Интерьер российского театра: Архитектурное бюро ASADOV. ASADOV studio Интерьеры учебного театра «ГИТИС»

Архитектурное бюро ASADOV. ASADOV studio Интерьеры учебного театра «ГИТИС»

Здание учебного театра ГИТИС представляет собой полноценный учебно-театральный комплекс, включающий зрительный зал на 300 мест с классической сценой (3 кармана, поворотный круг и оркестровая яма), репетиционный зал, балетные и танцевальные классы, гостиницу для артистов, театральное кафе и полный набор вспомогательных театральных помещений.
Расположенный в районе Новые Черемушки, учебный театр, по замыслу авторов, мог бы создать там новый центр культурного притяжения. С градостроительной точки зрения, здание располагается по оси бульвара вдоль улицы Гарибальди, и продолжает его своеобразным пешеходным «Арбатом», проходящим между театром и общественным стилобатом жилого комплекса. Через этот «Арбат» между театром и жилым домом перекинута мост-гостиница. Само здание театра имеет два принципиально разных фасада – глухую «броню» со стороны проезжей части, прорезанную входным порталом, и полностью остекленный и насыщенный цветом фасад со стороны «Арбата».

Внутреннее пространство театра также построено на контрастах. Попадая в центральный атриум, прорезающий насквозь вытянутую «дольку» театра, мы оказываемся между двух объемов – «деревянной шкатулки» зрительного зала и «черного ящика» зала репетиционного, которые соединены рыжими «молниями» пешеходных мостов. Идеология двух «шкатулок» имеет простое объяснение – в «черном ящике» происходит творческий процесс с непредсказуемым результатом, а в «деревянной шкатулке» этот результат торжественно раскрывается публике. Внутреннее пространство «шкатулок» ровно противоположно внешнему – зрительный зал выдержан в полностью черной гамме, а репетиционный – в золотистом дереве. Наружная стена «черного ящика», обращенная в сторону центрального атриума, представляет собой интерактивную инсталляцию, собранную из металлических жалюзей, узких полосок зеркал и цветной RGB-подсветки. Эта стена отражает «дождь» из стеклянных светильников-колб, заполняющих собой атриумное пространство. Вертикальный световой «дождь» поддерживается горизонтальными полосками света, разбросанными по поверхности пола и потолков боковых вестибюлей.
Центральный атриум фланкируется двумя боковыми фойе, расположенными в зазоре между полукруглой стеной и «шкатулками» залов. Внутренняя поверхность полукруглой стены, по замыслу авторов, должна превратиться в огромную театральную декорацию-коллаж, собранную из фрагментов, связанных с историей и творчеством ГИТИСа.

Фотографии: А.А.Асадов

Яркий дом для театрального творчества

Учебный театр имеет мало общего с театром в общепринятом понимании. Это в первую очередь школа, творчество, студенческая жизнь и только уже потом готовые театральные представления, как итог всех других творческих процессов, которые здесь происходят. Поэтому перед архитектором, проектирующим такое здание, стоит сложная задача – создать вместилище для творческой энергии будущих режиссеров и актеров, а может быть, даже простимулировать ее, но ни в коем случае не ограничиться «коробкой», которая бы подавляла и угнетала прекрасные порывы студенческой души.

Проект учебного театра «ГИТИС» был создан еще в 2002 году в «Моспроекте-4». В треугольный по форме участок, примыкающий к двум оживленным улицам – Гарибальди и Академика Пилюгина – вписано здание, напоминающее корабль с острым носом  и кормой. Фасад здания, выходящий на улицу, представляет собой глухую стену с редкими узкими прямоугольниками окон, похожими на прерывистую пунктирную линию. С обратной стороны здание выходит на небольшую пешеходную улочку, которая, по замыслу архитекторов, должна превратиться в аналог Арбата. Плотная оболочка с этой стороны прерывается абсолютно прозрачной стеклянной стеной, раскрывающей внутреннее пространство центрального атриума.

Мы живем в эпоху автомобилей и сверхмасштабов, и современная архитектура обязана с этим считаться. Человеческий масштаб уже давно не является определяющей величиной  архитектурного сооружения, а восприятие последнего зачастую происходит из окон движущегося автомобиля. Расположение театра «ГИТИС» на пересечении двух автомобильных дорог с узким пешеходным тротуаром стало определяющим фактором для фасадов, выходящих на эту сторону улицы. Обтекаемость, рисунок из цветных панелей разных оттенков зеленого, наслоение отдельных элементов фасада и четкая горизонтальная направленность – все это создает ощущение нарастающей скорости движения здания вдоль улицы, вторящего движению автомобилей и несоизмеримого со скоростью пешеходов. Для посетителей учебного театра, возможно, даже будет забавно попытаться запрыгнуть в этот корабль «на полном ходу», воспользовавшись проемом главного входа, который выглядит так, как будто бы он «случайно» появился в плоскости глухого фасада.

С тыльной стороны, где организована пешеходная улица, здание изменяется до неузнаваемости. Горизонтальный ритм сменяется вертикальным, который задан портиком из цветных колонн, каменная неприступность – прозрачностью стекла разных оттенков, а на смену «подражания» автомобилю приходит «очеловеченная» архитектура. Оболочка здания начинает играть с человеком в ассоциации: хаотично появляются выступающие из фасада объемы, разноцветные колонны разбросаны по фасаду, как цветные мелки, высыпавшиеся из коробки. Такое пространство, насыщенное образами и перекликающееся с творческой направленностью ГИТИСа,  должно стать «тусовочным местом», где в свободное время и теплую погоду будут собираться студенты.

Интерьеры центрального атриума, зрительного и большого репетиционного зала, выполненные архитектурной мастерской А.А.Асадова, непосредственно перекликаются с внешней оболочкой здания. Яркое цветовое решение стен, сопоставление вертикального и горизонтального ритмов перил, встречающиеся изредка цветные колонны – все это отсылает к декоративным решениям фасада. Самым эффектным приемом, подхваченным архитекторами для  интерьера, стали светящиеся в темноте узкие полоски окон глухого фасада, которые были взяты за основу светового оформления интерьера.

Внутри здание учебного театра разделено на две зоны центральным атриумом с галереями на втором и третьем этажах. С одной стороны от атриума сосредоточены помещения для репетиций, с другой находятся зрительный зал на 300 мест и гостиница для гастролирующих трупп, которая вынесена  отдельным объемом из здания в виде моста, перекинутого через пешеходный «Арбат».

Два больших зала – зрительный и репетиционный, фланкируют центральный атриум, образуя сознательно противопоставленные друг другу пространства. Репетиционный зал внутри отделан светлым деревом, а в атриум он выходит глухими черными стенами. Зрительный зал – как будто вывернутое пространство репетиционного зала, он черный внутри и светлый снаружи. Один из авторов проекта Андрей Асадов сравнивает эти два зала со шкатулками, в «черной шкатулке» происходит творческий процесс с непредсказуемым результатом, а в «деревянной» – результат торжественно раскрывается публике.

Свет в интерьере театра играет главную роль, заставляя архитектурные формы жить и играть, как актеров. Узкие пунктирные линии света, в лучших традициях Даниэля Либескинда, прорезают пол первого этажа театра, намечая хаотичную траекторию движения посетителей. Эти линии света из внутреннего пространства вырываются наружу, объединяя интерьер с общественной территорией вокруг здания.

Световое оформление коснулось не только пола, но и потолка, стен и мебели, встроенной в интерьер. Так в главном атриуме и фланкирующих его двух симметричных входах с потолка свисают люстры в виде светящихся сосулек, которые совместно с линиями на полу вторят горизонтально-вертикальному ритму перил галерей. Светящиеся «сосульки» подвешены в таком порядке, что создают ощущение падающего светового потока, четко разделенного на отдельные световые лучи. В центральном атриуме падающий с потолка поток света находит продолжение в медийной стене, которая представляет собой металлические жалюзи, наложенные на узкие полоски зеркал с разноцветной подсветкой. Медийно оформлена внешняя стена «черной шкатулки», эту стену можно понять не только как главный выразительный элемент интерьера, но и символ проблеска мысли и постоянного движения творческой энергии. Вертикальный ритм светильников-«сосулек» и медийной стены вступает во взаимодействие с горизонтальным ритмом подсветки галерей третьего яруса и барной стойки длиной двадцать шесть метров.

Внутри «деревянной шкатулки», которая является зрительным залом, боковые стены также оформлены световыми элементами. Сами стены представляют собой черные прямоугольные панели, наложенные на основную, такую же черную, стену. Из-под прямоугольников, соединенных в молниеподобные рисунки, выбивается голубоватый свет, который очерчивает их по периметру и делает основной фон стены глубокого синего цвета.

Принадлежность театра ГИТИСу обозначает эмблема института, венчающая торец гостиничного блока, выходящего и возвышающегося над фасадом здания по улице Гарибальди. По словам Андрея Асадова, эмблему пришлось немного подкорректировать, сделав графичнее и заключив в двойную треугольную раму. Осовремененная эмблема должна соответствовать новому современному зданию учебного театра, выполненному с применением самых современных театральных технологий.

Действительно, новый театр «ГИТИС» – это учебный корпус для необычных студентов, которые учатся создавать творческий процесс и в него быть включенными. Архитектурно здание очень точно отражает это назначение. Студенты, которые пришли на открытие театра, были приятно удивлены его пространством. Для них было открытием, что студенческий театр может быть таким ярким, образным, созвучным их творческим импульсам. Студенты, а не мы, должны быть критиками этого здания, ведь им в этом учебном театре почти жить.

zooming
zooming

Интерьеры учебного театра Российской Академии Театрального Искусства «ГИТИС» © Архитектурное бюро Асадова

zooming zooming
zooming zooming zooming zooming zooming zooming

Интерьеры учебного театра Российской Академии Театрального Искусства «ГИТИС» © Архитектурное бюро Асадова

zooming zooming

Интерьеры учебного театра Российской Академии Театрального Искусства «ГИТИС» © Архитектурное бюро Асадова

zooming zooming zooming zooming zooming zooming

Интерьеры учебного театра Российской Академии Театрального Искусства «ГИТИС» © Архитектурное бюро Асадова

zooming zooming

Интерьеры учебного театра Российской Академии Театрального Искусства «ГИТИС» © Архитектурное бюро Асадова

zooming zooming

Интерьеры учебного театра Российской Академии Театрального Искусства «ГИТИС» © Архитектурное бюро Асадова

zooming zooming

Интерьеры учебного театра Российской Академии Театрального Искусства «ГИТИС» © Архитектурное бюро Асадова

zooming zooming

Интерьеры учебного театра Российской Академии Театрального Искусства «ГИТИС» © Архитектурное бюро Асадова

zooming zooming

Интерьер фойе

zooming zooming

Интерьер атриума

zooming zooming zoomingzooming zoomingzooming zooming zooming

Интерьеры учебного театра Российской Академии Театрального Искусства «ГИТИС» © Архитектурное бюро Асадова

Шикарные интерьеры Большого театра — PORUSSKI.me

В 2011 году после шести лет скрупулезной реставрации был вновь открыт для публики Большой театр. Несмотря на годы эксплуатации, многочисленные ремонты и перестройки, Большой театр в целом сумел сохранить свой исторический облик, а здание театра занесено в список всемирного наследия ЮНЕСКО.

Предлагаем отправиться на фотопрогулку по пустому Большому театру.

Краткая история строительства Большого театра, а также самой Театральной площади

Известная всем сегодня Театральная площадь появилась в Москве в 1821-1825 годах. Она была спроектирована Осипом Бове. План площади сохранился до сих пор. В центре стоял Большой театр, а по сторонам от него – четыре здания с симметричными фасадами. Метрополь и бывшая гостиница «Москва» построены на месте двух из четырёх одинаковых зданий. То же касается здания РАМТ (бывшее здание Торговых рядов Полторацкого). Фасад Малого театра, да и само здание сохранилось со времен Бове! Именно так выглядели все четыре здания на площади, а мы, глядя на фасад Малого театра, легко можем представить, какова была Театральная площадь в середине 19 века.

Театральная площадь по проекту О.Бове

Здание Большого театра, спроектированного и построенного Осипом Бове в 1825 году, не сохранилось. В то время театр назывался Петровским, так как самое первое его здание своим фасадом смотрело на улицу Петровка. Здание Малого театра было перестроено из дома купца Варгина в 1824 году, в нем выступала труппа Петровского театра. После завершения строительства центрального и самого большого здания площади стали различать большой Петровский и малый Петровский театры. Труппа была одна, имелся подземный ход между зданиями, даже декорации к представлениям были одни и хранились на общем складе. Эпитеты «большой» и «малый» писали с маленькой буквы.

Так выглядел театр, построенный Осипом Бове, в 1825 году

В 1856 году по проекту Альберта Кавоса взамен сгоревшего тремя годами ранее было выстроено здание Большого театра, дошедшее до наших дней. Кавос даже частично сохранил фасад Бове: зрителей встречает монументальный 8-колонный портик. Кавос считался одним из лучших театральных архитекторов своего времени. Построенные им театры имели самую лучшую акустику. К слову, знаменитый Мариинский театр в Петербурге также был построен Кавосом.

По замыслу архитектора, «зал – это своего рода скрипка, в которой полы, стены, потолок работают как деревянные деки инструмента для проведения звука». Для отделки Большого использовалась только особая резонансная ель, из которой делаются музыкальные инструменты. В советское время пол был залит бетоном, акустика испортилась. Сложно поверить, но даже ткани обивки мебели и стен имели специальный состав и пропитку, не нарушающую акустические свойства зала.

К счастью, во время реставрации специалисты смогли восстановить не только исторические интерьеры, но и уникальную акустику Большого театра.

Историческая сцена

  Историческая сцена Большого театра, элементы декора зала, а также великолепная люстра и плафон.

  Люстра состоит из 24 тыс. хрустальных элементов, около половины из которых подлинные – остались с 1856 года! Изначально люстра была свечной, затем масляной, газовой и в конце 19 века она стала электрической. Люстру моют электрики раз в год, опуская ее вниз. Стоит отметить, что вес изделия – 2 тонны.

Фойе и залы

  Главное фойе или «Белое» – самое большое и роскошное фойе театра. До наших дней сохранился подлинный декор 19 века (лиры, растительные орнаменты и узоры). Роспись фойе выполнена в технике гризайль – так, что зрителю узор кажется объемным. Кавос установил в фойе зеркала, таким образом создав ощущение дополнительного пространства и света. Две из трёх хрустальных люстр были утрачены за полтора века жизни театра, во время реставрации по образцу уцелевшей они были воссозданы.

  В главное фойе ведет шикарная Парадная лестница, украшенная великолепными алебастровыми вазами. К сожалению, вазы были утрачены, а те, что мы видим сегодня, – копии. Однако сама лестница, ее формы и оформление сохранились со времен Кавоса.

  С двух сторон Главного фойе находятся Императорские фойе, Экспозиционный и Хоровые залы. Удивительно, что Большой театр – это не только сцена и зрительный зал, а еще роскошные залы!

  Круглый зал, или Малое императорское фойе, в 19 веке использовался для балов и приемов. Зал имеет форму квадрата, однако его потолок – это ротонда, отсюда и название зала. В круглом зале очень интересная акустика. Если встать в центре, то вы легко услышите шепот находящихся в зале людей.

  За Круглым залом идет Большое Императорское фойе. Стены фойе в конце 19 века к коронации Николая II были обтянуты атласной тканью цвета «раскаленного чугуна». До наших дней дошло 60% ткани, остальное было утрачено во время чистки либо в советское время. Во время реставрации был также восстановлен позолоченный лепной декор зала.

Экспозиционный и Хоровой залы находятся с другой стороны Белого фойе. Здесь была восстановлена первоначальная роспись в технике гризайль времен Кавоса, однако сделать это было довольно сложно, так как оригинальная надпись была закрашена в 50-е годы 20 века.

Фото: Елена Крижевская

Театр. Дизайн интерьера и организация пространства. Часть 1

Ни для кого не секрет, что современный театр представляет собой сооружение для проведения спектаклей и концертов. В соответствии с исторической традицией, его основное пространство делится на сцену (место для проведения представлений), зону технического и музыкального сопровождения и зрительный зал. Современные театральные сооружения могут быть ориентированы на определенный вид деятельности (например: музыкальный театр, драматический театр, оперный театр и т.д.), или иметь возможность быть переоборудованными под конкретные нужды. В соответствии со спецификой театра, обустраивается и дизайн интерьера.

Интерьер театрального помещения.

Интерьер театрального помещения.

Главным театральным пространством является сцена. В подавляющем большинстве современных театров, сценическое пространство обладает возможностями адаптации к нуждам определенного спектакля или концерта. Другими «зонами театрального действия» служат кулисы (располагающиеся за сценой и служащие для содержания декораций, фонов и иного реквизита) и будка суфлера. Также, дизайн интерьера предусматривает множество иных помещений, предназначенных для режиссера, исполнителей, помощников, осветителей и т.д. К вспомогательным помещениям следует отнести: раздевалки, репетиционные залы, помещения для хранения реквизита и костюмов и т.д.

Абсолютно все театры оснащены пространством для зрителей, называемым зрительным залом. В соответствии с исторической традицией, зал, как правило, отделяется от исполнительской сцены пространством авансцены (передним пространством сцены, находящимся перед занавесом). Место в зрительном зале, расположенное перед оркестровой ямой, носит название партер. Название «партер» вошло в театральный обиход с XVIII века. В то время, под ним подразумевали зрителей, занявших свои места перед оркестром. Балконы и галереи зрительного зала, исторически, наследуют театральные традиции античного театра и римского амфитеатра. В залах крупных театров, балконов и галерей может быть достаточно много. Во втором уровне зрительного зала, как правило, располагаются ложи (название трансформировалось от французского слова лоджия). Исторически, ложи сооружались с целью создания привилегированных мест для зрителей, которыми могли быть: короли, императоры, вельможи и т.д. Конструктивно, подобные места оформлялись как закрытые пространства, рассчитанные на 3-5 человек. Ложи для высокопоставленных лиц назывались правительственными или королевскими. Как правило, они помещались с обеих сторон и выше уровня сцены.

Интерьер современного театра – фото самых необычных сооружений

Основной тренд архитектуры театров и концертных залов – демократизация. А вот пафос классического канона, театр с колонами, квадратиками и портиком стало свидетельством дурного тона. Сейчас «коробка» должна сигнализировать о том, что внутри происходит что-то дружественное, доступно и фееричное.

Таким образом, моду на общедоступность и дружелюбие подхватил французский архитектор Жан Нувель и японец Тойо Ито. Нувель развлекает жителей северо-востока Копенгагена, проецируя на фасады изображение происходящего в его постройке концертов, а Тойо Ито упрощает театральное здание до палатки.

Za-Koenji Public Theatre

Новый театр, напоминающий глухой шатер, расположен на окраине Токио. Серый панцирь из бетона со стальными пластинами – очень прочный, тонкий и с звукоизоляцией композитный материал. Форму крыши Тойо Ито описывает так: «Куб, который прорезают пять эллиптических конусов и два цилиндра».

Это один из редких образцов театра, в котором вход вообще никак не выделен. Максимально незаметный, или — как говорят архитекторы — «бесшовный» проход внутрь; в фойе и дальше зрители перемещаются в интерьерах почти интуитивно, по зову пространства.

В подвальном этаже расположены кафе, офис и маленький зал. В интерьерах и на фасаде – фирменная идея архитектора: круги.

Снаружи Театр Za-Koenji-1 прекрасно оснащен для профессионалов. Его черная коробка может быть трансформирована под любые сценические задачи.

Za-Koenji-2 находится в подвальном этаже на втором уровне и предназначен для аренды. Тут, как правило, выступают любители, поэтому оборудование сцены значительно упрощено.

А рядом – зал Awa Odori для концертов и перформансов. Здесь проходит один из знаменитых японских танцевальных фестивалей. Есть также мастерские и костюмерные, репетиционные залы, студии для монтажа фильмов и музыки – все это на уровне № 3.

Copenhagen Concert Hall

Французский маэстро Жан Нувель спроектировал светящийся кобальтовый куб. Днем вы видите людей, которые передвигаются внутри здания. А вечером и ночью на фасады проецируется изображение концертов.

Площадки рассчитаны на самых разных исполнителей: джазовых, хоровых, симфонических и на исполнение камерной музыки. В комплексе объединены четыре зала: главный и три камерных в подземной части.

Главный концертный зал напоминает динамичную деревянную скульптуру.

Самый маленький зал отделан коричневыми полированными панелями, напоминающими поверхность рояля. В нем нет фиксированной сцены и зрительских мест.

Зал № 2 напоминает большие звукозаписывающие студии Голливуда. На фанерных панелях развешаны черно-белые стилизованные портреты-принты солистов, дирижеров и композиторов.

Что ж, теперь можно быть точно уверенным, что современные интерьеры театров ─ это не башни из слоновой кости, не крепости, охраняющие искусство от непосвященных, а напротив – места веселые и демократичные.

Здание театра: история, интерьеры, реконструкция

В день открытия здания Волковского театра в 1911 году, когда театру официально было присвоено имя основателя Федора Григорьевича Волкова, на фасаде театра была установлена памятная доска. Исчезнув в 1918 году во время Ярославского мятежа, доска была восстановлена в 2013 году: ее установка ознаменовала окончание нового этапа ремонта и реконструкции театра, теперь мы можем видеть интерьеры и фасады Дома Волкова такими, какими их задумывал академик архитектуры Николай Спирин.

Само здание, его дворцовый облик и масштаб, история его постройки и открытия в 1911 году — свидетельства торжества исторической истины, когда Ярославский городской театр начинает выступать в статусе Первого русского театра. Новый Волковский возводили с размахом: конкурс проектов проводила комиссия Московского архитектурного общества во главе с Ф. Шехтелем, средства на постройку собирали по всероссийской подписке, зал был спроектирован сразу на тысячу мест — масштаб, небывалый для провинциальных театров… Здание, отстроенное всего за 2 года, стало украшением и гордостью Ярославля. На его открытии присутствовал цвет российской театральной общественности во главе с В. Немировичем-Данченко и А. Сумбатовым-Южиным. С присвоением театру имени Федора Волкова за Ярославлем окончательно закрепился статус родины русского профессионального театра.

Историческая справка

Нынешнее здание театра — уже третье на данном месте; на протяжении XIX века эта часть города сформировалась как театральная площадь, позднее получившая имя Федора Волкова.

В конце XIX века здесь размещался Ярославский городской театр, построенный по проектору губернского архитектора Панькова. К началу XX века оно обветшало. В 1909 году Ярославской городской Думой был объявлен конкурс на лучший проект нового здания,  вместимостью более 1000 зрителей. Первая премия в этом конкурсе была присуждена архитектору Н. А. Спирину (1882 – 1938).

На фасаде театра и боковых стенах – скульптурные композиции, на портике – скульптурная группа, в центре которой покровитель искусств – Аполлон-кифаред, слева – муза трагедии Мельпомена, справа – муза комедии Талия (или, по другой версии, муза лирической поэзии Евтерпа). Боковые скульптурные горельефы (метопы) посвящены мотивам античной трагедии.

Зрительный зал украшен живописным фризом «Торжество Диониса» работы известного художника «серебряного века» Николая Верхотурова и его помощницы Веры Сакен.
Исполнителем живописных работ был ярославский художник Алексей Корнилов.

В 1911 году новое здание театра было торжественно открыто при огромном стечении народа.

На открытии театра была зачитана приветственная телеграмма от К. С. Станиславского: «Примите сердечную благодарность за приглашение и память… Искренне желаю, чтобы на родине основателя русского театра зародилось и расцвело симпатичное молодое дело. Примите поздравления и передайте участникам дела. Станиславский». В этом же году театру было присвоено имя Федора Григорьевича Волкова.

______________________________________

Виртуальный тур по театру

_________________________________

Реконструкция и ремонт


2014-2015 год

Механика сцены. Все лето 2014 года велась реконструкция сцены театра, самая масштабная за последние полвека. Техническое оснащение волковской сцены отныне безоговорочно соответствует званию первого русского профессионального театра. Сцена оборудована подъемно-опускными механизмами: кассетный сейф для мягких декораций, оркестровая яма, 6 люков. Теперь актеры и декорации смогут появляться и исчезать во время действия, как по волшебству. Произведена замена механизма самого театрального круга, а также пульта помощника режиссера. Все это позволит режиссерам реализовывать самые смелые замыслы.

Планшет. Обновилось покрытие сцены – планшет. Он изготовлен из особых сортов дерева повышенной прочности, ведь ему многое предстоит выдержать: в монтаже декораций часто используются гвозди, во время действия на сцене льется вода, бьется стекло, на покрытие падают тяжелые предметы. Ничто из этого не должно нарушать идеальную гладкость планшета.

2012-2013 год

Начало 264-го сезона Театр им. Ф.Волкова встретил обновленным после очередного этапа капитального ремонта с элементами реконструкции и реставрации. Что наиболее значимо, театр переживает столь сложный период, оставаясь в рабочем состоянии, не покидая здание на годы, как это происходит зачастую при реконструкциях.

Фасад. Полностью отреставрирована историческая часть фасада. Целиком обновлен штукатурный слой. Первозданный вид обрели горельефы и скульптуры на фасаде здания, прежде имевшие вид потемневший и полуразрушенный. На исторической и колосниковой частях фасада установлены более 160 светильников, которые создают подсветку в вечернее время. Это демонстрирует парадный облик здания, занимающего центральное положение в городском ландшафте.

Кровля, гидроизоляция. Полностью заменена кровля театра (старому покрытию насчитывалось около пяти десятков лет). А для защиты от вод подземной речки, на которой стоит здание, сделана гидроизоляция фундамента. Это предотвратит быстрое разрушение фасада, что наблюдалось после предыдущих ремонтов.

Звук. В этом году полностью обновлено звуковое оборудование на основной, камерной сцене и в зрительском буфете. Установлена современная система, которая позволяет сделать акустику зала ровной, без перепадов и «ям», с деликатным и мягким «чисто театральным» звуком. Впервые система будет опробована на спектаклях Волковского фестиваля, среди которых выступление оперной певицы Е. Образцовой, спектакль-концерт Д. Хоронько «Утесов», музыкальный спектакль студии «SounDrama», пластический спектакль Волковского театра «Орфей и Эвридика» и другие.

Интерьеры. Кардинальные изменения произошли в зрительском фойе первого этажа. Здесь появилась лепнина, новые светильники, декоративные двери в кассовый зал. В фойе второго этажа выполнена потолочная роспись. Таким его задумывал еще архитектор Спирин при строительстве здания, но тогда из-за начавшейся Первой мировой его планы воплотить не удалось. Также на втором этаже обновлены паркет и люстры.
Преобразились лестницы, гардеробы, туалет. Изменился и зрительский буфет: после ремонта и установки нового звукового оборудования он станет еще одной арт-площадкой, на которой могут быть реализованы разнообразные проекты.

В театре заменено около 90 старых окон и дверных проемов, отремонтирован ряд рабочих помещений. В зале проведена капитальная уборка, включая химчистку одежды сцены и чистку огромного вензеля «ФВ» над сценическим порталом.

Портрет в интерьере театра / Cмотреть все выпуски онлайн / tvkultura.ru

Художественные руководители самых известных музыкальных театров России вспоминают, как начинали работу на своем посту, рассказывают, с какими сложностями приходится сталкиваться, размышляют о своем театре, об особенностях балетной труппы и репертуара, а также о том, что может дать молодым артистам проект «Большой балет».

«После первого сезона «Большого балета» мы поняли, что за кадром остаются очень важные люди, без которых проект не мог бы состояться. Так родилась программа «Портрет в интерьере театра», идея создания принадлежит Сергею Шумакову и Любови Платоновой, – рассказывает руководитель проекта «Большой балет» и автор цикла Марина Денисевич. – Главные герои – это те, кто определяет балетную политику театра-участника (у каждой балетной труппы есть свой характер, свои организационные особенности и художественные принципы), принимает решение об участии пары в нашем проекте, помогает ребятам выбрать репертуар, является проводником и рычагом для организаторов проекта. Известный факт, что у балетных артистов никогда нет свободного времени. И тут нас очень выручают наставники, которым молодые артисты доверяют и уважают, которые умеют правильно повлиять на артиста, объяснить и донести смысл нашей задумки. Через портрет талантливого руководителя, который, как правило, не фигурирует в проекте открыто, а остается за кадром, нам хотелось рассказать о театре, а через театр о паре, ставшей частью проекта. Часто бывает, что балетные руководители создают пару специально для проекта «Большой балет». Именно так случилось с танцовщиками из Мариинского театра (впервые вместе вышли на сцену Надежда Батоева и Эрнест Латыпов, Рената Шакирова и Кимин Ким), а также с представителями Большого театра (Дарья Хохлова и Игорь Цвирко). Это было смелое решение двух главных театров страны – вместе с более опытными артистами поставить в пару дебютантов или начинающих танцовщиков. И в таких решениях тоже отражается политика руководителей театров. В рамках программы «Портрет в интерьере театра» своими наблюдениями делится директор Большого театра Владимира Урин. Он размышляет о золотом веке Большого театра, связанном с именем Юрия Григоровича, о том, как дать современным молодым артистам достойный хореографический материал и возможности для творческого роста. Полноправными героями этого фильма также являются уважаемые педагоги Михаил Лавровский и Нина Семизорова».

6 выпусков.

Русский театр — Russia.com

Россия заслуженно гордится своим театральным искусством. Подход к обучению актеров, разработанный К.С. Станиславского знают во всем мире, театральные пьесы всегда писали лучшие писатели, а горячие спектакли выражают накал эпохи. Русские люди всегда ходили в театр не столько ради развлечения, сколько за откровением, за правдой.

Сейчас, к сожалению, «правда» часто трактуется как грубая откровенность: нецензурные слова, крики или обнаженная плоть на сцене.Есть много эпатажных постановок, смысл которых очевиден только их авторам. Тем не менее, некоторые театры хранят великие традиции мастерства, ставят своевременные, но в то же время качественные спектакли, а билеты в хорошие театры продаются на месяцы вперед.

Оперное искусство по своей природе осталось верным классике. Помимо популярных зарубежных опер, в России много оригинальных произведений. Часто их создавали лучшие композиторы своего времени.

Репертуар

XIX век подарил русскому театру много ярких спектаклей по пьесам А.С.Пушкин, Н.В. Гоголь, М.Е. Салтыков-Щедрин, А.Н. Островского. Они по-прежнему популярны как в классической, так и в новой интерпретации, поскольку темы, поднимаемые в этих постановках, по-прежнему актуальны: конфликт между мошенничеством и благородством, ложным и подлинным, и, конечно, Россией и ее особым колоритом.

Оперная сцена также значительно обогатилась в XIX веке. В тот период М.И. Глинка, М. Мусоргский сочинял исторические оперы, а Н.А.Римский-Корсаков — оперы по сказкам.Оперы П.И. Чайковского, многие из которых созданы на сюжеты из русской литературы («Евгений Онегин», «Пиковая дама»), действительно гениальны.

Начало ХХ века стало для русского театра временем экспериментов. На арену вышла «Новая драма». Он был сфокусирован не на закрученном сюжете, а на индивидуумах и их внутреннем мире, в который актер должен проникнуть на психофизическом уровне по методу Станиславского. Яркий образец «новой русской драмы» — пьесы А.П. Чехов. Большой популярностью пользовались спектакли на социальные темы, рассказывающие о проблемах разных слоев общества. Об этом почти все пьесы М. Горького.

Тогда же появилась профессия театрального режиссера. С тех пор его «присутствие» в спектакле было как минимум равным или даже более важным, чем присутствие драматурга. Режиссер без труда интерпретировал спектакль, сделал действие вполне условным, наполнив его самыми невероятными метафорами.Эта тенденция все еще актуальна.

В Советском Союзе театр строго контролировался государством. Основным направлением был «соцреализм», а героями пьес были простые советские люди и их моральные идеалы: честность, стремление к общему счастью, скромность. После распада Советского Союза многие хорошие спектакли были незаслуженно забыты из-за их «советской» тематики, но постепенно замечательные пьесы А.Н. Арбузов, В. Розов, Л. Зорин, А.В. Вампилов вернулся на сцену.Их пьесы стоит посетить, чтобы понять, что думали и чувствовали советские люди. Что касается оперы, то лучшие произведения созданы композиторами С.С. Прокофьевым, Д.С.Шостаковичем, Т.Н. Хренников, И. Дзержинского.

Позднесоветская эпоха с ее политическим размораживанием и последующей стагнацией стала колыбелью новых тенденций. Сюжет стал еще более психологическим и тематическим. Музыкальная составляющая спектаклей обрела новое значение, и на сцене появился новый для России жанр рок-оперы.Один из лучших спектаклей — «Юнона» и «Авось» в московском театре «Ленком» — спектакль идет до сих пор, и все билеты всегда распроданы. В те годы на сцене появилась плеяда талантливых актеров, многие из которых теперь руководят собственными театрами.

После распада СССР театры пережили тяжелые времена. Отсутствие запретов открывало путь не только талантливым людям, но и тем, кто ищет легкой популярности из-за позорного поведения. Однако несколько направлений постепенно выкристаллизовались из Хаоса.Некоторые театры развивают классические тенденции (Большой драматический театр им. Г.А. Товстоногова в Санкт-Петербурге), некоторые ищут новые формы (Театр Глобус в Новосибирске), а некоторые пытаются показать напряжение современной жизни в документальной форме (Театр. Док в Москве). или юмористические («Квартет I» в Москве) спектакли. И практически все театры стараются сочетать проверенные временем старые пьесы (или постановку классики) с современными произведениями современных драматургов. В начале 2000-х жанр мюзикла пришел в Россию и быстро стал очень популярным.Что касается современной оперы, то она все еще находится в поисках собственной идентичности.

Любимые актеры

На театральной сцене России много молодых и уже пользующихся заслуженной популярностью актеров. Большинство из них параллельно с работой в театре снимаются в кино, что приносит дополнительную популярность (но делает их график нечеловеческим). Однако «многозадачные» актеры не оставляют попыток все успеть.

Глубокое погружение в образ, искренность «до озноба и лихорадки», умение не только продолжать старые традиции мастерства, но и сохранять прочную связь с современностью — отличительные черты многих российских актеров.В некоторых театрах представители советского времени, несмотря на преклонный возраст, все еще выходят на сцену, и публика начинает им аплодировать, как только они появляются на сцене.

Лучшие актеры и актрисы: Евгений Миронов, Нелли Уварова, Чулпан Хаматова, Константин Хабенский, Ирина Пегова, Виктор Сухоруков, Михаил Пореченков, Полина Кутепова, Полина Агуреева, Александр Лазарев младший, Мария Ароновацкая, Ксения Раппоарская, Ксения Раппоарская. .Из «старой гвардии»: Константин Райкин, Алиса Фрейндлих, Сергей Юрский, Валентин Гафт, Василий Лановой.

Оперные певцы: Дмитрий Жворостовский, Анна Нетребко, Хибла Герзмава, Ольга Бородина, Олег Видеман, Надежда Кучер.

Популярные театры

Москва и Санкт-Петербург всегда были признанными флагманами драматического искусства, однако в последние годы в провинциальных городах, особенно на Урале и в Сибири, появились очень мощные театры.В Москве традиционно высокие рейтинги удерживают «Современник», «Ленком», Российский академический молодежный театр, МХАТ им. А.П. Чехова, Московский театр О. Табакова, «Сатирикон», «Школа современной пьесы». В Санкт-Петербурге наиболее популярны театры Г.А. Товстоногова, Академический театр им. Ленсовета, Малый драматический театр — театр Европы, Александринский театр. В Новосибирске самые выдающиеся театры — Глобус и Красный Факел, в Перми — Театр-Театр и У Моста.Несомненно, заслуживает внимания драматический театр им. Ф. Волкова в Ярославле.

Лучшие оперные спектакли проходят в Мариинском театре в Санкт-Петербурге, Большом театре и Московском академическом музыкальном театре имени Немировича-Данченко в Москве. Также стоит послушать оперные спектакли в театрах Перми, Казани, Екатеринбурга, Новосибирска.

.

Театр | здание | Britannica

Визуальные и пространственные аспекты

На начальном этапе развития театра в Древней Греции, когда поэт Феспис, которому приписывают как изобретатель трагедии, так и то, что он был первым актером, приехал в Афины в 534 г. до н.э. со своей труппой на повозках, спектакли давались на агоре ( т. Е. рынок), с деревянными стойками для сидения публики; в 498 году трибуны обрушились и погибли несколько зрителей. Подробные литературные отчеты о театре и декорациях в Древней Греции можно найти в De architecture libri decem римского писателя I века до н.э. Витрувия и в Onomasticon 2 века нашей эры, написанном греческим ученым Юлием. Поллукс.Однако, поскольку эти трактаты появились через несколько сотен лет после классического театра, точность их описания вызывает сомнения.

Britannica Premium: удовлетворение растущих потребностей искателей знаний. Получите 30% подписки сегодня. Подпишись сейчас

Немногое сохранилось от театров, в которых ставились самые ранние пьесы, но основные детали были восстановлены на основе архитектурных свидетельств Театра Диониса в Афинах, который несколько раз перестраивался с момента его строительства в камне политиком Ликургом на юге. склон Акрополя около 330 г. до н. э.Центром театра было оригинальное танцевальное место, плоское круглое пространство, в котором находился алтарь Диониса, называемый оркестром. В центре стояла площадка со ступенями ( bemata ), ведущими к алтарю (тимел). Рядом находился храм, из которого святой образ выносили в праздничные дни, чтобы бог мог присутствовать на спектаклях.

Театральные представления, еще не полностью свободные от религиозного элемента, обращали свое внимание на всю общину, и посещение было практически обязательным.Таким образом, первой задачей театральных строителей того времени было обеспечить достаточно места для больших аудиторий. Вначале вход был бесплатным; позже, когда ввели плату, малоимущим гражданам давали вступительные деньги. Судя по размеру театров, кажется разумным предположить, что актеры выступали на приподнятой платформе (вероятно, называемой logeion , или «место для выступления»), чтобы быть более заметными и слышными, в то время как хор оставался на возвышении. оркестр. Позже здесь была высокая сцена с мраморным фризом внизу и небольшая лестница наверх от оркестра.У большого эллинистического театра в Эпидавре было то, что, как считается, было высокой двухэтажной сценой.

Самые ранние постановки не имели фонового здания. Актеры были одеты в skēnē (от которого произошло слово «сцена»), который тогда был небольшой палаткой, и хор и актеры вошли вместе из главного входа, parodos . Самые ранние постройки, такие как алтари и скалы, можно было установить на краю террасы. Первой дошедшей до нас дорамой, для которой было необходимо большое здание, была трилогия Эсхила « Орестея », впервые созданная в 458 году до нашей эры.Историки разошлись во мнениях относительно того, был ли skēnē установлен внутри оркестра или за его пределами. skēnē в своем более позднем развитии, вероятно, представлял собой длинное простое здание слева от террасы оркестра.

В первый период греческой драмы основным элементом спектакля был хор, размер которого, по-видимому, значительно варьировался. В « Suppliants » Эсхила было 50 членов хора, но в других его пьесах их было только 12, и Софокл призвал к участию 15.Размер хора уменьшился в V веке, так как ритуальный элемент драмы уменьшился. Поскольку количество актеров увеличивалось по мере уменьшения хора, а сюжеты драмы усложнялись, возникла необходимость в дублировании ролей. На полностью открытой сцене такие замены откладывались, и саспенс драмы рассеялся. Драматическая правдоподобность была также подорвана тем фактом, что боги и смертные, враги и друзья всегда входили с одного и того же направления. Добавление живописного фасада с тремя дверями увеличило количество входов более чем вдвое и дало драматургу больше свободы для развития драматического напряжения.Около 425 г. до н.э. было заложено прочное каменное основание для сложного здания, называемого стоа, состоящего из длинной передней стены, прерываемой по бокам выступающими крыльями, или paraskēnia . Зрители сидели на деревянных скамейках, расположенных веерообразно, разделенными расходящимися проходами. Верхние ряды представляли собой скамейки из подвижных досок, поддерживаемые отдельными камнями, заложенными в землю. Почетные места представляли собой каменные плиты с надписями, приписывающими их священникам.

Фоновое украшение первоначально представляло собой временный деревянный каркас, прислоненный к передней стене беседки и закрытый подвижными ширмами.Эти ширмы были сделаны из высушенных шкур животных, окрашенных в красный цвет; только до Эсхила холсты в деревянных рамах были украшены в соответствии с потребностями конкретной пьесы. Аристотель приписывает Софоклу изобретение живописи сцены, нововведение, которое другие приписывают Эсхилу. Примечательно, что Эсхил проявлял интерес к постановке, и ему приписывают классический дизайн костюмов. Простой греческий пейзаж был сопоставим с пейзажем 20 века; импульс визуализировать и конкретизировать фон действия стал сильным.Расписные декорации, вероятно, впервые были использованы при производстве Oresteia ; Примерно через 50 лет к деревянной конструкции сцены был добавлен второй этаж. Перед нижним этажом здания была установлена ​​деревянная колоннада, или портик, proskēnion . Эта длинная и низкая колоннада напоминала внешний вид дома, дворца или храма. Раскрашенные ширмы, установленные между колоннами proskēnion , подсказывали место действия.

Вначале декорации, вероятно, были немного изменены во время антрактов, разделяющих пьесы трилогии или тетралоги, или в ночное время между двумя фестивальными днями.Ко второй половине V века смена сцен происходила с помощью подвижных расписных ширм. Несколько таких экранов можно было поставить друг за другом так, чтобы при снятии первого появлялся следующий.

Вскоре после введения фасада пьесы единообразно ставились перед храмом или дворцом. Чтобы обозначить смену обстановки, были представлены периактои . Это были вертикальные трехсторонние призмы — каждая сторона окрашена для обозначения разных мест — установленные заподлицо со стеной дворца или храма по обе стороны сцены.В отношении пейзажа соблюдались некоторые условности; Во-первых, если повернуть только правый periaktos , это укажет на другую местность в том же городе. Согласно другому соглашению, субъекты, входящие справа, считались выходящими из города или гавани, а акторы слева — из сельской местности.

Несъемный фасад также использовался, чтобы скрыть сценические свойства и оборудование. Доказательства использования так называемого летательного аппарата, mēchanē (лат. machina ), в V веке приводятся в комедиях Аристофана; герой пьесы « Мир » возносится на небо на навозном жуке и обращается к перевертышу сцены, чтобы тот не упал. mēchanē состоял из вышки и крана. Во времена Еврипида он традиционно использовался в эпилоге, когда бог спустился с небес, чтобы разобраться в сложностях сюжета, условность, которая стала известна как deus ex machina («бог из машины»). Об огромном использовании летательных аппаратов свидетельствует поэт Антифан, писавший, что трагические драматурги поднимали машину так же легко, как подняли палец, когда им больше нечего было сказать.

Колесная платформа или повозка, называемая ekkyklēma , использовалась для демонстрации результатов закулисных действий, таких как тела жертв убийств. ekkyklēma , как и periaktoi , была приемом для театра под открытым небом, в котором возможности создания реалистичных иллюзий были сильно ограничены. Невозможно было показать реалистичную картину интерьера под крышей, потому что крыша закрывала бы обзор тем, кто находился на более высоких ярусах аудитории. Так, например, греки для изображения внутреннего убранства дворца выкатили трон на круглый или квадратный подиум. Новые машины были добавлены в эллинистический период, к тому времени театр почти полностью потерял свою религиозную основу.Среди этих новых машин были hemikyklion , полукруг холста, изображающий далекий город, и stropheion , вращающаяся машина, использовавшаяся для изображения героев на небесах или сражений на море.

Ховард Бэй Клайв Баркер Джордж К. Изенур.

Зимний дворец | дворец, Санкт-Петербург, Россия

Зимний дворец , бывшая царская резиденция русских царей в Санкт-Петербурге, на реке Неве. Несколько различных дворцов были построены в 18 веке, четвертая и последняя версия была построена в 1754–1762 годах архитектором в стиле барокко Бартоломео Франческо Растрелли; он был восстановлен после пожара в 1837 году, хотя разрушенный интерьер был в значительной степени переработан. Сейчас дворец является частью Эрмитажа.

ул.Петербург: Эрмитаж и Александровская колонна Зимний дворец (слева) и Новый Эрмитаж (справа; обе части Эрмитажа) с Александровской колонной в Санкт-Петербурге. Деннис Джарвис (CC-BY-2.0) (Партнер издательства Britannica)

Первый Зимний дворец был построен в 1708 году для Петра I. Три года спустя небольшое деревянное здание было заменено каменным дворцом. В начале 1730-х годов императрица Анна поручила Бартоломео Франческо Растрелли спроектировать большую резиденцию, и она была закончена в 1735 году.Впоследствии Елизавета потребовала ремонта, чтобы создать дворец несравненной роскоши, и Растрелли в конечном итоге спроектировал новое здание, которое должно было стать шедевром архитектуры русского барокко. Работы начались в 1754 году, в строительстве 460-комнатного сооружения было задействовано более 4000 человек. Построенный в 1762 году четвертый Зимний дворец прославился своей элегантностью и роскошью. Трехэтажное здание было построено вокруг четырехугольника, и, хотя каждый из четырех фасадов был уникальным, все они имели белые колонны на песочно-розовом фоне с золотой лепниной.176 скульптурных фигур, обрамляющих крышу, добавляли дворцу поразительный вид. После того, как Екатерина II вступила на престол в 1762 году, она уволила Растрелли и заменила большую часть интерьера в стиле барокко на неоклассический дизайн. В 1837 году внутреннее убранство здания было разрушено пожаром, а четыре года спустя реставрационные работы были завершены. Хотя неоклассический облик был сохранен, было представлено много новых дизайнов; однако слегка поврежденный экстерьер был восстановлен по плану Растрелли.На протяжении многих лет нынешний дворец был окрашен в разные цвета, поэтому его внешний вид в основном зеленый и белый.

  • Санкт-Петербург: Эрмитаж Зимний дворец (слева) и Новый Эрмитаж (справа), части Эрмитажа, Санкт-Петербург. © Рон Гейтпейн (издательский партнер «Британика»)
  • Санкт-Петербург: Эрмитаж Эрмитаж, музейный комплекс на Неве, Санкт-Петербург. Слева направо: Эрмитажный театр (зеленое здание), Старый Эрмитаж, Малый Эрмитаж и Зимний дворец. © Рон Гейтпейн (издательский партнер Britannica)

После свержения Николая II во время русской революции 1917 года Зимний дворец стал музеем.

.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован.