Живопись люди в интерьере: Interior in Painting — History, Artworks, Artists
КАРТИНА В ИНТЕРЬЕРЕ | Наука и жизнь
Заглянем в глубь веков
Яркий пример сплошной шпалерной развески — Картинный зал Большого Петергофского дворца.
В гостиной над диваном эффектно смотрится большая картина.
В настенной композиции вполне можно сочетать эстампы и декоративные тарелки.
Простенок между окнами, декорированный миниатюрными эстампами.
Декоративное панно, составленное из картин, каждая из которых выделена самостоятельной рамой. Такая композиция позволяет зрительно уменьшить громоздкий диван.
Пример свободного размещения фотографий над столиком в гостиной.
Современный вариант шпалерной развески акварели, обрамленной разноцветными паспарту.
Шпалерная развеска разных по размеру рисунков, гравюр в рабочем кабинете.
Шпалерная развеска акварелей в спальне. Картины размещены даже на двери.
‹
›
Открыть в полном размере
С незапамятных времен человек старается привнести в свой быт гармонию и красоту.
В Византии в IV веке н. э. обязательным элементом жилого дома была икона. Ее писали восковыми красками или темперой, обрамляли золотыми, серебряными окладами, отделывали драгоценными камнями и эмалями. Икона являлась не только предметом моления и поклонения, но и украшением жилища.
После введения христианства на Руси в каждом доме в красном углу — самом почитаемом месте горницы — тоже стали размещать иконы. Какое-либо другое настенное убранство вплоть до XVII века не допускалось. По числу икон и богатству оклада судили о достатке семьи. В XVII веке в домашний обиход, по свидетельству историка Н. И. Костомарова, мало-помалу стали входить картины и эстампы, сначала в царских хоромах, потом у знатных лиц. Интерес к ним начал возникать и в других сословиях.
Во Франции и Фландрии в XII-XIII веках, а немного позже и в Италии стены комнат декорировали безворсовыми коврами. Ковры-картины называли шпалерами. Их рисунок создавали цветными нитями, плотно закрывающими неокрашенную основу из шерсти и льна.
XVII-XVIII века — время расцвета изготовления гобеленов. В Париже в 1662 году была основана мануфактура братьев Гобеленов, а в 1717 году шпалерная мануфактура открылась и в Петербурге, где начали ткать первые отечественные ковры-картины.
Гобелены, шпалеры, картины являлись непременной частью убранства дворцов и загородных резиденций императоров. Именно с интерьером дворцовых ансамблей XVII-XVIII веков связано такое понятие, как сплошная шпалерная развеска, когда картинами закрывается почти вся стена.
Новшества в архитектуре и мебели непременно отражались на оформлении помещения. Так, стиль модерн конца XIX — начала XX века привнес криволинейные очертания в архитектурные формы, металлические ограждения, в рисунок паркета, а также в настенные панно и предметы обстановки. Распространение функционализма и конструктивизма привело к появлению простых, удобных и трансформируемых интерьеров. Но всегда их неотъемлемым элементом оставалась картина в раме.
Галерея в вашем доме
Хорошие картины, эстампы, офорты, гравюры, репродукции и фотографии могут преобразить любое жилище, сделать дом неповторимым и своеобразным. Умело и со вкусом развесить такие произведения — искусство.
Создавая собственный стиль, занимаясь дизайном помещения, не следует впадать в крайности.
Аскетизм в интерьере ведет к пустоте и незавершенности, а перенасыщение — к перегруженности. Единый стиль легко нарушить неправильным сочетанием разных элементов и деталей обстановки. Поэтому, приобретая картину, необходимо продумать, как она будет смотреться рядом с другими предметами в комнате. Просто займет свободное место на стене или придаст помещению новое звучание?
В любой обстановке очень хороши пейзажи, натюрморты. При желании домашнюю коллекцию недорогих произведений искусства можно обновлять, тогда вы будете ощущать себя в русле моды и времени.
Обычно в комнате вешают одну или несколько картин, располагая их в вертикальной плоскости на той стене, куда не попадают прямые солнечные лучи. Симметричные композиции отличаются упорядоченностью и равновесием. При асимметричном размещении порядок более сложный. Важно, чтобы чувство пространства и вкуса не подвело.
Живописное произведение всегда представляет собой некое цветовое пятно, по-разному влияющее на восприятие интерьера.
Так, акварель, пронизанная солнечным светом и воздухом, делает комнату больше и светлее.
Не стоит забывать, что квартира — многофункциональная среда. Для каждого помещения нужны свои настенные украшения. Гостиную вполне можно украсить яркими, броскими картинами. А вот для спальни лучше выбрать более сдержанные и умиротворяющие краски.
Сочный натюрморт придаст живописный характер кухне. Здесь также очень кстати будут красочные декоративные тарелки и жостовские подносы.
Свободное пространство стены в рабочем кабинете уместнее заполнить тоновыми или многокрасочными репродукциями с расстоянием между ними 20-30 сантиметров, желательно в багетах одного стиля.
В детской комнате можно повесить наивный рисунок ребенка, увеличенный на цветном ксероксе и вставленный в раму.
С помощью художественных произведений легко скорректировать пропорции мебели. Расположите над громоздким диваном картины — и он станет зрительно меньше. Воспользуйтесь для этого приемом сплошной шпалерной развески.
Скомпонуйте вплотную в два ряда шесть или восемь графических работ в одинаковых рамах одного размера.
Если у вас много картин, репродукций или гравюр в едином стиле, можно организовать домашнюю картинную галерею. Для этого прямо под потолком по всей длине свободной стены закрепите стальную штангу с подвижными крючками. Развесьте картины на крючках одну под другой на нейлоновой леске. Такую композицию время от времени можно менять, вешая картины на разной высоте и в разнообразных сочетаниях. Важно лишь, чтобы внешние края ансамбля образовывали четкий прямоугольник. Это придаст композиции уравновешенность и спокойный гармоничный характер.
Лучший фон для любой картины, особенно для графики, — однотонная стена. Если она яркого, насыщенного цвета (синяя, зеленая, красная), то как бы обрамляет живописные полотна, объединяет их между собой. На светлой стене те же картины будут выглядеть совершенно иначе.
Живопись обязательно вставляют в раму. Обрамление появилось на свет одновременно с картиной и составляло с ней одно смысловое и декоративное целое.
Сегодня в каждой багетной мастерской большой и разнообразный выбор рам, выполненных в любом стиле, из традиционных и новых материалов. Пышный фигурный багет вполне подойдет для картины, написанной маслом, обрамление из полированного алюминия или лакированной стали — для акварели. Фотографию можно вставить в рамку из цветной пластмассы с металлической окантовкой.
Старайтесь подбирать раму под стиль мебели. К примеру, багет, отделанный прозрачным лаком, морилкой или пинотексом, будет удачно сочетаться с естественной текстурой древесины кухонной мебели.
Кстати, багет можно сделать самим. И не только из дерева, но и из газет. Как? Об этом журнал «Наука и жизнь» рассказывал в № 5 за 1991 год.
Организовав интерьер сообразно личным вкусам, привычкам и стилю жизни, умело подобрав картины, репродукции или другие художественные произведения, вы внесете в свой дом атмосферу уюта и тепла, создадите настоящий семейный очаг.
Статья иллюстрирована фотографиями из альбома «Петергоф», английского журнала «The World of Interiors» и американского каталога «Custom Idea Book».
СЛОВАРИК К СТАТЬЕ
Багет (фр.baguette) — деревянная планка (гладкая или профилированная, обычно окрашенная, позолоченная и т. д.) для изготовления рам к картинам; багетом называют также раму, карниз из деревянной планки.
Гравюра (фр. gravure, от graver — вырезать) — вид графики, включающий произведения, исполненные печатанием с доски, обработанной различными способами гравирования.
Существуют гравюры станковые (эстамп) и книжные, а также прикладные (экслибрис, лубок и др.).
Офорт (фр. eua-forte — «крепкая водка», то есть азотная кислота) — вид гравюры на металле, где углубленные элементы печатной формы создаются травлением металла кислотами; способ гравирования и оттиск, полученный этим способом.
Репродукция (лат. Reproductio — воспроизведение) — воспроизведение изображения, художественного произведения средствами полиграфии или фотографии.
Эстамп (фр. еstampe, нем. Estampe, Abdruck, англ. Print) — оттиск с печатной формы (гравюра, литография, шелкография, монотипия), станковое произведение художественной графики.
Как выбрать картину для интерьера. Выбор картины
«- А какая польза от этой картины на стене?
— От этой картины очень большая польза: она дырку на обоях закрывает!»
(цитата из всеми любимого мультфильма)
Представим, ремонт закончен, мебель расставлена и пространство уже пригодно для жилья или работы.
Никаких дырок на обоях, наоборот, идеально ровная поверхность стены, глазу зацепиться не за что. Вот тут-то и начинают возникать вопросы вроде: «чем же заполнить пустое место над диваном?»
Что же такое картина – роскошь или необходимый элемент интерьера? Какова ее роль в интерьере? И нужна ли она здесь, вообще, или это что-то вроде «архитектурного излишества»? Ведь с практической точки зрения без картины вполне можно прожить. Трудно представить себе интерьер без люстры, без портьер, без часов, потому что все эти предметы носители определенной функции. А в чем функция картины? Как объяснить, что этот непрактичный элемент интерьера не исчез в ходе эволюции жилища, а до сих пор остается популярен?
Впервые наш далекий предок украсил свою пещеру наскальной живописью, и с тех пор, многие поколения стремятся украшать свои жилища картинами. В разные времена это были фрески, иконы, шпалеры, гобелены, живописные полотна… Люди всех времен не соглашались с безликостью стен жилища.
Дело в том, что наш дом становится действительно нашим именно благодаря «ненужным» мелочам. Картина в интерьере «оживляет» пространство, делает его одухотворенным, неповторимым и завершенным. Картина – это «последний штрих» в создании интерьера, своего рода визитная карточка дома и его хозяев. Именно поэтому она не должна появиться в доме случайно.
Выбирая для интерьера картину, необходимо принять во внимание ряд моментов.
Специалисты знают, что картина в интерьере – это инструмент, с помощью которого можно повлиять на восприятие интерьера. Например, скорректировать пропорции мебели, организовать движение по помещению, визуально расширить пространство или сделать его выше. Картина может стать центральным элементом интерьера, приковывающим к себе внимание или ненавязчивым дополнением, поддержкой общей идее. Поэтому в первую очередь неплохо было бы сформулировать задачи, которые предстоит решить с помощью появления картины.
Задумайтесь и о том, что дом это не просто место обитания, а жилая среда, в которой формируется и корректируется психологическое состояние личности. Интерьер способен влиять на состояние человека: радовать, успокаивать или, наоборот, будоражить. Окружающие нас предметы влияют на наше настроение и создают психологический климат помещения. Картина, являющаяся мощным визуальным стимулом, приковывает к себе внимание в первую очередь. В ее власти задать тон всему интерьеру.
Если речь идет о помещении, предназначенном для приема посетителей, то здесь с помощью картин мы можем сформировать необходимый нам имидж, и даже создать у визитеров определенный настрой.
Влияние картины на психологическую атмосферу оказывают ее сюжет, цветовая гамма, манера написания. Здесь существуют определенные закономерности, но главным советчиком при выборе должна стать ваша интуиция. Поэтому, прежде чем отправиться приобретать картину, представьте, какие чувства вы бы хотели испытывать, глядя на нее, какое настроение вы бы хотели создать в помещении.
Важно также учесть и функциональное назначение помещения, в котором будет расположена картина. Поскольку квартира — многофункциональная среда, для каждого помещения нужны свои настенные украшения. Безусловно, сюжет картины должен перекликаться с назначением помещения. Так, например, в столовой будут уместны аппетитные натюрморты, в рабочем кабинете — карта мира, в спальне — умиротворяющие или лирические сюжеты, а в детской комнате — наивные рисунки ребенка.
Обязательно обратите внимание на стиль интерьера. Картина должна не только не противоречить ему, но и подчеркивать стилистическую идею. Классический пейзаж в массивной золоченой раме окажется неуместным в современном интерьере (в стиле минимализма), а абстракция, построенная на динамике линий и цвета, будет нелепо выглядеть по соседству с резной мебелью под старину. Сегодня, конечно, в моде эклектика, но искусство смешения стилей под силу лишь профессионалу, самостоятельно в этом русле лучше не экспериментировать.
Гармонично вписаться в общую тональность помещения должно и цветовое решение картины. Ее можно «растворить» в общей цветовой гамме, или сделать акцентом в интерьере, используя контрастные цвета.
Размеры картины и проработанность деталей определяют размеры помещения и расстояние, с которого картина будет восприниматься. Для просторных помещений хороши большого размера полотна с крупными грубыми мазками, а для маленьких пространств – несколько тонко проработанных миниатюр.
Расположение картины в помещении чаще всего диктует нам сам интерьер, например, когда нужно заполнить пустое пространство стены. Но порой есть возможность рассмотрения разных вариантов расположения картины. В этом случае, обратите внимание на то, что одна и та же картина смотрится по-разному, в зависимости от тона стены и от освещения. Иногда нужно организовать для картины дополнительную подсветку.
Наверное, стоит упомянуть и такой немаловажный фактор, как цену.
Приятно, что и здесь есть пространство для маневров. Сегодня арт — рынок в состоянии удовлетворить практически любые запросы и предлагает картины на любой вкус и кошелек. Антикварная и авторская живопись известных художников встанут в копеечку, но здесь речь идет уже не о декорировании помещения, а скорее о вложении денег. Живопись художников без регалий может оказаться ни сколько не хуже, но существенно дешевле. Интерьерная живопись так же вариант для тех, кто хочет видеть в своем интерьере «живую», но не слишком дорогую работу. Это может быть живопись из коллекций современных зарубежных художников или местных авторов. Но нужно иметь в виду, что такие работы могут повторяться с небольшими изменениями в композиции и цветовой гамме. И, наконец, самый экономичный вариант — постер.
Если среди готовых картин вы не можете сделать уверенный выбор, знайте, что есть возможность заказать работу. Такой вариант делает вас соавтором, работа становится результатом и вашего творчества.
Вопрос выбора картины может стать актуальным не только для тех, кто закончил ремонт и находится в процессе выбора мебели и аксессуаров. Но и для тех, чей интерьер давно сложился, ведь с помощью картины можно обновить привычную обстановку, привнести в нее свежую струю.
Если над вашим интерьером работал профессиональный дизайнер, он может предложить или порекомендовать варианты. Но окончательный выбор за вами, ведь это вам предстоит изо дня в день видеть это изображение перед глазами.
Поэтому подойдите к выбору картины творчески, не ищите готовых рецептов, не старайтесь вспомнить, что вы видели в «лучших домах» или в последних журналах. Прислушайтесь к себе. Представьте, как должен выглядеть ваш интерьер, как вы хотите себя в нем чувствовать, и что он сможет рассказать о вас посетителям.
Автор: © Руссинова Ольга, галерея Антураж для журнала «Стиль»№8
Рубрика: изобразительное искусство, как выбрать картину, картины в интерьере, практические советы
Картины для интерьера авангардКартины для интерьера ампирКартины для английского интерьераКартины для интерьера арт декоКартины для африканского интерьераКартины для интерьера бароккоКартины для интерьера бидермейерКартины для интерьера бохо шикКартины для интерьера винтажКартины для восточного интерьераКартины для готического интерьераКартины для египетского интерьераКартины для индийского интерьераКартины для интерьера кантриКартины для китайского интерьераКартины для классического интерьераКартины для колониального интерьераКартины для интерьера конструктивизмКартины для интерьера контемпорариКартины для интерьера лофтКартины для интерьера минимализмКартины для интерьера модернКартины для интерьера поп артКартины для интерьера провансКартины для интерьера романтизмКартины для интерьера рустикаКартины для скандинавского интерьераКартины для средиземноморского интерьераКартины для интерьера техноКартины для интерьера фьюжнКартины для интерьера хай-текКартины для интерьера шебби шикКартины для интерьера шинуазриКартины для интерьера эклектикаКартины для интерьера экспрессионизмКартины для интерьера японский минимализм
3.
Фигуры в интерьере | ЖИВОПИСЬ 1 – Практика рисованияВсе художники, которых я выбрал, имели сайты, посвященные их работам, с комментариями, часто написанными их собственными словами, которые я считаю наиболее информативными и полезными. Фигуры в интерьере — интересная концепция, так как интерьер может многое рассказать о человеке, его имуществе, декоре, предметах в комнате. Это может привнести психологический элемент в картину. Каковы их намерения, ну, на мой взгляд, это отразить жизнь, привести человека к нам и показать, как они видят его в своем окружении и, возможно, как люди видят себя.
Для меня картины Дэвида Хокни о людях и отражают их во всей их нормальности и обыденности, но красочно. Он сам говорит, что речь идет о знании людей и реагировании на них! Кот, например, в «Мистере и миссис Смит и Перси» (на самом деле Бланш) привносит в картину домашнюю атмосферу. Он реалистично рисует повседневную жизнь в ярких ярких красках. Хокни настаивает на личном сюжете — он изображает бытовую сферу — сцены из своей жизни и жизни друзей.
На ITV недавно была замечательная программа о нем с интервью, Great Art: David Hockney at the Royal Academy of Arts
«Если мы хотим изменить наше мировоззрение, образы должны измениться. Сейчас у художника очень важная работа. Он не маленькая второстепенная фигура, развлекающая богатых людей, он действительно нужен».
Яркие бассейны Дэвида Хокни, двухуровневые дома и пригородные пейзажи Калифорнии — это странная смесь спокойствия и гиперактивности. Тени, кажется, были изгнаны с его акриловых полотен 1960-х годов, гладких, как журнальные страницы. Плоские плоскости существуют бок о бок в лоскутном одеяле, сбивая с толку наше чувство расстояния. Безошибочный стиль Хокни включает в себя широкий спектр источников от барокко до кубизма и, совсем недавно, компьютерной графики. Бунтарь, одержимый старыми мастерами, этот британский поп-художник намеренно нарушает все правила, получая удовольствие от деконструкции пропорций, линейной перспективы и теории цвета. Он показывает, что ортодоксы должны быть разрушены, и что противоположности могут сосуществовать, послание терпимости, которое выходит за рамки искусства и имеет глубокие последствия в политической и социальной сферах.
http://www.theartstory.org/
Нажмите, чтобы открыть NPGTeachersNotes_Hockney.pdf
Этот сдержанный и личный образ родителей художника предвосхищает появление блестящих двойных портретов. Он отличается от них использованием квадратного формата, и именно он доминирует в композиции, которая вращается вокруг расположенного в центре квадратного зеленого шкафа. Ваза со свежими тюльпанами снова и снова появляется на портрете Селии Бертуэлл (стр. 12). Рядом с тюльпанами зеркало, отражающее расписную зеленую драпировку и открытку Пьеро делла Франческа (1420?–149 гг.).2) Крещение Христа (Национальная галерея). Кажется, они прикреплены к доске для булавок. Возможно, это пример скрытого автопортрета: зеркало, отражающее живописные интересы Хокни, вместе с книгой о Шардене (1699–1799), на нижней полке шкафа.
Родители Хокни, сидящие на одинаковых складных деревянных стульях в стиле Habitat, соединены стулом и их ногами, размещенными на ковре, островке в пространстве.
Разреженная и минималистичная, здесь царит спокойная медитативная атмосфера, в которой оба сидящих заняты своими личными мыслями, раздельно, но вместе. Их язык тела интересен. Она неподвижна, пока он активно читает и смотрит, сгорбившись и концентрируясь. Также есть напряжение в том, что его ноги не полностью опираются на ковер. Мать Хокни, Лаура, смотрит прямо на нас / Хокни; она часто позировала ему для своего портрета. Она была строгой вегетарианкой, полной и убежденной методисткой и прожила 9 лет.8 лет Хокни прокомментировал свою привычку изображать одних и тех же натурщиков сверхурочно, я думаю, что чем больше я узнаю людей и реагирую на них, тем интереснее будут рисунки.
https://www.theguardian.com/fashion/2017/feb/06/celia-birtwell-i-think-david-hockney-finds-me-a-little-bit-ridiculous
Глядя на Хосепа Картины Коста Вила, которые я нахожу удивительными как по цвету, так и по атмосфере, его техники оживляют комнаты и города, которые они отражают. Кажется, он использует коллаж и насыщенность цвета для создания фактурных и трехмерных картин.
К сожалению, несмотря на многочисленные исследования, мне не удалось узнать больше о его методах. Его намерения, кажется, состоят в том, чтобы оживить эти города, используя сильный испанский свет и цвет. Я хотел бы поэкспериментировать, чтобы увидеть, смогу ли я подражать этому стилю.
http://costavila.blogspot.co.uk/
http://www.artistsandart.org/2010/10/
В 1985 году переехал в Нью-Йорк, где начал общаться в своих картинах, мультикультурный дух основных крупных городов мира. С этого периода он начал вставлять в свои работы коллажи, рекламу и рисунки, которые относятся к нашей нынешней жизни.
Его работы завоевали различные награды в период с 1983 по 1988 год, и с тех пор он больше не участвовал ни в каких конкурсах и конкурсах, а сосредоточился на своей работе и творческой карьере. с 1995, мы можем наслаждаться его работами на международных выставках и художественных ярмарках в главных столицах мира.
https://www.tuttartpitturasculturapiesiamusica.
com/2013/11/Costa-Vila.html
Для этого слайд-шоу требуется JavaScript.
Затем он начал работать в мастерской художника Исидра Висенс, где проработал два года. И чтобы улучшить свой уровень жизни, он решил переехать в Париж, точнее на Монмартр , где он начал снимать жизнь и движение города, на улицах, в кафе и других общественных местах.
В 1981 году он переехал в Лондон, где прожил некоторое время и провел много времени, совершенствуя свои знания, посещая знаменитые музеи и наблюдая за новыми тенденциями в области искусства со всего мира, представленными в этом городе
ранольеров (Барселона) , 1953
1969 Поступил в Школу изящных искусств Сант Жорди
Барселона
1974 Учеба в Escola Massana в Барселоне
1977 Работает в мастерской художника Исидра Висенса
1979 Пребывание в Париже. Работа на Монмартре
1981 Пребывание в Лондоне
1985 Пребывание в Нью-Йорке
1992 Основание резиденции в Жироне, где он проживает в настоящее время.
Эдвард Хоппер для меня о месте и времени – Америке и годах депрессии. Мне нравятся его яркие цвета на фоне темных оттенков, у него была способность запечатлеть изоляцию и одиночество человечества, концепция, с которой у меня много общего.
Его одновременно сильные и тонкие изображения интимных комнат приглашают нас успокоиться и открыть глаза на красоту обыденности, которую раскрывают тени, солнце и тепло или искусственное освещение.
Мы вуайеристски заглядываем в окна. Он заставляет вас смотреть на то, как солнечный свет раскрывает пространство, смотреть внутри и снаружи этой архитектурной формы одновременно. Посмотрите .
Хоппер показывает нам всевозможные окна, выходящие изнутри наружу, будь то из тихих кафе или уютных спален, или извне, смотрящие внутрь, особенно в ночных сценах, где внутреннее пространство более ярко проявляется в окружающей темноте, или даже в его знаменитый Nighthawks Сцена в закусочной, где снаружи и внутри больше света, чем физического барьера из стекла.
Техника Хоппера кажется мне обманчиво простой, нет ни большого живописного изящества, ни ослепительной реалистической детализации, он пишет прямо, почти резко, мало заботясь ни о чем, кроме передачи сцены и, в частности, геометрии сцены, всего плоскости и углы и пересекающиеся формы. Его образы людей кажутся мне геометрически сложенными.
Комнаты Эдварда Хоппера у моря, холст, масло, 42 x 63 дюйма недалеко от мыса Кейп-Код в Южном Труро, Массачусетс. Во многом это гимн красоте моря и знаменитому свету Кейп-Код.
В последние пару лет разгорелся спор между теми, кто хочет сохранить землю к северу от студии такой, какой она была на протяжении десятилетий, как показано на фото ниже, и новым землевладельцем, который строит огромный особняк. прямо с другой стороны маленького белого домика Хоппера.
Хоппер 1909 Летний интерьер представляет способ, которым он иллюстрирует свои подавленные тревоги по поводу независимых женщин и их места в его мире: его обнаженные женские образы изображают его фантазию, в которой уязвимая женщина заключена в своем домашнем интерьере.
поза фигуры в «Летнем интерьере» унылая: все в ее теле опускает взгляд зрителя. Таким образом, есть довольно отчаянный тон, который поглощает картину. Женская фигура — центр картины: эта «безутешная» фигура — центр произведения. Женщина сидит на простыне, которая падает с неубранной кровати, добавляя тихого хаоса работе. Женщина целиком занята своими мыслями, не обращая внимания на смотрящего на нее зрителя.
Nighthawks — картина Эдварда Хоппера 1942 года, на которой изображены люди, сидящие поздно ночью в закусочной в центре города. Это самая известная работа Хоппера и одна из самых узнаваемых картин в американском искусстве. Через несколько месяцев после его завершения он был продан Художественному институту Чикаго за 3000 долларов и с тех пор остается там.
Вскоре после свадьбы в 1924 году Эдвард Хоппер и его жена Жозефина (Джо) вели дневник, в котором он карандашом делал наброски каждой из своих картин вместе с точным описанием некоторые технические детали.
Затем Джо Хоппер добавляла дополнительную информацию, в которой в некоторой степени освещались темы картины.
Просмотр страницы, на которой написано «Ночные ястребы», показывает (почерком Эдварда Хоппера), что предполагаемое название работы на самом деле было «Ночные ястребы» и что картина была завершена 21 января 1942 года.
Джо рукописные заметки о картине дают значительно больше деталей, включая интересную возможность того, что вызывающее воспоминания название картины могло быть связано с клювовидным носом человека в баре:
Ночь + блестящий интерьер дешевой ресторан. Яркие предметы: стойка из вишневого дерева + столешницы окружающих табуреток; свет на металлических баках сзади справа; блестящая полоса нефритово-зеленых плиток 3/4 поперечного холста у основания стекла окна, изогнутого в углу. Светлые стены, тускло-желтая окра [так в оригинале] дверь на кухню справа. Очень красивый белокурый мальчик в белом (пальто, кепка) внутри прилавка. Девушка в красной блузке с каштановыми волосами ест бутерброд.
Мужчина ночной ястреб (клюв) в темном костюме, серо-стальной шляпе, черной ленте, синей рубашке (чистой) держит сигарету. Другая темная зловещая фигура сзади слева. Светлая боковая прогулка снаружи бледно-зеленоватая. Напротив темно-красные кирпичные дома. Вывеска над рестораном, темная сигара Phillies 5c. Изображение сигары. Снаружи магазина темно, зелено. Примечание: кусок яркого потолка внутри магазина на фоне темноты улицы на краю участка верхней части окна.
Кинотеатр в Нью-Йорке, один из тех замысловатых ложных дворцов, где Голливуд уносит нас на несколько часов в другой мир — в данном случае, очевидно, в высокие горы. Духи нас как зрителей, то есть, но не швейцара, который, наверное, видел фильм тысячу раз и ждет занавеса, обдумывая свои собственные мысли. Ее неподвижная фигура контрапунктирует экран с его непрестанно мерцающими иллюзиями мест не здесь и не сейчас.
Как и большинство женских фигур на картинах Хоппера, эта была основана на его жене Джо, которая позировала стоя под лампой в холле их квартиры.
Как показывают многие предварительные наброски для картины, Хоппер не только нарисовал свою жену в различных позах в течение New York Movie , но точно разработал декор зрительного зала, вплоть до рисунка ковра. Снова и снова он зарисовывал фойе, лестницы и зрительные залы своих любимых кинотеатров: Дворца, Глобуса, Республики и Стрэнда.
Вся картина посвящена прощанию, кажущейся насыщенности богатством иллюзий, включающих в себя фильм и здание, и тем, чтобы позволить этому искусственному миру убаюкивать мысль о том, что жизнь не отчуждает и что современный мир замечательный, потому что он дает больше, чем жизнь в театре. Однако билетерша, погруженная в свои собственные мечты, и изолированные зрители указывают на пустоту этого роскошного и наполненного действиями мира. Билетёрка — аналог скучающей официантки двадцатого века в «Баре в Фоли-Бержер» Эдуарда Мане. Подобно Мане, Хоппер обладает гениальным умением сделать иллюзорный мир театра таким заманчивым, таким гламурным и таким совершенно пустым.
Он дразнит предполагаемого зрителя почти мистическим абрикосовым светом, который освещает ступени, ведущие из этого нереального мира, где на страже стоит билетерша.
http://www.edwardhopper.net
Empty chambers, crowded with life
Это последняя картина Мане крупная работа. Он представляет собой шумный интерьер одного из самых известных мюзик-холлов и кабаре Парижа, Фоли-Бержер. Заведение открылось в 1869 году, и его атмосфера описывалась как «чистая радость». Напротив, барменша в изображении Мане отстранена и сидит за барной стойкой.
Фоли-Бержер также был известен как место, где собирались проститутки.
Писатель Ги де Мопассан описал барменш как «продавцов выпивки и любви».
Мане хорошо знал это место. Там он сделал ряд подготовительных набросков, но окончательная работа была написана в его мастерской. Он открыл бар и попросил одну из официанток, Сюзон, стать его моделью.
Картина впервые была выставлена в 1882 году на ежегодной выставке изящных искусств в Париже, в Салоне. Посетители и критики сочли композицию тревожной. Неточность отражения барменши, смещенного слишком далеко вправо, продолжает вызывать много споров
Наконец, короткое замечание о Мане. В недавней программе BBC 2 о Цивилизации есть интересный взгляд на картину, и предполагается, что девушке не скучно, а на самом деле ее собираются купить! Я люблю эту картину за тайну и вопросы, которые она вызывает.
М. К. Эшер
Мауриц Корнелис Эшер, или обычно М. К. Эшер, был голландским художником-графиком, создававшим математические ксилографии, литографии и меццо-тинто.
Родился: 17 июня 1898 г.
, Леуварден, Нидерланды
Умер: 27 марта 1972 г., Ларен, Северная Голландия, Нидерланды
Периоды: Оп-арт, Сюрреализм, Экспрессионизм, Реализм, Кубизм, Северное Возрождение, Современное искусство
Книги: M.C. Калейдоциклы Эшера, Эшер об Эшере, БОЛЬШЕ
Области: Рисунок, Гравюра
Цитаты
Только тот, кто попытается совершить абсурд, добьется невозможного. Я думаю, что это в моем подвале… позвольте мне подняться наверх и проверить.
Мы обожаем хаос, потому что любим создавать порядок.
Моя работа — это игра, очень серьезная игра.
Нравится:
Нравится Загрузка…
Внутренний портрет – HiSoUR История культуры – Hi So You Are
Внутренний портрет (portrait d’intérieur) или, по-немецки, Zimmerbild (комнатная картина) – жанр живописи. появился в Европе ближе к концу 17 века и пользовался большой популярностью во второй половине 19 века. Он предполагает тщательное, детальное изображение жилого пространства без каких-либо людей.
Эти картины, как правило, были выполнены акварелью и требовали большого технического мастерства, хотя и небольшого творчества. К середине 20 века, хотя такие сцены все еще создавались, фотография превратила этот стиль живописи в форму намеренного архаизма.
Термин «Интерьерный портрет» относится к жанру живописи, который имеет дело с изображением – в основном частных – интерьеров и был широко распространен почти исключительно в культурную эпоху бидермейера.
Интерьерный портрет не следует путать с тем, что в Англии называется «разговорным произведением»; термин, обозначающий сцену с группой людей, занятых какой-либо деятельностью и часто размещаемых на открытом воздухе. Настоящий предмет интерьера показывает только комнату и декор, хотя предыдущую деятельность можно предположить по размещению предметов в комнате.
Картины выполнены в виде рисунков, акварели и гуаши, а также в различных техниках смешения. Они были относительно небольшими, их средний ландшафтный размер составлял около 32,5 × 22,5 см, более крупные отклонения вверх или вниз встречались, но были редко.
Иллюстрации в большинстве случаев следовали принципу бокс-сета. Фокус часто был немного смещен от центра влево. Эти работы были работой не любителей, а профессиональных художников, отчасти специализированных «комнатных художников». Ярким примером признания этого жанра в течение некоторого времени является серия из девяти акварелей, которые известный художник-архитектор Эдуард Гертнер заказал королевской семье для создания интерьеров Берлинского городского дворца.
С большой точностью описывалось состояние конкретного интерьера в определенное время – внешний вид и расстановка мебели, цвета и узоры обоев, штор и ковров, оформление комнат произведениями искусства, предметами быта или украшениями. Это подробное воспроизведение интерьеров показывает, насколько интенсивно современники обращались с предметами своего личного окружения, и в то же время дает понять, что они тоже хотели это задокументировать. Люди на этих картинах изображались редко, а если и были, то едва с их индивидуальными чертами, но мелкомасштабно и в деятельности, соответствующей назначению каждого помещения.
Прежде всего, индивид присутствовал косвенно через точное описание его частной среды.
Фотографии комнат обычно заказывали в качестве личных подарков в определенных случаях. Прусская принцесса Елизавета подарила родителям фотографию своей берлинской детской, когда отправилась в Дармштадт замуж молодой. А акварель рабочего кабинета великого герцога Людвига II Гессен-Дармштадтского была копией после его смерти и была подарена посмертно. Листы, возможно, передавались по наследству, по крайней мере, не выдавались публично и не продавались. Их собирали в альбомы — занятие, популярное тогда у женщин в обществе, — и рассматривали их в домашней обстановке. Помимо своего эмоционального значения, эти антологии были также изображениями понимания искусства, образовательного уровня и социального положения их владельцев.
Ранний интерьерный портрет
Интерьер долгое время присутствовал в графических произведениях немцев и ранних нидерландов 16 века, в живописи голландцев 17 века, использовался как фон в парадных и камерных портретах.
В Голландии XVII века изображение интерьеров стало ранним жанром национального искусства.
Во времена европейского Средневековья внимание уделялось не только интерьерам романских и готических церквей и соборов, но и частным жилищам. Монастырские и светские интерьеры (романский и готический) отличались аскетизмом и минимумом мебели. Но и тогда происходит перераспределение помещений по назначению – кухни, залы, столовые, спальни для хозяев, комнаты для гостей и их спальни, жилища для прислуги, арсеналы, сторожа. Ограниченное количество средневековых интерьеров или их уголков отражено в современных ему миниатюрах, в рисунках позднего язычника, в произведениях раннеголландской живописи, последняя долго опиралась на опыт национального Средневековья. Изображение интерьеров медленно эволюционировало из схематического изображения 9.0003
Шедевром ранней голландской живописи стал портрет молодоженов Арнольфини работы Яна ван Эйка (1434, Национальная галерея (Лондон)). Момент свадебной клятвы художник представил в интерьере мещанского дома, где он венчался с итальянским купцом, давно осевшим в Нидерландах.
Ян ван Эйк тоже осмелился расширить границы привычного портрета, не скрывая разницы в возрасте и характерах молодоженов, в точности воспроизведя теперь необычную одежду. Молодожены находятся в комнате, освещенной мягким мерцающим светом из окна. Следуя средневековой традиции, Ян ван Эйк разместил в комнате ряд вещей, имевших как практическое, так и символическое значение: зажженная свеча – намек на свадьбу, апельсин на окне – намек на удовольствие, комнатная собачка – аллегория верности, топорик или сбруя – знак благочестия и так далее. Но специфика изображения бытовых вещей возвращает зрителя к реальности и соотношению вещей в быту, к стремлению правителей к чистоте, удобству, благополучию и уюту, столь присущим и приятным в домах Нидерланды, и такое не обычно для шумных и кочевых итальянцев, которые могут потом превратить даже дворцы в кочевые площади. На неудобство и несогласованность итальянских интерьеров тогда жаловались голландские и немецкие путешественники.
Многочисленные изображения интерьеров созданы мастерами немецкой графики.
Среди них, как религиозные сцены («Благовещение», «Потягивание»), так и изображения отцов-основателей («Святой Иероним в келье»). Образ святого Иеронима в келье был практически канонизирован и логически трансформирован от средневековых мастеров к мастерам эпохи возрождения и маньеризма, где каждый из них представил свою интерпретацию кельи богослова.
Среди светских рассказов обращают на себя внимание редкие изображения людей в свободное время (Израэль ван Мекенем-младший (1440-1503), гравюра «Танец в карусели») или цикл гравюр с изображением ремесленников в их собственные мастерские (гравер Йост Амман, «Пивовар», «Ткач Килимар», «Типография», «Аптека», «Парикмахерская», «Студия витражей») Интерьеры не отделены от людей или бытовых ситуаций – и они будут еще долго не разлучаться. Но мастера свободно воспроизводили особенности современной мебели, предметов быта, станков, инструментов и одежды того времени. В цикле гравюр с ремесленниками именно этим промыслам свойственны технические особенности, специфические черты и даже особенности технологии.
Интерьерный портрет 17 века
Этот тип сцены впервые появляется ближе к концу 17 века. В то время намерение было полностью описательным. Их обычно делали специально, чтобы показать содержимое художественной галереи, личной библиотеки или кабинета редкостей. Один из первых известных примеров изображает библиотеку Сэмюэля Пеписа в Лондоне, датируемую 1693 годом. Они до сих пор ценятся исследователями и декораторами. В случае Пеписа можно воочию увидеть, как ученый того времени расставляет свои книги в книжном шкафу (новшество того времени), пользуется кафедрой, подкладывает подушки для удобства, развешивает карты и т. д.
Искусство Нидерландов закономерно выросло в искусство всех регионов, входивших в состав территории Исторических Нидерландов в 15-16 веках, когда они вместе с Фландрией входили в единое государственно-политическое образование. С XVII века произошло государственно-художественное разделение, в результате которого образовались две национальные художественные школы, своеобразные по происхождению, но разные по характеру.
Конфессиональные различия также способствовали художественному различию. Юг Нидерландов и Фландрия остались в лоне католицизма, где религиозное искусство пережило новый расцвет в 17 веке. в стиле барокко. Голландия стала преимущественно протестантским государством с реалистическими ориентирами в культуре и ограниченным использованием стилистики барокко.
В начале XVII века Голландия пережила ряд лет самоутверждения и бодрости. Потому что борьба за независимость от могущественной империи Испании закончилась успешно. Велась долгая работа по признанию молодого государства, только что появившегося на политической карте Западной Европы. Самоутверждение и жизнерадостность были присущи как поведению жителей, так и национальному искусству, активно лишаемому религиозных ограничений, пошедших из католической Италии. Господство протестантизма, не признавшего религиозную живопись католического образца и прошедшего стадию иконоборчества, привело к значительному сокращению заказов на религиозные картины.
И, наоборот, приведет к взрывному распространению светской тематики в жанрах. Именно в искусстве Голландии необычайную силу и развитие приобрели портрет, пейзаж, бытовой жанр, натюрморт, интерьер как жанр, о котором не знали даже известные центры современного искусства в Италии или Франции.
Голландские художники с удовольствием расписывают интерьеры своих и зарубежных жилищ. Почти все композиции знаменитого Яна Вермера представлены в уютных бюргерских интерьерах. Необычными мастерами интерьеров с фигурами были Ян Стан, Питер де Хоох, Жерар Тербор. Заброшенные после многолетнего иконоборчества аскетические интерьеры церквей расписаны Питером Санремадом, Антонием де Лорме,. Более теплые чувства вызывают сакральные интерьеры на картинах Эммануэля де Витте, освещенные солнцем и не загроможденные деталями. Полукрестьянские дома бедных ткачей, художников, барритов, нотариусов, мелких ремесленников, кузнечных кузнецов зафиксировали Петер Кодде, Корнелис Биг, Михиль ван Мюхер, Адриан ван Гасбек, Корнелис Белт.
Доля композиций была с обязательным уголком интерьера – это «Ученый в собственном кабинете». Рембрандт, Соломон Конинк, Бартоломеус Матон, Константин Неттшер, Доминик ван Тол создали свои варианты со взрослым или серым персонажем, то как теолог, то как астролог (с книгами, глобусом). Интерьеры на картинах голландских мастеров сопровождают человека от рождения до смерти или на «урок анатомии» (посещаемый всеми желающими), особый жанр голландского искусства XVII века.
Голландское искусство XVII века стало своеобразным явлением в художественной ситуации Европы XVII века. К художникам, основанным Нидерландами, поедут художники из других европейских художественных школ Европы.
Только в последней четверти XVIII века появился новый тип интерьерного портрета с иным замыслом. Этот тип впервые возник в архитектурных фирмах и делался в интересах их клиентов. Великие архитекторы, такие как Джеймс Адам и его брат Роберт Адам из Шотландии и Франсуа-Жозеф Беланже, рисовали акварелью свои предыдущие проекты, чтобы привлечь потенциальных клиентов.
Это создало причуду среди богатых и знати заказывать картины своих комнат, чтобы хвастаться и сохранять для потомков. Эти картины часто собирались в альбомы. Это увлечение было особенно распространено в Англии. Оттуда он широко распространился по всей Европе.
Отличительной чертой стиля бидермейер было стремление к простоте и скромности – не как этическое отношение, а как вопрос стиля. Вместо переполненных форм и обильного применения золота доказательством эстетического качества считались простые, формально уменьшенные предметы и простые, но мастерски обработанные материалы. Этот особый вид скромной скромности дорого обходился. Дворянство и все более и более богатая буржуазия могли себе это позволить – и у них были достижения, зафиксированные в картинках.
Периодизация в 18 веке
Некоторое время искусство 18 века. во Франции разделились на два основных периода – рококо и классицизм (или неоклассицизм конца 18 века) или королей, которые были непродуктивны. Этот упрощенческий подход, господствовавший в искусстве Франции, довольно схематичен и не опирается на исторические закономерности и их отпечаток в реальности.
Упрощенный подход игнорировал реальные изменения, делая акцент на других событиях, отодвигал накал антифеодальной борьбы и значение такого периода, как революционный классицизм, уникальное явление западноевропейского искусства.
Реальная картина борьбы идей и смены стилей была гораздо сложнее, неприятнее, многоступенчатее.
Первые десятилетия 18 века. – это академический классицизм, очень своеобразный и больше похожий на «барочный» классицизм.
Стилистическим направлениям предшествовал период дококо, слабые ростки которого пробили творчество нескольких разных мастеров, не обязательно французских (голландец Николас Берхем, итальянец Карьер Розальба из Венеции)
Рококо (царствовавшее между академическим классицизмом XVII века и неоклассицизм конца века).
Просвещение развивалось параллельно и синхронно с рококо и практически подготовило антифеодальную революцию 1789-1793 гг.
Классицизм конца 18 века. в сосуществовании с сентиментализмом, кратковременным революционным классицизмом и навязанным искусству Франции (Наполеоном и его маршалами сторонниками) ампира.
Классицизм (и ампир) просуществовал до 1830–1850-х годов и сосуществовал с романтизмом.
Почти во все периоды историческая живопись, объявленная президентским жанром, теряла свои лидирующие позиции, уступая место портретному жанру. Практически все известные художники века, сторонники рококо Франции и Италии, были портретистами, а портрет находился в центре борьбы идей, практически направляясь в художественные искания. .
Интерьер в живописи рококо
Начало 18 века в Париже ознаменовалось зарождением стиля рококо. К формированию нового стиля в живописи были привлечены художники француз Антуан Ватто и итальянец из Венеции Карьер Розальба, активно поддерживаемый богатым и меценатом Педро Кросом. Жермен Бофран стал первой значительной фигурой среди дизайнеров интерьера, инициировавшей рококо в дворцовом убранстве многочисленных отелей (частных городских поместий французских аристократов). Овальный зал гостиницы «Субиз» стал образцом нового стиля – с его отказом от классической тектоники и столбчатых пилястр, с арочными окнами, растительным декором, наклеенным на картины-вставки и перешедшим на потолок.
Обычные постройки заменяются деревянными панелями, картины и зеркала сплетаются в причудливые извилистые орнаменты, легкие и причудливые. Важной особенностью интерьеров является легкая и удобная мебель, которая вытеснила пышную и тяжелую мебель в стиле барокко.
Искусство как таковое остается аристократическим и служит потребностям привилегированных слоев общества. Искусство рококо (с его легкомыслием, культом наслаждения, флирта) существует как бы в угоду аристократии и легко развлекает ее на досуге. Он так и остался бы одной из модных страниц, если бы не обращение к стилистике рококо ряда чрезвычайно одаренных художников, в том числе Жермена Боффрана. Впервые со времен готики интерьеры отказались от ордера, заменив его растительным или волнообразным декором. Изменения в моде, ремонт и перепланировка помещений в другие стили не способствовали сохранению интерьеров рококо. Представление об их значительной художественной ценности придет позже. Именно тогда, в 19века, что они будут зафиксированы в серии акварелей (живопись Гау Эдуарда Петровича, интерьеры Большого Гатчинского дворца), в картинах и фотографиях ХХ века.
Немалая художественная ценность рококо-раритета в скалах Великобритании заставляет историков перейти к уникальному декору Норфолкского дворца Ноус в Музее Виктории и Альберта (Norfolk Nawas Music Hall), где он станет важным экспонатом прошлого.
Апогей XIX века
Первый исторически важный образец интерьерного портрета представляет собой небольшую художественную галерею, созданную императрицей Жозефиной в Мальмезоне в 1812 году. На этой акварели Огюста-Симеона Гарнере мы можем увидеть ее арфу, собрание произведений искусства и ее шаль, оставленная на кресле. Так появляется новый элемент: психологические элементы декора и ощутимое человеческое присутствие. Можно чувствовать эмоции и мысли владельца. В этом смысле картины действительно стали «портретами».
В девятнадцатом веке будет мода на эти графические изображения, что объясняется многими факторами. В высших социальных классах это явление совпадает с растущим значением, придаваемым дому как месту комфорта, близости, семьи.
Функции монет становятся все более и более специализированными: например, концепция столовой стала стандартной6. С другой стороны, развитие нового среднего класса, стремящегося подражать аристократическому вкусу, усиливает движение: с течением века мебель становится все более доступной благодаря промышленным технологиям, которые производят ее серийно, в самых разнообразных формах. выбор. Наконец, декоративная мода быстро обновляется, пересматриваются прежние стили: неоготика, неоклассика, нео-людовик XV и т. д. Поэтому домовладельцы часто заказывают виды своего интерьера, чтобы помнить, предлагать или завещать их. .
Огромную популярность этих картин в 19 веке можно объяснить многими факторами. Среди нуворишей и буржуазии большое значение придавалось дому как месту комфорта, близости и семьи. В этот период также наблюдалась специализация (например, отдельные столовые), которая когда-то была известна только очень богатым. Этот новый «средний класс» также стремился копировать аристократические вкусы, а индустриализация сделала гораздо более широкий выбор мебели легко доступным.
Наконец, декоративные стили постоянно менялись и возрождались, поэтому интерьерные портреты были способом сохранить память и передать ее следующему поколению.
Королеве Виктории очень нравились эти портреты, поскольку они позволяли ей со вкусом показать публике свою любящую семейную жизнь и домашний уют. Таким образом, повальное увлечение распространилось по королевским семьям Европы. Благодаря количеству богато украшенных дворцов, которыми они владели (Зимний дворец, Царское Село, Гатчинский дворец, Петергофский дворец, Павловский дворец…), цари были одними из самых восторженных заказчиков интерьерных портретов. Практически все их комнаты (кроме самых приватных) хотя бы раз рендерились; некоторые несколько раз. Эти акварели считаются одними из лучших в своем жанре.
В последующих исторических разделах образы некоторое время сохраняли свою частную память, но теряли свое значение в связи с изменением эстетических взглядов и индивидуальных привычек. Желание задокументировать свои собственные четыре стены таким особым образом уже не было таким распространенным, как раньше.
Любой, кто все еще хотел использовать «современную» среду фотографии. Однако на большем расстоянии от своего создания картины комнаты бидермейера снова стали важными источниками специальной информации по истории культуры.
Возрождение в двадцатом веке
В двадцатом веке и сегодня некоторые художники увековечивают эту традицию. Художники увековечивают и сегодня искусство интерьерного портрета, работая на заказ, акварелью или маслом. Домовладельцы заказывают виды своих домов на память о них, дарят их или завещают своим детям, как свидетельство счастья от проживания или проживания в любимом месте. Декораторы также используют это искусство для проектов, которым они хотят придать особую атмосферу.
Художники-специалисты
В то время, когда каждая культурная молодая женщина училась рисовать акварелью, многие раскрашивали свои комнаты или комнаты, в которых им давали уроки. Большинство сохранившихся экземпляров анонимны и редко отличаются высоким качеством, но часто в них есть очарование, которое компенсирует недостаток технических знаний.