Позже Петер Бюргер будет проводить различие между историческим авангардом и модернизмом, а критики, такие как Краусс, Хюссен и Дуглас Кримп, вслед за Бюргером, идентифицировали исторический авангард как предшественник постмодернизма.Краусс, например, описывает использование коллажа Пабло Пикассо как авангардную практику, предвосхищающую постмодернистское искусство с его акцентом на язык в ущерб автобиографии. ^[33] Другая точка зрения — художники-авангардисты и модернисты использовали сходные стратегии, а постмодернизм отвергает и то, и другое. ^[34]

Дада

В начале 20 века Марсель Дюшан выставил писсуар как скульптуру. Он хотел, чтобы люди смотрели на писсуар, как на произведение искусства, только потому, что он сказал, что это произведение искусства. ^{[35] [36] [37]} Он называл свою работу «Readymades». ^[38] Фонтан был писсуаром, подписанным псевдонимом Р. Матт, который потряс мир искусства в 1917 году. ^[39] Это и другие работы Дюшана обычно обозначаются как Дада. Дюшана можно рассматривать как предшественника концептуального искусства. Некоторые критики сомневаются в том, что Дюшана, чья одержимость парадоксом хорошо известна, можно назвать постмодернистом на том основании, что он избегает какой-либо конкретной среды, поскольку парадокс не привязан к среде, хотя впервые он возник в картинах Мане. ^[40]

Дадаизм можно рассматривать как часть модернистской склонности бросать вызов установленным стилям и формам, наряду с сюрреализмом, футуризмом и абстрактным экспрессионизмом. ^[41] С хронологической точки зрения, дадаизм прочно расположен в рамках модернизма, однако ряд критиков считают, что он предвосхищает постмодернизм, в то время как другие, такие как Ихаб Хассан и Стивен Коннор, считают его возможной точкой перехода между модернизмом и постмодернизмом. . ^[42] Например, согласно Макэвилли, постмодернизм начинается с осознания того, что человек больше не верит в миф о прогрессе, и Дюшан почувствовал это в 1914 году, когда он перешел от модернистской практики к постмодернистской, «отказавшись от эстетического наслаждения, трансцендентного. амбиции и демонстрация формальной ловкости в пользу эстетического безразличия, признания обычного мира и найденного объекта или готового изделия.» ^[10]

Радикальные течения в современном искусстве

В целом, поп-арт и минимализм начинались как модернистские движения: смена парадигмы и философский раскол между формализмом и антиформализмом в начале 1970-х годов заставили некоторых рассматривать эти движения как предшественники или переходное постмодернистское искусство. Другие современные движения, упомянутые как влиятельные в постмодернистском искусстве, — это концептуальное искусство и использование таких техник, как сборка, монтаж, бриколаж и присвоение.

Джексон Поллок и абстрактный экспрессионизм

В конце 1940-х — начале 1950-х годов радикальный подход Поллока к живописи произвел революцию в потенциале всего современного искусства, следующего за ним.Поллок понял, что путь к созданию произведения искусства так же важен, как и само произведение искусства. Подобно новаторскому переосмыслению живописи и скульптуры Пабло Пикассо на рубеже веков с помощью кубизма и искусственной скульптуры, Поллок изменил определение искусства в середине века. Переход Поллока от станковой живописи и условности освободил его художников-современников и последующих художников. Они реализовали процесс Поллока — работа на полу, на нерастянутом необработанном холсте, со всех четырех сторон, с использованием художественных материалов, промышленных материалов, изображений, не-изображений, разбрасывание линейных мотков краски, капание, рисование, окрашивание, чистка кистью — взорванное искусство, выходящее за рамки предшествующего границы.Абстрактный экспрессионизм расширил и развил определения и возможности художников для создания новых произведений искусства. В некотором смысле инновации Джексона Поллока, Виллема де Кунинга, Франца Клайна, Марка Ротко, Филипа Густона, Ханса Хофмана, Клиффорда Стилла, Барнетта Ньюмана, Эда Рейнхардта и других открыли шлюзы для разнообразия и масштабов следующих произведений искусства. ^[43]

После абстрактного экспрессионизма

В абстрактной живописи в 1950-х и 1960-х годах возникло несколько новых направлений, таких как живопись Hard-edge и другие формы геометрической абстракции, такие как работы Фрэнка Стеллы, как реакция на субъективизм абстрактного экспрессионизма, которая стала появляться в студиях художников и в радикальных авангардные кружки.Клемент Гринберг стал голосом пост-живописной абстракции; , организовав влиятельную выставку новой живописи, посетившую важные художественные музеи по всей территории Соединенных Штатов в 1964 году. Живопись с цветным полем, живопись с резкими краями и лирическая абстракция ^[44] возникли как радикально новые направления.

К концу 1960-х годов постминимализм, процессное искусство и искусство повера ^[45] также проявились как революционные концепции и движения, охватывающие живопись и скульптуру, через лирическую абстракцию и постминималистическое движение, а также в раннем концептуальном искусстве. ^[45] Процессное искусство, вдохновленное Поллоком, позволило художникам экспериментировать и использовать разнообразную энциклопедию стиля, содержания, материала, размещения, чувства времени, пластичности и реального пространства. Нэнси Грейвс, Рональд Дэвис, Ховард Ходжкин, Ларри Пунс, Дженнис Кунеллис, Брайс Марден, Брюс Науман, Ричард Таттл, Алан Сарет, Уолтер Дарби Баннард, Линда Бенглис, Дэн Кристенсен, Ларри Зокс, Ронни Лэндфилд, Ева Хессе, Кит Сонниер, Ричард Серра, Сэм Гиллиам, Марио Мерц, Питер Реджинато, Ли Лозано были одними из самых молодых художников, появившихся в эпоху позднего модернизма, породившую расцвет искусства конца 1960-х годов. ^[46]

Исполнительское искусство и хеппенинг

В конце 1950-х и 1960-х художники с широким кругом интересов начали раздвигать границы современного искусства. Ив Кляйн во Франции и Кароли Шнеманн, Яёи Кусама, Шарлотта Мурман и Йоко Оно в Нью-Йорке были пионерами в создании произведений искусства, основанных на перформансе. Такие группы, как «Живой театр» с Джулианом Беком и Джудит Малина, сотрудничали со скульпторами и художниками, создавая среду; коренным образом меняют отношения между публикой и исполнителем, особенно в их произведении Paradise Now . ^{[48] [49]} Театр танца Джадсона, расположенный в Мемориальной церкви Джадсона, Нью-Йорк, и танцоры Джадсона, в частности Ивонн Райнер, Триша Браун, Элейн Саммерс, Салли Гросс, Симонн Форти, Дебора Хэй, Люсинда Чайлдс , Стив Пакстон и другие сотрудничали с художниками Робертом Моррисом, Робертом Уитменом, Джоном Кейджем, Робертом Раушенбергом и такими инженерами, как Билли Клювер. ^[50] Эти представления часто создавались как создание нового вида искусства, сочетающего скульптуру, танец и музыку или звук, часто с участием публики.Редуктивная философия минимализма, спонтанная импровизация и выразительность абстрактного экспрессионизма характеризовали работы. ^[51]

В тот же период — с конца 1950-х до середины 1960-х — разные художники-авангардисты создали Happenings. События были таинственными и часто были спонтанными и непредсказуемыми собраниями художников, их друзей и родственников в самых разных местах. Часто включает упражнения в абсурд, физические упражнения, костюмы, спонтанную наготу и различные случайные и, казалось бы, несвязанные действия.Аллан Капроу, Джозеф Бойс, Нам Джун Пайк, Вольф Фостелл, Клас Ольденбург, Джим Дайн, Красные женихи и Роберт Уитмен среди других были известными создателями Happenings. ^[52]

Арт. Сборки

С абстрактным экспрессионизмом связано появление комбинированных произведенных предметов — с использованием художественных материалов, отход от прежних условностей живописи и скульптуры. Работы Роберта Раушенберга, чьи «комбайны» в 1950-е годы были предшественниками поп-арта и инсталляционного искусства, и в которых использовались сборки крупных физических объектов, включая чучела животных, птиц и коммерческую фотографию, являлись примером этого направления в искусстве. ^{[ необходимая ссылка ]}

Лео Стейнберг использует термин «постмодернизм» в 1969 году для описания «плоской» картинной плоскости Раушенберга, содержащей ряд культурных образов и артефактов, которые не были совместимы с живописным полем домодернистской и модернистской живописи. ^[53] Крейг Оуэнс идет дальше, определяя значение работ Раушенберга не как представление, по мнению Стейнберга, «перехода от природы к культуре», а как демонстрацию невозможности принять их оппозицию. ^[54]

Стивен Бест и Дуглас Келлнер определяют Раушенберга и Джаспера Джонса как часть переходной фазы между модернизмом и постмодернизмом под влиянием Марселя Дюшана. Эти художники использовали в своих работах изображения обычных предметов или самих предметов, сохраняя при этом абстракцию и живописные жесты высокого модернизма. ^[55]

Ансельм Кифер также использует элементы сборки в своих работах, а в одном случае показал на картине нос рыбацкой лодки.

Поп-арт

Лоуренс Аллоуэй использовал термин «поп-арт» для описания картин, прославляющих потребительство эпохи после Второй мировой войны. Это движение отвергало абстрактный экспрессионизм и его ориентацию на герменевтический и психологический интерьер в пользу искусства, которое изображало и часто прославляло материальную культуру потребления, рекламу и иконографию эпохи массового производства. Ранние работы Дэвида Хокни и работы Ричарда Гамильтона, Джона Макхейла и Эдуардо Паолоцци считались основополагающими примерами в движении.В то время как более поздние американские примеры включают большую часть карьеры Энди Уорхола и Роя Лихтенштейна и его использование точек Бендея, техники, используемой в коммерческом воспроизведении. Существует четкая связь между радикальными работами Дюшана, мятежного дадаиста — с чувством юмора; и такие поп-артисты, как Клас Ольденбург, Энди Уорхол, Рой Лихтенштейн и другие.

Томас МакЭвилли, соглашаясь с Дэйвом Хики, говорит, что постмодернизм США в изобразительном искусстве начался с первых выставок поп-арта в 1962 году, «хотя прошло около двадцати лет, прежде чем постмодернизм стал доминирующим направлением в изобразительном искусстве.» ^[11] Фредрик Джеймсон тоже считает поп-арт постмодерном. ^[56]

Один из способов, которым поп-арт является постмодернистским, состоит в том, что он разрушает то, что Андреас Хюссен называет« великим разделением »между высоким искусством и популярной культурой. ^[57] Постмодернизм возникает из «поколенческого отказа от категорических определений высокого модернизма» ^[58]

Fluxus

Fluxus был назван и организован в 1962 году Джорджем Мачюнасом (1931–78), американским художником литовского происхождения. Fluxus ведет свое начало от занятий Джона Кейджа с 1957 по 1959 год по экспериментальной композиции в Новой школе социальных исследований в Нью-Йорке. Многие из его учеников были художниками, работающими в других СМИ, практически без музыкального образования. Среди учеников Кейджа были члены-основатели Fluxus Джексон Мак Лоу, Эл Хансен, Джордж Брехт и Дик Хиггинс. В 1962 году в Германии Fluxus начал: FLUXUS Internationale Festspiele Neuester Musik в Висбадене с Джорджем Мачюнасом, Йозефом Бойсом, Вольфом Фостеллом, Нам Джун Пайк и другими.И в 1963 году с: Festum Fluxorum Fluxus в Дюссельдорфе с Джорджем Мачюнасом, Вольфом Фостеллом, Джозефом Бойсом, Диком Хиггинсом, Нам Джун Пайк, Беном Паттерсоном, Эмметом Уильямсом и другими. ^{[ необходима ссылка ]}

Компания Fluxus поощряла эстетику «сделай сам» и ценила простоту выше сложности. Как и Dada до него, Fluxus включал в себя сильное течение антикоммерциализма и антиискусства, пренебрегая традиционным рыночным миром искусства в пользу творческой практики, ориентированной на художника.Художники Fluxus предпочитали работать с любыми материалами, которые были под рукой, и либо создавали свои собственные работы, либо сотрудничали в процессе создания со своими коллегами.

Fluxus можно рассматривать как часть первой фазы постмодернизма, наряду с Раушенбергом, Джонсом, Уорхолом и Ситуационистским Интернационалом. ^[59] Андреас Хюссен критикует попытки заявить о Флюксусе как о постмодернизме как о «либо главном коде постмодернизма, либо о совершенно непредставляемом художественном движении — как бы возвышенном постмодернизме.«Вместо этого он рассматривает Флуксус как одно из главных неодадаистских явлений в рамках авангардной традиции. Это не было значительным достижением в развитии художественных стратегий, хотя и выражало восстание против» управляемой культуры 1950-х гг. умеренный, домашний модернизм служил идеологической опорой холодной войны ». ^[60]

Минимализм

К началу 1960-х годов минимализм возник как абстрактное направление в искусстве (уходящее корнями в геометрическую абстракцию через Малевича, Баухауса и Мондриана), которое отвергало идею реляционной и субъективной живописи, сложности абстрактных экспрессионистских поверхностей, эмоционального духа времени и т. Д. полемика присутствует на арене живописи действия.Минимализм утверждал, что крайняя простота может уловить возвышенное искусство представления. Связанный с такими художниками, как Франк Стелла, минимализм в живописи, в отличие от других областей, является модернистским движением и в зависимости от контекста может быть истолкован как предшественник постмодернистского движения.

Хэл Фостер

Что такое постмодернистское искусство? (с иллюстрациями)

Постмодернистское искусство — это художественное направление, которое обычно описывается как возникшее после или в ответ на современное искусство. Хотя этот термин широко используется, критики расходятся во мнениях относительно того, действительно ли постмодернистское искусство существует как отдельное движение или это просто более поздняя фаза современного искусства. Даты, которые были предложены как начало движения постмодерна, включают 1914 год в Европе и 1962 или 1968 год в Соединенных Штатах.Тенденции постмодернистского искусства включают стилизацию, присвоение и использование иронического аффекта.

Критические определения постмодернистского искусства различаются относительно того, является ли постмодернизм, если он вообще существует, историческим условием или намеренным движением.Его можно рассматривать как совокупность характеристик текущей эпохи, как в первом определении, или как искусство, которое реагирует на модернизм и бросает ему вызов во втором. Тематически произведения искусства, классифицируемые как постмодернистские, часто обращаются к культуре потребления, массовой культуре, глобализации, противопоставлению высокого и низкого искусства, а также к роли и ценности искусства в обществе.

Скульптура Марселя Дюшана под названием « Фонтан » иногда упоминается как ранний образец постмодернистского искусства. Эта работа была впервые представлена ​​на художественной выставке в Нью-Йорке в 1917 году, где вызвала споры о природе искусства. Дюшан, который был членом движения дадаистов, купил обычный писсуар и подписал его псевдонимом «Р.Матт. По словам Дюшана, писсуар стал искусством, когда он решил называть его искусством, что означает, что статус объекта как произведения искусства зависит от контекста и восприятия.

К направлениям постмодернистского искусства относятся инсталляции, мультимедиа и концептуальное искусство.Гибридизация форм и медиа — обычное дело, как в работах Дженни Хольцер. Она известна своими инсталляциями, в которых оригинальные или соответствующие тексты отображаются с использованием различных средств массовой информации, включая электронные дисплеи и проекции. Эти произведения демонстрируют слияние электронного искусства с литературой и дизайном.

Эклектизм, противопоставление и глобализация — общие черты постмодернизма.Вслед за мультикультурализмом и феминистской теорией постмодернистское искусство имеет тенденцию деконструировать традиционные нарративы расы, пола, национальности и семьи. Отказываясь признавать различия между высоким искусством и неброским искусством — например, иллюстрацией комиксов или искусством граффити, — художники-постмодернисты еще больше разрушают классовые различия в иерархии художественной критики.

Постмодернистское искусство отвергает высокую оценку подлинности и оригинальности модернизма, утверждая вместо этого, что в искусстве больше не может быть инноваций или прогресса.Таким образом, по мнению постмодернистов, использование таких техник, как стилизация, коллаж и пародия, являются единственными аутентичными способами создания искусства. Присваивая историю, поп-культуру и традиционные формы или методы, художники-постмодернисты манипулируют существующими символами и нарративами.

Спросите эксперта: в чем разница между модерном и постмодернистским искусством? | Искусство и культура

Все тенденции со временем проясняются. Глядя на искусство даже через 15 лет, «вы можете немного лучше увидеть узоры», — говорит Мелисса Хо, помощник куратора музея Хиршхорн. «Существуют более широкие и глубокие тенденции, связанные с тем, как мы живем в мире и как мы его переживаем».

Так что же такое современное искусство? На этот вопрос, по ее словам, ответить меньше, чем бесконечно обсуждать.

Технически, говорит Хо, современное искусство — это «культурное выражение исторического момента современности». Но вопрос о том, как распаковать это заявление, остается спорным. Один из способов дать определение современному искусству или чему-то еще — описать то, чем оно не является. Традиционная академическая живопись и скульптура преобладали в 17, 18 и 19 веках. «Речь шла об идеальной, бесшовной технике и использовании этой безупречной бесшовной техники для выполнения очень хорошо известной темы», — говорит Хо. Существовала иерархия жанров, от исторических картин до портретов и натюрмортов и пейзажей, и очень строгие представления о красоте.«Отчасти триумф модернизма заключается в опрокидывании академических ценностей», — говорит она.

Являясь своего рода реакцией на традиционное академическое искусство, современное искусство — это личное самовыражение. Хотя исторически так было не всегда, объясняет Хо, «сейчас кажется почти естественным, что то, как вы думаете о произведениях искусства, является выражением индивидуального видения». Модернизм охватывает огромное количество художников и видов искусства. Но ценности, стоящие за фигурами, во многом те же. «В современном искусстве новый акцент делается на ценности оригинальности и создания чего-то новаторского», — говорит Хо.

Эдуард Мане и импрессионисты считались современными отчасти потому, что они изображали сцены из современной жизни. Промышленная революция принесла в города толпы людей, и в городской жизни возникли новые формы досуга. Внутри галерей Хиршхорна Хо указывает на картину Томаса Харта Бентона People of Chilmark , картину, на которой запутались мужчины и женщины, слегка напоминающие классический Плот Медузы Микеланджело или Теодора Жерико, за исключением того, что это — современная пляжная обстановка, вдохновленная городком Массачусетс, где проводил лето Бентон. Ringside Seats , картина Джорджа Беллоуса, изображающая боксерский поединок, и три картины Эдварда Хоппера, одна из которых называется First Row Orchestra , изображающих зрителей, ожидающих, пока задернут занавески.

В искусстве эпохи Возрождения большое внимание уделялось подражанию природе. «Тогда, как только это будет устранено, абстракции позволят процветать», — говорит Хо. Такие работы, как работы Бентона и Хоппера, представляют собой сочетание наблюдательности и изобретательности. В начале 1900-х годов кубисты начали играть с пространством и формой, что исказило традиционный образ.

Историки искусства часто используют слово «автономное» для описания современного искусства. «Народный язык был бы« искусством ради искусства », — объясняет Хо. «Он не должен существовать ради какой-либо полезной ценности, кроме его собственной экзистенциальной причины существования». Итак, оценивать современное искусство — совсем другое дело. Вместо того, чтобы спрашивать, как в случае с исторической картиной, о повествовании: кто главный герой? И что это за действие? — оценка картины, скажем, Пита Мондриана, больше связана с композицией.«Речь идет о композиционном напряжении, — говорит Хо, — о формальном балансе между цветом, линией и объемом, с одной стороны, но также и о его чрезвычайной чистоте и строгости».

Согласно Хо, некоторые говорят, что модернизм достигает своего пика с абстрактным экспрессионизмом в Америке во время Второй мировой войны. Каждый художник движения пытался выразить свой индивидуальный гений и стиль, особенно через прикосновение. «Итак, вы получите Джексона Поллока с его каплями и брызгами краски», — говорит Хо.«Вы получаете Марка Ротко с его очень яркими, тонко закрашенными цветными полями». И, в отличие от невидимых мазков в сильно застекленных академических картинах, мазки на картинах Виллема де Кунинга рыхлые, а иногда и толстые. «Вы действительно можете почувствовать, как это было сделано», — говорит Хо.

Однако вскоре после Второй мировой войны идеи, лежащие в основе искусства, снова начали меняться. Постмодернизм отрывается от современного акцента на оригинальность, и работа сознательно безлична. «Вы видите много работ, в которых используются механические или квазимеханические средства или дескрипторы», — говорит Хо.Энди Уорхол, например, использует шелкографию, по сути устраняя его прямое прикосновение, и выбирает сюжеты, которые противоречат идее массового производства. В то время как современные художники, такие как Марк Ротко и Барнетт Ньюман, выбирали цвета, которые должны были эмоционально соединить со зрителем, постмодернистские художники, такие как Роберт Раушенберг, привносят в процесс шанс. Раушенбург, говорит Хо, как известно, покупал краску в банках без опознавательных знаков в строительном магазине.

«Постмодернизм связан с деконструкцией идеи:« Я художественный гений, и я нужен тебе », — говорит Хо.Такие художники, как Сол Левитт и Лоуренс Вайнер, работающие в Хиршхорне, еще больше уклоняются от авторства. Работа Вайнера под названием «РЕЗИНОВЫЙ ШАР, БРОШЕННЫЙ В МОРЕ, Cat. № 146 », например, отображается в музее большими синими буквами без засечек. Но Вайнер был открыт для воспроизведения семи слов в любом цвете, размере и шрифте. «Мы могли бы взять маркер и написать это на стене», — говорит Хо. Другими словами, Вайнер считал, что его роль художника больше связана с концепцией, чем с производством.Точно так же некоторые рисунки Левитта конца 1960-х годов — это в основном рисунки по инструкции. Он дает инструкции, но теоретически любой может их выполнить. «В этом послевоенном поколении наблюдается определенная тенденция к демократизации искусства», — говорит Хо. «Подобно рисунку Сола Левитта, это мнение, что каждый может заниматься искусством».

Такие ярлыки, как «модерн» и «постмодерн», а также попытки определить даты начала и окончания каждого периода иногда раздражают искусствоведов и кураторов.«Я слышал всевозможные теории, — говорит Хо. «Я думаю, правда в том, что современность не наступила в определенное время. Именно эта постепенная трансформация произошла за пару сотен лет ». Конечно, по практическим соображениям даты необходимо устанавливать дважды, когда преподают курсы истории искусств и организуют музеи. По опыту Хо, современное искусство обычно начинается примерно в 1860-х годах, а период постмодерна берет свое начало в конце 1950-х годов.

Термин «современный» не привязан к историческому периоду, как модерн и постмодерн, а просто описывает искусство «нашего времени».«На данный момент, однако, работы, датируемые примерно 1970 годом, часто считаются современными. Неизбежная проблема заключается в том, что это приводит к постоянно расширяющемуся объему современной работы, за которую несут ответственность профессора и кураторы. «Вам просто нужно следить за тем, как идут дела», — советует Хо. «Я думаю, что они будут пересмотрены».