Стиль картин: Період реєстрації доменного імені zhivopis-maslom.com закінчився 15.09.2021 р.

Содержание

Определяем стиль живописи: импрессионизм, абстракционизм, авангардизм, экспрессионизм

Дата публикации: 10.01.2017

Настоящий профессионал, взглянув на картину художника, сможет понять: в каком стиле она написана. Такие знания необходимы и начинающим мастерам, чтобы оценить по достоинству настоящие шедевры.

Живопись многогранна и представлена множеством уникальных течений:

Импрессионизм

Импрессионизм – направление, которое характеризуется наличием ярких деталей в изображении, в основном – событий, становящихся центральным объектом картины. Зародилось течение во Франции в сер. XIX века. В основном импрессионисты тяготели к изображению реальности, однако, особенным способом. Цвета использовались часто контрастные, для того чтобы подчеркнуть особенность темы. На холсте словно застывало время и какой-либо приятный момент, который вдохновляет на положительные мысли. Представителями импрессионизма являются К. Моне, О. Ренуар, Б. Моризо, Э. Мане и др.

Стиль в деталях:

  1. Основа направления – настроение, которое чувствует художник.
  2. Предметом картин данного течения становились пейзажи и люди.
  3. Все события на картине обязательно изображались в движении, предпочтение отдавалось городской жизни: отдыхе в кафе, театре, саду и др.
  4. «Завтрак гребцов». – О. Ренуар

  5. Картины писались исключительно с натуры.
  6. На холстах были изображены ежедневные радости или мини-праздники, отсутствовали острые социальные или политические проблемы.
  7. Живопись с эффектом мерцания красок, благодаря утонченной передаче элементов при помощи мазков кисти.
  8. Использование тончайших оттенков одного цвета для создания глубины и контраста в картине.

Абстракционизм

Абстракционизм – арт-стиль с ярко выраженным острым противоречием логике. Полная противоположность законам классического изобразительного искусства. В данном направлении главное – свобода выражения, никаких пропорций, реальных предметов. В стиле преобладало хаотическое изображение мыслей. На первый взгляд данный стиль может показаться весьма нелогичным, однако его представители старались восстановить внутреннюю гармонию путем полного игнорирования догматов и норм.

Впервые абстракционизм стал популярным в нач. ХХ века, благодаря таким художникам: К. Малевич, Р. Делоне, В. Кандинский, Ф. Купка и др.

Стиль в деталях:

  1. В основе изображения – уникальное сочетание различных геометрических форм и контрастных цветов.
  2. Основная цель картины в стиле абстракционизм – вдохновить созерцателя на ассоциативный ряд, именно поэтому у разных людей, которые рассматривают изображения, могут возникать абсолютно разные впечатления и образы.
  3. Для живописи данного течения характерны две крайности: строгие геометрические линии с четкими контурами или, наоборот, формы, плавно перетекающие из одной конфигурации в другую.
  4. «Эйфелева Башня» — Р. Делоне

  5. Абстракционизм считается основным стилем, внутри течения существует еще различные направления: кубизм, неопластицизм, лучизм и др.

Авангардизм

Авангардизм – понятие, которое обобщает и группирует множество течений в европейском искусстве, активно возникающих на рубеже XIX и XX веков. Основной идеей данного направления стало тяготение к полной «перезагрузке» или обновлению живописи. Авангардизм – это протест всем техникам, которые существовали до возникновения данного течения. Представителями стиля стали: К. Малевич, А. Экстер, В. Кандинский и др.

«Черный квадрат» — К. Малевич

Стиль в деталях:

  1. В авангардных картинах остро чувствуется протест предыдущим канонам и традициям, на смену которым пришли новые способы художественного выражения.
  2. Представители авангарда используют многочисленные темы в живописи. Одни – пишут картины, создавая элитарное искусство, другие, наоборот, стараются поднять острые социальные, а также политические темы. Также в направлении есть примеры бессюжетной живописи.
  3. Авангардизм – это эксперимент, поэтому часто разные виды искусства старались соединить воедино. К примеру, музыку и живопись, так как понять ее не возможно без определенной мелодии. Также некоторые картины на выставках и закрытых собраниях презентовались особенным образом: с поэтическим сопровождением. Это все характеризует авангардизм, как безграничное искусство, в котором нет места рамкам.

Экспрессионизм

Экспрессионизм – направление, в основе которого сосредоточение выражения эмоций художника при помощи рисунка. Возникло течение в нач. ХХ века в Австрии и Германии. В стиле ярко проявлялось тяготение авторов к иррациональности. Живопись стала в это время своего рода протестом хаосу, который царил в реальности. Зачастую изображались такие драматические эмоции, как страх, тревога, ужас, боль, разочарование и др. К представителям течения относятся: Винсент ван Гог, Э. Мунк, О. Кокошка, Д. Энсор, Э. Шиле и др.

«Звездная ночь» — Винсент ван Гог

Стиль в деталях:

  1. В картинах изображена обостренная эмоциональность, связанная с фатальным разочарованием в окружающем мире.
  2. В некоторых полотнах присутствует фантастический гротеск.
  3. Популярные приемы художников экспрессионистов: упрощение реальности, смещение форм, преувеличение пропорций, четкие контуры, использование огненных красок (преобладают красный, оранжевый, желтый цвет).
  4. Внимание к психологизму, внутреннему состоянию души определенного человека: его субъективной борьбы и переживаний.
  5. Эмоции изображаются максимально «открыто», как будто бы на картине представлена сама душа человека, без «украшений» и изысков.
  6. На полотнах некоторых художников можно увидеть резкие мазки, дисгармоничные формы (австрийские экспрессионисты).
  7. Акцент на мимике и жестах (если присутствуют люди), а также гротеск в изображении окружающего мира.
comments powered by HyperComments

Адские картины Эдварда Мунка | Культура и стиль жизни в Германии и Европе | DW

Он позволил себе то, на что до него мало кто решался: показывать не то, что видишь снаружи, а то, что видишь внутри. Он не боялся обвинений в схематичности и не любил «красивых» картин. Он изображал людей, отпечатывая на холстах не столько их внешний, сколько их внутренний мир.

Эдвард Мунк

12 декабря 1863 года в маленьком норвежском Лётене родился большой художник, а вместе с ним – новая живопись и новые принципы создания произведений искусства, взорвавшие имевшиеся до той поры представления.

Эдвард Мунк (Edvard Munch) навсегда вошел в историю как тот мрачный норвежец, который написал «Крик», как художник, страдавший затяжными депрессияами, все творчество которого постоянно сопровождали темы страха и смерти.

Кажется, что его история слишком грустна, чтобы добровольно посвятить ей пару минут или часов. Но ведь никто другой после Мунка столь красиво и размашисто – на несколько метров полотна! – так больше и не нарисовал солнце. Трудно найти другого такого художника, работы которого оказывали бы столь сильное эмоциональное воздействие на созерцателя: от животного ужаса – до радостного восхищения.

Психология

Когда Эдварду было пять лет, от чахотки умерла его мать. Еще через несколько лет от той же болезни «сгорела» его старшая сестра Софи. Он так никогда и не оправился от этих потерь, а тема ухода из жизни и прощания с умирающим стала одной из главных в творчестве художника. Картиной, которая принесла ему широкую известность, стало полотно «Больная девочка», написанное в 1886 году и основанное на воспоминаниях о смерти сестры.

»Солнце», 1910-1913 гг.

Ему не интересно было писать картины, которые просто украсят стены в чьем-то доме или в каком-то музее. «Я не верю в искусство, созданное не по зову сердца. Мои картины – это мой дневник. Я все это пережил сам. Искусство дало смысл моей жизни. Я верю в картины, написанные кровью сердца», — пояснял Эдвард Мунк.

Берлин

»Девушки на мосту», 1927 г.

Он учился в Норвегии и Франции, путешествовал по Италии, знакомясь с работами признанных мастеров. А знаменитым и весьма скандальным по тем временам сделала Мунка выставка его картин в Берлине в 1892 году. Художнику на тот момент было 29 лет. Объединение берлинских художников посчитало его работы «безобразными» и закрыло выставку. Желая притормозить новое, консерваторы добились противоположного эффекта. Восхищаться картинами Мунка стало делом прогрессивным и даже модным.

Назревавший конфликт между приверженцами традиций и художниками нового поколения достиг своего апогея. Они разделились на два враждебных лагеря: реакционный и революционный. А в 1898 году был создан Берлинский сецессион, президентом которого стал Макс Либерман (Max Liebermann). В это объединение вошли самые известные художники той поры. Был среди них и Эдвард Мунк.

В 1890-х он начал работать над циклом картин под общим названием «Фриз жизни: поэма о любви, жизни и смерти», задуманным им с целью отобразить все основные, по его мнению, аспекты человеческого бытия: «Рождение любви», «Расцвет и закат любви», «Страх жизни» и «Смерть». Одной из картин, вошедших в этот монументальный цикл, стал знаменитый «Крик».

»Крик»

«Крик»

Первый вариант картины был написан Мунком в 1893 году. И именно этот момент многие теоретики и практики от искусства склонны считать первой вехой в истории современной живописи. Бесполое изогнутое существо на фоне закатного пейзажа в кроваво-красных тонах стало символом экспрессионизма. Лица нет. Есть только эмоция, переданная парой штрихов. Такого в мировой живописи еще не было.

По степени известности мотива «Крик» можно сравнить разве что с «Джокондой» да Винчи. Его так же «растащили» на майки, брелоки и комиксы. Есть даже чипсы в виде кричащей головы, а уж цитат, то и дело всплывающих в фильмах ужасов, не перечесть. Образ «продается» и «покупается» до сих пор. Толпы поклонников готовы часами отстоять в очереди в выставочный зал, чтобы один раз увидеть «Крик» живьем. В 2012 году вариант картины, написанный в 1895 году, был продан на аукционе почти за 120 миллионов долларов: «Крик» вошел в десятку самых дорогих полотен всех времен.

Болезнь и творчество

К концу первого десятилетия XX века Эдвард Мунк понял, что в одиночку справиться с психологическими проблемами ему не удастся, а алкоголь – плохой помощник. Художник отправился на лечение в клинику. Врачи поставили Мунку неутешительный диагноз: маниакально-депрессивный психоз. Болезнь сопровождала его и после интенсивного лечения, но художника это уже не пугало. Он научился делить с болезнью жизнь: «Я не хочу отказыватья от моей болезни, потому что мое творчество многим ей обязано».

«Моим творчеством я попытался понять и объяснить жизнь и ее назначение. В то же время я хотел помочь другим научиться разбираться в своей жизни, — писал Эдвард Мунк. — Я не пишу с натуры. Я черпаю идеи в самом себе… Фотоаппарат не сможет конкурировать с кистью и палитрой до тех пор, пока его нельзя будет использовать для съемки в аду или на небесах».

Где посмотреть

В Осло находится открытый в 1963 году Музей Мунка, где, в частности, можно ознакомиться с его «невыездными» работами гигантских размеров, здесь же можно увидеть вырианты «Крика» и «Мадонны». В Германии, где художник долго и плодотворно трудился, до 1933 года было много его картин, но после того, как нацисты признали творчество Мунка «дегенаративным», многие полотна были распроданы и вывезены в другие страны.

В данный момент выставки работ Эдварда Мунка, приуроченные к 150-летию со дня его рождения, проходят по всей Европе, в частности, в цюрихском Художественном музее (до 12 января 2014 года), во Дворце дожей в Генуе (до 27 апреля 2014 года), в Музее Шпренгеля в Ганновере (до 26 января 2014 года). Также небольшая выставка под открытым небом, посвященная жизни и творчеству Эдварда Мунка, проходит в центре Берлина — на Потсдамской площади (до 26 декабря 2013 года).

Картины стиля модерн в технике «жикле» представят в городе

Выставка объединяет работы четырех знаменитых художников-модернистов, каждый из которых велик или даже гениален в своем творчестве: Густав Климт, Анри де Тулуз-Лотрек и Альфонс Муха, Эгон Шиле.
 
Густав Климт – австрийский живописец, график и декоратор. Его имя, как правило и ассоциируется со стилем модерн. «Поцелуй» — самая известная и очень характерная картина художника, которая к тому же дала название выставке.

Анри де Тулуз-Лотрек — наиболее известный мастер Ар Нуво (название модерна) во Франции. Плакаты Анри де Тулуз Лотрека отлично делали то, для чего и предназначались — рекламировали лоск парижского полусвета, алкоголь, порок и канкан. Именно плакаты принесли художнику желанную известность.

Альфонс Муха, которого еще при его жизни нарекали гениальным художником, сейчас называли бы скорее гениальным дизайнером. Ведь справедливости ради стоит сказать, что его живописные картины, в том числе и знаменитая серия «Славянская эпопея» и близко не были такими популярными, как тиражируемые образы романтических красавиц с афиш и этикеток.

Эгон Шиле – австрийский живописец и график, один из ярчайших представителей австрийского экспрессионизма. Основной темой творчества стало человеческое тело. Он пересмотрел взгляды академической живописи, в которых тело выступало в качестве объекта для созерцания. За свою жизнь, длившуюся всего 28 лет, Эгон Шиле написал и нарисовал больше автопортретов, чем все известные в истории искусств художники до него. Он часто изображал себя гротескно, иногда со следами распада. Искусствоведы сравнивают его работы с портретом Дориана Грея.

На выставке будут представлены 80 репродукций картин в технике жикле, постеров и рисунков художников, снабженных описанием сюжетов и историей создания каждой картины. Для гостей будут действовать экскурсии. На память можно приобрести сувенирную продукцию.

Техника «жикле» позволяет полностью воссоздать бессмертные шедевры на натуральном холсте, воспроизвести все нюансы цвета и светотени, передать характер и фактуру мазка. Сохраняется даже такие уникальные особенности как кракелюры или выпавшие из кисти волоски. Таким образом, цифровая художественная репродукция – не имитация, а точное, факсимильное воспроизведение подлинника.

Время работы выставки:
С 28 января по 24 апреля  2020 года с 9-00 до 21-00 каждый день.

Контакты:
Санкт-Петербург, Лиговский проспект 74. Метро Лиговский проспект. Лофт проект Этажи 5 этаж.

Сайт выставки:
vystavki-spb.ru

Стиль авангарда в живописи | Русские художники. Биография, картины, описание картин

Авангард (фр. avant-garde — передовой отряд), — обобщающее название течений в мировом искусстве, возникших на рубеже XIX и ХХ столетий.

Первоначально слово авангард имело военный смысл, позже стало носить политический характер, а в 1825 году, в статье «Художник, ученый и рабочий» Анри Сен-Симона (основателя школы утопического социализма), в союзе художников обрело художественное значение. В этом его значении художник должен был с помощью силы искусства и воображения пропагандировать передовые идеи общества. «Это мы, художники, будем служить вам авангардом». Так, в то время художник выполнял политическую миссию. Политический радикализм был свойственен авангарду вплоть до 1930-х годов.

Свое современное значение авангардизм приобрел в смутную эпоху начала XX столетия. Картины, написанные в стиле авангарда, не признавали общественные ценности и отражали радикальные перемены в общепризнанном искусстве живописи.

Русский авангард развивался с 1907-1914 годов, став плацдармом новаторских течений в живописи. Авангардизм возник в противовес академизму, из-за которого приостановилось на долгие времена развитие живописи. Идеей нового искусства отрицались художественные ценности, передаваемые из поколения в поколение, его роль – разрушение и созидание, его идея – революция форм и цвета. Модернизм в истории изобразительного искусства не что иное как одна из форм авангарда. На разных этапах развития истории живописи авангард носил такие названия как: «свежее искусство», «футуризм», «кубофутуризм», «левое искусство». В ХХ веке авангардизм объединяет различные течения в изобразительном искусстве, которым присущи новые веяния, необычность форм и стилей.

Авангард – новаторское искусство, которое постоянно в движении, в погоне за новым, где разрушаются границы между стилями и жанрами, рушатся общепринятые рамки и устои. Благодаря чему происходило обогащение живописи, появлялись новые стили и жанры. Художниками-авангардистами создано множество неординарных произведений живописи, внесены новые ценности в историю искусства.

Картины в стиле авангарда необычного колорита, образы предметов теряют свое реалистическое исполнение в хаотически разбросанных линиях, дерзких мазках художника. Авангард имеет немало поклонников, видящих в картинах чувственность и эмоции.

Картины и постеры в интерьере гостиной в этническом стиле, +20 фото идей

Картины и постеры прекрасно вписываются в концепцию этнического стиля интерьера гостиной. Гармонично подобранные произведения подчёркивают индивидуальность интерьера, добавляют ярких акцентов на стене и создают нужную атмосферу. Не должно возникнуть сложностей с выбором картин и постеров для интерьера гостиной в этно стиле, однако, как и для любого другого, стоит учитывать некоторые особенности, которые помогут правильно подобрать произведение на стену.

Серия абстрактных картин в гостиной-кухне в этническом стиле

Репродукции абстрактных этнических картин в стиле цифровой графики современного художника отлично дополняют интерьер зоны отдыха на кухне. Они оформлены в тёмные рамы, которые прекрасно подходят по стилю и цветовой гамме.

Ссылка на постеры в этом интерьере:

Нельзя сказать, что этнический стиль интерьера гостиной пользуется бешеной популярностью. Но, тем не менее, многие используют его для создания колоритного уголка у себя в доме или квартире. Этнический стиль отражает колоритные особенности народностей или каких-то определённых регионов и стран мира.

Постеры с буддой и мантрой и гравюра с орнаментом в гостиной в индийском стиле

Гостиная в индийском стиле украшена подходящими к нему постерами с колоритными иллюстрациями. Для постеров выбрано гармоничное размещение – на стене и на деревянных стеллажах.

Ссылка на постеры в этом интерьере:

Этнический стиль любим по большей части людьми, которые много путешествуют. Каждый раз, посещая понравившуюся страну, хочется привезти её частичку с собой. А находясь дома, вновь окунуться в полюбившуюся атмосферу. Именно тогда на выручку и приходит этнический стиль интерьера.

Серия гравюр с египетскими узорами в гостиной в восточном стиле

Уютная гостиная с колоритным стилем интерьера украшена несколькими постерами-гравюрами с изображением узоров старой египетской плитки. Оригинальные полотна идеально подходят к стилю интерьера и сочетаются в другими декоративными украшениями.

Ссылка на постеры в этом интерьере:

Для гостиной такой стиль подходит лучше всего. Ведь это комната, предназначенная для отдыха после долгого дня в компании с родными, друзьями, близкими людьми или наедине с самим собой и своими увлечениями. Поэтому так важно сделать дизайн гостиной интересным, оригинальным, но при этом комфортным и приятным. А всего этого можно добиться, используя этнический стиль для интерьера гостиной.

Репродукции картин Айвазовского в гостиной в восточном стиле

Интерьер гостиной с арками украшают несколько репродукций картин Ивана Айвазовского на восточную тематику. Картины в тонких тёмных рамах безупречно дополняют интерьер.

Ссылка на постеры в этом интерьере:

Наиболее популярными этническими стилями, которые используют для оформления гостиной, являются:

  • Африканский;
  • Восточный;
  • Азиатский;
  • Индийский;
  • Египетский и др.

Три этнических картины в гостиной в африканском стиле

Просторная гостиная украшена репродукциями оригинальных картин современного художника Перрина Оглафа в этническом стиле. Произведения автора в тёмных рамах идеально подходят к африканскому стилю интерьера.

Ссылка на постеры в этом интерьере:

Создание этнического интерьера в гостиной требует знаний о культуре выбранной страны или народности, интерьер жилища которой воссоздаётся в помещении. Стоит выбрать не только схожую мебель, но и подходящую отделку помещения, материалы и декоративные украшения.

Две картины в гостиной в этническом стиле с камином

Над камином в интерьере небольшой гостиной гармонично смотрятся репродукции картин современного художника Ортиза Оскара. Золотистые рамы и бежевое паспарту – прекрасный вариант оформления холстов.

Ссылка на постеры в этом интерьере:

Иногда дизайнеры используют смешанный этнический стиль, когда в помещении используются элементы сразу нескольких культурных мотивов народов и стран. Интерьер от этого только выигрывает. Он смотрится необычно, а при грамотном подходе, достаточно органично.

Два портрета в рамах с паспарту в гостиной в восточном стиле

Яркий интерьер уютной гостиной с нотками востока дополняют репродукции картин современного художника Мухерера Кааария. Картины в тёмных рамах и с белым паспарту прекрасно смотрятся не на стене, а стоя на небольшом деревянном столике у стены.

Ссылка на постеры в этом интерьере:

Практически все этнические направления оформления интерьера подразумевают использование только натуральных материалов. Это касается всего — и материалов отделки помещения, и материалов, из которых изготовлена мебель и декоративные украшения.

Картина с ариканцами в этнической гостиной со скульптурой слона

Репродукция колоритной картины современного художника Бэкфорда Икала с портретом отца и сына прекрасно смотрится в интерьере гостиной в этническом стиле. Тёмная рама как нельзя лучше подходит для оформления холста.

Ссылка на постеры в этом интерьере:

И вот как раз декоративные украшения интерьера гостиной являются практически самой главной составляющей этнического стиля. Ведь что ещё может так хорошо передать культуру народов, если ни характерный декор. В интерьере может быть использован разнообразный колоритный декор, который отлично подчеркнёт стиль интерьера. А в качестве прекрасного дополнительного украшения комнаты, могут выступать картины и постеры.

Постер с силуэтами африканок в гостиной в африканском стиле с плетеной мебелью

Уютная гостиная с выходом на террасу украшена репродукцией картины современного художника в этническом стиле. Картина в широкой деревянной раме с колоритным сюжетом прекрасно сочетается с другими декоративными украшениями интерьера.

Ссылка на постеры в этом интерьере:

Постеры с самураем и горой Фудзи в гостиной в японском стиле с катанами

Два этнических постера в стиле цифровой графики с восточными мотивами отлично смотрятся в интерьере гостиной в японском стиле. Постеры обрамлены тёмными рамами и гармонично размещены на стене в интерьере.

Ссылка на постеры в этом интерьере:

Решившись на оформление интерьера гостиной в этническом стиле, стоит уделить должно внимание деталям. Именно поэтому выбор картин и постеров в гостиную в этно стиле – дело важное и щепетильное. Картина должна полностью соответствовать стилю интерьера и передавать колоритные особенности той или иной страны, или народности.

В интерьере гостиной в этническом стиле будут уместно смотреться:

  • Репродукции классических произведений;
  • Современные картины;
  • Фотографии;
  • Постеры-гравюры.

 

Для любого направления этно стиля можно найти подходящее произведение, которое будет смотреться гармонично и отлично подчеркнёт дизайн помещения.

Должное внимание стоит уделить тематике и сюжету картин и постеров. Они должны ассоциироваться с нужной страной, при этом быть интересными и колоритными. Например, в гостиной в африканском стиле, безусловно, будут отлично смотреться картины с животными Африки, фотографии коренных жителей или живописных африканских просторов. Красоту восточного колорита подчеркнут репродукции картин известных художников, посвятивших свои произведения Востоку. В индийском стиле уместно повесить на стену яркие постеры, отлично передающие культурные особенности Индии. Здесь же прекрасно будут смотреться картины на тему буддизма. Азиатский и японский стиль гостиной подчеркнут картины с типичными сюжетами – ветвями сакуры, самураями, пагодами, горой Фудзи и т.п.

Картины должны подходить к стилю интерьера, соответствовать цветовой гамме. В большую гостиную стоит выбрать и картину не маленького размера, чтобы она смотрелась гармонично. В маленькую же, наоборот, уместно повесить произведение среднего размера или создать композицию из маленьких полотен.

Выбирая рамы, паспарту и другие элементы оформления холста, стоит также учесть цветовую гамму, преобладающую в интерьере, и лучше всего отдать предпочтение натуральным материалам.

Варианты размещения картин и постеров в гостиной в этническом стиле могут быть самыми разными. Классический вариант – повесить на стену. Но иногда картины будут лучше смотреться на полу у стены или на специальных декоративных полочках на стене. А может быть дизайнеру захочется поставить картину на шкаф или какой-либо стеллаж. В этническом стиле можно проявить свою фантазию, главное – не выйти за рамки.

Как выбрать стиль картины?

Выбираете подарок, но не можете определиться, какой из множества стилей картин нужен именно вам? В этой статье разберемся к какому случаю какая картина подойдет больше всего.

Фотопечать на холсте в оригинале

Выбирайте этот вариант, если у Вас есть фото в хорошем качестве. Лучше всего, если это памятный снимок, который имеет большое значение для получателя или постановочная съемка, где изначально и без обработки все красиво — люди, фон, композиция.



Стилизация под масло

Этот вариант подходит на любой праздник. Компьютерная обработка фото профессиональным художником превратит заурядное фото в настоящую картину. Такой подарок можно дарить друзьям, родителям, любимому и даже начальнику или партнеру. Еще это «спасительный» вариант, когда у вас фото только плохого качества, а картину хочется далеко не маленького размера. С помощью отрисовки можно повысить качество снимка.

Гранж-портрет

Яркий и красочный портрет — отличный вариант для молодежи. Главное, подобрать гармонично цветовую гамму. Если это подарок — то обязательно подумайте, какой цвет впишется в интерьер получателя?

С помощью гранж-обработки из «безликого фото» можно создать отличную яркую и запоминающуюся картину. Этот стиль так же подходит для фото плохого качества.


Векторный портрет

Еще один беспроигрышный вариант для фото с незаурядным фоном и композицией. С помощью вектора делают портреты (не в полный рост), которые похожи на постеры. Такой вариант подойдет детям, подросткам, молодежи. Картина отлично впишется в современный интерьер. А вот в качестве подарка бабушке будет, скорее всего, не совсем уместна.

Портерт в образе

Если у вас нет хорошего фото человека, а все снимки общие и с непонятным фоном — то образ это ваш вариант. Здесь достаточно лишь лица, где хорошо видны черты лица. А образ подбираем по предпочтениям. Чаще всего девушек облачают в пышные платья, а мужчин в кителя или императорскую мантию. Смотрится такая картина весьма эффектно, а если еще и дополнить багетом…

Такой вариант подойдет в подарок как молодым людям (главное правильно подобрать образ), так и родителям, бабушкам и даже начальнику. Представьте, как будет смотреться портрет на троне в кабинете босса? Может и зарплату повысят после такого-то подарка 😉

Для тех, кто любит творчество. Этот портрет нужно будет нарисовать самим (и кстати это совсем не сложно). Отличный вариант для подарка на свадьбу, девишник, день рождения и другие праздники, где можно прямо на торжестве разукрашивать портрет дружной компанией.

Картины в знаменитом стиле Love Is подходят для подарка второй половинке. Например, когда хочется рассказать о чувствах. Или на годовщину свадьбы. А может быть, вы хотите сделать предложение? Напишите на картине «Любовь — это прожить всю жизнь вместе. Выходи за меня?» и счастью девушки не будет предела. Тот случай, когда самый трогательный момент в жизни останется не только в памяти, но и физически каждый день будет напоминать о себе.

Polaorid — вместо открытки и букета цветов. Напишите внизу маленькое поздравление и подарите такую картину на день рождения или свадьбу. Или так можно распечатывать отпускные фотографии и подписывать страну, в которой вы побывали и год. Создайте свою маленькую галерею.

Коллаж подходит тем, кто не может выбрать всего один снимок. Отличный вариант для подарка друзьям, чтобы собрать все воспоминания вместе, или родителям/бабушкам.

А какую картины выберете вы?

Стиль Модильяни: фото, биография и творчество художника Амедео Модильяни

Модильяни – хрестоматийный пример художника, чей богемный миф во многом сильнее художественной репутации. Действительно, если вы видели хотя бы один портрет кисти Модильяни, можно сказать, что вы видели их все. Ибо главным героем его картин был стиль – стиль Модильяни, эфемерная субстанция, на поиски и приручение которой Амедео положил самого себя и всех, кого любил. «Стиль больше, чем просто сокровенный смысл. Стиль – это способ выявить идею, отделить ее от индивидуума, который ее высказал, оставив открытой дорогу тому, что невозможно выразить», – взахлеб писал юный живописец своему другу и наставнику Оскару Гилье. И именно это болезненное выявление идеи самого себя было подоплекой беспрерывного нервного актерства, в которое добровольно превратил свою жизнь Модильяни.

Само его появление на свет было сценкой из комической итальянской оперы. Как раз в тот момент, когда мать художника Эугения корчилась в родовых муках, в семейное гнездо Модильяни нагрянули судебные приставы – изымать имущество за неуплату долгов. Но по итальянским законам кредиторы не имеют права прикасаться к постели роженицы – и Модильяни-старший со всей многочисленной родней принялись спешно прятать нехитрые пожитки под одеяло несчастной Эугении. Так эффектно – еще не родившись – Амедео спас свою семью от полного разорения. О своем призвании 14‑летний юнец тоже заявил весьма театрально: во время очередного приступа лихорадки – а к этому нежному возрасту Модильяни был уже состоявшимся хроником с плевритом, тифом и туберкулезом в больничной карте – в горячечном бреду Амедео заявил обожавшей его матери, что, прежде чем умереть, он должен увидеть шедевры старых мастеров в Палаццо Питти и Галерее Уффици.

Амедео Модильяни, критик Адольф Баслер (справа) и их приближенные в парижском Сafé du Dôme.

Артистический темперамент стал для Модильяни второй лазейкой в сияющий улей маргинального существования – первой была его национальность. Родители Амедео – бизнесмен-неудачник Фламинио Модильяни и учительница Эугения Гарсин – были евреями-сефардами, предки которых в XVIII веке осели в легендарной иудейской гавани – тосканском городке Ливорно. Город с уникальной историей, Ливорно был спроектирован Фердинандо Первым Медичи и архитектором Бернардо Буонталенти в качестве идеального города Ренессанса – оазиса полной религиозной и экономической свободы для представителей всех национальностей и вероисповеданий. Детство в Ливорно превратило Модильяни в полиглота, бегло говорившего на главных европейских языках, а еврейство стало его боевым знаменем. Незнакомым людям Амедео представлялся исключительно как «Модильяни, еврей», и эта «визитная карточка» была для художника типичным жестом театрального протеста: что такое антисемитизм, Модильяни узнал только по приезде в Париж.

Третим пунктом мировоззренческой программы Модильяни была страсть к проклятым поэтам и философам: Ахматова в красках описывала, как они, сидя на скамейке Люксембургского сада, держась за руки и перебивая друг друга, декламировали куски из Бодлера и Лотреамона. Амедео был одержимым ницшеанцем и по молодости агрессивно швырял в собеседников цитаты из «Заратустры» – его наставник в школе живописи Гульельмо Микели наградил Модильяни ироничным прозвищем Супермен, а уже парижские собутыльники прозвали живописца Моди (игра слов, от maudit – «проклятый»). Инакомыслие художника имело и более прозаические семейные корни – подобно Владимиру Ильичу, Модильяни хотел отомстить за старшего брата, проведшего полгода в тюрьме за анархистскую пропаганду.

Жанна Модильяни позирует на фоне портретов матери, Жанны Эбютерн, созданных отцом.

Именно таким ходячим взрывным – но еще вполне буржуазным – коктейлем 22‑летний Амедео появился в Париже. Шел год 1906-й – зенит блаженной довоенной эпохи спокойствия и процветания, оживающей на страницах мемуаров Ахматовой: «То, чем был тогда Париж, уже в начале 20-х годов называлось vieux Paris или Paris avant-guerre («старый Париж», «Париж до войны». – Прим. ред.). Еще во множестве процветали фиакры. У кучеров были свои кабачки, которые назывались Au rendez-vous des cochers, и еще живы были мои молодые современники, вскоре погибшие на Марне и под Верденом. Все левые художники, кроме Модильяни, были признаны. Пикассо был столь же знаменит, как сегодня, но тогда говорили «Пикассо и Брак». Ида Рубинштейн играла Шехерезаду, становились изящной традицией дягилевские Ballets Russes. Прокладка новых бульваров по живому телу Парижа (которую описал Золя) была еще не совсем закончена. Женщины с переменным успехом пытались носить то штаны (jupes-culottes), то почти пеленали ноги (jupes-entravées). Стихи были в полном запустении, и их покупали только из-за виньеток более или менее известных художников. Я уже тогда понимала, что парижская живопись съела французскую поэзию».

Забавно, что в свой первый парижский год Модильяни был типичным испуганным провинциалом, посланным небогатой – но и не без гроша – семьей строить свою судьбу в столицу. Он арендует недешевую студию, украшенную плисовой драпировкой и репродукциями ренессансных картин, и разгуливает по голодающему Монмартру в образе барского сынка в приличном костюме и шляпе. И даже сменив имидж на более богемный – вельветовые штаны, алый шарф и широкополую шляпу (Амедео будет верен этому ансамблю до конца жизни), Модильяни далеко не сразу вписался в местный авангардный пейзаж. Да что там: он вполне чопорно критиковал Пикассо за его пролетарский комбинезон – мол, разумеется, он гений, но нельзя же так опускаться!

Продолжалось это не свойственное Амедео умеренное существование ровно год – саморазрушительная реализация стиля Модильяни совсем скоро взяла свое. Для начала, к ужасу соседей, художник разгромил свою «буржуазную» студию – сорвал драпировки и репродукции и сжег все привезенные с собой картины. «Никудышное ребячество, – объявил Модильяни столпившимся у порога соседям и зевакам, – все это я нарисовал, когда еще был буржуа». Следующий шаг – добровольное погружение в омут порока. Модильяни принимается по примеру любимого Верлена упиваться абсентом, плотно садится на гашиш, крутит публичные романы с проститутками вроде легендарной «королевы Монпарнаса» Кики. Всеми этими подвигами цементируется репутация Модильяни – потерянного гения, и именно отсюда родом его неизбывная иконическая привлекательность в качестве трагической ролевой модели. Как писал безвестный отечественный стихоплет: «Шедевры свои Модильяни / Обычно рисует по пьяни, / Дождется момента, / Нажрется абсента / И пишет все рьяней и рьяней». Или вот ветеран советской экспортной богемы Илья Эренбург из цикла «Стихи о канунах» 1915 года: «Ты сидел на низенькой лестнице, / Модильяни, / Крики твои – буревестника, / Улыбки – обезьяньи. .. / О безумец без имени! / Ты кричал: «Я могу! Я могу!» / И четкие черные пинии / Вырастали в горящем мозгу. / Великая тварь – / Ты вышел, заплакал и лег под фонарь».

«Великая тварь» и впрямь бесчинствовал до «полной гибели всерьез»: вместе с другом-проказником Морисом Утрилло они бегают по кладбищам и пугают людей, устраивают погромы в кафе (хозяйке кафе «Белль Габриэль» однажды пришлось закрыть свое заведение из-за разрушений, учиненных парочкой живописцев). Моди приобретает вредную привычку раздеваться догола на людях. Под Рождество 1911 года, нарядившись Санта-Клаусом, живописец стоит у дверей кафе «Ротонда» и бесплатно раздает зеленые пастилки из гашиша. Не подозревающие о подвохе посетители глотают их. Начинается повальное сумасшествие: богема бьет керосиновые лампы, опрыскивает стены и потолки ромом. Модильяни, взгромоздившись на стойку бара, читает Данте. Наиболее проницательные сразу же различают художественную природу дебоширства Модильяни – Пикассо однажды сострил: «Достаточно странно увидеть Модильяни пьяным где-либо, а не на углу бульвара Монмартр и бульвара Распай».

Критик Андре Салмон считал, что уникальный стиль Модильяни – прямая производная его алкоголизма и наркомании; мол, трезвый Модильяни был посредственным художником и, только изменив сознание, мог высечь из него искры гениальности. Как бы то ни было, но живопись Модильяни была, безусловно, таким же протестным жестом, как и его публичная эксцентриада. Он ведь учился у импрессионистов, дружил в юности с футуристами и провел зрелые годы в окружении кубистов – и тем не менее за всю жизнь нарисовал, наверное, три пейзажа, отказался подписать манифест Маринетти и превратил свою живопись в традиционалистскую портретную галерею. Зато именно так он смог стать авангарднее авангарда – когда все рвались на улицы слушать флейты водосточных труб, он запирался в камере-обскуре своей студии и грезил средневековыми мадоннами с вытянутыми шеями и фигурками африканских богинь. Художественный взгляд Модильяни был по сути фотокамерой, откалиброванной с учетом всех современных ей измов – прежде всего кубизма, но глубоко опрокинутой в пространственное (африканская и азиатская скульптура) и временное (средневековая фигуративность) отстранение-удаление. Некоторые портреты Модильяни напоминают чахоточное горение мальчиков с пылающими глазами Эгона Шиле, некоторые – нагло карикатурны (портрет Диего Риверы), а его немногочисленные еврейские персонажи, кажется, вот-вот пробьют верхнюю раму, вырвутся на свободу и начнут порхать по витебскому небу Шагала. И тем не менее все они – чистый Модильяни, четкие отпечатки счастливо обретенного стиля.

Найдя себя через стиль, Модильяни остался верен ему во всем. Переключившись на женские ню, он и в этом очевидном жанре шел против популярного вкуса и абсолютно игнорировал его эротический подтекст. В 1919 году Моди встречался с престарелым Ренуаром, и мэтр решил, что начинающий художник просит у него совета, как рисовать обнаженное женское тело: «Когда вы пишете обнаженную женщину, вы должны как бы ласкать кисточкой ее обольстительный зад… Нежно-нежно водить кисточкой по холсту, как будто лаская». «Я не собираюсь гладить кисточкой женские задницы. Меня вообще не интересуют зады!» – яростно завопил Модильяни и хлопнул дверью. Его мировоззренческое кредо не претерпело никаких изменений: в Париже он в основном общался с выходцами из интернациональной еврейской диаспоры (литовский еврей Жак Липшиц, болгарский Жюль Паскен, белорусские Хаим Сутин и Осип Цадкин, украинская Хана Орлова, польский Мойше Кислинг) – такими же вырванными из родных местечек богемными сорняками, как и он сам. Он и в смерти остался верен своему парадоксальному «я» – последними словами он попрощался не с любимой Жанной, не с Парижем и не с друзьями. «Cara Italia», – прошептал Модильяни перед смертью.

Часто проверяете почту? Пусть там будет что-то интересное от нас.

25 различных техник и стилей рисования

Виды картин

Типы картин: Живопись — это искусство разбрызгивания цветов с помощью кистей определенным образом для создания искусства. Рисовать можно практически на любой поверхности, и они могут быть цифровыми (на компьютере) или ручными с использованием красок и кистей. Существуют различные виды материалов для рисования, такие как песок, бумага, глина и многие другие. Живопись — это творчество, поэтому художники не ограничиваются только ограниченными средами и материалами, это постоянно развивающийся процесс.Существует типов живописи стилей, но современный стиль живописи является наиболее востребованной техникой, он позволяет художнику воплощать свои идеи на холсте, сочетая модернизм, абстрактные и сюрреалистические приемы. Существуют разные стили живописи, такие как абстрактное искусство, концептуальное искусство, гиперреализм, поп-арт, футуризм, импрессионизм и так далее. Как художники, вы можете сосредоточиться на отдельных стилях или их комбинации.

  • Картина маслом
  • Акварельная живопись
  • Картина пастелью
  • Акриловая картина
  • Цифровая живопись
  • Тушь для рисования или литературная живопись — китайские черные туши
  • Роспись горячим воском или Энкаустика
  • Окраска распылением
  • Картины Fresco secco — техника росписи стен
  • Гуашь, акварель, непрозрачная, средний
  • Эмалевые картины
  • Картины темперой (очень долговечные)
  • Песочная живопись. . и т. д.

1. Масляная живопись

Картина маслом может оказаться сложной задачей для новичков. Картина маслом подходит практически ко всем стилям. Вы можете работать с гладкой текстурой краски, которая имеет чудесный аромат. В масляной краске используется немного олифы в качестве связующего для пигментов, что придает краске чудесный маслянистый вид. Наиболее распространенными олифами, используемыми в качестве связующего, являются масло грецкого ореха, льняное масло, маковое масло и многие другие. Впервые масляная живопись была использована индийскими и китайскими художниками в 5 веке, но стала популярной только в 15 веке.
35 самых красивых картин маслом от ведущих художников мира

2. Акварельная живопись

Акварельная живопись обычно выполняется на бумаге. В этом конкретном типе живописи для смешивания цветов используются растворы на водной основе, отсюда и название «акварельная живопись». По сравнению с масляной живописью, рисование акварелью также является сложной задачей. В настоящее время у вас есть много художников, которые пробуют реалистично выглядящие портреты с использованием акварели. При этом очень важно смешение цветов, так как слишком много чего-либо меняет оттенок цветов.
30 лучших акварельных картин от лучших художников со всего мира

3. Пастель

Пастельные палочки обычно используются для создания пастельных картин. Используя пастельные карандаши, вы можете сразу начать рисовать и раскрашивать, они используют те же связующие пигменты, за исключением того, что пастельные стержни представляют собой порошковую форму, которые связаны вместе с помощью связующего вещества, и они уже готовы. Если вы ищете чистые и глубокие цвета, то настоятельно рекомендуется использовать пастельные карандаши.Картины пастелью можно рисовать на холсте, поэтому можно делать красивое наслоение цветов пастелью.
25 красивых и реалистичных картин пастелью Рубена Беллозо

4. Акриловая краска

Если вы хотите, чтобы картина высыхала быстрее, тогда лучше всего подойдет акриловая краска. Это водорастворимые краски, но по завершении окраски они становятся водостойкими. Интересный факт, не правда ли? Большинство любителей любят работать с акриловыми красками. Для скульптур, лепки, черт лица многие художники используют роспись акрилом.Кисти легче чистить после нанесения, так как акриловым краскам достаточно воды, чтобы смыть их.
30 гиперреалистичных акриловых картин от JasondeGraaf — Стекло и отражение

5. Цифровая живопись

Цифровая живопись — это искусство создания произведений искусства на компьютере, которые делают их похожими на акварельную картину, картину маслом или даже картину акрилом. Цифровая картина маслом и картина маслом, выполненная вручную, будут иметь множество различий, поскольку у вас есть доступ ко множеству других текстур и инструментов, которые легко доступны в системе.Да, вам не нужно беспокоиться о том, что краска может пролиться долгие часы. Вы можете заниматься тем же искусством в непринужденной обстановке, не выходя из дома.
25 умопомрачительных цифровых картин и иллюстраций Сержа Биро

6. Песок

Рисование на песке может быть довольно грязным, и это временное искусство. Картина из песка может быть снята на видео с помощью скоростного движения, чтобы понять, как художник работает над ними. Обычно это делается с минимальным освещением, но есть фокусный свет под столом, где создается песочная картина.Картина из песка создается с помощью цветного песка, который перемещается по неподвижной поверхности руками. Он практикуется во многих странах и известен под несколькими названиями, в Индии он известен как колам или ранголи.
20 отмеченных наградами произведений искусства из песка и примеров анимации из песка

7. Рисование текстуры — Текстура для рисования

Мы все любим видеть мазки кисти на картине, это дает драматический финальный эффект. Текстурные картины в основном используются масляными красками, так как при работе с акриловыми красками их эффекты теряются при высыхании акриловых красок.Но масляные краски, как правило, дороги, поэтому в качестве замены можно использовать акриловую пасту, которая прекрасно работает с текстурами. Помимо обычных кистей для рисования, для создания текстурных картин используются плоские ножи, тупые предметы.
25 красивых современных текстурированных картин ножа палатте

8. Матовая окраска

Красивые пейзажи обычно создаются с помощью матовых картин. Матовые картины широко используются в индустрии кино и видеоигр. В киноиндустрии большие декорации создаются после завершения матовой окраски локаций.Иногда создание таких сред, как сказка или научная фантастика, обходится очень дорого, в таких случаях матовые картины используются в качестве фонового экрана и объединяются с другими кадрами.
25 умопомрачительных матовых картин для вашего вдохновения

9. Окраска распылением

Краска обычно наносится из пульверизатора для достижения желаемых результатов. В основном аэрозольные краски используются на улицах (уличное искусство), граффити, холсте, дереве, металле, стекле, керамике и многом другом. Если для большой площади холста требуется такой же пигмент, используется техника окраски распылением, чтобы покрыть эти области для более быстрой явки.
Картина «Скорость распыления» Бена Рабина

10. Искусство граффити

Граффити в основном делают на общественных зданиях с разрешениями или без них. Граффити не предназначено для понимания широкой публикой, это стиль письма или рисования / каракулей, который не имеет абсолютного значения. Первый художник-граффити был учеником средней школы в 1967 году, который писал на стенах, чтобы привлечь внимание своей возлюбленной. . Граффити стало полноценной известной техникой рисования в 1980 году, когда многие художники прибегали к публичным стенам, чтобы продемонстрировать свой талант.

11. Чернила для рисования. Живопись или Литературная живопись — китайские черные чернила.
Чернильная промывка. Живопись также известна как литературная живопись. Для создания этих произведений искусства использовались китайские черные туши. Китайские черные чернила довольно популярны в азиатской стране, поскольку в основном используются для каллиграфии. Различные оттенки черного создаются путем смешивания воды с черными чернилами для получения желаемой консистенции.

12. Картина горячим воском или Энкаустическая живопись
Картина горячим воском также известна как Энкаустическая живопись.В этой технике росписи используется пчелиный воск, который плавится и добавляется к цветным пигментам. В этой технике используются как холодный воск, так и горячий пчелиный воск. Энкаустические картины обычно создаются на деревянном холсте.

13. Картины Fresco secco — Техника настенной росписи
Картины Fresco secco обычно создаются на свежеприготовленной известковой штукатурке. Цветные пигменты смешиваются с водным раствором и наносятся непосредственно на известковую штукатурку, создавая перманентную картину. Картины Fresco Secco существуют с эпохи Возрождения, их можно увидеть на стенах и потолках Ватикана.

14. Гуашь — непрозрачная акварель
Гуашь — это непрозрачная акварель, используемая с другими связующими для создания искусства. В акварельную смесь добавляют белый мел или белый цвет для достижения непрозрачности в технике Гуашь. Гуашь нельзя наносить непосредственно на холст, так как она плохо связывается, если вы хотите использовать ее на холсте, то акриловые пигменты необходимо смешать. Будьте осторожны, чтобы не разбавить акриловые краски, так как картины могут не иметь желаемого вида.

15. Картины темперой — Долговечная живопись
Картины темперой известны как искусство яичной темперы. Они быстро сохнут, а краска держится дольше, чем другие. Яичные желтки используются в качестве связующей среды с красками, и, поскольку они очень глютеновые, они быстрее сохнут. Это одна из старейших известных техник рисования. Вместо яиц иногда в качестве связующего вещества к смеси воды и красителей используют камедь, глицерин, казеин.

16. Эмалевые картины — Искусство с эмалевой краской
Эмалевые краски придают глянцевый или блестящий вид после полного высыхания.

17. Капельная живопись — Капли краски
Как следует из названия, краска капает на холст, чтобы создать капельницу.

18. Underpainting — Layer Painting
На холст добавляется базовая краска, и добавляются дополнительные слои цветов для создания красивых подмалевок.

19. Панельная живопись — Многокомпонентная живопись
Панельная живопись создается на нескольких деревянных панелях и соединяется вместе.

20. Бархатная живопись — Искусство на бархате
Бархатная роспись обычно создается на куске бархатной ткани.

21. Роспись листьев — Искусство на листьях
Роспись, созданная на листе или создающая формы листьев с помощью рисунков, известна как роспись листами.

22. Обратная окраска стекла — Роспись стекла
Обратная окраска стекла — это нанесение краски на стекло, и изображение становится видимым, когда вы смотрите через стекло.

23. Миниатюрная живопись — Маленькие картины
Миниатюрные картины — это небольшие картины ручной работы.

24. Живопись в движении — Быстрые, прямые мазки кисти
Живопись в движении — это быстрое, спонтанное рисование с прямыми мазками на холсте. Капельки краски создают красивый эффект.

25. Anamorphosis — Perspective Painting
Anamorphosis — перспективная живопись.

Существует множество различных типов стилей рисования, вы можете сосредоточиться на конкретном стиле или сделать их комбинацию. Самый востребованный стиль живописи у большинства художников — это западный стиль.

  • ЗАПАДНЫЙ СТИЛЬ
  • Модернизм
  • Кубизм
  • Сюрреализм
  • Экспрессионизм
  • Абстрактный стиль
  • Импрессионизм
  • Фигуративизм / Фигуративное искусство
  • Ар-деко — изобразительное искусство, архитектура и дизайн
  • Модерн — вдохновленный природой
  • ВОСТОЧНЫЙ СТИЛЬ
  • Китайские картины
  • Японские картины
  • Корейская живопись
  • картин Индии: Танджор, Моголы, Раджастхани и Паттачитра

Вы можете быть впечатлены определенной формой живописи или даже историей вокруг.В любом случае, живопись — это все о том, чтобы позволить вашему внутреннему творчеству на куске холста, который будет полностью освобождать. Также исследуйте
Абстрактное искусство, Пейзажная живопись, Натюрморт, Современное искусство, Концепт-арт, Фотореализм, Гиперреализм, Сюрреализм, Модернизм, Импрессионизм, Экспрессионизм, Раскрашенные картины, Фигурная живопись, Бодиарт, Настенная живопись, Уличное искусство, Китайская живопись, Японская живопись, корейская живопись, исламская живопись, индийская живопись, африканская живопись и ведута.

Какой у вас стиль рисования?

Как найти свой стиль рисования? какой у тебя стиль рисования? Есть ли способ убедиться, что он у вас есть?

Многие начинающие художники озабочены поиском собственного стиля. Они стремятся понять эту знаменитую концепцию и хотят, чтобы люди узнавали по ней их работы. Они просят совета у более опытных художников и задаются вопросом, как они вообще нашли свой стиль.

Итак, как вам найти свой стиль? Какой у тебя стиль рисования? Сможете ли вы его найти, или вам нужно
создать ? Стоит ли стремиться к ?

Ваш стиль

Когда люди говорят о стиле художника, они обычно имеют в виду особый стиль работы художника.Ваш стиль — это ваш голос, ваш язык, ваш диалект, ваш вкус, ваш почерк. И ни один конкретный способ рисования не совпадает с чьим-либо другим. Так что почти каждый стиль уникален и индивидуален. Однако многие способы рисования довольно близки друг к другу по подходу, окраске или технике, и поэтому мы часто видим стили, сгруппированные вместе, особенно в истории искусства.

Стоит ли мне попробовать найти свой стиль?

Нет. Я действительно считаю, что искать свой собственный стиль непродуктивно.Многие люди считают, что иметь стиль означает работать с определенными цветами, рисовать определенную тему или работать над определенным моментом между реализмом и абстракцией. Таким образом, поиск стиля — это не то, к чему следует стремиться. Это было бы надуманным, воспитанным и не воспринималось бы как подлинное.

Развивайся и развивайся

Для того, чтобы прийти к той стадии, когда другие могли бы описать твою работу своим личным художественным стилем, тебе нужно просто работать, развиваться и расти. Вы просто не можете знать, каким взрослым художником вы станете, когда вы только начали делать маленькие шаги в мир живописи.

Начинающие художники часто экспериментируют и исследуют темы, материалы, цвета и техники (как и многие продвинутые художники). Это отличная вещь. Это поможет вам найти свои любимые способы — свой голос и, конечно же, свой стиль. Так что, если вы хотите иметь стиль (даже если вы не можете знать, каким он будет), я думаю, мы должны просто продолжать рисовать и открывать для себя новые пути и новые идеи.

Тысячи часов живописи спустя…

Со временем — много времени на рисование — появятся ваши любимые способы, техники, цвета и кисти.Вы будете использовать эти способы все больше и больше и совершенствовать их по-своему. На это нужно время. И эти способы, приемы и материалы будут видны некоторым знающим глазам. Они могут узнать ваш голос в вашей работе, независимо от того, написали ли вы цветочный натюрморт или морской пейзаж, независимо от того, меняете ли вы материалы или нет.

Так что, возможно, однажды вы найдете свой стиль, но вы никогда не сможете узнать его и стремиться к нему, пока не найдете его.

Ваш собственный визуальный язык

Даже если вы продолжаете экспериментировать как опытный художник и, возможно, со временем развили свой собственный визуальный язык, новое средство или инструмент на самом деле не сдвинет этот уникальный язык с его оси, а просто настроит его направление.

Стили никогда не ограничиваются предметом, средой или инструментами. Ваш стиль — это ваш язык — он может говорить на все темы. Вы можете поиграть со своим языком и попробовать новые способы его использования, новые формы для его использования и посмотреть, к чему он приведет. Ваш стиль — это просто вы. И вы (будем надеяться) со временем изменитесь, будете расти и развиваться. Ваш стиль тоже подойдет.

Ваш стиль рисования настолько неразрывно связан с вами, что у вас нет возможности искать его или стремиться к нему, когда вы начинаете рисовать.

Если вы хотите прославиться своими темными монохромными пейзажами и хотите, чтобы это было вашим узнаваемым стилем, вы бы безмерно ограничили себя. Что, если вам когда-нибудь захочется создать смелые цветочные работы? Не могли бы вы себе позволить, что это не в вашем стиле? Вы никогда не сможете стремиться к своему стилю, пока не узнаете, что это такое.

Не позволяйте недостатку навыков определять ваш стиль. Если вы не умеете хорошо рисовать лица, не позволяйте кривым лицам быть вашим фирменным стилем, а просто восполните пробелы в своих техниках с помощью опыта и обучения.

Следуй своей кишке

Не ищи свой стиль. Просто следуйте своему сердцу, своей интуиции, своему вдохновению или как вы хотите это называть. Попробуйте новые вещи, которые вас интересуют, скажите то, что вы хотите сказать в своей работе, и станьте лучше. Кого вообще волнует стиль? Вы — уникальный голос, который связывает воедино всю вашу работу и ваше путешествие.

Если другие не могут найти связующий ингредиент во всей вашей работе и говорят, что нет определенного стиля, что тогда? Ответ — не ограничиваться рисованием морских пейзажей, чтобы удовлетворить их критику.Мы должны быть осторожны, чтобы наш «стиль» не стал для нас синонимом, повторяющим одно и то же снова и снова. Ответ — продолжать делать то, что вы хотите.

Наличие стиля не означает, что вы рисуете одни и те же темы или в одной цветовой палитре. Стиль намного шире и масштабнее, и это не то, к чему мы, как художники, должны стремиться. Он развивается и растет вместе с нами, и нам не нужно его планировать или составлять на карту.

Ваш стиль — это вы

Итак, вы просто не можете искать свой личный художественный стиль, кроме как экспериментируя, развивая и просто проживая свою жизнь.Ваши любимые способы и средства художественного самовыражения будут расти и развиваться вместе с вами. Он изменится и уйдет, это ваш дом, а потом вы переедете. Ваш стиль — это вы. Вы никогда не останетесь прежними. Ваша задача состоит в том, чтобы найти способ наилучшим образом выразить себя, и как только вы освоитесь определенным образом, другие могут называть это «вашим стилем». Но затем вы двигаетесь…

Игнорировать стиль

Так что игнорируйте идею стиля. Особенно если вы начинающий художник.Стиль — это не то, к чему следует стремиться. Работайте над своими техническими навыками, выясните, что вам нравится делать, что у вас хорошо получается, что находит отклик у людей и над чем вы хотите работать дальше. Это то, что заставит вас двигаться дальше в своем искусстве. Мысль о поиске собственного стиля вас только ограничит.

Оставьте концептуальный стиль искусствоведам и искусствоведам. Оставьте свой стиль галеристу, который напишет о нем в вашем первом каталоге. Но оставьте это в студии и продолжайте рисовать.

рекомендуемых книг (партнерские ссылки):

Подробнее …

7 инновационных методов рисования, не требующих кисти

Фото: Unsplash

На протяжении всей истории многие художники-новаторы находили новаторские способы создания картин, часто отказываясь от традиционного метода рисования кистью на холсте. Одним из первых был мексиканский художник-монументалист Дэвид Альфаро Сикейрос, который публично избегал кисти, называя ее «орудием из волос и дерева в век стали».«Стремясь еще больше расширить границы техники рисования, художник основал радикальную Экспериментальную мастерскую в Нью-Йорке в 1936 году. Здесь собрались некоторые из самых знаменитых имен в истории искусства, чтобы налить, соскоблить и разбрызгать пигменты по холсту. .

От новаторских стилей рисования абстрактных экспрессионистов до современных художников, расширяющих границы, — экспериментирование является ключом к созданию великих произведений искусства. Если вы хотите запачкать руки рисованием пальцами или познакомиться с новыми инструментами и стилями, вот 7 творческих техник рисования, для которых не нужна кисть.

Брызги и капли

Джексон Поллок, пожалуй, самый известный художник, разбрасывающий пигменты на холсты путем случайных движений. Его культовая техника заключалась в том, чтобы класть холсты на пол, а затем разбрызгивать, капать и разбрызгивать на них промышленную краску с помощью палок, кухонных инструментов и даже голых рук. Отвергая традиционные методы живописи, экстрактные экспрессионистские работы Поллока, как считается, визуализируют энергетическую сущность самой жизни.

Однако задолго до того, как Поллок продемонстрировал свои взрывные композиции в середине 1940-х годов, японские дзен-буддийские художники в 15 веке экспериментировали с брызгами чернил. И сегодня многие художники продолжают экспериментировать с версиями этой техники, демонстрируя картины произвольной формы как вневременной стиль.

Узнайте, как современная художница по капельнице Эми Шеклтон использует силу гравитации.

Вытягивание и очистка

Фото: Кадр из «Живописи Герхарда Рихтера» (2011)

Техника вытягивания и соскабливания в основном ассоциируется с голландским абстрактным экспрессионистом Виллемом де Кунингом, который вытягивал краску мастихином, и современным немецким художником Герхардом Рихтером, который часто использовал ракель.Подобно разбрызгиванию и капанию, идея состоит в том, чтобы позволить среде определять результат работы. «С кистью у вас есть контроль», — однажды объяснил Рихтер. «Краска ложится на кисть, и вы оставляете отметку… С ракелем вы теряете контроль».

В документальном фильме Коринны Белц « Gerhard Richter Painting » (2011) режиссер три года провел в студии Рихтера, запечатлевая художника, растягивающего краску на своих больших холстах. Рихтер тащит, царапает и размазывает слои влажной краски, оставляя следы своих движений по поверхности.

Наблюдайте за работой мастера.

Заливка

Фото: кадр из «Живописи Холтона Роуэра»

Как следует из названия, техника заливки включает в себя проливание краски разных цветов непосредственно на холст друг на друга для создания неожиданных, завихренных узоров. Происхождение экспериментального процесса началось с мексиканского абстрактного экспрессиониста и основателя экспериментальной мастерской Дэвида Альфаро Сикейроса в 1930-х годах.Называя свои работы «случайными картинами», художник влюбился в процесс заливки жидкими пигментами деревянных панелей и наблюдения за тем, как цвета растекаются и размываются друг в друге.

Работа

Сикейроса вдохновляла таких художников, как Моррис Луи, Хелен Франкенталер, а позже и современных художников, таких как Холтон Роуэр, который использует эту технику для создания плавных абстрактных картин и композиций, восхваляющих чистый цвет.

Посмотрите, как художник Холтон Роуэр создает свои уникальные плавные картины.

Рисование пальцем

Рисование пальцами предназначено не только для детей — современный художник-импрессионист Айрис Скотт показывает, что эта классическая форма медитативной «игры» действительно может дать невероятные результаты. Используя свою руку вместо кисти, Скотт создает яркие, крупномасштабные портреты животных и многое другое, полные потрясающих деталей и текстуры.

Хотя подход художника кажется свободным, каждое полотно всегда тщательно продумано.«Зарисовки и фотография очень важны, — говорит Скотт. «Иногда вдохновением служит фотография, а иногда я просто начинаю делать наброски и разрабатывать композицию».

Посмотрите на Айрис Скотт в действии.

Эбру Живопись

Пример техники Эбру Джи-Элле. (Фото: Wikimedia Commons [CC BY-SA 3.0])

Особенно популярные в Турции и Центральной Азии картины Эбру (также известные как бумажная мраморность) создаются с использованием красителей, раствора на водной основе и уникального набора инструментов.Цветные красители добавляются на жидкую поверхность до того, как художник использует заостренный инструмент, называемый шилом или гребнем, чтобы манипулировать жидкими оттенками, создавая закрученные узоры и узоры. Затем сверху аккуратно кладется лист бумаги для переноса изображения.

Путешественники средневековой эпохи привезли технику Эбру из Турции в Европу, а позже она стала ассоциироваться с искусством переплетного дела — сегодня вы можете даже найти старые мраморные обложки для книг в старых книжных магазинах и на блошиных рынках. Хотя эбру — древняя техника, многие современные художники продолжают создавать завораживающие узоры, используя тот же подход.

Узнайте, как рисовать на воде.

Аэрография
Аэрограф

был первоначально разработан в 1800-х годах для использования в качестве инструмента ретуши фотографий, но сегодня многие художники выбирают технику тонкой окраски распылением, чтобы добиться плавных, фотореалистичных градаций. Такие художники, как Чак Клоуз, используют промышленный инструмент для создания картин, которые совсем не похожи на картины. Чтобы добиться фотографической отделки в своей работе Mark (1978-9), он распылял светлые слои четырех основных цветов, используемых в цифровой печати: голубого, пурпурного, желтого и черного (CYMK), в результате чего получались невероятно гиперреалистичные портреты. .В интервью Artforum в 1970 году он сказал: «Чтобы избежать живописного мазка и поверхности, я использую довольно хитрые средства, такие как бритвенные лезвия, электродрели и аэрографы».

Сегодня многие современные художники используют аэрограф для создания столь же гиперреалистичных творений.

Художник Рафа Фонсека использует аэрограф для своего портрета вымышленного персонажа Харли Куинн.

Цифровая живопись

С развитием цифровых технологий и быстрым совершенствованием компьютерного программного обеспечения художники теперь могут отказаться от традиционного холста в пользу экрана компьютера.Доступны различные учебные ресурсы и цифровые инструменты, которые позволяют технически подкованным творческим людям создавать живописные эффекты с помощью настраиваемых кистей и виртуальных палитр.

Хотя цифровая живопись не для всех, даже традиционные художники переняли новую среду. Известный британский художник Дэвид Хокни, например, недавно создал серию ярких пейзажей, «нарисованных» на улице или на пленэре с помощью iPad, стилуса и приложения «Кисти». «Люди из деревни подходят ко мне и дразнят меня:« Мы слышали, что вы начали рисовать на своем телефоне », — написал Хокни в каталоге Музея де Янга.«И я говорю им:« Ну, на самом деле нет, просто иногда я говорю в своем блокноте »».

Изучите несколько основных советов о том, как создать свою собственную цифровую картину.

Бонус: бокс

Статьи по теме:

Потрясающие картины Холтона Роуэра

9 художников-абстракционистов, изменивших наш взгляд на живопись

На персональном шоу Ирис Скотт представлены новые картины пальцев «Космический пэчворк»

Невероятный портрет живописи Чака Клоуса

Эволюция гиперреализма: от религиозных картин к имитации реальности

Painting Style — беспокоитесь о том, есть ли у вас свой собственный? Прочтите мои советы.

Научиться развивать свой стиль рисования — это не то же самое, что научиться рисовать или рисовать технически.

Часто ко мне обращаются с вопросом — «Как создать свой собственный стиль?» От студентов или других вдохновленных художников, которые, казалось, застряли в своем творческом пути. Я всегда отвечаю так: ваш стиль будет естественным и легким, но только тогда, когда вы не будете его настаивать.

Вдохновение стилями рисования других художников


Я большой сторонник копирования работ других художников.Вы можете многому научиться из этого процесса — выбору цвета и композиции, а также улучшить свои навыки рисования.

Не волнуйтесь — вы не собираетесь долго оставаться в ловушке стиля этого художника. Вы всегда можете перенести в свое видение то, чему научились у других художников. Он становится частью вас.

Итак, я считаю, что не существует художника-самоучки. На нас всегда влияет то, что нас окружает, и мы учимся у других художников, даже если мы не ходим в художественную школу для «формального» образования.

Я сравниваю процесс развития вашего «стиля» с обучением ходить или танцевать. Сначала вы изучаете механику движения, а затем ваша личность и уникальное тело вступают во владение. В конце концов, вы идете в своей особой форме.

Вместо того, чтобы сознательно относиться к своему уникальному стилю, сосредоточьтесь на закреплении своих основных навыков, пока вы не овладеете ими. Скорее всего, это будет процесс на всю жизнь, если вы мотивированы и усердно работаете. Хорошая новость в том, что ваши усилия по улучшению будут вознаграждены.Когда вы чувствуете себя комфортно и до некоторой степени уверены в своих технических навыках, выберите

  • палитра цветов
  • состав
  • предмет
  • причина, по которой вы рисуете так, как красите



Цветовая палитра

Выбор цвета многое говорит о ваших предпочтениях и вашей личности. Вы можете выбрать как приглушенную, так и яркую цветовую гамму.

Я начинал как классический реалист, тренирующийся в затемненной комнате с тусклым северным светом.Сама палитра состояла всего из нескольких оттенков земли и белого. Единственным ярким цветом был синий. Теперь мне нравится яркая и красочная палитра, которую я выбираю для своих картин. Это соответствует моей личности и помогает мне лучше выражать свои идеи в искусстве. Я замечаю, что чувствую себя более счастливым и менее капризным, когда рисую яркой цветовой палитрой.

Тема сообщения

Ваш выбор темы также во многом определяет ваш стиль рисования. Если вы рисуете животных, опыт и уверенность позволяют вам развивать стиль рисования с вашими животными.

По этой причине имеет смысл, что как только вы почувствуете уверенность в своих навыках рисования, создание группы работ с той же тематикой порождает ваш творческий стиль.

Состав

Композиция не ограничивается рамкой предмета перед вами, но также определяет элемент дизайна. То, как вы совмещаете элементы на двухмерной поверхности, может сломать или создать хорошую картину. Для меня это самое главное, на что нужно обращать внимание, когда вы разрабатываете свой собственный стиль.Это то, как вы видите предмет; на виду или в воображении.

Недостаточно нарисовать то, что перед вами. Хорошая композиция — это то, как вы, как «визуальный редактор», объединяете все элементы вместе, чтобы передать свое сообщение.

К счастью, вы легко научитесь правилам и принципам композиции.

Проверьте их и сломайте, если нужно. Но сильное чувство композиции создаст ваш стиль.

Ваше собственное вдохновение


Когда вы создаете произведение искусства, избегайте собственных мотивов.Кто ты в конце концов? Ваша личность и видение приводят картину туда, где она заканчивается. Так что, если вы радуетесь, это видно. Если вы грустите, это видно. Если вы полны энтузиазма и страсти, это видно. Знайте, кто вы, и перенесите это на свой холст.

На мой взгляд, вы, вероятно, будете стремиться к подлинному стилю рисования, если сможете узнать себя. И твое путешествие по живописи продлится долго.

Иногда полезно полностью изменить свой стиль, просто чтобы оторваться от творческого перерыва.Если ваше сердце так чувствует, сделайте это. Только не пытайтесь имитировать стиль, потому что он модный или модный; это не будет резонировать с вами. Если ты сможешь оставаться верным себе, двери откроются! Так что удачи в поисках своего стиля.

Хотите знать, как добиться успеха в искусстве И бизнесе?
Это новое 3-часовое видео с 94-страничным учебным пособием
наполнено мощными практическими приемами и бесценными инсайдерскими знаниями, которые помогут вам на вашем пути.
Нажмите здесь, чтобы узнать больше.


Покинуть Стиль рисования и вернуться на домашнюю страницу

Изучите рисунок и живопись > Стили рисования

Создание уникального стиля рисования

Вопрос: Как создать уникальный стиль рисования?

Я рисую около года и еще не нашел свой особый стиль. Будет ли это рисунок, акрил, масло, люди, здания, животные, пейзажи, картины по фотографиям или множество других предметов, которые я старательно записал? Я пробовал себя в лучшем случае, кроме портретов.Я просто запутываюсь и делаю очень мало », — Серефоса

Ответ:

Я очень верю в то, что нужно попробовать все, потому что иногда в конечном итоге вы любите именно то, что, как вы думаете, вам не понравится. Год — это не так уж и много с точки зрения развития стиля, и время, потраченное на изучение различных сред и предметов.

Первое, что нужно помнить о стиле и выборе фокусировки на конкретном предмете, — это то, что это не обязательно на всю жизнь; вы можете изменить его и, скорее всего, обнаружите, что он эволюционирует.Кроме того, вам не обязательно выбирать только одну тематику или стиль; вы можете работать с двумя или тремя, переключаясь между ними.

В качестве примера художника, работающего в разных стилях, взгляните на современного художника, картины которого мне нравятся: Питера Фароа. Он занимается дикой природой, людьми и абстракциями. Есть определенное сходство стиля между его картинами дикой природы и людьми, но с его рефератами о единственном совпадении стилей является выбор цвета. Если бы вы когда-нибудь встретили только его отрывки, вы бы не поверили, что он мог или хотел бы делать картины дикой природы.

Затем подумайте, почему галереи хотят, чтобы у художника был узнаваемый стиль. Это та «вещь», которая позволяет человеку взглянуть на картину и сказать: «Это картина Жозефины Блогг». Это делает работы художника коллекционными; это показывает, что вы можете работать в соответствии со стандартами, поэтому в них стоит инвестировать.

Прочтите эту статью: «Как создать объем работ», в которой излагается один способ работы для развития вашего стиля и создания объема работ, пока вы это делаете.Даже если вы не уверены в том, какой предмет или средство вы хотите использовать, выберите один и поработайте с ним некоторое время таким образом, это будет хорошей кривой обучения.

Также помните, что нет правила, запрещающего совмещать рисование и рисунок в одной работе, даже несмотря на то, что многие учителя рисования будут рекомендовать вам рисовать только тоном, избегая линий. Например, взгляните на (не скульптурные) работы Джакометти: Сидящий мужчина, Жан Жене, Кэролайн и Диего.

Стиль и техника Винсента Ван Гога

Ранние годы:
Ван Гог, в основном самоучка, начал свою карьеру с копирования гравюр и чтения руководств и книг по рисованию девятнадцатого века.Его техника выросла из идеи, что, чтобы стать великим художником, нужно сначала научиться рисовать. Ван Гог считал необходимым овладеть черным и белым, прежде чем работать с цветом, и поэтому сосредоточился на изучении основ рисования фигур и изображения пейзажей в правильной перспективе.

Только когда он был удовлетворен своей техникой рисования, он начал добавлять цвета, и его смелая палитра стала одной из самых узнаваемых черт его более поздних работ.

Ван Гог сделал в общей сложности более 1000 рисунков и считал рисование основной задачей, позволяющей ему художественно расти и изучать форму и движение.Рисование было также средством излечения его депрессии.

Рисунки Ван Гога особенные тем, что им можно любоваться, изображая фигуры, свет и пейзаж, без потребности в цвете. Художник рисовал карандашом, черным мелом, красным мелом, синим мелом, тростниковым пером и углем, хотя при рисовании он часто смешивал разные средства. Он рисовал на бумаге самых разных типов и использовал любой доступный ему материал.

Рисование позволяло Ван Гогу улавливать свет и образы быстрее, чем с помощью живописи, и часто он делал набросок своего видения картины перед тем, как приступить к самой картине.

Помимо рисования, Ван Гог за свою жизнь написал около 150 акварельных картин. Хотя в них не было его уникальных текстур мазков кисти, акварели, несомненно, принадлежат Ван Гогу из-за их смелых ярких цветов. Первоначально Ван Гог использовал акварель, чтобы добавить оттенков к своим рисункам, но чем больше он их использовал, тем больше эти работы становились произведениями искусства сами по себе.

В 1882 году Ван Гог начал экспериментировать с литографией и создал серию из десяти графических работ: девять литографий и один офорт.«Едоки картофеля» предназначались для рынка, и он сделал литографию произведения, чтобы оно достигло более широкой аудитории и в попытке заработать немного денег.

Средние годы:
Многие люди считают письма Ван Гога еще одной формой искусства, потому что они включают эскизы работ, на которых он сосредоточился в то время или только что закончил. Эти зарисовки свидетельствуют о росте Ван Гога и показывают развитие его шедевров.

В начале своей карьеры Ван Гог рисовал темными и меланхоличными цветами, которые подходили его персонажам того времени, а именно шахтерам и крестьянам.Однако его стиль сильно изменился, когда он переехал в Париж в 1886 году, и на него большое влияние оказали работы импрессионистов и неоимпрессионистов.

Он начал использовать более светлую палитру красного, желтого, оранжевого, зеленого и синего цветов и экспериментировал со сломанными мазками кисти импрессионистов. Ван Гог также попытался применить пуантилистскую технику неоимпрессионистов, при которой контрастирующие точки чистого цвета оптически смешиваются с результирующим цветом зрителем. Подобные эксперименты были очевидны в «Автопортрете с соломенной шляпой» 1885 года.

Ван Гог также находился под сильным влиянием японской гравюры, и он рисовал темные контуры вокруг объектов, заполняя их областями плотного цвета. Его выбор цветов варьировался в зависимости от его настроения, и иногда он сознательно ограничивал свою палитру, например, с «Подсолнухами», которая почти полностью состоит из желтых цветов.

Продвинутые годы:
Винсент Ван Гог написал более 30 автопортретов в период с 1886 по 1889 год, отражая его постоянное стремление к дополнительным цветовым контрастам и более смелой композиции.Его коллекция автопортретов делает его одним из самых продуктивных автопортретистов всех времен. Ван Гог использовал портретную живопись как метод самоанализа, метод зарабатывания денег и метод развития своих художественных навыков.

В 1888 году Ван Гог переехал из Парижа в Арль и некоторое время жил с Гогеном. Гоген купил кипу джута, и оба художника использовали его для своих холстов, заставляя их наносить краску густо и использовать более тяжелые мазки.

Ван Гог начал подражать технике живописи Гогена по памяти в это время, в результате его картины стали более привлекательными и менее реалистичными.Новый стиль Ван Гога заключался в том, что он эмоционально реагировал на предметы через использование цвета и кисти. Он сознательно использовал цвета, чтобы передать настроение, а не реалистично. Ни один другой художник в то время этого не делал. Ван Гог сказал: «Вместо того, чтобы пытаться точно воспроизвести то, что я вижу перед собой, я более произвольно использую цвет, чтобы выразить себя более убедительно».

Вдохновленный светлыми и яркими красками провансальской весны, Ван Гог менее чем за четыре недели создал 14 картин фруктовых садов, работая на открытом воздухе и изменяя свой стиль и технику.Композиция «Цветущий сад» свидетельствует о влиянии японских гравюр, а такие произведения, как олеандры и туфли, перекликаются с личными образами художника.

Ослабьте свой стиль рисования — 20 верных способов — изобразительное искусство Дэвида М. Кесслера

Когда я преподаю классы и семинары, никто никогда не говорит: «Покажи мне, как быть строгим художником». Каждый хочет знать, как раскрепоститься и раскрасить в свежем, красочном стиле. Свободное рисование — мой естественный подход, однако есть много элементов свободной техники, которым можно научить.За годы работы художником я разработал серию заметок и наблюдений о том, что нужно, чтобы «расслабить» ваши картины. Практически все эти советы имеют общий знаменатель — упрощение. Чем больше вы упрощаете то, что делаете, тем больше освобождает ваш разум, чтобы сосредоточиться на том, чтобы оставаться свободным. Это очень простые техники, которые под силу каждому, так что читайте и наслаждайтесь!

1. Свободная живопись — это состояние души. Перед тем, как начать рисовать, вы должны сознательно подумать о том, чтобы расслабиться.Скажите себе, что на этот раз вы подойдете к предмету с опрометчивой энергией. Важно быть позитивным. Скажите себе, что вот-вот произойдет что-то чудесное и волшебное — и пусть это произойдет!

2. Готовность к краске. Вставайте рисовать, если можете. Стояние удерживает вас на расстоянии вытянутой руки от окрашиваемой поверхности и заставляет вас двигать руками и плечами во время рисования, тем самым стимулируя процесс расслабления. Сделайте крупные, смелые мазки по бумаге или холсту и ощутите радость, которую это приносит.

3. Всегда рисуйте большими кистями. Это абсолютно необходимо. Разрыхлить гораздо легче, если вы используете большую кисть (2 дюйма или больше). Большая кисть заставляет вас сосредоточиться на рисовании больших фигур и не позволяет рисовать детали. Вы должны использовать большую кисть, пока картина не будет почти завершена. На этом этапе ваши большие формы должны быть внутри, и вы должны быть готовы разместить любые более мелкие формы и каллиграфию, используя небольшую плоскую кисть, круглую кисть или кисть риггера.

4. Используйте много насыщенной сочной краски. Не экономьте на краске! Не бойтесь использовать много сочных, чудесных красок, когда рисуете. Не могу сказать, сколько учеников боятся выставить свою палитру. Вы не можете получить цвет на холсте, если он все еще находится в контейнере! Пропитайте большую кисть сочным пигментом и разбрызгайте им по поверхности. Вы будете поражены тем, как это автоматически освобождает ваш разум и упрощает ваш подход. Плюс, это просто приятно!

5.Держите кисть за кончик ручки. Не держите кисть как карандаш! Если вы держите его как карандаш, вы будете использовать его как карандаш. Держите кисть за самый кончик, чтобы у вас было меньше контроля — это верно, меньше контроля. Держа кисть таким образом, вы не рисуете мелкие формы и детали.

6. Забудьте о деталях. Будьте готовы забыть о деталях, чтобы сосредоточиться на более крупных частях картины. Как только большие детали будут на месте, детали позаботятся сами о себе.Не увлекайтесь рисованием травинок или листьев на деревьях. Несколько бодрых ярких цветов и яркая каллиграфия — все, что вам нужно, чтобы создать нужное количество деталей в картине.

7. Составьте с помощью больших фигур. Ваша композиция должна состоять из 5-7 больших и средних взаимосвязанных фигур, которые образуют строительные блоки вашей картины. Упрощение числа форм поможет вам создавать картины с большей ясностью и визуальным эффектом. Крупные формы также легко раскрашиваются большой кистью.

8. Ограничьте цветовую палитру. Подобно тому, как ограничение ваших ценностей и количества форм укрепит вашу картину и освободит ваш разум, так же будет и использование меньшего количества цветов. Чем меньше цветов, тем меньше цветовых решений нужно принимать при рисовании.

9. Вы не рисуете шедевр. Ничто так не мешает рисованию, как попытка нарисовать шедевр каждый раз, когда вы прикладываете кисть к бумаге или холсту. Некоторые из моих лучших работ были созданы, когда я просто экспериментировал.Живопись — это путешествие, чтобы быть любимым, а не собрание шедевров. Научитесь любить рисование за действие и процесс рисования, а не только за результат усилий. Если вы допустили большую ошибку, переверните бумагу и начните заново — это всего лишь бумага. Если это холст, закрасьте его левкасом и начните заново.

10. Знать основы дизайна. Знания об основах дизайна должны быть прочно закреплены в вашей голове, чтобы вам даже не приходилось думать о них. Если вы опытный художник, они — вторая натура.Многие из них можно назвать и использовать, но я упрощаю их до пяти, которые я считаю наиболее важными: форма, значение, цвет, края и центр интереса. Они являются общими для всех типов живописи, от реализма до абстракции, и обеспечивают основную структуру для вашей работы, которая освобождает ваш разум для размышлений о других вещах — например, о расслаблении!

11. Используйте выразительный цвет. Рисуя в процессе абстракции, вы не ограничены ни цветом предмета, ни описательным цветом.Вы можете использовать цвет для создания настроения или ощущения. Цвет переходит от описательного к эмоциональному и выразительному. Позвольте себе быть выразительным!

12. Будьте спонтанны и просто отпустите. Эй, у всех нас есть отвлекающие факторы, но мы не должны впускать их в голову, когда рисуем. Закройте дверь студии, прочистите голову, включите любимую музыку и позвольте себе полностью погрузиться в работу. Часто я танцую под музыку, пока рисую. Это помогает перенести меня в другое место, в место, где нет ничего, кроме меня, холста и краски.Это держит меня на свободе. Спонтанность исходит от сердца — она ​​настоящая, это вы, она проявится в вашей картине, в отличие от всех остальных. Позвольте себе быть спонтанным и используйте свою интуицию.

13. Быстрая покраска. Это не только помогает вам выполнять больше работы, но и помогает отключить аналитический ум, чтобы вы полагались на свою интуицию. Такой подход, конечно, требует большого доверия к себе и своим способностям как художника. Научитесь доверять своим инстинктам. Когда вы дойдете до того, что думаете, что почти закончили работу над картиной, вы можете сесть и проанализировать картину, чтобы увидеть, нужно ли вносить изменения, прежде чем она будет полностью завершена — но не позволяйте этому случиться слишком рано в процессе.

14. Будьте бесстрашными — не бойтесь неудач. Если вы не терпите неудач, вы ничему не учитесь. Неудачи — это опыт обучения, не более того. На некоторых моих полотнах по 3 или 4 картины. Я прохожу через акры бумаги и холста; Я использую галлоны краски; Я иду вперед; Я не останавливаюсь; Я не боюсь.

15. Откажитесь от необходимости результатов. Этот момент идет рука об руку с бесстрашием. Вы не можете быть бесстрашным, если всегда рисуете ради результата. Вы должны быть ориентированы на процесс, а не на результат.Результаты приходят в процессе рисования, обучения и экспериментов. Получите удовольствие от рисования, и положительные результаты не заставят себя ждать.

16. Примите участие в экспериментах. Когда вы в последний раз рисовали то, чего никогда не делали раньше? Используйте другой подход, используйте разные цвета, по-другому наносите краску, используйте что-то помимо кисти или мастихина. Отпустить; будь другим; экспериментируйте!

17. Спросите себя, что, если? Рисуя, не бойтесь рисковать.Спросите себя: что произойдет, если я сделаю это? Что будет, если я это изменю? Что будет, если этот цвет был другим или в другом месте? Не думайте об этом, просто действуйте и двигайтесь вперед.

18. Принимайте то, что вам дает. Когда вы рисуете, иногда нужно быть готовым принять то, что дают вам краска и холст. Вы должны буквально плыть по течению. Иногда смеси, которых вы не хотели делать, или лишние капли или капли краски могут быть интересным дополнением к работе.Помните, что самая большая радость живописи — в ее непосредственности.

19. Сделайте лимонад. Если что-то не пойдет по плану, не беспокойтесь об этом. Возьмите другой лист бумаги, другой холст или левкас и продолжайте двигаться вперед. Это всего лишь краска и подложка. Возьмите то, что он дает, и поставьте перед собой задачу решить эту проблему или просто начните заново. Жизнь слишком коротка, чтобы беспокоиться о плохих картинах. Вместо этого будьте благодарны за то, что у вас есть талант и способность творить!

20.Раскрась для себя. Создание искусства — эгоистичное занятие. Это то, что вы делаете для себя, потому что вам это нравится. Это заставляет вас чувствовать себя живым. Вы выражаете свои чувства через искусство. Вам не нужно рисовать для похвалы, награды, похлопывания по спине или чего-то еще. Если вам повезло, что другим нравится ваша работа, то это лишь дополнительное преимущество!

Я очень надеюсь, что эти советы помогут вам расслабиться. Я использую их около 15 лет, и они необходимы для моего успеха как художника.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован.